Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.
Als das Cabaret Voltaire am 5. Februar 1916 als «Künstlerkneipe Voltaire» eröffnet wurde, kündigte das erste Programm auf einem von Marcel Słodki gestalteten Plakat zunächst «Musikrezitationen und Vorträge» an. Musik war zentral für die Dada-Impulse, die sich während der Soireen entwickelten: Zunächst im Cabaret Voltaire, dann an den verschiedenen Veranstaltungssorten der Bewegung in Zürich und später über nationale und europäische Grenzen hinaus. Dennoch wird die Musik weder in der Historiografie des Dada Zürich noch in den gängigen Auffassungen der Bewegung prominent erwähnt oder in ihrer vollen Komplexität kontextualisiert. Das Programm «Interlude» im Gewölbekeller findet von Februar bis April 2025 in zwei Akten statt und thematisiert das Erbe von Dada in Bezug auf Musik und Klang. Der Titel «Interlude» verweist auf die traditionelle Struktur von Musikkompositionen und auf das, was während des Intervalls zwischen den Teilen einer grösseren Komposition geschieht. Im Cabaret Voltaire aktiviert «Interlude» den Gewölbekeller zwischen den üblichen Ausstellungsprogrammen und lädt das Publikum zu einer anderen Art von immersivem und reflektierendem Erlebnis ein.
Der zweite Akt von «Interlude» (11.03.25–27.04.25) widmet sich der BaseCamp Library mit «Hold The Sound» – einer Installation, die das Publikum zum Lesen, Hören, Nachdenken und Diskutieren einlädt. Der Wunsch, die ephemere Natur des Klangs durch verbalen und visuellen Ausdruck einzufangen, ist der Ausgangspunkt von «Hold The Sound». BaseCamp ist eine Initiative des Filmfestivals Locarno – eine Werkstatt und Kunstresidenz, die den multidisziplinären Dialog über das zeitgenössische Kino fördert. Die Library ist ein neues Projekt von BaseCamp mit dem Vorhaben, ein lebendiges und sich entwickelndes Archiv aufzubauen. Es entstand aus einem Bedürfnis nach lebendigen und sozialen Räumen, welche zur Gemeinschaftsbildung beitragen. Mit einem modularen Display schafft die Library Räume, die sich von Ort zu Ort verändern und den freien Austausch von Ressourcen und Ideen ermöglichen, fernab von produktionsbedingten Zwängen. «Hold The Sound» ist eine kuratierte Auswahl aus über 150 Kunstbüchern, die Klänge halten, jedes auf seine Art und Weise. Von kritischen Theorien über Hörpraktiken bis hin zu Partituren wird das flüchtige Phänomen des Klangs durch einen medialen Transfer in Form von Publikationen übersetzt, archiviert und reflektiert. Die Werke regen zu einer intensiveren Auseinandersetzung mit Zuhören und Aufmerksamkeit an und versammeln vielfältige Positionen, die zum Nachdenken anregen und neue Zugänge zu auditiven Phänomenen bieten.
Als Kurator*innen von «BaseCamp Library – Hold The Sound» beobachten Justine Stella Knuchel und Jan Steinbach, dass heutige Klangumgebungen zunehmend von Algorithmen geprägt sind, die spürbare isolierende Effekte haben können. In diesem Zusammenhang erachten sie es als wichtig, neue Wege der Auseinandersetzung mit Klängen zu erforschen, Gewohnheiten zu hinterfragen und das Zuhören als aktive Praxis zurückzugewinnen. Der Titel des Projekts ist eine Anspielung auf den Klangkünstler Tony Conrad, der vor Jahrzehnten «Hold The Sound!» rief, als er sein Mikrofon an das Publikum weiterreichte – eine Aufforderung, sich tief auf die Hörerfahrung einzulassen, sie festzuhalten und voll und ganz anzuerkennen.
Das Display der BaseCamp Library wurde von dem De-signer Gabriel Hafner entworfen, unter ausschliesslicher Verwendung ausrangierter oder recycelter Materialien. Es bietet dem Publikum einen Raum, sich zu hinzusetzen und ihn in einer erweiterten Zeitlichkeit zu bewohnen. Zum ersten Mal seit ihrer Gründung wird die BaseCamp Library im Cabaret Voltaire in Begleitung einer Klanglandschaft präsentiert, die in Zusammenarbeit mit Beatrice Dinoia entwickelt wurde. Sie besteht aus drei Soundarbeitenvon C3, Furtherset und Surani, die ursprünglich live im Bibliotheksraum aufgeführt wurden, als dieser in Mailand in der Fabbrica del Vapore ausgestellt war. Ob Originalkreationen oder neu adaptierte Klangperformances – alle drei Arbeiten hinterfragen das Hören als vielschichtige Praxis. Sie verwischen die Grenzen zwischen natürlichen und technologischen, freiwilligen und unfreiwilligen, realen und imaginären Klängen, die alle gleichermassen die Grenzen der Wahrnehmung erweitern können. Die Aufnahmen werden in die Library abgespielt, um das Lesen und das Reflektieren des Publikums zu begleiten.
Das Taschenbuch Hold The Sound, das zur Einweihung der BaseCamp Library im Jahr 2024 herausgegeben wurde, kann in der Buchhandlung CVBOOKS im Eingangsbereich erworben werden. Das Buch versammelt Gedanken zum Thema Klang, die von 30 Künstler* innen und Forscher*innen ausgewählt wurden, und vereint eine Vielzahl von Stimmen, die Einblicke in Hörerfahrungen bieten und dem Flüchtigen des Klangs eine visuelle Form geben.
Emma Jung, Aquarell eines Kindes mit blauem Kleid, undatiert. © 2007 Stiftung der Werke von C.G. Jung, Zürich.
Rebecca Ackroyd, The World as I see it, 2025.
Diese aussergewöhnliche Ausstellung im Cabaret Voltaire bringt den bisher weitgehend unbekannten Kosmos von Emma Jung (1882–1955) in einen Dialog mit der zeitgenössischen Künstlerin Rebecca Ackroyd (*1987). Zum ersten Mal werden Emma Jungs Aufzeichnungen aus ihrer analytischen Praxis, einschliesslich Zeichnungen, Malereien, Gedichte und Notizen, der Öffentlichkeit präsentiert. Emma Jung, eine kompetente Analytikerin sowie enge Gesprächspartnerin und Kollaborateurin ihres Mannes C.G. Jung, prägte die Erforschung der menschlichen Psyche massgeblich mit – auch wenn sie im Hintergrund des berühmten Schweizer Psychiaters wirkte. Ihre Arbeiten widmen sich besonders dem Konzept der Individuation, damit gemeint ist der Prozess, in dem ein Mensch sich selbst als eigenständiges Individuum erkennt und entwickelt. Dabei spielen die Dynamik von Animus und Anima, die Symbolik der Gralslegende als Sinnbild für die innere spirituelle Reise und das Streben nach Ganzheit eine zentrale Rolle. In der Folge lösen sich Dualitäten wie Kultur und Natur, Gut und Böse oder Geschlechtsidentitäten auf.
In Rebecca Ackroyds Œuvre finden sich zahlreiche Parallelen zu Emma Jung. Auch ihre Zeichnungen geben dem Unbewussten eine Form und reflektieren die psychologische und spirituelle Dimension von Kunst sowie Prozesse der «Weltwerdung». Ackroyds Installationen sind oft traumhaft und zeigen die Fragmentierung von Erinnerung und Zeit. Durch eine vielfältige visuelle Sprache, die grossformatige Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Objekte umfasst, verschmelzen Begierde und Abscheu, Wünsche und Ängste, Vertrautes und Unheimliches zu einem faszinierenden Ganzen. Für ihre erste Ausstellung in der Schweiz entwickelt Rebecca Ackroyd eine neue Serie von Zeichnungen und Skulpturen, die als intime Ausdrucksformen symbolischer Ordnungen konzipiert sind. Die bewusst klein gehaltenen Zeichnungen laden zu einer intensiveren Begegnung mit der inneren Welt des Schaffens ein.
Die Ausstellung im Cabaret Voltaire – dem Geburtsort von Dada – ist durch eine historische Spur inspiriert: die Verbindungen zwischen Emma Jung, der Analytischen Psychologie und der Kunstbewegung Dada. 1916 nahm Emma Jung, damals erste Präsidentin des Psychologischen Clubs, an mindestens einer Dada-Soiree teil. In diesem Jahr schuf sie eindrucksvolle visuelle Metamorphosen, die sich mit Individuationsprozessen auseinandersetzen. Künstler*innen wie Sophie Taeuber-Arp und Hans Arp griffen Jung’sche Ansätze auf, etwa in ihrer Suche nach Typologien und universellen Formen. Die analytische Idee der Individuation lässt sich mit dem dadaistischen Durchbrechen von Konventionen vergleichen. Analytische Psycholog*innen wiederum erkunden die therapeutischen Wirkungen abstrakter Mandalas. Sowohl Dada als auch die Analytische Psychologie widmeten sich intensiv dem Unbewussten. Mithilfe von Theorien der Analytischen Psychologie setzten sich Dadaist*innen mit den gesellschaftlichen Umbrüchen Anfangs des 20. Jahrhunderts auseinander, wie der Mechanisierung des Lebens und den Traumata des Ersten Weltkriegs. Richard Huelsenbeck bemerkte später eine therapeutische Qualität in den Werken vieler Dadaist*innen.
Emma Jung, geboren als Emma Maria Rauschenbach am 30. März 1882 in Schaffhausen, war eine Schweizer Analytikerin und Autorin. Sie erlangte Bekanntheit als Ehefrau und enge Mitarbeiterin des Psychiaters Carl Gustav Jung, doch auch ihre eigenen Beiträge zur Analytischen Psychologie verdienen Beachtung. Emma Jung stammte aus einer wohlhabenden und einflussreichen Industriellenfamilie. Dank ihres privilegierten Hintergrunds erhielt sie eine ausgezeichnete Ausbildung, die ihr Interesse an Literatur, Philosophie und Psychologie weckte. 1903 heiratete sie Carl Gustav Jung, mit dem sie fünf Kinder hatte. Sie war nicht nur tief in die Arbeit ihres Mannes eingebunden, sondern entwickelte sich im Laufe der Jahre auch zu einer unabhängigen Analytikerin. Besonders hervorzuheben sind ihre Forschungen zum Grals-Symbolismus, die posthum 1960 veröffentlicht wurden, sowie ihre Studien über die Dynamik der Konzepte von Animus und Anima.
Rebecca Ackroyd, geboren 1987 in Cheltenham, Grossbritannien, lebt und arbeitet in Berlin und London. Sie schloss ihr Postgraduate Diplom in Fine Art an der Royal Academy of Arts, London, und ihren BA an der Byam Shaw School of Art, London, ab. Ihre jüngste Einzelausstellungen umfassen Mirror Stage auf der Biennale in Venedig (2024), organisiert von der Kestner Gesellschaft, Hannover; Period Drama in der Kestner Gesellschaft, Hannover (2023–2024); sowie Shutter Speed im Musée d’Art Contemporain, Lyon (2023–2024). Ihre Werke waren zudem Teil zahlreicher Gruppenausstellungen, darunter Antéfutur im Musée d’Art Contemporain, Bordeaux (2023); Dark Light: Realism in the Age of Post-Truth in der Aïshti Foundation, Beirut (2022); Masters and Servants in der Ygrec Gallery, École Nationale Supérieure d’Arts de Paris Cergy, Paris (2022); corpus murmur bei Peles Empire, Berlin (2022); Act 1: Body en Thrall in der Rugby Art Gallery and Museum, UK (2022); sowie Singed Lids für die 15. Biennale von Lyon, organisiert vom Palais de Tokyo (2019).
Die Ausstellung und das Vermittlungsprojekt werden ermöglicht dank der Unterstützung von
Jubiläumsstiftung der Mobiliar Genossenschaft
Stanley Thomas Johnson
Hans F. Tellenbach Stiftung
Else v. Sick Stiftung
Stiftung C.G. Jung Küsnacht
Stiftung der Werke von C.G. Jung
Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.
Als das Cabaret Voltaire am 5. Februar 1916 als «Künstlerkneipe Voltaire» eröffnet wurde, kündigte das erste Programm auf einem von Marcel Słodki gestalteten Plakat zunächst «Musikrezitationen und Vorträge» an. Musik war zentral für die Dada-Impulse, die sich während der Soireen entwickelten: Zunächst im Cabaret Voltaire, dann an den verschiedenen Veranstaltungssorten der Bewegung in Zürich und später über nationale und europäische Grenzen hinaus. Dennoch wird die Musik weder in der Historiografie des Dada Zürich noch in den gängigen Auffassungen der Bewegung prominent erwähnt oder in ihrer vollen Komplexität kontextualisiert. Das Programm «Interlude» im Gewölbekeller findet von Februar bis April 2025 in zwei Akten statt und thematisiert das Erbe von Dada in Bezug auf Musik und Klang. Gleichzeitig schafft es Raum für zeitgenössische Praktiken und Diskurse. Der Titel «Interlude» verweist auf die traditionelle Struktur von Musikkompositionen und auf das, was während des Intervalls zwischen den Teilen einer grösseren Komposition geschieht. Im Cabaret Voltaire aktiviert «Interlude» den Gewölbekeller zwischen den üblichen Ausstellungsprogrammen und lädt das Publikum zu einer anderen Art von immersivem und reflektierendem Erlebnis ein.
Dada wird oft mit lauten, störenden Geräuschen und mit Chaos und Zufälligkeit assoziiert. Die Programmhefte und Chroniken verschiedener Protagonist*innen zeigen jedoch, dass die Dada-Soireen in Zürich viele gegensätzliche Kunstrichtungen der Zeit zusammenbrachten: Experimente mit Geräuschen teilten sich die Bühne mit Stücken der westlichen Musiktradition, gespielt von Künstler*innen wie Hans Heusser und Suzanne Perrottet. Im Cabaret Voltaire und später in anderen Zürcher Lokalen erklangen romantische Stücke von Saint-Saëns und Rachmaninow. Auch war Volksmusik in deutscher, französischer, dänischer und russischer Sprache zu hören. Diese Musik stammte von den internationalen Künstler*innen der Bewegung, von denen die meisten vor dem Ersten Weltkrieg flüchteten. Die beiden Gründer*innen des Cabaret Voltaire waren beruflich in Kabaretts tätig. Emmy Hennings sang bei den Dada-Soireen Volkslieder und Hugo Ball spielte Ragtime-Musik auf dem Klavier. Vor dem Hintergrund der Desillusionierung durch die Krisen des Krieges entwickelte Dada jedoch auch neue künstlerische Sprachen, die sich häufig auf antitraditionelle Prinzipien stützten und Rhythmus und Klang als künstlerische Mittel einsetzten.
Einige dieser Innovationen waren von der Aneignung aussereuropäischer Idiome geprägt. Was problematisch mit dem Begriff «primitiv» beschrieben wurde, war zugleich eine befreiende Alternative, um direkter mit dem Publikum zu kommunizieren und die etablierten Normen der traditionellen westlichen Kunst und die Werte der bürgerlichen Gesellschaft zu durchbrechen. Durch den Zugang zu Beispielen afrikanischer Poesie nahmen die Zürcher Dadaist*innen «N_ Lieder» und die bruitistischen Werke von Richard Huelsenbeck in ihr Soireen-Programm auf, ohne diese Aneignung kritisch zu reflektieren. Doch auch die experimentelle Klangforschung der Dadaist*innen entwickelte sich im Kontext der Hinterfragung der Sprache als propagandistischer Macht – in einer Zeit, in der sich der Nationalismus zunehmend etablierte und die mit der heutigen politischen Realität in Resonanz steht.
Eine künstlerische Strategie von Dada bestand darin, Wörter nicht mehr als Zeichen, sondern als Klang zu verstehen und sie in Form von Rhythmus und Intonation zu verwenden. Der Futurist Luigi Rossolo hatte einige Jahre vor der Eröffnung des Cabaret Voltaire das Manifest L’Arte dei Rumori (Die Kunst der Geräusche) veröffentlicht. Er wandte sich gegen Akademismus und Tradition, während er einen direkten und dynamischen Einfluss auf das Publikum suchte. Doch im Futurismus ist die Reproduktion und Deklamation von Maschinen- und Kriegsgeräuschen als eine protofaschistische Feier der Moderne zu verstehen. Im Gegensatz dazu nutzten die Dada-Künstler*innen die Sprache selbst, um eben diese nationalistische Propaganda zu hinterfragen. Sie setzen sie als Kritik an der Gewalt der Moderne und des Krieges ein. Besonders deutlich wird dies in der Entwicklung neuer Formen von Laut- und Simultangedichte, die vor allem von Hugo Ball und Tristan Tzara eingesetzt wurden. In diesen Gedichten steht das Geräusch von sinnlosen Wörtern als Gegenwehr zur normativen Rationalität. In den klanglichen Taktiken war der Körper sowohl das Instrument als auch der Ort der Deklamation – und damit ein Ort des Widerstands gegen Machtstrukturen und Regeln.
Die Entwicklung der experimentellen Musik im 20. und 21. Jahrhundert verdankt Dada ein gewisses Erbe. Das antibürgerliche Ethos der Bewegung findet seinen Widerhall in verschiedenen Bewegungen wie Fluxus, sowie in den Genres Punk und Noise, die den Klang als Ort der Opposition aufgreifen. Figuren wie Merzbow – der Künstlername des japanischen Noise-Pioniers der 1980er und 1990er-Jahre Masami Akita – oder die Industrial-Band Cabaret Voltaire machen diese historischen Verbindungen deutlich. Akitas Arbeit bezieht sich dabei direkt auf den Merzbau des Dada-Künstlers Kurt Schwitters. Die aleatorischen Schaffensprozesse, wie sie bei Tzaras «Cut-up»-Technik, Collagen und Assemblagen beispielhaft sind, haben besonders in der Sampling-Kultur, den bahnbrechenden experimentellen Kompositionen von John Cage oder in der musique concrète und ihren Klangcollagen Widerhall gefunden. Die Verwendung von urbanen Soundscapes, Field Recordings und verschiedenen Umweltgeräuschen in der heutigen elektronischen Musik resoniert mit Balls Lautgedichten. Die zentrale Rolle des Körpers und der Performance in dieser Art von Poesie ist auch für zeitgenössische Sound-Art-Praktiken von zentraler Bedeutung, welche die Grenzen zwischen Musik, Poesie und bildender Kunst verwischen. Die Ablehnung von Normen und die Suche nach rohen Klängen in den unterschiedlichen Richtungen der Noise-Musik entsprechen dem transgressiven Ethos von Dada.
«Interlude» schlägt eine Brücke zwischen dieser Geschichte und zeitgenössischen Soundpraktiken, die als Echo des Dada-Erbes Raum erhalten.
Der erste Akt präsentiert WURM, einen experimentellen Raum für alles, was abenteuerlich, forschend, laut, improvisiert, spekulativ und charmant schräg klingt. WURM wurde 2011 in Basel gegründet und hat sich zu einem lebhaften Zentrum für Workshops, Performances und kollaborative Projekte entwickelt. Für «Interlude» bespielt WURM einen Monat lang das Cabaret Voltaire und präsentiert experimentelle und neue Klänge.
Der Gewölbekeller wurde in eine Bühne für performative Aktionen und neue Klängen verwandelt. Teil des Programms sind verschiedene Sound-Performances, die während zweier Soireen am 7. Februar und 1. März 2025 stattfinden. Zwischen diesen Veranstaltungen wird der Raum von musikalischen Echos der Performances bewohnt. In der Mitte des Raums hängt eine einzigartige Lampe, die im ursprünglichen WURM-Raum zu finden ist und nun als Szenografie für neue Happenings dient. Der Schwerpunkt wird vom Visuellen auf das Auditive verlagert, als Einladung, den Raum anders zu erleben.
Das Programm von «Interlude, Act 1: WURM» wird in Zusammenarbeit mit Mercury Tracer organisiert, einer in Basel stattfindenden und im WURM lancierten Veranstaltungsreihe, die als Plattform für ultra-zeitgenössische Künstler*innen aus den Bereichen Ambient, experimentelle Musik und experimentelle Clubmusik dient. Kuratiert von Flavia Senn und Mattia Comuzzi, zeigt Mercury Tracer die Vielfalt und Innovation einer neuen Generation von Musiker*innen und stellt lokale und internationale, zukunftsweisende Stimmen in den Mittelpunkt, um traditionelle Grenzen zu sprengen und innovativen Ausdrucksformen Raum zu geben. Für die Soiree vom 7. Februar 2025 wurden Elie und Gaspard Emma Hers dazu eingeladen, ihre Werke im Gewölbekeller aufzuführen. Weitere Informationen finden Sie hier. Für die Soiree vom 1. März 2025 wurde Violeta García eingeladen. Mehr Informationen finden Sie hier. Die Aufnahmen dieser Performances bilden die Klanglandschaft für den ersten Akt von «Interlude».
Elie ist eine DJ und Klangkünstlerin aus Neuchâtel, Schweiz. In ihren Performances, die sich an der Grenze zum Harsh Noise bewegen, erforscht sie die Klangwelten ungewöhnlicher Materialien – etwa Spritzenmülleimer, aggressiv erzeugte Töne von selbstgebauten Granulatoren oder EDM-Samples. In ihrer Praxis steht der Körper im Mittelpunkt, der Grenzen und Atem als kreative und subversive Energie erforscht. Hier verstärkt der Lärm gleichzeitig körperliche Bewegungen und gesättigte Klänge bis zum Extremen, die fernab von jeglichem Savoir-faire präsentiert werden. Während sich Elie durch den Raum bewegt, spielt sie auch mit der Resonanz des Klangs durch Feedback und schafft ein Triptychon zwischen Körper, Maschine und Raum. Die Künstlerin macht sich die Gewalt des Klangs zu eigen, um sie auf ihre Weise zu vermitteln: Sie erschafft einen dystopischen Klangrausch, der die Überstimulation des Gehirns verstärkt – als Kommentar zu den gewaltvollen Realitäten, denen Körper heute ausgesetzt sind, und den Machtstrukturen, denen sie unterworfen sind. Konfrontiert mit dunklen Tönen und gestörten Frequenzen, werden das Gehör und die Orientierung des Publikums als Teil einer kathartischen Prozession herausgefordert.
Gaspard Emma Hers – auch bekannt als DJ Würm – ist ein*e multidisziplinär*e Künstler*in aus Brüssel, Belgien. Hers Musik bewegt sich zwischen Fiktion und persönlichen Erinnerungen. Hers lädt das Publikum auf eine Reise ein, die in einer Klanglandschaft beginnt, die an entfernte Raves erinnert, und sich zu einem introspektiven Ambient-Noise-Stück entfaltet. Es gibt keine feste Erzählstruktur, doch einige Bilder können entstehen, die den Weg durch endlose Echos, Loops und Vibrationen weisen. Wie in einer schwebenden Collage kombiniert Hers verschiedene Klangfarben, die durch laute Bässe und schrille Klänge unterbrochen werden. Es ist eine Einladung, die eigene Mythologie, Referenzen und Klanglandschaften zu aktivieren und persönliche Emotionen mit den vielfältigen Klangschichten zu verbinden. Die entstehende Fantasiewelt füllt die mittelalterliche Architektur des Gewölbekellers, flüstert Legenden in die Ohren der Zuhören- den und verwischt die Grenzen zwischen Vergangenheit und Zukunft. Die Musik wird als materielles Element mit einer befreienden körperlichen Wirkung präsentiert, als Einladung zu einem sensiblen Tanz und einer emotionaler Befreiung.
Die Cellistin, Komponistin und Kuratorin Violeta García bewegt sich in vielen Kunstformen wie freier Improvisation, elektronischer Musik und zeitgenössischer Experimentalmusik für Violoncello. Die aus Buenos Aires stammende und derzeit in Bern lebende Künstlerin erforscht die Vielseitigkeit des Cellos und hinterfragt zugleich traditionelle Vorstellungen von Aufnahme und Aufführung. Im Cabaret Voltaire präsentiert sie neue Klänge, welche die Grenze musikalischer Konventionen ausloten. Sie bespielt die raumspezifische Akustik des Gewölbekellers mit minimalistischer zeitgenössischer Musik, Dark Ambient und experimentellem Noise. Durch Resonanz und Nachhall erhält der Klang eine eindringliche, immersive Qualität und interagiert organisch mit seiner Umgebung. Inspiriert von Komponist*innen wie La Monte Young, Eliane Radigue, Jürg Frey und Arvo Pärt, verbindet García Elemente des sakralen Minimalismus und akustische Experimente in eine Performance, die Improvisation und Komposition miteinander vereint. Die Harmonien des Violoncellos werden verfremdet und gedehnt bis zu einem Punkt der Dekomposition und Rekomposition, als Kommentar zum experimentellen und befreienden Potenzial, das auch in klassischen Instrumenten zu finden ist.
Für «Interlude: Act 2», vom 11. März bis zum 27. April, bespielt die BaseCamp Library den Raum. Mehr Informationen finden Sie hier.
Das Cabaret Voltaire freut sich, die erste institutionelle Einzelausstellung von Lee Scratch Perry (1936–2021) in der Schweiz und in Europa zu präsentieren.
Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.
Lee Scratch Perry prägte die Entwicklung des Reggaes, Ska und Dub wie kein anderer. Seine legendären Studios in Kingston, Jamaika und in Einsiedeln, Schweiz, sind weltbekannt. Doch Perrys Einfluss geht weit über die Musik hinaus. Sein Gesamtkunstwerk umfasst visuelle Kunst wie Kostüme, totemistische Skulpturen und Assemblagen aus Sprache, Film, Malerei sowie alltäglichen Gegenständen wie CDs, Spiegeln, Steinen und religiösen und popkulturellen Bildern. Damit beeinflusste er nicht nur Musikgrössen wie Bob Marley oder Keith Richards, sondern auch Künstler*innen wie Jean-Michel Basquiat.
Mit dem Dada-Erbe des Cabaret Voltaire verbindet Perry das disziplinübergreifende Schaffen, die Sampling-Kultur oder der DIY-Ansatz. Beide brachen spielerisch mit gesellschaftlichen Normen, erschufen eigene Mythologien und waren dem Prozess sowie Kollaborationen verpflichtet. In der Schweiz fanden Perry und die Dada-Gruppe eine ruhige Insel, die Konzentration und kreative Entfaltung ermöglichte. Die Inkubatoren waren Räume, die heute international bekannt sind: eine Bier- und Weinschenke in Zürich (Cabaret Voltaire) sowie das Blue Ark Studio in einer Garage im Kanton Schwyz.
Im Zentrum der Ausstellung stehen Perrys künstlerische Schöpfungen seit den 1990er-Jahren in der Schweiz. Diese umfassen Studiowände aus dem Blue Ark Studio, skulpturale Assemblagen, Malereien, dekoriertes Equipment und aufbereitetes Material aus seinem umfangreichen Videoarchiv. Einige der Werke und Videoarbeiten wurden speziell für die Ausstellung gesichert. Sie machen Perrys einzigartige Persönlichkeit und die Gestaltung seiner Umgebung erlebbar und verdeutlichen die komplexen Beziehungen und Einflüsse zwischen Musik, Spiritualität und Kunst. Die Besucher*innen des Cabaret Voltaire können eine Zeitkapsel betreten, die erstmals einen Zugang zu Perrys dreissigjährigen Schaffensphase in der Schweiz bietet. Ebenfalls Teil der Ausstellung sind Werke, die aus Kollaborationen entstanden sind und das Archiv als lebendiges Netzwerk verständlich machen.
Die Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit dem Visual Estate of Lee Scratch Perry (geleitet von Lorenzo Bernet und Valentina Ehnimb).
Neben Lee Scratch Perry leisten auch folgende Personen einen Beitrag zur Ausstellung: Peter Harris, Invernomuto, David Katz, Lhaga Koondhor (House Of Intuitions) & Dave Marshal, Trinity Mesime Njume-Ebong (Mother Dubber), Sebastian Roldan, Maria Rodski, Volker Schaner, Scott Seine, und weitere.
Herzlichen Dank an: Mireille Perry und die Familie Perry, Ulrike & Giuliano Bernet, Antoine Félix Bürcher, Thomas Julier, Albertine Kopp / Caribbean Art Initiative, Cabinet Gallery, London, Corbett vs. Dempsey, Chicago, suns.works, Zurich.
Die Ausstellung wurde unterstützt durch:
Stadt Zürich
Kanton Zürich
Amt für Kultur des Kanton Schwyz
Bezirk Einsiedeln
Private Kulturstiftung Einsiedeln
Biografie Scratch Perry:
Lee Scratch Perry (1936–2021) wurde in einem entlegenen jamaikanischen Dorf geboren und zog 1961 nach Kingston, um eine Musikkarriere zu verfolgen, geleitet von einer göttlichen Stimme. Nach der Gründung des berühmten Black Ark Studios produzierte er einige der bekanntesten Songs von Bob Marley und wurde zu einer wegweisenden Figur in der Entwicklung von Dub- und Reggaemusik. Einige Jahre später brannte das Studio nieder, und Perry führte ein nomadisches Leben, bis er sich schliesslich in der Schweiz niederliess. Perry arbeitete u.a. mit Künstler*innen wie Bob Marley & The Wailers, Junior Murvin, den Beastie Boys, The Clash. 2003 wurde er mit einem Grammy für das beste Reggae-Album ausgezeichnet.
In den späten 1970er-Jahren begann Lee Scratch Perry damit, Symbole und Dub-Collagen in seinem Studio zu malen, die sich allmählich zu einer multidisziplinären Gesamtkunstwerk-Praxis entwickelten. Diese umfasste seinen gesamten Körper und seine physische Umgebung. Oft von Spiritualität durchdrungen, nahm sein visuelles Schaffen zunehmend die Form von vielschichtigen Clustern an, die sich kontinuierlich veränderten. Mit Farbe, Spiegeln, Steinen, Fotografien, Videos, Gedichten und Wortcollagen schuf Perry ein sich ständig erweiterndes Netzwerk aus paradiesischen Tieren, Cartoon-Figuren und Heiligen – in einem unaufhörlichen Bestreben, den Allmächtigen zu verehren.
In den letzten Jahren wurde Perrys Werk zunehmend im Kunstbereich anerkannt. Doch bereits in den 1980er-Jahren nannte Jean-Michel Basquiat die künstlerische Kraft von Perrys Œuvre eine wichtige Inspirationsquelle für seine eigenen Bilder. Werke von Lee Scratch Perry wurden unter anderem im NMAAHC / Smithsonian Institute in Washington DC (2023), im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen in Düsseldorf (2023), im MACRO – Museum für zeitgenössische Kunst in Rom (2022) sowie auf der 34. São Paulo Biennale (2021) ausgestellt.
Hier finden Sie die kompletten Ausstellungstexte.
Hier finden Sie den Reader zu historischen Manifesten.
Cabaret Voltaire, Zürich: 06.10.2023–31.03.2024, Eröffnung: 05.10.2023, 18:00
Istituto Svizzero, Rom: 20.10.2023–18.02.2024, Eröffnung: 19.10.2023, 18:00
Ein gemeinsames Projekt vom Cabaret Voltaire (Zürich) und dem Istituto Svizzero (Rom) mit Bassem Saad, Ceylan Öztrük, Guerreiro do Divino Amor, Giorgio Zeno Graf, Industria Indipendente, Ivona Brđanović, Maya Olah, Mathis Pfäffli, Michèle Graf & Selina Grüter, MigrArt/DACZ (Deniz Damla Uz & Niştiman Erdede), Ramaya Tegegne, RM, Sandra Mujinga, Shirana Shahbazi (in Zusammenarbeit mit Hannaneh Heydari) und Ursula Biemann.
Kuratiert von Gioia Dal Molin und Salome Hohl
Ceylan Öztrük, «Pink Tabula Rasa», Cabaret Voltaire 2023. Photo: Cedric Mussano
Das Manifest avancierte in der historischen Avantgarde wie dem Futurismus oder Dada zum bedeutenden Stilmittel, um Überzeugungen und Kritik zu bekunden, «handgreiflich» und «offenbar» zu machen, wie es die etymologische Herkunft «manifestus» bereits vorwegnimmt. Kunst sollte nicht bewahren und einen Schein aufrechterhalten, sondern offenlegen, «tun», die Welt und die Menschen verändern. In der Ausstellung «Poetry for Revolutions» reagieren Künstler*innen und Schreibende in ihrer eigenen künstlerischen Sprache auf die global verstrickten Krisen oder reflektieren die Kultur des Mitteilens und des Manifestierens. Sie tun dies in einer Zeit, in der Manifeste oder Monumente aus der Zeit zu fallen scheinen, die Ereignisse jedoch zum Handeln, zum Erinnern und gleichzeitigen Brechen auffordern. Kunst bildet nicht eindimensional ab, sie verdichtet, isoliert, differenziert, verwirrt, entwirrt, sei es poetisch, radikal, subtil oder konkret. Dabei stellen sich Fragen nach der Position der Autor*innen und inwiefern Kunst politische Menschen bildet oder eher einen pseudopolitischen Raum erschafft.
Die Gruppenausstellung «Poetry for Revolutions» versammelt Manifeste von fünfzehn Künstler*innen – je ein Beitrag für Zürich und Rom, teilweise identisch, manchmal leicht abweichend. Die inhaltlichen und formalen Eigenheiten sind mannigfaltig. Sie beschäftigen sich mit der ökologischen Krise, der Macht der Sprache oder der Pharmaindustrie, dem Umgang mit Ideologien oder Ressourcen, mit Wünschen in dystopischen Zeiten, kollektiven Imaginationen und identitären Zuschreibungen. Aus kuratorischer Sicht stellen sich die Beiträge in gewisser Weise auch der grossen Ideologie «Demokratie», die eben nie neutral sein darf, sondern bestimmten Werten verpflichtet ist.
Einige der Manifeste sind poetisch, abstrakt, andere prosaisch, konkret. Es handelt sich um Texte, Zeichnungen, Fotografien oder Skulpturen. In beiden Institutionen liegen die Manifeste zusätzlich fotokopiert auf Ceylan Öztrüks Skulpturen «Choreographed Manifestos», welche die Papiere wie Flugblätter den Wänden entlang gleiten lassen. Die Künstlerin interessiert sich dafür, wie Informationen formal zirkulieren und wer sich bemächtigt fühlt, welches Wissen zu teilen. Die Besucher*innen können die Manifeste mitnehmen und hinaus auf die Strasse tragen.
Ceylan Öztrüks «Phantasm Manifesto» erweitert die Gruppenausstellung und den Gedanken des Manifestierens darüber hinaus mit einer Werkgruppe, die an architektonische Elemente mit propagandistischem Zweck erinnert. Auf den zweiten Blick muten die Papierskulpturen jedoch ironisch an, da sie jeglicher Funktion entbunden werden und Bilder oder Schriften transportieren, die auf nichts Konkretes verweisen. Vielleicht sind sie als künstlerische «Gegen- oder Antimonumente» zu verstehen, jedoch, wie der betitelte Gesamtbeitrag Öztrüks «Pink Tabula Rasa» impliziert, auch als mögliche Neubeschreibung zu lesen. Im Sinne des Titels «Phantasm Manifesto» möchte sie auch den imaginären, surrealen oder illusorischen Aspekten eines bestimmten Konzepts Raum geben.
Die fünfzehn Manifeste und Ceylan Öztrüks Beiträge sind in beiden Institutionen zu sehen. In Rom begleiten zusätzliche Arbeiten einiger Künstler*innen die Schau, zudem werden mit einer historischen Vitrine die Manifeste der feministischen Bewegung im Italien der 1960er und 70er Jahre beleuchtet. Im Zürcher Cabaret Voltaire zeigt sich das Referenzsystem im Kontext von Dada.
Dieses Projekt wird freundlicherweise unterstützt von:
Stadt Zürich
Ernst Göhner Stiftung
Stiftung Temperatio
Philaneo
Stiftung Anne-Marie Schindler
Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung
Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung
Stiftung Kulturfonds, ProLitteris
Oertli-Stiftung
Else v. Sick Stiftung
Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.
Im Gewölbekeller des Cabaret Voltaire, den man durch einen offenen Schlund betritt und der die Gäste in andere Welten entführt, steht einer der monströsen Köpfe von Monster Chetwynd. Im Inneren dieses Kopfes befindet sich eine kleine Ausstellung, die den Auftakt zu Chetwynds künstlerischer Besetzung der Künstler*innenkneipe vom 25. August 2023 bis Ende Juli 2024 bildet. Chetwynds Werke, seien es überschwängliche Performances oder malerische Installationen, strotzen vor optimistischer Absurdität und hintergründiger Komik, sind für jeden verständlich und doch reich an kulturellen Bezügen. Mit dem Do-it-yourself-Charakter, der Prozesshaftigkeit und dem Humor knüpft Chetwynd mit ihrer Kunst an das Erbe von Dada an.
Im Zentrum der Ausstellung «Profusion Protrusion» steht Il Tetto, der von der Frankfurter SCHIRN ins Cabaret Voltaire, dem Ursprungsort von Dada, reiste. Die gigantische Maske wurde erstmals 2017 in Bergen gezeigt, wo sie von Performer*innen getragen wurde, die ökologische Lieder sing-schrien. Solche Neuinszenierungen sind in Chetwynds Werk programmatisch. Viele ihrer aus einfachen Materialien wie Pappe und Stoff gefertigten Arbeiten werden recycelt, modifiziert und vor Ort in veränderte Kontexte eingebunden. Stets geht es um kollektive Entwicklung, sei es im Prozess der Herstellung oder bei den performativen Aktionen, die sowohl am 9. Juni (mit einer ein- stündigen Disco) als auch am 25. August sowie am 2. September im Cabaret Voltaire stattfinden.
Chetwynd schöpft ihre Inspiration aus einer Vielzahl von Quellen, darunter Film und Fernsehen, Literatur, Musik, Antike, Kunstgeschichte und Philosophie. Il Tetto bezieht sich auf verschiedene Kulturepochen und deren Genres und erinnert gleichermassen an die steinernen Masken des alten Roms wie auch an das christliche Motiv des «Höllenmauls». Das «Tor zur Hölle» fand sich als Durchgang oder Eingang zum Beispiel schon im italienischen Skulpturengarten «Sacro Bosco» aus dem 16. Jahrhundert. Il Tetto zeugt aber auch von einer jahrelangen Auseinandersetzung mit der Ikonographie von Gesichtern und Masken, die sich in absurden Überschneidungen zeigt, etwa im Film Zardoz (1974) von John Boormann, in dem Antike und Science-Fiction aufeinandertreffen. Oder im Film Satyricon von Federico Fellini (1969), der seine Wurzeln in dem skurrilen Text aus der Zeit Neros hat. Die Skulptur ist auch eine Hommage an die frühchristlichen Theaterstücke, als das Theater noch nicht existierte, Kulissen gebaut wurden und Geschichten ausserhalb von Kirchen nachgespielt wurden. Es wird angenommen, dass die Gemälde von Giotto die Szenerie darstellen. Darüber hinaus sind auf Holz gemalte «Höllenschlünde» aus dieser Zeit erhalten geblieben und dienen als wichtige Inspirationsquelle für Monster Chetwynd.
Sowohl in der Ausstellung im Gewölbekeller als auch in der Künstler*innenkneipe interessiert sich Monster Chetwynd für das Maskenhafte und das Karnevaleske. In Chetwynds Werk werden Humor und das Groteske als bewusstseinserweiternde Mittel eingesetzt. Insbesondere die Masken im Innern von Il Tetto zeugen von dieser Auseinandersetzung und sind Momentaufnahmen des Arbeitsprozesses für die bevorstehende Schau in der Bar.
Monster Chetwynd (*1973, London) lebt und arbeitet in Zürich. Sie erhielt 1994 einen Bachelor-Abschluss in Sozialanthropologie und Geschichte vom University College London und 2004 einen Master-Abschluss in Malerei vom Royal College of Art. Sie hat international performt und ausgestellt, u.a. in der SCHIRN KUNSTHALLE FRANK- FURT (2023); Konsthall C, Stockholm (2021); De Pont, Tilburg, Niederlande (2019); Villa Arson, Nizza (2019); Tate Britain, London (2018); CCA Centre for Contemporary Arts, Glasgow (2016); Bergen Kunsthall, Bergen (2016); und Bonner Kunstverein (2016). Im Jahr 2012 wurde sie als erste Performance-Künstlerin für den Turner Prize nominiert. Das Spiel mit Erwartungen und Normen in der Kunst spiegelt sich auch im Namen der Künstlerin wider: Früher als Spartacus und Marvin Gaye Chetwynd bekannt, nennt sie sich seit 2018 «Monster».
Ausstellungsansicht Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend», Mai-Thu Perret, Untitled (for S.T.),2022 und Untitled (Green Oval), 2018, Cabaret Voltaire 2022. Photo: Cedric Mussano
Eröffnung: 13. Oktober 2022, ab 18:00
Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.
Obwohl auf der alten 50-Franken-Note abgebildet, blieb Sophie Taeuber-Arp, wie so vielen Frauen* im Dadakreis, die Anerkennung lange verwehrt. In den letzten Jahren wurde viel unternommen, ihr Oeuvre zu würdigen, unter anderem mit der Retrospektive «Gelebte Abstraktion», die 2021 von Basel (Kunstmuseum) nach London (Tate) und New York (MoMa) wanderte. Trotzdem gilt es das komplexe Werk der Künstlerin zwischen angewandter, bildender und darstellender Kunst weiter zu ergründen. Es stellen sich viele kunsthistorische und kulturanalytische Fragen, die auch heute noch aktuell sind: beispielsweise zu Abstraktionsverfahren oder Konzepten von Künstler*innenschaft im Kontext von Gattungshierarchien, Geschlechterzuschreibung oder Demokratie. Besonders aufschlussreich sind hierfür die von der Zentralbibliothek Zürich angekauften Briefe Sophie Taeuber-Arps, die jüngst in einem Editionsprojekt von Medea Hoch, Walburga Krupp und Sigrid Schade untersucht wurden. Bisher bezog sich die kunsthistorische Rezeption auf Erinnerungen von Hans Arp und Weggefährt*innen. Mit den Briefen kann erstmals die «eigene» Sicht der Künstlerin und ihr Referenzsystem rekonstruiert werden.
Im Cabaret Voltaire treten Sophie Taeuber-Arps Briefe, vereinzelte Arbeiten, (beispielsweise eine noch nie gezeigte Kette im Besitz von Johanna Lohse) sowie Zeugnisse ihrer Tätigkeit als Lehrerin für textilen Entwurf in der Kunstgewerbschule Zürich in den Dialog mit Werken der Genfer Künstlerin Mai-Thu Perret (*1976, Genf). In Perrets multidisziplinärem Schaffen verbinden sich feministische Anliegen, literarische Referenzen und Fragen zu Kunsthandwerk mit den Avantgarde-Bewegungen des 20. Jahrhunderts. Dabei stehen sowohl politische als auch formale Fragen zu Materialität im Vordergrund. Dada und speziell Sophie Taeuber-Arp stellen eine wichtige Inspirationsquelle für Perret dar. Neben älteren Werken, die Taeuber-Arp zitieren, zeigt die Ausstellung im Cabaret Voltaire neue Arbeiten der Künstlerin. Unter anderem übersetzt Perret ein von Taeuber-Arp entworfenes Übungsblatt aus dem Unterricht für textile Berufe in eine Neonarbeit. Damit überführt die Künstlerin eine weiblich konnotierte Formsprache sowie Muster aus dem Textilhandwerk in ein Medium, das der männlich dominierten Minimal-Art-Tradition folgt. Dem genealogische Interesse Perrets für «Fiber Art» folgend, sind in der Ausstellung auch Arbeiten von Schüler*innen Taeuber-Arps zu sehen, wie Elsi Giauque und Gertrud Sonderegger.
Das Cabaret Voltaire sowie die ehemalige Galerie Dada im Zürcher Sprünglihaus müssen als wichtige Station Sophie Taeuber-Arps gelesen werden. Im Dada-Haus entsteht eine Diskussion zwischen den Werken von Frauen* unterschiedlicher Generationen und Regionen. Taeuber-Arps Jahre im Dadakreis stehen an der Schnittstelle zwischen den Lehrjahren in der Ostschweiz und dem Weg in die Avantgarde, die sie später als Pionierin der abstrakten Kunst unter anderem nach Paris führten. Der Ausstellungstitel «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» ist einem Zitat aus einem Brief Taeuber-Arps an Hans Arp aus Arosa vom 4. Mai 1919 entnommen, in dem sie sich über einige ihrer Meinung nach effekthascherischen männlichen Dadaisten als «radikale Künstler» echauffierte. Der Brief gibt eine zusätzliche Perspektive auf Taeuber-Arp und Dada, «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» steht in der Ausstellung aber auch stellvertretend für die Ablehnung von Hierarchien und verengenden künstlerischen Methoden.
Die Ausstellung wird unterstützt von:
Pro Helvetia, Kulturförderung Kanton Appenzell Ausserrhoden, Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer Stiftung, Steinegg Stiftung, la République et canton de Genève (DCS), Fonds cantonal d’art contemporain (FCAC)
Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.
Eröffnung: 20. Mai 2022, 18:00
Die kunsthandwerklichen Objektlandschaften von ektor garcia (*1985) sind eingefrorene Momente eines andauernden Prozesses. Der Künstler schafft mithilfe unterschiedlicher Materialien und Techniken ein temporäres Gefüge, das jederzeit weiterverarbeitet werden kann. Im Nebeneinander funktionieren die gehäkelten Textilien, Kupferdrahtverbindungen, Keramikformen oder Metallgüsse wie Freiform-Gedichte, die immer neue Resonanzen erzeugen. Für jede Ausstellung produziert garcia neue Konstellationen, die sich dem Drang, Kategorien und Hierarchien herzustellen, widersetzen. Sie sind punk und queer. Die sinnlichen Installationen brechen mit Erzählformen, die ein bestimmtes Narrativ transportieren wollen, ohne geschichtsvergessen zu sein. Durch die Materialien und Symbole lassen sich vielschichtige inhaltliche Fährten aufnehmen, die sich jedoch nicht aufzwingen.
Das Werk des Künstlers ist mit intensiver körperlicher Handarbeit verbunden. Unzählige Schlaufen, Knoten und Fingerabdrücke sind Zeugnisse seines täglichen Schaffens, in dem Chaos und Logik, Verbindung und Loslösung parallel bestehen. garcia strebt nach dem Unvollkommenen, nach der Schönheit des Handgemachten, das mit seinen «Fehlern» einzigartig ist. Die Fragmente der Installation im Gewölbekeller produzierte er in Mexiko-Stadt, seinem aktuellen Lebensmittelpunkt, sowie in Zürich, Berlin, Paris und Venedig. An diesen Orten knotete, strickte, modellierte und häkelte der Künstler in den letzten Wochen täglich für die Ausstellung «nudos de tiempo». Durch seine nomadische Praxis ist sein Werk immer wieder neuen Einflüssen ausgesetzt. Diese schreiben sich allerdings nicht fest. Zu dieser Offenheit trägt bei, dass die Objekte aufgrund der teilweise ungewöhnlichen Verbindungen von Materialien und Techniken aus kunsthandwerklichen Traditionen herausgelöst werden. So häkelt er beispielsweise mit Kupferdraht, formt widerstandsfähige Objekte wie Ketten aus zerbrechlicher Terrakotta oder überträgt weiche Materialien im Wachsausschmelzverfahren in Bronze. Beim Giessprozess schmilzt das in Wachs getauchte Original. Um das Werkfragment herauszulösen, muss die Gipsform zerstört werden, wodurch der Guss nur einmalig durchgeführt werden kann und zum Unikat (verlorene Form) mit unkontrollierbaren, überraschenden Formbildungen wird.
Einige ausgestellten Häkelarbeiten erinnern an Werke der US-Fiber-Art-Bewegung der 1960er Jahre, welche die Geschlechterteilung anhand der weiblich geprägten Heimarbeit thematisierten. garcia nutzt die emanzipatorische Kraft des Häkelns, erweitert das feministische Materialvokabular allerdings anhand irritierender Verbindungen von Material und Technik. Im Kontext feministischer Bewegungen kann auch der Schmetterling als Symbol für Transformation und Freiheit gelesen werden. Im Cabaret Voltaire sind Schmetterlinge aus geschnittenem Leder, gehäkeltem Kupfer, Garn oder Keramik zu sehen. Den Schmetterling verbindet garcia des weiteren mit weiteren Erfahrungen. Er besuchte mehrmals das Biosphärenreservat Mariposa Monarca, in der Nähe von Mexiko-Stadt, welches als Winterquartier für den Monarchfalter dient. Unzählige Falter fliegen im Winter bis zu 4000 Kilometer von Kanada nach Mexiko und im Frühling wieder zurück. Die Schmetterlinge passieren Grenzen, die für viele Menschen, die von Mexiko in die USA einreisen wollen, nicht möglich sind. Das transnationale Freiheitssymbol «Schmetterling», auf spanisch Mariposa, zirkuliert in Mexiko hingegen auch als abschätzige Bezeichnung homosexueller Männer. garcia eignet sich den Begriff «Mariposa» neu an. Sein auf dem Boden ausgestellter kleiner schwarzer Schmetterling aus Leder erinnert in seiner abstrahierten Form an die Rüstungen der toltekischen Krieger von Tula, über deren Brust der Schmetterling als Schutzschild prangerte.
Diese historischen Intersektionen aus Natur, kultureller Produktion und Gesellschaft widerspiegeln sich auch in garcias Materialverwendung. Keramik- und Textilhandwerk gehören zu den ältesten und bedeutendsten Kultur- techniken. So wurden Textilerzeugnisse von Hochkulturen als Kommunikationssysteme eingesetzt. Die Quipu, eine Knotenschrift aus dem Inkareich, diente ab dem 7. Jahrhundert als ausgeklügeltes Zählsystem und als einfache Form der Korrespondenz. Textilien waren auch in der jüngeren Vergangenheit ein wichtiges gesellschaftspolitisches Sprachrohr. Dies bringen beispielsweise die Patchworkbilder «Arpilleras» zum Ausdruck, welche die Unterdrückung während der Pinochet-Diktatur in Chile in Textbildern transportieren oder das AIDS Memorial Quilt in den USA, bei dem den sozial ausgegrenzten Opfern gedacht wird. Im Werk von garcia gibt es keine offensichtlichen Analogien dazu. Es bleibt unklar, ob die Muster und Formen einer spezifischen Tradition folgen, der Imagination des Künstlers entspringen oder als beliebige Mustervorlage aus dem Internet stammen. Knoten, Patchwork, Materialcollagen und Banner erinnern jedoch an die Koexistenz der Geschichte indigener Bevölkerung, Folkart, Protestbewegungen und Popkulturen.
Alle Objekte von garcia werden mit natürlich gewonnen Stoffen und Naturfarben produziert. Die bräunliche Farbe des Garns stammt von Walnussschalen. Die karminrote Arbeit auf dem Boden wurde von zentral- und südamerikanischen Cochenille-Insekten gewonnen, deren Farbstoffe an europäische Königshäuser und in den Vatikan geliefert wurden, um die Intensität des Farbstoffes für wertvolle Textilien zu benutzen. Kakteenfasern und die Spitzen von Samen der Wasserkastanie benutzt garcia um Widerhaken an einer Kette anzubringen. Dadurch erinnern einige Objekte an landwirtschaftliche Werk-, Jagd- und Zaumzeuge. Unterstützt wird diese Leseweise durch die Beleuchtung, die für kurze Momente an ethnografische Displays erinnert, dafür aber zu zerstreut ist.
garcia schreibt seinen Namen immer klein. Dadurch erinnert er an die US-amerikanische Autorin bell hooks und den Gedanken, dass der Inhalt der Arbeit vor der Autorenschaft stehen soll. Dieses Verhandeln von Subjekt-Objekt-Beziehungen und das Brechen von Hierarchien zieht sich durch das gesamte Werk. garcias Ausstellungen bespielen Böden, Wände, Decken und Zwischenräume gleichermassen. Die Objekte sind in ihrer fragmentarisch hervorgerufenen Geschichte transnational, transkulturell, und hierarchisch vertikal. Nach der US-amerikanischen Theoretikerin Eve Sedgwick ergibt sich im Nebeneinander eine breite Palette von sich begehrenden, identifizierenden, repräsentierenden, abstossenden, rivalisierenden, nachahmenden, zurückziehenden, angreifenden, verzerrenden und anderen Beziehungen.
Bei garcia entsteht im Produktionsprozess als auch in jeder Präsentation eine literarische Qualität. Wie Textpassagen reihen sich die Maschen der Häkelarbeiten und die einzelnen Fragmente einer gesamten Objektlandschaft aneinander. Aus Wiederholung, Rhythmus und Überlagerung ergeben sich neue Bedeutungen, die sich verknoten und jederzeit wieder auflösen können, wie der Ausstellungstitel «nudos de tiempo» (Knoten der Zeit) impliziert. garcia mag hier der US-amerikanischen Bildhauerin Barbara Chase-Riboud folgen, die im Gedichtband «Everytime a Knot Is Undone, a God Is Released» ausführt, dass jede Auflösung eines Knoten einen neuen Sinn kreiert.
Gerade in diesem Spiel mit Normen und der Gleichzeitigkeit von Offenheit und Sinnsuche, findet garcias Praxis Anschluss an das Dada-Erbe. Die Dadaist*innen bewegten sich im Wunsch, Konventionen zu überwinden und neue Ausdruckformen zwischen Kunst und Nicht-Kunst, Planung und Zufall, Sinn und Unsinn, Chaos und Ordnung, Prozess und Manifestation zu finden. Dazu bedienten sie sich Materialien, die zuvor nicht der Kunst zugeordnet wurden, verschrieben sich dem Prozess, dem Mit- und Nebeneinander und griffen auf Kulturerzeugnisse nicht-europäischer Kulturen zurück. Trotz damaliger progressiver Haltung, weist ihr Tun blinde Flecken auf. Sie vereinnahmten «das Andere» für eigene Zwecke und ignorierten, dass ihre Referenzobjekte durch Kolonialisierung verfügbar wurden.
Der Auftritt im Cabaret Voltaire ist die erste institutionelle Einzelausstellung von ektor garcia in der Schweiz, kuratiert von Fabian Flückiger und Salome Hohl in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler.
ektor garcia erwarb einen BFA am Art Institute of Chicago und einen MFA an der Columbia University. Einzelausstellungen wurden ihm von Henry Art Gallery (Seattle), Empty Gallery (Hongkong), Progetto (Lecce), Sculpture Center (New York) und Museum Folkwang (Essen) gewidmet. Seine Arbeiten waren in zahlreichen Gruppenausstellungen zu sehen, unter anderem bei der Hangzhou Triennial of Fiber Art (China), im New Museum (New York), im El Museo del Barrio (New York) und im Prospect New Orleans.
Ausstellungsansicht ektor garcia «nudos de tiempo», Cabaret Voltaire 2022. Photo: Cedric Mussano
Eine didaktische Operette von Agnes Scherer
Puppenspiel: Soya Arakawa
Musik: Tobias Textor
Vokalistin: Claudia Barth
Aufführung der Operette «The Teacher» im Cabaret Voltaire. Photo: Gunnar Meier
Ausstellung «The Teacher»
Im Werk Agnes Scherers (*1985) nehmen die Operetten, die sie seit 2015 entwickelt, eine besondere Stellung ein. Die ungewöhnlichen Performanceformate schöpfen Inspiration aus basalen Theaterformen wie Prozessionen, den mechanischen Theatern des Barocks oder auch der Power-Point-Präsentation. Dabei interessiert sich Scherer für Möglichkeiten, das Kunstwerk aus dem Status des passiven Objekts zu befreien und ihm eine gesteigerte Handlungsmacht zu verleihen. Im Zentrum von «The Teacher» steht eine Lehrerfigur, die von einem auf dem Boden liegenden Schüler – performt von Soya Arakawa – unter enormer Anstrengung mit den Füssen gesteuert wird. Der Lehrer wird so in eine didaktische Rage versetzt, eine Art hektischen Tanz, der manchmal monströs, manchmal fast verführerisch wirkt. Seine Lektionen werden von grossen Schaubildern illustriert, die nach kurzer Zeit zu Boden fallen, um immer wieder ein dahinterliegendes, neues freizugeben. Was der Lehrer vorträgt, klingt eindrucksvoll und wahr, widerspricht sich aber. Der mit Tobias Textors rasanter Perkussion eng verwobene Text besteht aus Sentenzen, die Scherer teils von Autoritäten zu hören bekam, teils selbst verfasste. Zusammen analysieren und demonstrieren sie den rhetorischen Bauplan sogenannter Weisheiten und deren manipulatives Potenzial.
Die Abschlusslektion «Das Grössere ist das Kleinere und das Kleinere ist das Grössere» scheint zu behaupten, dass in Wirklichkeit gegenteilige Verhältnisse zu den sichtbaren (Macht-)Verhältnissen vorliegen: Folgerichtig, wenn man bedenkt, dass der Lehrer ohne die stützende Funktion des Schülers handlungsunfähig wäre. Oder handelt es sich um ein heimtückisch konstruiertes Paradoxon, dessen verführerische Anti-Logik den Zögling davon überzeugen will, sich mit seiner machtlosen Lage zufriedenzugeben? Nach dieser Abschlusslektion verschwindet der Lehrer und lässt den Schüler orientierungslos zurück, die Rückkehr seines Meisters herbeisehnend. Ein kolossaler Brief öffnet sich. Heraus kommt, statt des ersehnten Machtworts aus der Ferne, ein Bild des vergeblichen Wartens – der Schüler als im Warten zu Stein gewordene Liegefigur auf einem Sarkophag. Der Briefinhalt deutet an, dass in Wahrheit nie ein Brief eingetroffen ist. Indessen ersetzt das steinerne Abbild den wartend liegenden Schüler, der durch eine seitliche Klappe im Sarkophag entwischen kann. In diesem Schlussbild eröffnet sich die Ambiguität zwischen dem Bedürfnis nach geistiger Anleitung und dem fortwährenden Wunsch, sich davon zu emanzipieren. Die Meister-Schüler-Beziehung, die in «The Teacher» von Männern verkörpert wird, rekurriert auf die Autoritätsgeschichte, die als gesellschaftliches Ordnungsprinzip und Beziehungsmuster männlich geprägt ist. Dass eine Frau den patriarchalen Sprechakt – den Logos – übermittelt, bewirkt eine Brechung, durch die eine kritische Distanz entsteht.
Die zwölf grossen Gemälde, welche die Lektionen begleiten, spielen mit dem Genre des Schaubildes. Die dargestellten Arrangements von Gegenständen und Bildpersonal scheinen Kausalitäten und Bedingungsverhältnisse zu veranschaulichen. Diesem Mitteilungscharakter, der einlädt, zu verstehen, wirkt jedoch eine kompositorische Geschlossenheit mit phantastischen Landschaften entgegen. Analog zu den Texten, mit denen sie korrespondieren, erzeugen sie ein Gefühl des Beinahe-Begreifens. Die Bildfindungen gehen aus einer langjährigen Praxis der elaborierten Bleistiftzeichnung hervor, die eine im Obergeschoss des Cabaret Voltaire ausgestellte Serie veranschaulicht. Stilistisch verbinden sowohl die Gemälde als auch die Zeichnungen u. a. Elemente des Mittelalters mit solchen des Surrealismus der 1960er- und 70er-Jahre und zeugen von dem breiten Spektrum an Bezugsquellen, mit denen die auch als Kunsthistorikerin ausgebildete Künstlerin arbeitet. Eine Referenz ist beispielsweise das psychedelische Künstlerbuch Codex Seraphinianus (1981, Luigi Serafini), das in seiner enzyklopädischen Herangehensweise die mittelalterliche Diagrammatik zum Vorbild hat.
Im Hinblick auf das historische Erbe des Cabaret Voltaire findet Scherers Werk vielschichtig Anschluss. Mit der Zusammenführung von Gemälden, Puppenspiel, Skulptur, Bühnentechnik, Musik und Text führt die Künstlerin die Tradition des Gesamtkunstwerks fort. Scherer berührt aber auch weitere Kernthemen von Dada Zürich: Sie veranschaulicht und verdreht autoritäre Beziehungen, sei es in der Sprache, den Gesten oder der visuellen Vermittlung. Die Didaktik erkennt sich irrwitzig.
Im Cabaret Voltaire wird die Installation zur Operette während der gesamten Ausstellungsdauer zu sehen sein. Zur Eröffnnung am 2. Oktober, zur Matinée am 3. Oktober sowie wenn möglich am Ende der Ausstellung belebt Agnes Scherer die Inszenierung gemeinsam mit Tobias Textor (Musiker/Berlin), Soya Arakawa (Performer/Düsseldorf) und Claudia Barth (Performerin und Aktivistin/Zürich). Ergänzend zur Ausstellung im Erdgeschoss ist zudem eine Serie grosser Bleistiftzeichnungen der Künstlerin aus den Jahren 2017–2019 im Obergeschoss zu sehen.
«The Teacher» wurde erstmals im April und Mai 2019 im Berliner Projektraum Kinderhook & Caracas, kuratiert von Sol Calero und Christopher Kline, gezeigt.
Biografien
Agnes Scherer (*1985 in Lohr am Main, Deutschland) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Kunstgeschichte in Tübingen und Wien sowie Freie Kunst an der Kunstakademie Düsseldorf. 2019 gewann sie den Berlin Art Prize. Zuletzt war ihre Arbeit in Gruppenausstellungen zu sehen, u. a. in der Galerie ChertLüdde (Berlin, 2019) und dem Kunstverein Düsseldorf (Düsseldorf, 2019) sowie in den Einzelausstellungen «Coeurs Simples», Galerie Sans Titre (Paris, 2020); «Orlando Tussaud», Philipp Haverkampf Galerie (Berlin, 2019/20); «The Very Hungry», Horse & Pony (Berlin, Berlin Art Prize Finalist*innenausstellung 2019); «The Teacher», Kinderhook & Caracas (Berlin, 2019) und «Cupid and the Animals», Tramps (New York, 2018 und London, 2017). «The Teacher» wurde erstmals im April und Mai 2019 im Berliner Projektraum Kinderhook & Caracas, kuratiert von Sol Calero und Christopher Kline, gezeigt. www.agnesscherer.de
Die Karriere des multidisziplinären Künstlers Soya Arakawa (* 1984 in Hamamatsu, Japan) umfasst langjährige Aktivität im Bereich Performance – darunter Soloperformances in Eigenregie sowie immer wieder Kollaborationen, in denen er als Sänger, Tänzer sowie als Instrumentalist agiert. Sein Beitrag zu «The Teacher» schöpft aus tiefgreifenden Kenntnissen der Puppenspielkunst, mit denen er sich auch in seiner eigenen jüngeren Arbeit intensiv beschäftigt. Zu seinen letzten Projekten gehört die Performance Crystals in der Market Gallery, Glasgow (Februar 2020) und Passacaglia della Vita, gemeinsam mit der Gruppe SPINE (zu der auch Claudia Barth gehört), in der Simultanhalle Köln (September 2020). Soya Arakawa lebt in Krefeld, Deutschland. www.tacolv.org
Die Musik für «The Teacher» wurde von Tobias Textor (* 1986 in Siegen, Deutschland) komponiert. Der in Berlin lebende Musiker kultiviert eine experimentelle Haltung und schafft Musik als spontane Reaktion auf soziale und materielle Umwelten. Seine jüngeren Arbeiten umfassen neben «The Teacher» die Vertonung einer Malperformance von Gregor Hildebrandt, gemeinsam mit Christopher Schmidt (2018), sowie gemeinsam mit Ornella Balhi Kompositionen für die zurzeit entstehende Operette The Salty Testament. 2020 entwickelte er im Rahmen der Künstlerresidenz im Freiraum der Tanzkompanie Ben J. Riepe in Düsseldorf Musik im Zusammenhang mit Zeichnung. Für «The Teacher» hat Textor ein Perkussion-Set aus Gongs und Holzschlaginstrumenten zusammengestellt, die grösstenteils Theaterkontexten entstammen. Durch seine unkonventionelle Herangehensweise an diese Instrumente entlockt er ihnen neue und spannende Soundqualitäten. https://www.instagram.com/tobi...
Im Mittelpunkt der Arbeit Claudia Barths (* 1987 in Herrliberg, Schweiz) steht eine auf Bewegung und Sprechakte konzentrierte Performancepraxis. Aus ihrer gesellschaftlich und politisch engagierten künstlerischen Aktivität gehen ausserdem
Videoarbeiten, bildhauerische Werke und grosse Scherenschnitte hervor. 2019 brachte Barth am EinTanzhaus Mannheim
das Langzeitprojekt Eu-você, eine Zusammenarbeit mit ihrer Schwester Isabelle Barth und brasilianischen Künstler*innen, zum Abschluss. Teil dieses Projekts sind auch die Videoarbeiten every smell a thousand memories, die ebenfalls
2019 in der Raum*station Zürich gezeigt wurden, sowie die Performance Eu não falo português – Ich spreche kein
Portugiesisch, die dieses Jahr als Abschlussarbeit an der HKB Bern online zu sehen ist. Ende Oktober 2020 wurde Claudia
Barth ausserdem im Rahmen des Performancepreises Schweiz in Genf nominiert. Für «The Teacher» performt sie als
Rezitatorin. www.barthclaudia.com, https://cap-common-ground.ch/a...
Angespannte Latenz
Bis zum 30. April sind im Cabaret Voltaire drei grosse Zeichnungen zu sehen. Eine von ihnen, Gegenstände, ist Agnes Scherer zugeschrieben. Die beiden anderen stellen ihre Entstehung durch Scherers Hand – durch jegliche Hand – in Abrede: Inaktiver Zeichenarm und Inaktiver Zeichenarm mit Motiven, die ohne dessen Zutun entstanden zeigen untätige Arme neben verloren wirkender Figurationen. Zusammenhangslose Motive schwirren unerlöst in einem beschädigten Rahmenwerk aus Zaumzeug, dem es offensichtlich misslang, sich zu einem Foulard à la Hermès zu entfalten. Sechs gestrandete Robben versuchen durch Nachahmung der Silhouette des in einer Barke vorbeiziehenden Zeichenarmes zu diesem einen zumindest formalen Bezug aufzubauen. Vergleichbar dem herrenlosen Theaterstückpersonal in Pirandellos «Sechs Personen suchen einen Autor» befindet dieser Motivreigen sich in einer Art Fegefeuer der nur partiell anerkannten Existenz. Zugleich reflektieren die 2017 in schleppender Genesung nach einer Lungenentzündung entstandenen Zeichnungen merkwürdig treffend den heute durch das Pandemiegeschehen herrschenden Zustand angespannter Latenz. Die rätselhafte Bildsprache ihrer Bleistiftzeichnungen, die in Scherers Arbeit eine Kernpraxis darstellen, offenbart sich als Quelle der verwirrenden Schaubilder ihrer Operette/Ausstellung «The Teacher», die derzeit im Ausstellungsraum zu sehen ist. Vor der Kameralinse ziehen die sacht ausgeführten Papierarbeiten sich meist in einen nebulösen Schleier zurück, der die fotografische Reproduktion einer unscharfen Erinnerung angleicht. So zirkulieren sie hauptsächlich in einer Cloud der inneren Bilder, der sie entstiegen sind.
Die Aufführung zur Finissage im Mai 2021 kann aufgrund von Covid-19 nicht stattfinden.
Ausstellungsansicht «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi», mit Werken von Emmy Hennings und Sitara Abuzar Ghaznawi. Photo: Cabaret Voltaire, Gunnar Meier
Emmy Hennings (1885–1948) war mit Hugo Ball Mitbegründerin der Künstlerkneipe und wohl die präsenteste Figur im Cabaret Voltaire. Dass sie als Schriftstellerin und Künstlerin wenig Beachtung bekam, hat unterschiedliche Gründe. Vielleicht wegen ihrer eigenständigen Sprache, des Unbehagens im Umgang mit ihrem Katholizismus; zudem fehlt ihre Spur in der männlich geprägten Dada-Historisierung. Erst in jüngster Zeit bekommt Hennings Anerkennung, und zwar über die Rolle des Kabarett-Sterns hinaus. Wer ihre Romane, Gedichte und Artikel liest, begegnet einer Frau, für die das Schreiben Überlebensstrategie war. Scharfsinnig analysiert sie die Existenz und inszeniert sich als «Vielfaches». Die Ausstellung nimmt ihr Oeuvre ernst und zeigt, dass Kontinuitäten im Gesamtwerk zu erkennen sind. So liegen Ekstase und Glaube nahe beieinander, Gefangenschaft und Freiheit ziehen sich durch ihr Schaffen. Motive wie die Rose sind im Werk wiederkehrend. Erstmals können unter anderem die Glasmalereien aus den letzten Lebensjahren in einer Ausstellung betrachtet werden. Ihnen wurde in der bisherigen Rezeption wenig Anspruch auf Kunst zugeschrieben.
Hennings' Schriften und Malereien treten im Cabaret Voltaire in einen assoziativen Dialog mit den Arbeiten von Sitara Abuzar Ghaznawi (*1995). Die junge Künstlerin inszeniert die literarischen und künstlerischen Werke Hennings in Vitrinen, die zugleich als Skulpturen zu verstehen sind. Das Ausstellungsdisplay als Ort der Begegnung und als Brennpunkt normierter Vorstellungen ist Teil ihrer künstlerischen Fragestellungen. Ghaznawi legt ihr Augenmerk auf Machstrukturen, Möglichkeiten der Teilhabe, Formen von Ästhetik, Handwerk und Wissen. Sie befragt ihre Umwelt aus einer Position zwischen Autonomie und Abhängigkeit, Privatsphäre und Öffentlichkeit, Kollektivität und Individualität. Charakteristisch an ihrer formalen Sprache ist das Selbstgemachte und die Verwendung alltäglicher, oft als wertlos taxierter Materialien. Die Werke wirken fragil und poetisch zugleich. Auch die Wiederholung teilt Ghaznawi mit Hennings; so kehren bestimmte Sujets wie Blumen, Materialien und Muster wieder. Sie resultieren aus ihrer Auseinandersetzung mit sozialisiertem Geschmack und zirkulierenden Motiven.
Die Ausstellung partizipiert am aufflackernden Interesse an Emmy Hennings' Schaffen. Am 7. Februar 2020 eröffnete eine Ausstellung in Pirmasens. Des Weiteren läuft unter anderem an der Universität Basel das Forschungsprojekt Aura und Effizienz in Emmy Hennings Werk.
Emmy Hennings, 1885 in Flensburg/D geboren, 1948 in Soregno bei Lugano gestorben, war Schriftstellerin, Schauspielerin, Kabarettistin und Mitgründerin des Cabaret Voltaire sowie der Galerie Dada. Zu Lebzeiten wurden u.a. folgende Schriften publiziert: Die letzte Freude (1913), Gefängnis (1919), Das Brandmal. Ein Tagebuch, (1920), Helle Nacht (1922), Die Geburt Jesu (1932), Der Kranz (1939). Sie schrieb aber auch für Magazine sowie Zeitungen (u.a. Revoluzzer) und malte.
Sitara Abuzar Ghaznawi, 1995 in Ghazni/ Afghanistan geboren, lebt und arbeitet in Obwalden und Zürich. Sie erlangte 2019 ihren Bachelor an der Zürcher Hochschule der Künste und stellte unter anderem in folgenden Gruppenausstellungen aus: Galerie Maria Bernheim (Zürich, 2019), Fri Art (Fribourg, 2019), Museum im Bellpark (Kriens, 2019), Édouard Montassut (Paris, 2019), Material Art Fair (New Mexico City, 2019). Einzelausstellung: Luma Westbau|schwarzescafé (Zürich, 2019).
Courtesy Werke Sitara Abuzar Ghaznawi: Die Künstlerin
Courtesy Objekte Emmy Hennings: Schweizerisches Literaturarchiv, Universitätsbibliothek Basel, Schweizerisches Bundesarchiv und Zentralbibliothek Zürich
Wir danken dem Schweizerischen Landesmuseum für das Materialsponsoring.
Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.
Sechs Künstler*innen legen in der Künstler*innenkneipe des Cabaret Voltaire Spuren aus, die in verschiedene Richtungen führen können. Die Ausstellung «The Red Herring» benannt nach der englischen Redewendung für eine falsche oder irreführende Fährte, spielt nicht nur mit Ablenkung, sondern vor allem mit Mehrdeutigkeiten und den Erwartungen, die wir an zeitgenössische Kunst und den historischen Geburtsort von Dada stellen. Dieser Ort wird täglich von Tourist*innen, der Kunstszene und zufälligen Vorbeikommenden besucht – einige hoffen, Schätze aus dem letzten Jahrhundert zu entdecken, trotz der Veränderungen des Raumes im Laufe der Zeit. Die Spuren der Künstler*innen lenken bewusst von geradlinigen Interpretationen ab, führen aber stets zurück zu Dada, zur Geschichte des Ortes, zu ihren eigenen künstlerischen Praktiken und den Konzepten, die mit der Idee einer Kunstkneipe verknüpft sind – sowohl im Allgemeinen als auch in Bezug auf diesen spezifischen Ort: 1916 wurde das Cabaret Voltaire im oberen Stockwerk gegründet, bekannt als Holländerstübli der holländischen Meierei, ein Treffpunkt, an dem Bier und Wein angeboten wurden und wo der alte Seemann Jan Ephraim gelegentlich Fisch servierte, wie Zeitungsannoncen von 1915 in der Neuen Zürcher Zeitung bezeugen.
Die Dadaist*innen eröffneten während des Ersten Weltkriegs das Cabaret Voltaire, zunächst als «Künstlerkneipe Voltaire», als Ort für künstlerischen und intellektuellen Austausch. Der Ausstellungshintergrund erinnert an das ursprüngliche Ambiente dieser Kneipe, wie es auf einem Foto von 1940 zu sehen ist. Vermutlich war das Interieur im Jahr 1916 noch rustikaler gestaltet; es bleibt unklar, inwiefern die «Swissness» im damaligen Arbeiter- und Unterhaltungsviertel mit der internationalen Vielfalt der Dadaist*innen und des Besitzers interagierte. Die heutige Künstler*innenkneipe greift diese Referenzen auf und erweitert sie um zeitgenössische Praktiken und Fragestellungen. Dies zeigt sich nicht nur in den vielfältigen Werken der Künstler*innen, sondern auch in den eingeritzten Worten und Sprüchen in der Holzverkleidung – eine typische Erscheinung in Kneipen und historischen Orten, die aus dem Wunsch entstehen, eine Spur zu hinterlassen. Hier treffen banale Aussagen auf ernsthafte Gedanken und Forderungen, ähnlich wie in einem Social-Media-Feed, wo Alltägliches und Politisches problematisch nebeneinander existieren. Die Werke und Inschriften bleiben bis zum Sommer 2025 bestehen. Wer weiss, wie die Welt dann aussehen wird an diesem Ort, der einst für den Widerstand gegen Militarismus, Autoritarismus und Krieg stand und für internationale Solidarität sowie neue Gesellschafts- und Kunstformen eintrat.
Camille Lütjens, Carlo Travaglia, Elena Barmpa, Ice Wong Kei Suet, Laura Nan und Stéphane Nabil Petitmermet absolvieren derzeit ihren Master an der Zürcher Hochschule der Künste. Auch die Dadaist*innen selbst waren Anfang zwanzig, als sie das Cabaret Voltaire gründeten – einige noch Studierende, während andere, wie Sophie Taeuber-Arp, schon an der heutigen ZHdK tätig waren. In ihrem Bestreben, Künstler*innen am Anfang ihrer Karriere neben etablierten und historischen Figuren zu integrieren, hat das Cabaret Voltaire diese sechs aufstrebenden Künstler*innen eingeladen, gemeinsam die Künstler*innenkneipe zu bespielen und durch ihre individuellen Praktiken neu zu interpretieren, während sie gleichzeitig die Geschichte des Ortes widerhallen lassen.
In Kooperation mit der Zürcher Hochschule der Künste.
Unterstützt durch:
Stiftung Erna und Curt Burgauer
Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer-Stiftung
Hier finden Sie den kompletten Ausstellungstext.
Eröffnung: 25.08.2023, 18:00. Programm: «Iron Age Pasta Necklace Workshop» und Performances (18:30–20:00), anschliessendes DJ-Set von Jack Brennan. Mitwirkende: Monster Chetwynd, Dragan Chetwynd, Mariuccia Casadio, Jack Brennan, Lucy Soni, Ella Soni, Mette Sterre, Luca Süss, Dudu, Lukas Ryffel und Levin Stettler Brogli.
In einer Gesellschaft, die einerseits von Regeln, andererseits von Konventionen geprägt ist, verlangt es Orte, die alltägliche Normen aushebeln. Monster Chetwynd schafft solche Räume durch ihre Performances, Bilder und Installationen. Sie spielt mit Maskeraden, verdreht soziale Rituale, leitet Energien um, kreiert hybride Wesen und jongliert mit Bildkulturen vom Mittelalter bis zur Science-Fiction. Das Monströse, Karnevaleske und Groteske ist in ihren Welten immer mit dabei und stets mit Übertreibung, Absurdität, Schrecken und Humor verbunden. Immer aber sind sie dem Positiven verpflichtet. Monster Chetwynds Kunst strahlt den Mut aus, ehrliches Engagement im kreativen Akt zu finden und Proberäume für inklusive Alternativwelten zu inszenieren.
Die Ausstellung «Head-Less-Ness» versammelt Masken, körperhafte Fragmente, bricolierte Möbel, Textildrucke und Malereien in der Künstler*innenkneipe des Cabaret Voltaire. Ursprünglich 1916 als «Künstlerkneipe Voltaire» eröffnet, sollten hier Kunst und Leben Hand in Hand gehen und den Kunstbegriff erweitern. In diesem Sinne kann die Ausstellung als eine Assemblage von Theaterrequisiten betrachtet werden, die es juckt, benutzt zu werden, und die Vorstellungen des Gewohnten und Schönen herausfordern: eine überdimensionale Bank, zu tiefe Stühle, Gemälde als unbequem platzierte Tapeten, freistehende Skulpturen auf Tischen, Motten, Fratzen und Masken.
Beim Grotesk-Karnevalesken ist es immer unklar, wo der Körper aufhört und wo die Welt beginnt. Das passt zum Soziotop «Bar», das als geschlossener Gemeinschaftsraum gesellschaftliche Beziehungen besonders nivellieren und zugleich umkehren kann. Sowohl der Karneval als auch die Bar sind mit Ritualen verbunden, in denen sich das Individuum in der Gruppe und im Drumherum auflöst oder als Selbst wiederfindet. «Never drink alone» heisst dann auch das Getränk, das die Ausstellung begleitet und inmitten der unzähligen Köpfe und Körper zum «Puppet Slam» getrunken werden kann.
Wie immer in ihrer Praxis schöpft die Künstlerin ihre Inspiration aus einer Vielzahl von Quellen, darunter Film, Literatur, Kunstgeschichte und Philosophie. Michail Bachtin, der ausgehend von der Lektüre François Rabelais’ untersucht, wie die volkstümliche Lachkultur des Mittelalters Machtverhältnisse untergräbt, ist nur einer der vielen Referenzen, mit denen Monster Chetwynd arbeitet. Die Ausstellung zeigt auch die fortlaufende Auseinandersetzung mit Gesichtern und Masken der Künstlerin, etwa mit John Boormanns Film Zardoz (1974), in dem altertümliche und futuristische Welten aufeinanderprallen, oder mit Federico Fellinis Film Satyricon (1969), der auf einer Satire über Kaiser Nero basiert.
Die vereinzelten Requisiten im Raum erinnern dabei an das Spiel «Cadavre Exquis» oder an das Kinderspiel «Kopf, Körper, Beine» mit dem gefalteten Papier, bei dem die Spieler*innen eine Zeichnung oder einen Satz vervollständigen, ohne die vorherigen Beiträge zu sehen. Eine Methode, derer sich auch die Surrealist*innen bedienten, um frei assoziierte Worte und Bilder kollektiv zu verbinden.
Monster Chetwynd verwendet in ihrer Kunst häufig die dadaistisch-surrealistische Strategie der «Cut-Ups», ein Prozess, der durch Montage neue Bilder und Texte schafft. Die Künstlerin arbeitet dabei mit Materialien, denen sie im Alltag begegnet und die sie in einem kollaborativen Prozess weiterentwickelt, upcycelt und recycelt. Die Vorliebe Chetwynds für Assemblage und Wiederverwendung gründet darin, dass diese handgemacht und gemeinschaftlich hergestellt werden. Im Cabaret Voltaire ist dieser nachhaltige Ansatz vor allem in Zusammenarbeit mit Gabi Deutsch, Dimitrij Stockhammer, Social Fabric, Natascha Madeiski und Esther Schena entstanden.
In Chetwynds Praxis geht es nicht um ein ironisches Spiel mit Versatzstücken, sondern um eine zeitgenössische Perspektive, die das «radikale Lachen» als einen wesentlichen Bestandteil des Widerstands beibehält. Chetwynd verspricht nicht die Erlösung, aber sie findet weiterhin Gefallen daran, die Moral und den Geist zu stärken und das Dionysische freizulassen. Die mittelalterlichen Anspielungen und die Science-Fiction-Analogien bieten eine Möglichkeit, in dystopischen Zeiten Fantasien zu erzeugen, die inklusiv wirken. Nun ist ihr künstlerisches Universum erstmals in einer Bar zu erleben, die zur Teilhabe einlädt und im Laufe eines ganzen Jahres mehrmals performativ aktiviert wird.
Monster Chetwynd (*1973, London) lebt und arbeitet in Zürich. Sie erhielt 1995 einen Bachelor-Abschluss in Sozialanthropologie und Geschichte vom University College London und 2004 einen Master-Abschluss in Malerei vom Royal College of Art. Sie hat international performt und ausgestellt, u.a. in der SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT (2023); Konsthall C, Stockholm (2021); Studio Voltaire, London (2021); De Pont, Tilburg (2019); Villa Arson, Nizza (2019); Tate Britain, London (2018); CCA Centre for Contemporary Arts, Glasgow (2016); Bergen Kunsthall (2016) und dem Bonner Kunstverein (2016). Im Jahr 2012 wurde sie als erste Performance-Künstler*in für den Turner Prize nominiert. Das Spiel mit Erwartungen und Normen in der Kunst spiegelt sich auch im Namen der Künstlerin wider: Früher als Spartacus und Marvin Gaye Chetwynd bekannt, nennt sie sich seit 2018 «Monster».
Die Ausstellung wird unterstützt durch: Stadt Zürich, Kanton Zürich, Albert Huber-Stiftung. Wir danken herzlich!
Monster Chetwynd «Head-Less-Ness», Cabaret Voltaire 2023. Photo: Philipp Hänger
Monster Chetwynd «Head-Less-Ness», Cabaret Voltaire 2023; Monster Chetwynd, Drinking game, 2023. Photo: Philipp Hänger
Monster Chetwynd «Head-Less-Ness», Cabaret Voltaire 2023; Monster Chetwynd, my opinion (multiples), 2023; Monster Chetwynd, flat head (multiples), 2023; Monster Chetwynd, Statue, 2023. Photo: Philipp Hänger
Monster Chetwynd «Head-Less-Ness», Cabaret Voltaire 2023; Monster Chetwynd, midlife crisis (multiples), 2023. Photo: Philipp Hänger
Eröffnung: 30. April 2022, 18:00–03:00
Ausstellungsdauer: 30.04.2022–13.08.2023
Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.
Im Eingangsbereich befindet sich neu eine Bar, die jeweils für ein Jahr von einer künstlerischen Position bespielt wird und das Haus zur Münstergasse hin öffnet. In ihrer Bezeichnung «Künstler*innenkneipe» referiert die Bar auf den ursprünglichen Namen des Cabaret Voltaire: Die Dadaist*innen eröffneten ihren Kunstraum 1916 ursprünglich als «Künstlerkneipe Voltaire». Mit dem Genderstern wird die Setzung aktualisiert, die Verschränkung von Kunst und Gastronomie aber weitergetragen. Das Cabaret Voltaire lädt Menschen ein, sich ohne museale Absperrungen inmitten von Kunst zu begegnen.
Den Anfang macht Ilaria Vinci (*1991) mit ihrer Ausstellung «Phoenix Philosophy Café». Vinci erforscht in ihrer Praxis das, was sie als «Zone der Fantasie» bezeichnet: Der Bereich in der menschlichen Psyche, in dem sich Selbst- und Weltwahrnehmung treffen und verschwimmen. Die Künstlerin geht der Frage nach, was Realität ausmacht und wie Menschen kommunizieren und imaginieren. Dazu schafft sie Installationen, kreiert Requisiten und Schriftzüge, die sich visuellem und sprachlichem Vokabular bedienen, beim Alltäglichen ansetzen, immer aber ins Phantastische kippen.
Für «Phoenix Philosophy Café» ging Ilaria Vinci von einer besonderen Form von Feuerstelle aus, die ihren Ursprung in Süditalien um 1900 hat: Eine Art Wohnnische, in der sich Menschen versammeln, Geschichten austauschen, debattieren, essen, trinken oder zusammen spielen. Die teilweise leicht angebrannten Möbel, die die Künstlerin für die Ausstellung durch gekonnte malerische Effekte schuf, unterstreichen diese Referenz. In Grautönen gehalten, wirken die Tische und Stühle allerdings leicht entrückt, wie aus einem alten Schwarzweiss-Film. Ganz im Kontrast dazu erinnern die buntflackernden Flammen im Hintergrund an Tiffany-Leuchten, eine spezielle Technik der Glasverarbeitung im Jugendstil. Die Feuerstelleästhetik – dazu gehören auch die von Vinci designten Ziegelsteinkissen in digitaler Ästhetik – kippen mit den Lampen in eine avantgardistische Grand-Café-Atmosphäre. Sowohl die Feuerstelle als auch das Café sind Orte der Begegnung und des Austausches, wobei dem Feuer eine spezielle ästhetische und soziale Kraft zukommt.
Um das Lagerfeuer herum zeigen sich individuelle Gesichter und Gedanken besonders nuanciert, dann verschwinden sie in einem kollektiven Schattenspiel. Flammen fesseln, sie beruhigen, sie wühlen auf. Im lodernden Feuer finden oder verlieren sich Blicke. Die Feuerstelle (und auch das Café) scheint ein Ort zu ein, an dem sich existentialistische Fragen besonders offenbaren: also Auseinandersetzungen mit gelebten Erfahrungen und die Sicht auf ein Individuum als etwas, das in seinem Wesen nicht vorbestimmt ist, sondern erst zu dem wird, was es ist, indem es sich selbst schafft – abhängig von den Situationen, in welchen sie sich wiederfinden. Die grosse gestische Acrylmalerei, teilweise in Airbrush-Technik, in der Nische an der hinteren Wand deutet auf solche Gedankenspiele an.
An der linken unteren Bildhälfte befinden sich drei brennende Kerzen, die mal klarer, mal abstrakter als «I» (deutsch «Ich») gelesen werden können. Spätestens ausgelöst wird diese Assoziation, wenn der Blick auf die vielen Buchstaben «I» schweift, die an ein konkretes oder dadaistisches Gedicht erinnern. Die Wiederholungen von «I» als «Ich» lösen unterschiedliche Gedankenketten aus. Beispielsweise zur gegenseitigen Abhängigkeit der vielen einzelnen Ichs, wodurch die Frage aufkommt, wo das kollektive «Wir» stehen soll. Als deutschsprechende Person führt die Aussprache des englischen «I» absurderweise zum «Ei» (engl. «egg»), das den Schwerpunkt des Gemäldes bildet. Im Gegenüber des in Flammen stehenden Eies und der Kerzen liegt die Überlegung nahe, dass weniger Vergänglichkeit, sondern die Auseinandersetzung mit Lebens- und Gedankenzyklen dem Bild zugrunde liegen. Vinci schafft eine Bildsituation, die sich jeden Moment ändert, ein Transformationsprozess, bei dem nicht klar ist, ob bald etwas Neues aus dem Ei schlüpft oder ausgebrannte Schalen zurückbleiben.
Das brennende Ei auf dem Nest ist eine Referenz an die mythologische Figur des Phönix, die sich in der Ausstellung immer wieder erkennen lässt, etwa auf beiden flankierenden Säulen der Kaminkonsole. Phönix ist die Geschichte eines fabelhaften Vogels, angeblich gross wie ein Adler, mit scharlachrotem und goldenem Gefieder, der sich mit wohlklingenden Schreien mitteilte. Als sich das Leben des Vogels dem Ende zuneigte, baute er sich in der Sonnenstadt Heliopolis ein Nistplatz aus duftenden Zweigen und Gewürzen, zündete das Nest an und verbrannte in den Flammen. Aus dem Scheiterhaufen stieg ein junger Phönix hervor, weshalb die Geschichte zur Metapher für Wiedergeburt und Resilienz wurde. Die Redewendung «wie Phönix aus der Asche» steht aber auch für den Zusammenbruch eines alten Systems und das Aufkommen alter Werte im neuen Gewand – im Dada-Haus und dem Kontext damaliger und aktueller Ereignisse eine bemerkenswerte Referenz.
Eine weitere Bezugnahme ist die Sage des Prometheus, eine der bekanntesten literarischen Figuren. Auch in dieser Geschichte kommt dem Feuer eine wichtige Rolle zu, wenn es um die Handlungsmacht der Menschen geht. Prometheus gilt als Feuerbringer und Kulturbringer, als Begründer menschlicher Zivilisation. Je nach Interpretation gilt er als mutiger Rebell gegen unterdrückende Narrative oder als fortschrittsgläubige Übersteigerung des Menschen.
Die Ausstellung von Vinci ist kein Ort traditioneller Kontemplation von Kunstwerken, sondern auch eine Sitzecke, in der Menschen mit unterschiedlichen Geschichten zusammenfinden und miteinander interagieren; sich selber und andere entdecken. Es geht um den Prozess der Gedankenbildung, der Mitteilungsform und (existentialistisch gedacht) um Momente der Entscheidungen. Vielleicht kann auch der Kunstraum als ein solcher Brutkasten verstanden werden: In der Auseinandersetzung mit grossen, existentiellen und zeitübergreifenden Fragen reifen Impulse für Veränderungen.
Neben der Tatsache, dass die Ausstellung auch Bar ist, ziehen sich Vincis Eingriffe in weitere Bereiche des Betriebs: Zur Ausstellung gehört beispielsweise der Cocktail «Smoky Tear», ein rauchiges Getränk mit Smoke Bubbles, und immer wieder sollen Soireen und diverse Aktivierungen stattfinden: Lesungen, ein gemeinsames Schachspielen oder ein Filmabend sind geplant. In «Phoenix Philosophy Café» verschwimmen Kunsterfahrung und Gastronomie, Ausstellung und Veranstaltungen.
Zur Eröffnung am 30. April 2022 findet die erste Rahmenveranstaltung statt, die auch den Gewölbekeller und den Historischen Saal einnimmt, den Blick auf die neuen architektonischen Eingriffe aber trotzdem zulässt. Phönix zieht von Raum zu Raum, entfacht Feuer, das wieder erlischt und an einem anderen Ort entzündet. Den ewigen Kreislauf weiterdenkend, widmen sich die Beiträge unter anderem dem Sampling und der Wiederholung mit Differenz als künstlerische Praxis. Entsprechend dem verbindenden und zerstreuenden Gedanken des Feuers – und dem dadaistischen Erbe folgend – versammeln sich im Haus unterschiedliche Klänge und Bewegungen. Die Performance «When Darkness», die als Teil der Ausstellung zu verstehen ist, setzt sich zusammen aus einem Live-Soundpiece von Rafal Skoczek und Jamira Estrada, das als Soundtrack zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» bestehen bleibt, und einer Tanzperformance der Gruppe Stay Kids (mit Ave, Sunny, Tiny, Mary, Anaïs, Arun und Milo) mit Kostümen von Ronja Varonier.
Wir danken Serena Scozzafava für die Hilfestellung bei der Produktion der Textilien, die als Kissenbezüge benutzt werden.
Diese Ausstellung und das Begleitprogramm werden von der Fondation Jan Michalski, der Else v. Sick Stiftung, der Stadt Zürich und dem Kanton Zürich unterstützt.
Ilaria Vinci, Miss Phoenix, 2022
Im Kontext von «Lee Scratch Perry» widmet sich die Auswahl dem Begriff «Rastaquouère», der ab 1880 im französischsprachigen Raum verwendet wurde, um die exotische Figur eines Parvenüs zu beschreiben – meist südamerikanischen oder mediterranen Ursprungs – der einen suspekten und geschmacklosen Luxus zur Schau stellt. Obwohl der Begriff aus dem spanisch-amerikanischer Kontext stammt (rastacuero) und keine etymologische Verbindung zum Wort «Rastafari» hat, werden beide oft als «Rasta» abgekürzt. Sie tauchen kurioserweise im Zusammenhang mit der Kolonialgeschichte, dem Exotismus sowie den damit verbundenen rassistischen Klischees wie der Vorstellung von «mauvais goût» auf. Bei Dada findet sich der Begriff «Rastaquouère» häufig in Texten und Werken aus den 1920er-Jahren. Er wird positiv umgedeutet, um eine dandyhafte, «bon-vivant» Haltung zu beschreiben, die Autoritäten verhöhnt – eine Haltung, die auch die Dadaist*innen selbst gerne einnahmen. Trotz dieser positiven Neuinterpretation reproduzieren die hier gezeigten Texte rassistische Klischees, die es zu benennen gilt.
1) Gabrielle Buffet, Le rastaquouère, Revue Mécano, Original, Leiden, Juli 1922
Gabrielle Buffet (1881–1985), eine französische Musikerin, stand in enger Verbindung zur Dada-Bewegung. Sie war seit 1909 Picabias Ehefrau und verfasste das Vorwort zu «Jésus-Christ Rastaquouère». Der ausgestellte Text ist ein Auszug daraus, der zwei Jahre später in der «Revue Mécano» wiederveröffentlicht wurde, einer von Theo van Doesburg herausgegebenen Zeitschrift, die zwischen 1922 und 1924 von De Stijl veröffentlicht wurde. Eine bildhafte und spielerische Prosa beschreibt die Figur des «Rastaquouère» gemäss den Vorurteilen, die diesen abwertenden Begriff damals umgaben: eine geizige Figur – ein Diamantenfresser – der Gegenstände schätzt, aber ihre Feinheiten nicht versteht.
2) und 3) Tristan Tzara, Haute Couture. Monsieur Aa l’Antiphilosophe, Zeitschrift Littérature No 11, Paris, Januar 1920, Faksimile
Dieser Text wurde in der Nummer 11 der Zeitschrift Littérature neben Texten von André Gide, André Breton und Paul Eluard unter anderen veröffentlicht. Er ist Teil verschiedener Texte von Tristan Tzara, in denen die Figur des «Monsieur Aa l’Antiphilosophe» auftaucht, eine Art Alter Ego, das gegen jede Philosophie, Ideologie und Politik rebelliert. Tzara schloss sich der Dada-Gruppe bereits 1916 in Zürich an, wo er ein Philosophiestudium, das er nie beendete, machte. Das «Aa» vor dem Antiphilosophe im Titel dieses Textes ist ein Sprachspiel, das so verstanden werden kann, dass es sich sowohl auf Tzara als auch auf Dada bezieht.
4) Festival Dada, Monografie, Paris, Mai 1920, erwähnter Vortrag von Breton Titel «le rastaquouère»
Diese Seite enthält das Programm des Dada-Festivals, das am 26. Mai 1920 in der Salle Gaveau in Paris stattfand und den Höhepunkt der Dada-Bewegung in Paris darstellte. Zwischen Klavierkonzerten traten berühmte Namen der Avantgarde wie Paul Eluard und Tristan Tzara mit Lesungen oder Performances auf. André Breton trug einen Text mit dem Titel «le rastaquouère» vor – so zeigt sich ein generalisiertes Interesse an diesem Begriff. Im selben Jahr hätte Breton das Vorwort für Picabias Buch schreiben sollen, doch schon im August 1920 distanzierte er sich von der Dada-Bewegung und begann seine eigene künstlerische Reform, die später den Namen «Surrealismus» erhielt.
5) Francis Picabia, Jésus-Christ Rastaquouère, Paris, Au Sens Pareil, 1920, Original, Titelseite
Francis Picabia (1979–1953) war ein französischer Künstler, dessen Lebensstil direkt mit dem Begriff «Rastaquouère» in Verbindung gebracht wurde. Er bewegte sich geschickt in den Kreisen der Avantgarde, insbesondere in New York, und folgte der Dada-Bewegung in Paris und Zürich. Das Buch «Jésus-Christ Rastaquouère», inspiriert von Nietzsches nihilistischer Philosophie, ist insofern Dada (als Anti-Kunst), indem es alle Konventionen verspottet, besonders die des Kunstsystems und ihren heiligen Charakter. Die christliche Referenzen in diesem Werk – wie im Titel zu erkennen – grenzen an Blasphemie und tragen dazu bei, das Werk und seinen Autor zu entheiligen. Picabias Faszination für den Begriff «Rastaquouère» zeigte sich im selben Jahr in der Collage «Tableau Rastadada», in der er sich selbstironisch darstellt.
6) Francis Picabia, Jésus-Christ Rastaquouère, Paris, Au Sens Pareil, 1920, Faksimile. S. 10, Zeichnung «Portrait de la Reine du Perou» von Georges Ribemont-Dessaignes.
Francis Picabia entschied sich dafür, das Buch «Jesus Christ Rastaquouère» mit Illustrationen des französischen Schriftstellers und Malers Georges Ribemont- Dessaignes (1884-1974), einer wichtigen Figur der Dada-Bewegung in Paris, zu versehen. Diese Geste trägt zu einer Praxis bei, mit der die Autorität des Autors im Dada und in den Kreisen der Avantgarde durch kollaborativen Praktiken in Frage gestellt wurde. Diese Zeichnung mit dem Titel «Porträt der Königin von Peru» lässt sich mit der im Buch beschriebenen grotesken Geschichte einer Figur namens Jacques Dingue vergleichen, die sich in eine peruanische Frau verliebt. Das Element der Krone als Darstellung einer hierarchischen Macht wird in dieser fast kindlichen Zeichnung mit skurrilen Kommentaren verfremdet. Picabias Text daneben demonstriert die verspielte und pikante Prosa des Künstlers, führt aber auch eine gewalttätige Verwendung bestimmter Begriffe aus der Kolonialgeschichte vor.
1) Contimporanul, Nummer 46, mit einem Bild von Marcel Janco (Faksimile)
Die Zeitschrift Contimporanul wurde von 1922 bis 1932 monatlich in Bukarest herausgegeben und entwickelte sich zu einer Plattform für den rumänischen Modernismus. Die hier vorgestellte Ausgabe enthält unter anderem das «Manifest activist către tinerime» (Aktivistisches Manifest an die Jugend) von Ion Vinea, der neben Marcel Janco Herausgeber der Zeitschrift war.
2) Merz 2, Nummer i, Manifest Proletkunst, April 1923 (Faksimile)
Die Zeitschrift Merz wurde von Kurt Schwitters gegründet und zwischen 1923 und 1932 in Hannover herausgegeben. Auf Seite 24 und 25 dieser Ausgabe veröffentlichte Theo van Doesburg sein «Manifest Proletkunst», das sich auf die Theorie des Proletkult bezog, die von Bogdanov und Lunatscharski in Verbindung mit der russischen Revolution von 1917 entwickelt worden war, und deren Berufung auf eine Ästhetik, die sich an die Arbeiterklasse richtete, kritisierte. Der Text wurde von von Doesburg, Schwitters, Arp, Tzara und Spengemann unterzeichnet.
3) The Little Review, Nummer 9, 1924, New York/ London (Faksimile)
Das schöne Titelblatt mit den Buchstaben und Zahlen gehört dem in New York publizierten «The Little Review»-Magazin. Gegründet von Margaret Andersen wurden darin zwischen 1914 und 1929 Beiträge über Kunst publiziert. Das Magazin ist vor allem dafür bekannt, frühe dadaistische und surrealistische Werke zu abgedruckt zu haben. Auf Seite 7 in dieser Ausgabe (9 (1923), 4) sind die Titel der sieben Manifeste von Tristan Tzara aufgelistet. In einem begleitenden Kurztext fordert er die Leser*innen zudem auf, seine Texte zu lesen; seine Manifeste würden zeigen, dass nichts wichtig sei.
4) Zeitschrift Procellaria, Nummer 5, 1920, Mantova, S.66-67
Gino Cantarelli war ein Dichter und Maler, der zunächst mit dem Futurismus und dann mit Dada assoziiert wurde. Von 1917 bis 1920 gab er zusammen mit Aldo Fiozzi das Magazin «Procellaria» heraus. In dieser Ausgabe vom 5. Februar 1920 sprechen die Verfasser*innen über ein Manifest von Zürcher abstrakten Maler*innen, das «Inspiration für eine den gesamten geistigen Horizont umfassende Basis liefert». Wahrscheinlich handelt sich dabei um das «Manifest der radikalen Künstler» (siehe Reader zu den historischen Manifesten im Historischen Saal).
5) Vincent Huidobro, Manifestes, Manifeste, Manifest, Manifest, Manifeste, Manif, Mani, Man Ma, M, 1925, Paris
Vincent Huidobros Cover besticht durch sein typografisches Spiel «Manifestes, Manifeste, Manifest, Manifest, Manifeste, Manif, Mani, Man Ma, M». Huidobro war ein chilenischer Dichter, der die literarische Bewegung Creacionismo gründete. Zunächst kritisch gegenüber der Form des Manifests, nutzte er diese, um seine Ideen zu verbreiten und sie in das Panorama der europäischen Avantgarden wie dem Surrealismus einzuordnen. Später setzte er seine Ideen um, indem er sich direkt in die chilenische Politik einmischte.
6) Hugo Ball, Eröffnungs-Manifest, 1916, Zürich (Faksimile)
Hugo Ball war ein deutscher Schriftsteller und Dichter, der im Februar 1916 zusammen mit Emmy Hennings das Cabaret Voltaire mitbegründete. Dieser Text wurde beim 1. Dada-Abend im Zunfthaus zur Waag am 14. Juli 1916, gelesen, als die Dada-Gruppe das Cabaret Voltaire bereits verlassen hatte.
«Das Cabaret Voltaire (...) wurde ein Karneval phantastischer Experimente, wir tanzten, schrien und überkugelten uns», hielt Richard Huelsenbeck 1920 fest. Das Groteske, Monströse, Karnevaleske und Exzessive bargen für die Dadaist*innen einerseits das Potenzial, das Weltgeschehen als das eigentlich Absurde vorzuführen. Andererseits versuchten sie damit, die Grenzen des europäischen Kulturkanons und westlicher Normen zu sprengen. Insbesondere Masken waren bei Dada eine beliebte Ausdrucksform, um mit Konventionen und Identitäten zu spielen. Sie boten gemäss Cabaret-Voltaire-Mitgründerin Emmy Hennings inmitten des Ersten Weltkriegs auch einen «Schutz vor der Verzweiflung an der Zeit». So wurde die Maske zur performativen Agentin, um sich vor dem Grauen zu distanzieren und bürgerliche Rollenbilder aufzubrechen. Gleichermassen blieben die Dadaist*innen selbst in Machtstrukturen verfangen und bedienten sich auf der Suche nach einer neuen Formsprache bei nicht-europäischen Kulturen, ohne den kolonialen Kontext zu reflektieren.
Die aktuelle Auswahl von Exponaten aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich in der Dada-Vitrine nimmt sich diesem Themenfeld an.
–Richard Huelsenbeck, En Avant Dada. Eine Geschichte des Dadaismus, 1920, 23.5 x 15 cm, Kunsthaus Zürich
Richard Huelsenbeck, Schriftsteller, Dichter, später auch Psychiater und Psychoanalytiker, emigrierte als Kriegs- dienstverweigerer von Berlin nach Zürich und gehörte sowohl der Zürcher als auch der Berliner Dada-Gruppe an. 1920 veröffentlichte er die ausgestellte Publikation En Avant Dada. Eine Geschichte des Dadaismus, worin er u.a. «Herren, die Wert darauf legen, in einer Literaturgeschichte genannt zu werden», fragte, wo «lachende und weinende Augen über dem ungeheuren Hintern und Karneval dieser Welt» seien.
–Man Ray, André Breton mit Maske, (Foto, Faksimile), 1930, 28.8 x 21.7 cm/65 x 50 cm, Kunsthaus Zürich, Fotosammlung, 1988
Man Ray war ein Dada-Künstler, der in New York und Paris wirkte. Sein medienübergreifendes Werk zeugt von einem Interesse an neuen Technologien und deren plastischem Potenzial. Auf seinen Fotografien tauchen immer wieder Masken auf, die in Bezug auf den Umgang mit Kolonialgütern, der Gegenüberstellung von westlichen und nicht-westlichen Kulturen sowie der Ästhetisierung von Hautfarbe und Geschlecht vielschichtig diskutiert werden. In der Dada-Vitrine befindet sich ein von Man Ray fotografiertes Porträt des Surrealisten André Breton.
–Francis Picabia, Choix de poèmes, 1947, 16.7 x 10.8 cm, Kunsthaus Zürich, Bibliothek
Der französische Maler, Zeichner und Schriftsteller Francis Picabia fühlte sich früh von neuen Formen der maleri- schen Abstraktion angezogen und beteiligte sich an den aufkommenden europäischen Avantgarde-Bewegungen wie dem Kubismus, Dada oder dem Surrealismus. In New York verkehrte er unter anderem mit Marcel Duchamp und Man Ray, 1918 lernte er die Dada-Gruppe in Zürich kennen. Im hier gezeigten Gedicht beschreibt sich der Ich- Erzähler als narzisstisches, grandios und überlegenes «schönes Monster». Der Begriff «Monster» wurde später benutzt, um eine Reihe seiner Gemälden und Collagen zu betiteln, die den ästhetischen Kanon des Porträt-Genres mit deformierten Figuren dekonstruieren.
Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller
Im Gewölbekeller befindet sich neu eine klimasichere Vitrine, in der jeweils für zwei bis drei Monate ausgewählte Originaldokumente aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich ausgestellt sind. Gemeinsam mit dem Kunsthaus Zürich werden die Exponate ausgewählt. Dass nur wenige Dokumente gezeigt werden, ermöglicht einerseits eine konzentrierte inhaltliche Auseinandersetzung mit den Objekten. Andererseits können durch die Isolierung präzise Fragen zur Rezeptions- und Sammlungsgeschichte von Dada gestellt werden. Des Weiteren treten die Exponate so in einen Dialog mit den Ausstellungen im Gewölbekeller. Historische Dokumente und dadaistische Strategien treffen auf zeitgenössische Themen und Fragestellungen.
Für die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» werden neben Originaldokumenten aus der Sammlung des Kunsthauses auch Exponate aus den Sammlungen des ZHdK-Archiv und des Museums für Gestaltung gezeigt.
Exponate Slot 3 (14.10.2022–17.01.2023)
–Sophie Taeuber-Arp, Composition, Blatt aus der «Allianz- Mappe» 5 constructionen + 5 compositionen, herausgegeben von Max Bill im allianz-verlag, Zürich, 1941 Farblithografie auf Papier, Blattmass: 31.9 x 30.5 cm, Passepartout: 65 x50 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 1942)
–Sophie Taeuber-Arp, Baumcollage, 1918, Papier, Collage: 16 x 10 cm, Passepartout: 50 x 35 cm, Sammlung Museum für Gestaltung
–Sophie Taeuber-Arp, Unbekannte*r Fotograf*in, Fotografie von Sophie Taeuber-Arps Fresco aus dem Zürcher Dada Pantheon, um 1920, Silbergelatineabzug, Blattmass: 11,6 x 15.8 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 2017)
–Sophie Taeuber-Arp, Blanche Gauchat, Unterrichtsdokumentation Zeichnen für textile Berufe. Anleitung zum Unterricht im Zeichnen für textile Berufe, 1927, Print, Broschüre, 25 x 20.5 cm, 19 Seiten, 33 Blätter (19 Seiten Text und 33 Bilder), ZHdK-Archiv
Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller
Im Gewölbekeller befindet sich neu eine klimasichere Vitrine, in der jeweils für zwei bis drei Monate ausgewählte Originaldokumente aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich ausgestellt sind. Gemeinsam mit dem Kunsthaus Zürich werden die Exponate ausgewählt. Dass nur wenige Dokumente gezeigt werden, ermöglicht einerseits eine konzentrierte inhaltliche Auseinandersetzung mit den Objekten. Andererseits können durch die Isolierung präzise Fragen zur Rezeptions- und Sammlungsgeschichte von Dada gestellt werden. Des Weiteren treten die Exponate so in einen Dialog mit den Ausstellungen im Gewölbekeller. Historische Dokumente und dadaistische Strategien treffen auf zeitgenössische Themen und Fragestellungen.
Exponate Slot 1 (20.05.2022–18.07.2022)
–Das Neue Leben. Erste Ausstellung, Kunsthaus Zürich, 1919, Zürich Ausstellungsheft, 16 Seiten, Kunsthaus Zürich, Bibliothek (seit 1919)
–Hans Richter, Portrait Heinrich Coray (Han Corray), 1917, Grafitstift auf kariertem Papier, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 1980)
–Tristan Tzara, Vortrag, Januar 1917, Galerie Corray, Zürich, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, (seit 1980)
In der Dada-Bibliothek wird eine Arbeit des Künstlers Stefan Burger (*1977) gezeigt. Burger präsentiert zwei den Raum und bestenfalls die Gemüter erhellende Leuchtenobjekte. Die Skulpturen aus gegossenem Glas und Aluminium setzen Burgers 2020 im Cabaret Voltaire begonnene Auseinandersetzung mit Kunst als Gebrauchsgegenstand fort. Die Begrifflichkeiten, mit welchen sich die Skulpturen attributieren lassen, schwanken munter zwischen hübsch und hässlich, pedantisch und rotzig, dekorativ und nützlich, ekelhaft und erotisch. Es sind hybride Anlagen oder Kippfiguren, die je nach Betrachtung zu einer unterschiedlichen Qualität oder Deutung neigen und mit Zierrat und Funktion umgehen. Einige Formreferenzen ergeben sich aus dem Arbeitsvorgang: Wenn flüssiges Glas miteinander verbunden wird, hängt es stets zu Boden. Brezel und Böppel (ganz in der Tradition von Bollen und Bölleli) dienen als ornamentale Wiederholungen, entspannt bedeutungsarm und dennoch entfernt mit eklektischen Zierstrategien wie der barocken Rocaille verwandt. Die Trägerstruktur der Leuchte wiederum, eine ehemalige Leiter, entstammt dem Zürcher Kanalisationssystem und wurde ursprünglich gewaltsam aus einem dort hinunterführenden Schacht entrissen. Eigentlich als Ein- und Ausstiegshilfe angelegt, erfreut sich der Schachttritt nun neuen Aufgaben als Leselampe und Ambiente prägendes Objekt. Die Arbeit mit flüssigem Glas involviert Farben von intensiver Leuchtkraft, welche dank ihrer keramischen Natur unverwüstlich heiter weiter leuchten. Auch die Namen der benutzten Farbpalette «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) denkt der Künstler als Fröhlichkeitsverstärker: eine Einladung also zum guten Mute.
Den vollständigen Text über die Bibliothek und die Werke von Stefan Burger finden Sie hier.
Eröffnung der Ausstellung «Puppet Slam»: Sonntag, 17. September, 2023, 15 Uhr im Cabaret Voltaire.
Im Rahmen des Neubaus und der Sanierungen des Wehrli- und des Hertherbaus der Schule Hirslanden Sek wurde 2018 in einem Studienauftrag auf Einladung das Kunst-und-Bau-Projekt «School Models» des Künstlers Florian Graf (*1980 in Basel) ausgewählt.
Im letzten Semester haben Schüler*innen der Sek Hirslanden in einem Workshop mit Monster Chetwynd eine Reihe von farbenfrohen Puppen aus verschiedensten Materialien entwickelt, die die Modell-Schulhäuser von
Florian Graf bewohnen können. Die Puppen und eine filmische Inszenierungdieser Figuren werden zusammen mit einer Dokumentation des Entstehungsprozesses der «School Models» von Florian Graf vom 18. September bis zum 1. Oktober 2023 im Cabaret Voltaire ausgestellt. Gleichzeitig ist im Cabaret Voltaire die Ausstellung «Head-Less-Ness“ (bis Sommer 2024) von Monster Chetwynd zu sehen.
Florian Graf realisierte eine Skulpturengruppen, die sich aus Steinmodellen der drei aus unterschiedlichen Epochen stammenden Schulhäusern zusammensetzt. Statt nun die Schulhäuser auf Sockeln zu platzieren, wo sie aus Distanz bestaunt werden können, lässt Graf die Modelle auf überdimensionierte Spielklötze setzen. Die Bausteine aus eingefärbten Terrazzo und die Schulhäuser aus Kalkstein können von den Schüler*innen auch als Sitzgelegenheit benutzt werden. Man kann sich also an seinem Schulhaus anlehnen oder auch mal von oben herab auf die Schule schauen. Florian Grafs Skulpturenensemble ist ein augenzwinkerndes Spiel mit Grössenverhältnissen und mit unserer Wahrnehmung: Es regt dazu an, unsere Betrachter*innen-Positionen zu wechseln, andere Blickwinkel einzunehmen und uns zwischen Modell und Wirklichkeit zu bewegen.
Seit dem letzten Frühling leitet Monster Chetwynd (*London, UK, lebt und arbeitet in Zürich) einen Workshop für Schüler*innen der Schule Hofacker. Unter dem Titel «Puppets and Autoreflexive-reprensentations» (2023) haben sie gemeinsam eine Reihe von farbenfrohen Puppen aus verschiedensten Materialien wie etwa Pappe, Stoff oder gefundenen Elementen entwickelt, die nun die Modell-Schulhäuser von Florian Graf bevölkern können. Denn eine Schule funktioniert nur mit Schüler*innen. Die Puppen werden ausserdem ab dem 17. September im Cabaret Voltaire ausgestellt, als Teil von «Head-Less-Ness», der aktuellen Einzelausstellung von Monster Chetwynd. Im Workshop lernten die Schüler*innen, wie man Figuren erschaffen und mit Puppenspieltechniken zum Leben erwecken kann. Die Künstlerin, die bekannt ist für ihre überschwänglichen und humorvollen Performances mit handgefertigten Kostümen, Requisiten und Bühnenbildern, erklärt, ihre Objekte seien aus einer «Ungeduld heraus entstanden». Dabei recycelt sie oft Materialien, die von den zahlreichen Personen, die sie zum Mitmachen einlädt, einfach verarbeitet und verwendet werden können: ein Ansatz, der die kollektive Entwicklung unterstreicht, die das Schaffen der Künstlerin massgeblich prägt.
Die Werke aus dem Schüler*innen-Workshop mit Monster Chetwynd sind vom 18. September bis zum 1. Oktober in der Künstler*innenkneipe zu sehen.
1982 kuratierten Laura Mulvey und Peter Wollen die Ausstellung «Frida Kahlo and Tina Modotti» in der Whitechapel Gallery in London, die anschließend nach Berlin, Hannover, Hamburg, Stockholm, New York und Mexiko-Stadt reiste. In den Galerieräumen wurden die Werke der damals noch recht unbekannten mexikanischen Malerin Frida Kahlo und der italienischen Fotografin Tina Modotti einander gegenübergestellt und als frühe Beispiele eines politischen Modernismus zweier kraftvoller Künstlerinnen gezeigt, die im Gefolge der mexikanischen Revolution arbeiteten. Begleitend zur Ausstellung drehten Wollen und Mulvey einen essayistischen Dokumentarfilm. Vierzig Jahre nach der Whitechapel-Ausstellung zeigt das Cabaret Voltaire ausgewähltes Material aus diesem Kontext. Fotografien, Texte, Tonaufnahmen und der Dokumentarfilm von Mulvey und Wollen beleuchten den kulturellen Kontext der 1980er Jahre. Die kleine Ausstellung ist vom 1. November bis zum 13. November im Historischen Saal zu sehen.
Am 8. November wird die Filmwissenschaftlerin Laura Mulvey anlässlich ihres ersten Besuchs in Zürich auf die Ausstellung zurückblicken, um die Ziele und ästhetischen Entscheidungen der kuratorischen Arbeit zu reflektieren; sie wird auch über die praktischen und theoretischen Prozesse sprechen, die zur Umsetzung der Ausstellung in den filmischen Raum führten.
Die Ausstellung ist Teil der Veranstaltung «Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zürich» organisiert durch das Seminar für Filmwissenschaft. Mehr Infos
Laura Mulvey und Peter Wollen, «Frida Kahlo & Tina Modotti», 1982, Filmstill
«[not] here» – eine Ausstellung und Soireen von Sarah Burger und Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22
Veranstaltungen:
03.09.22, 18:00–02:00: LANGE NACHT der Zürcher Museen
06.09.22: Soiree «[not] here», Ausstellungseröffnung (ab 18:00) und Dialogue (20:00) zwischen Sarah Burger und Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», musikalische Vertonung der ausgestellten Werke mit Dimitri Howald
Sarah Burger (Zürich) und Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) lernten sich während eines Workshops kennen, bei dem Ribeiro Dinge sammelte, die von verschiedenen Personen mitgebracht wurden, um die Objekte zu Erde zu verarbeiten und eine «gemeinsame Basis» zu schaffen. Burger und Ribeiro entdeckten ein geteiltes Interesse an Tektonik, Erd- und Steinformationen sowie an Landschaften und Geografien, die neue Zugänge zu Geschichte und Zeit ermöglichen. Die Idee, dass ein künstlerischer Austausch für beide fruchtbar sein könnte, entstand. Das Cabaret Voltaire war schon immer ein Ort des künstlerischen Austauschs, der internationalen Zusammenarbeit und des Experimentierens mit neuen Formen der Begegnung. Dieses historische Versprechen bot einen passenden Rahmen für den Dialog zwischen Burger und Ribeiro, der sich entlang von Reflexionen und Aneignungen von Materialeigenschaften, Erzählungen und Geschichten entfaltet. Schnell wurde deutlich, dass ihre Zusammenarbeit nicht nur aus dem Austausch von gemeinsam vereinbarten Vorschlägen bestand, sondern auch aus dem Kennenlernen des jeweils anderen als jemand, der anders arbeitet, reflektiert, assoziiert und artikuliert. Der gemeinsame Fokus liegt – wie vielleicht immer in der Kunst – auf der Frage, was sich im Dazwischen eröffnet: Jeder Blick auf Bildwelten und Objekte offenbart unterschiedliche Wertesysteme, jede Gegenüberstellung von Objekten wirft ein neues Licht auf Texturen, Formen, deren Erzählungen und Symbolik. Im Cabaret Voltaire teilen Burger und Ribeiro Überlegungen und Beobachtungen zu Fragen der Visualität, der Sprache und der Körperlichkeit, wobei sie Präsenz als eine lebendige, nicht fixierte Qualität wahrnehmen, die auch im Verschwinden stattfindet.
Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Die einzige Vorgabe, die Burger kommunizierte, war, dass die Objekte 1:1 geformt werden können und in den Brennofen passen müssen. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen?
Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands ist eine digitale Collage, die auf einem gefundenen Bild von Händen und einer Fotografie einer schnell hergestellten, nicht figurativen Skulptur aus Plastilin basiert. Die Hände scheinen die Skulptur zu evozieren und sie auf magische Weise zu formen, ohne sie zu berühren.
Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
Das Video-Gedicht ist eine Reflexion über die An- und Abwesenheit verschiedener Orte, über erinnerte Räume, die nie zuvor physisch besucht wurden. Burger produzierte das Werk während einer Residenz in Sofia, Bulgarien.
Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize ist Teil einer grösseren Serie mit dem Titel Revolving Actions und experimentiert mit Momenten der Abstraktion der menschlichen Figur, in der Hoffnung, dass die visuelle Destabilisierung andere Beziehungsformen ermöglicht. In beiden Arbeiten ist das Gesicht von einem goldenen Metallgewebe bedeckt, das den Gesichtsausdruck verschleiert, den Kopf als Form aber dennoch in den Vordergrund rücken lässt, während der Körper einer verschwimmenden Unbestimmtheit unterworfen ist. Dematerialize i – dawn ist eine Aktion, die sich mit der Ambivalenz des Verschwindens durch das Sichtbarwerden auseinandersetzt. Die in einer bestimmten Raum-Zeit-Koordinate stattfindende Performance findet im Morgengrauen des St.-Georgs-Tages statt, einer Feier, die in Rio de Janeiro den katholischen Heiligen mit der afrikanischen Gottheit Ogun verbindet. Als Symbol für Schutz und Resistenz predigen die Gläubigen, die Kleidung des Heiligen Georg zu tragen, damit der Feind «Augen hat, aber sie nicht sieht». Die Performance materialisiert dieses Gelübde als eine Mischung aus Anonymität und Überschwang. In Dematerialize ii – dusk, sind lang belichtete Aufnahmen eines zitternden Körpers in der Dunkelheit zu sehen, der seine Konturen verlieren soll. Die lang andauernde Aktion begann in Rio de Janeiro um 17:27 Uhr, bei Vollmondaufgang, dauerte über Nacht und endete am nächsten Tag.
Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Die Besucher*innen sind eingeladen, die auf die Wände des Cabaret Voltaire gerichtete Klanginstallation zu hören. Fragmentierte Erzählungen, Textauszüge, imaginative Logiken und Träume werden laut ausgesprochen, so dass die Wände sie hören und speichern können. Die Wand wird als konkrete Materie verdichteter Geschichten wahrgenommen, daher die Notwendigkeit, das Aufgenommene und Gehörte anzuerkennen und sie gezielt mit weiteren Klängen und Erzählungen zu versehen.
Die in Zürich lebende Künstlerin Sarah Burger studierte Bildende Kunst, Philosophie, Vergleichende Literaturwissenschaft und Linguistik. Ihre Praxis umfasst auch künstlerische Recherche (PhD, ZHdK Zürich und Kunstuniversität Linz). Der Künstler Felipe Ribeiro lebt in Rio de Janeiro und ist Professor für Tanz- und Filmstudien an der Federal University of Rio de Janeiro. Er studierte Film (MA) und besitzt ein PhD in Bildender Kunst.
Die Ausstellung wird von der Annemarie Schindler-Stiftung unterstützt.
«Songs to the Suns»
Das Cabaret Voltaire auf dem Monte Verità, Ascona
Ausstellung Izidora L. LETHE und Installation Paul Maheke:
14.08.2021–02.10.2021
Das Booklet mit Informationen zum Projekt, den Arbeiten von LETHE und Maheke sowie zum Dialog zwischen dem Cabaret Voltaire und dem Monte Verità finden Sie hier.
Das Audio-File zur Installation von Paul Maheke können Sie hier anhören.
Izidora L. LETHES inszenierte Video-Dokumentation der Performance finden Sie hier oder unten als eingebettetes Video.
Programm Eröffnung mit Performances und Gespräch, 14.08.2021:
16:00 Eröffnung Ausstellung Izidora L. LETHE, Paul Maheke
17:00 Gespräch mit Christa Baumberger, Sophie Doutreligne, Minna Salami
18:00 Apero
18:45 Performance Paul Maheke
19:45 Choreographie / Intervention Izidora L. LETHE, aufgeführt von Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks, Claudia Barth
20:30 DJ-Set Yantan Ministry
21:30 Late Dinner, bitte reservieren unter info@cabaretvoltaire.ch
Öffnungszeiten Ausstellung Izidora L. LETHE, Casa dei Russi
15.08.2021–02.10.2021
Sa: 14:00–18:00
So: 10:00–13:00/14:00–18:00
oder auf Anfrage
Öffnungszeiten Installation Paul Maheke, Spazio Piscina
15.08.2021–02.10.2021
täglich, 24 Stunden
Der Monte Verità gilt – wie das Cabaret Voltaire – als einer der wichtigsten Orte der Avantgarde, sei es in Kunst, Theorie oder Lebensführung. Es erstaunt daher nicht, dass Künstler*innen um den Zürcher Dada-Kreis ihre Sommer auf dem Hügel in Ascona verbrachten, der als Zentrum der Lebensreform-Bewegung galt. Sophie Taeuber-Arp, Emmy Hennings, Hans Arp oder Hugo Ball besuchten Rudolf von Labans Kurse, tanzten, veranstalteten Ausstellungen und Feste. Sowohl im Cabaret Voltaire als auch auf dem Monte Verità war die Befreiung von körperlichen und sprachlichen Konventionen zentral. Die Lebensreform strebte danach, die Gesellschaft durch Vegetarismus, Ausdruckstanz, Naturheilkunde, Licht- und Luftbäder, Freikörperkultur und Reformkleidung aus dem steifen Korsett bürgerlicher Zwänge zu befreien. Im Fokus ihres «dritten Weges» zwischen Kapitalismus und Kommunismus stand das Individuum, der Körper und eine möglichst «naturnahe» Lebensweise. Die Kritik der Lebensreform am Fortschritt und ihr Interesse an der mythischen Vergangenheit fanden später auch Eingang in faschistoides Gedankengut. Zahlreiche lebensreformerische Ideen leben in heutigen Industrien um Selbstoptimierung und Gesundheit weiter. Sie treten aber auch dort auf, wo das Denken durch den Körper und seine Bewegungen gesellschaftliche Kategorien weiter herausfordern will – und sicherlich auf der Suche nach alternativen und gemeinschaftlich organisierten Lebensmodellen. Die Parameter um Bürgerlichkeit, Identität und Wissen haben sich allerdings geändert und müssen aus einer neuen Perspektive betrachtet werden. Diese Rückkehr ist kein nostalgischer Akt, sondern Ausgangslage, um Anliegen und Ausdrucksformen aus der Perspektive der Gegenwart zu begegnen. «Songs to the Suns» vereint holistische und fragmentierte Ansätze, sucht eine Mehrstimmigkeit, die binäre Denkweisen im Hinblick auf Natur und Kultur, Geschlecht und Herkunft beanstandet. Im Zentrum steht der Körper als Archiv und Ort der Emanzipation.
Mit Izidora L. LETHE und Paul Maheke lädt das Cabaret Voltaire zwei zeitgenössische Künstler*innen für die Kooperation mit dem Kulturzentrum Monte Verità ein. Am Eröffnungswochenende wirken als Performer*innen Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks und Claudia Barth. Yantan Ministry trägt einen Audio-Teil bei. Am Gespräch beteiligt sind Christa Baumberger, Sophie Doutreligne und Minna Salami.
Izidora L. LETHE, Choreographie/Intervention, 14.08.2021, WE ( , Cabaret Voltaire, Monte Verità, Photo: Diana Pfammatter
Exhibition view, Paul Maheke, «As Saturn and Jupiter Conjunct», 2021 - ongoing series, Cabaret Voltaire, Monte Verità, photo: Diana Pfammatter
Paul Maheke, Taboo Durag, 14.08.2021, Cabaret Voltaire, Monte Verità, Photo: Diana Pfammatter
Gespräch zwischen Christa Baumberger, Sophie Doutreligne, Salome Hohl und Minna Salami (von links nach rechts) auf dem Monte Verità, 14.08.2021, Photo: Diana Pfammatter
Ausstellungsansicht, Izidora L. LETHE, WE ( , Cabaret Voltaire, Monte Verità, Photo: Diana Pfammatter
«Laube zur schiefen Lage»
Das Cabaret Voltaire auf dem Münsterhof, Zürich
27.08.2021–04.09.2021
Eine Zusammenarbeit zwischen dem Cabaret Voltaire und Benedikt Bock. Eingeladene Künstler*innen und Autor*innen: Johan Ahlkvist & Hedda Bauer, Karolin Braegger, Anne Fellner, Kasia Fudakowski, Marius Goldhorn, Johanna Kotlaris, Miriam Stoney, Claudia Stöckli & Raphael Stucky
Programm
Freitag, 27. August 2021:
20:00 Johan Ahlkvist & Hedda Bauer/Karolin Braegger
20:30 Johanna Kotlaris
21:00 Marius Goldhorn
21:30 Raphael Stucky & Claudia Stöckli
Samstag, 28. August 2021:
20:00 Miriam Stoney
20:30 Johan Ahlkvist & Hedda Bauer/Karolin Braegger
21:00 Benedikt Bock
21:30 Anne Fellner
Samstag, 4. September 2021 (Lange Nacht der Zürcher Museen):
20:00 Kasia Fudakowski
20:30 Benedikt Bock
21:00 Johanna Kotlaris
21:30 Claudia Stöckli & Raphael Stucky
Die Installation «Laube zur schiefen Lage» steht vom 27. August bis zum 4. September auf dem Münsterhof. Täglich zwischen 17:00 und 22:00 sind alle Arbeiten und Spuren der Beteiligten zu sehen.
Keine Anmeldung nötig.
Etwas verquer auf dem Münsterhof steht die «Laube zur schiefen Lage» – ein zusammengezimmertes Kunstobjekt, das zugleich als Ausstellungsfläche und Bühne dient. Es befindet sich in unmittelbarer Nähe zum Zunfthaus zur Waag, in dessen grossem Saal am 16. Juli 1916 die erste Dada-Soirée nach der Schliessung des Cabaret Voltaire stattfand. Damals erläuterten die Dadaist*innen ihre Zeichnungen, trugen Manifeste vor oder tanzten in Masken. Über 100 Jahre später bespielt das Cabaret Voltaire das Zunfthaus aus naher Distanz mit einer eigenen Bühne. Für den Zeitraum von knapp zwei Wochen wird die «Laube zur schiefen Lage» zu einem öffentlichen Ort im Spannungsfeld von antibürgerlichen Gesten und bürgerlicher Kultur, Weltbezug und Weltflucht, Gemeinschaftlichkeit und Individualität, dem Kleinen und dem Grossen.
Das Grundgerüst der «Laube zur schiefen Lage» stammt vom Künstler Benedikt Bock, der das Projekt gemeinsam mit dem Cabaret Voltaire konzipierte. An drei Abenden (27.08., 28.08. und 04.09.) zeigen eingeladene Künstler*innen, Autor*innen und Musiker*innen Kurzbeiträge. Es entsteht ein buntes Geflecht aus zeitgenössischen Narrativen, die direkt oder subtil, kritisch oder humorvoll das Menschsein in diesen allgemein schrägen Zeiten reflektieren. Im Fokus steht aber auch die Reflexion über das «Contemporary» als enge, normative ästhetische Praxis in der zeitgenössischen Kunst. Die «Laube zur schiefen Lage» spielt dabei besonders mit dem Genre der «Kleinkunst», worauf schon die Dadaist*innen mit dem «Cabaret» Bezug nahmen: Das Cabaret als ein gesellschaftskritischer (linker) Ort, der über die Unterhaltung hinaus- geht, und dabei die Grenzen der Hochkunst mitbefragt. Ausserhalb des White Cube zeigen sich gewisse Auseinandersetzung in einem anderen Licht und treffen auf ein breiteres Publikum. Die «Laube zur schiefen Lage» artikuliert sich in dieser Verschiebung und ermöglicht Raum für Zweifel. Kunstschaffen ist stets eng verbunden mit Verletzlichkeit und der Frage, was mitgeteilt wird oder verborgen bleibt.
Zu den Beiträgen und Spuren vom Freitag, 27. August:
Karolin Braegger fragt inmitten der Zunfthäuser und der effizienten Geschäftigkeit, was es heisst, zu «performen». Sie denkt in ihrer künstlerischen Praxis vom Begriff der Aneignung aus darüber nach, was es (noch) zu sagen gibt: sei es als Gastgeberin oder mit Malereien und Stoffobjekten, beispielweise der Arbeit Soso (2021) aus Toile, einem Textil, das meist zur Anprobe (Kleidung) oder als möglicher Hintergrund (Malerei) verwendet wird und sich während den Öffnungszeiten in der Laube entäussert. Als Host lädt Braegger Positionen ein, die ihre Interessen repräsentieren und ihre Arbeiten oder erweitern, wie das queere Powerplay Dynamic Resistance von Hedda Bauer und Johan Ahlkvist. In der Arbeit untersuchen die Künstler*innen mithilfe der Performer*innen Hilma Bäckström, Charlotta Öberg, Luca Büchler, Jessica Comis und Alexandra Paya Themen wie Unsichtbarkeit, inklusive Unterhaltung und exklusive Teilhabe. Die Kostüme, wovon eines in der Laube hängt, sind so gestaltet, dass sie den Raum widerspiegeln, zu dem sie Bezug nehmen – in diesem Fall das Cabaret Voltaire und den Münsterhof.
Die Zürcher Künstlerin Johanna Kotlaris zeigt Aware-Wolf, eine Weiterführung ihrer Performance-Serie The Fool: the Original Form of Things. In der Performance untersucht sie als tragisch komische Närrin, wie wir uns in der Begegnung mit der Welt, mit uns selbst und anderen definieren. Dabei teilt sie – durch Bewegung, Sprache und begleitet von Stefan Kägi am Piano – grosse Fragen: Inwiefern spiegelt sich das Selbst in unserer Begegnung mit dem Gegenüber? Welche Rolle spielen Scham und Schuld in der Definition des Ichs? Während der Öffnungszeiten hängen an der Hinterseite der Laube schwarzweisse Kleidungsstücke, die auf Fragen der Identität verweisen.
Marius Goldhorn, Autor des vielbesprochenen Romans Park, schrieb für die Laube den Vortrag Über den Aussterbenstrieb (August 2021). Themen des Textes sind das Aussterben, der Aussterbenstrieb und der Aussterbesinn. Er hinterlässt eine Keramik-Leber als Spur. Claudia Stöckli und Raphael Stucky ziehen in ihrem «Totentanz» die Auseinandersetzung mit Auflösung und Neuanfang weiter. Die Künstler*innen beginnen mit einem Knochenorakel, das eine Situation schafft, um über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu reflektieren. Dabei geht es auch um eine spielerische Bildfindung als Ausgangslage für klangliche Interpretationen: Die Künstler*innen schaffen einen fein gewobenen Soundteppich, teilweise verdichtet, dann wieder lose, Samples und Drones, mit kurz aufflammenden sphärischen MIDI-Keyboard–Klängen, Synthesizer-Rhythmen, Schritten im Kies, einem Krähendialog und E-Bass-Sound gestrichen mit einem Bogen. Das Orakel, das Stirnband-Klangspiel von Stöckli und die collagierten Lichtobjekte von Stucky bleiben für die Ausstellung zurück.
Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon wurden Karolin Braegger, Hedda Bauer, Johan Ahlkvist und Kasia Fudakowski bereits im Rahmen von «Cracking Up and Staging Down» im April 2021 ins Cabaret Voltaire eingeladen. Aufgrund der Pandemie konnten die Performances damals nicht stattfinden.
Zu den Beitragen und Spuren vom Samstag, 28. August:
Miriam Stoney untersucht in ihrer Lesung verschiedene Ebenen des Spracherwerbs und geht der damit verbundenen Frage nach, inwiefern eine Sprache das Selbst aktiv prägt. «Deutschlernen ist anscheinend kein neutrales Unternehmen. So oft wurde ich in Deutschland darüber ausgefragt, warum ich diese historisch so problematische Sprache überhaupt sprechen wollte, dass ich irgendwann eine eigene politische Absicht für meine Bemühungen konstruieren musste». Das Plakat an der rechten Aussenseite der «Laube zur schiefen Lage» zeugt von ihrem Lernprozess.
Karolin Braegger, Johan Ahlkvist und Hedda Bauer setzen die Auseinandersetzung um Aneignung, Teilhabe und Exklusion fort (siehe Text vom Freitag, 27. August). So auch der Künstler Benedikt Bock, der gerade sein zweites Buch Vögel/ Birds bei Texte zum Nachdenken veröffentlicht hat. Der Text Sabine zeichnet die Geschichte um den fiktiven Zürcher Zeitungsverkäufer Urban Lenti, der von seiner Familie als Spezialfall bezeichnet wird, weil er für alles zu langsam ist. Lenti entwickelt sich zu einer Figur am Rand der Gesellschaft, die tagein tagaus das abstrakte Treiben an der Bahnhofstrasse beobachtet und zum Ende durch den Sturm «Sabine» mit einem antikapitalistischen Schauspiel belohnt wird.
Während den Lesungen und Performances hängt Anne Fellners Malerei im Hintergrund. Zwei Detektiv*innen sind schematisch abgebildet und verschmelzen mit den expressiven Spuren der Künstlerin. Das Gemälde korrespondiert mit der präsentierten nullten Episode TBH – a mysterious hypnotist on the loose aus der Ausstellungs- und Hörstückreihe The Bellermann Hypnotist, die im Projektraum Sangt Hipolyt in Berlin stattfindet. Die Protagonistin des Stückes ist eine nicht näher benannte Ermittlerin oder Detektivin; die Perspektive ist dem literarischen Subgenre des hard-boiled feminism sowie dem gothic thriller nachempfunden. Das fragmentarische Hörstück setzt sich aus verschiedenen literarischen Zitaten (u.a. von Charlotte Perkins Gilman oder Vladimir Nabokov) und Aussagen von Künstler*innen, Autor*innen und Psycholog*innen zusammen, die als Versatzstücke einer kriminologisch-künstlerischen Erzählung dienen.
Zu den Beiträgen und Spuren vom Samstag, 4. September:
Kasia Fudakowski fokussiert in ihrer Performance den «Joke Gap» anhand des Lebens und der Rollen der Komikerin und Schauspielerin Elisabeth Wellano alias Liesl Karlstadt (1892–1960). «Ein Witz kann als entbehrliches soziales Kapital gesehen werden. Historisch gesehen musste sich eine Frau erst als seriös etablieren, bevor sie in einen Witz investieren konnte». Der «Joke Gap» kann auch im weiteren Sinne verstanden werden: Das, was als lustig wahrgenommen wird, verändert sich je nach historischem Kontext, Lebensalter oder Kulturkreis. Fudakowskis Performance changiert zwischen Leichtigkeit und schmerzhaften Momenten, unterstützt von gemalten Kostümen, welche Liesl Karlstadt und Karl Valentin zum Leben erwecken.
Im Anschluss folgen Benedikt Bock (siehe Text zum 28. August), Johanna Kotlaris (siehe Text vom 27. August) sowie Claudia Stöckli und Raphael Stucky (siehe Text zum 27. August). Der «Totentanz» von Stöckli und Stucky spielt auch mit der Information, dass der Münsterhof im Hochmittelalter als Friedhof genutzt wurde.
«Laube zur schiefen Lage», 27.08.2021, Cabaret Voltaire, Münsterhof, Photo: IIDA
«When I look back on my life it’s not that I don’t want to see things exactly as they happened, it’s just that I prefer to remember them in an artistic way. And truthfully the lie of it all is much more honest because I invented it. Clinical psychology tells us arguably that trauma is the ultimate killer. Memories are not recycled like atoms and particles in quantum physics. They can be lost forever. It’s sort of like my past is an unfinished painting and as the artist of that painting I must fill in all the ugly holes, and make it beautiful again. It’s not that I have been dishonest; it’s just that I loathe reality.»
– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – Erster Teil, Marry the Night
Samuel Haitz (*1997) lädt zu zwei aufeinanderfolgenden Soireen und zur parallellaufenden Ausstellung «Memorabilia» ins Cabaret Voltaire ein. Haitz zog erst kürzlich von Zürich nach Berlin. Ein Anlass, gelagerte Andenken in die Hand zu nehmen, Erinnerungen zu ordnen, zu bewahren und zu verklären. Im Cabaret Voltaire versammelt er eigene Arbeiten, Werke von Freund*innen und Idolen sowie weitere Objekte, die Codes des Begehrens und der Zugehörigkeit widerspiegeln. Für die Soireen lädt er seine künstlerischen Weggefährt*innen Milena Langer, Stella und Ian Wooldridge zum gemeinschaftlichen Lesen von Texten ein. Zum Abschluss interpretiert der befreundete DJ Moritz Müller die Veranstaltungen musikalisch. Soirée 1 (Before) widmet sich der Hoffnung und der romantischen Utopie; Soirée 2 (After) fokussiert die nostalgische Reflexion von Vergangenem. Die Veranstaltungen werden in Zusammenarbeit mit dem Berner Radio Bollwerk online übertragen. In dieser stillstehenden, kontaktarmen Zeit entsteht so ein Raum, um darüber nachzudenken, welche persönliche und gemeinsame Gedächtniskultur den Werdegang prägen soll.
Soirée 1 (Before) fand am 02.03.2021 statt und Soirée 2 (After) fand am 09.03.2021 statt. Beide Soireen können Sie hier nachhören. Mit Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge und Moritz Müller (DJ-Set) via radio-bollwerk.ch.
Ausstellungsansicht, Samuel Haitz, Sale (After Lutz Bacher), «Memorabilia», 2021. Photo: Cabaret Voltaire, Philipp Hänger
Am 16. Mai eröffnet die Ausstellung «Tage und Nächte» von Emma Jung und Rebecca Ackroyd im Cabaret Voltaire. Die Ausstellung ist vom 17. Mai bis zum 2. November im Gewölbekeller zu sehen.
Diese aussergewöhnliche Ausstellung bringt den bisher weitgehend unbekannten Kosmos von Emma Jung (1882–1955) in einen Dialog mit der zeitgenössischen Künstlerin Rebecca Ackroyd (*1987). Zum ersten Mal werden Emma Jungs Aufzeichnungen aus ihrer analytischen Praxis, einschliesslich Zeichnungen, Malereien, Gedichte und Notizen, der Öffentlichkeit präsentiert. Emma Jung, eine kompetente Analytikerin sowie enge Gesprächspartnerin und Kollaborateurin ihres Mannes C.G. Jung, prägte die Erforschung der menschlichen Psyche massgeblich mit – auch wenn sie im Hintergrund des berühmten Schweizer Psychiaters wirkte. Ihre Arbeiten widmen sich besonders dem Konzept der Individuation, damit gemeint ist der Prozess, in dem ein Mensch sich selbst als eigenständiges Individuum erkennt und entwickelt. Dabei spielen die Dynamik von Animus und Anima, die Symbolik der Gralslegende als Sinnbild für die innere spirituelle Reise und das Streben nach Ganzheit eine zentrale Rolle. In der Folge lösen sich Dualitäten wie Kultur und Natur, Gut und Böse oder Geschlechtsidentitäten auf.
In Rebecca Ackroyds Œuvre finden sich zahlreiche Parallelen zu Emma Jung. Auch ihre Zeichnungen geben dem Unbewussten eine Form und reflektieren die psychologische und spirituelle Dimension von Kunst sowie Prozesse der «Weltwerdung». Ackroyds Installationen sind oft traumhaft und zeigen die Fragmentierung von Erinnerung und Zeit. Durch eine vielfältige visuelle Sprache, die grossformatige Gemälde, Zeichnungen, Skulpturen und Objekte umfasst, verschmelzen Begierde und Abscheu, Wünsche und Ängste, Vertrautes und Unheimliches zu einem faszinierenden Ganzen. Für ihre erste Ausstellung in der Schweiz entwickelt Rebecca Ackroyd eine neue Serie von Zeichnungen und Skulpturen, die als intime Ausdrucksformen symbolischer Ordnungen konzipiert sind. Die bewusst klein gehaltenen Zeichnungen laden zu einer intensiveren Begegnung mit der inneren Welt des Schaffens ein.
Mehr zur Ausstellung finden Sie hier.
Flyer: Vela Arbutina.
La Grande-Biblioteca-Bagnata-Umida-Lubrificata
Wie entwickelt man aus der Erfahrung der Scham heraus erheiternde Geschichten und witzige Archive? Welche Art von Wissen verbirgt sich im Schrank? La Grande-Biblioteca-Bagnata-Umida-Lubrificata ist ein visuelles und performatives Forschungsprojekt, das sich mit Büchern, Bibliotheken und Archiven beschäftigt und sie als lesbische Landschaften betrachtet. Es erzählt die Geschichte einer Gemeinschaft, die in Büchern lebt und eine feuchte Bibliothek bildet. Durch Lachen und Lesben-Performativität versucht das Projekt, Scham als eine Form von Wissen zu verstehen und die Konstitution dominierender Archive zu hinterfragen.
Léa Katharina Meier (*1989) ist eine Performance- und bildende Künstlerin. Durch den Einsatz von Clowning als performative Praxis konzentriert sich ihre Forschung auf die Begriffe Absurdität, Ablehnung und Jubel, um ein visuelles und sinnliches Universum zu erschaffen, das das Publikum einbezieht. Aus ihren intimen Misserfolgen entwickelt sie einen schmutzigen, lesbischen Sinn für Humor. Auf der Bühne strebt sie danach, negative Emotionen und Gefühle als Quelle der Freude zu verkörpern. Storytelling, der Körper als Archiv, groteske Weiblichkeit, Scham und ein kindliches Universum bilden wiederkehrende Motive in ihrer Praxis. Léa Katharina Meier hat ihre Arbeiten in zahlreichen Kunsträumen und Theatern in der Schweiz, Italien und Brasilien gezeigt (Arsenic, Tunnel Tunnel, MCBA, TU-Théâtre de l'Usine, Lateral Roma, Istituto Svizzero, Short Theater Festival, ADA, Pivô arte e pesquisa).
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Eintritt: Pay what you can (CHF 5/10)
«Texte zum Nachdenken» ist eine von dem Künstler Benedikt Bock gegründete Reihe von Leseperformances im Bereich der bildenden Kunst und Literatur. Seit 2023 ist die Künstlerin Sarah Lehnerer Teil des Teams.
Photo: Davide Palmieri.
Anlässlich der «Mrs Dalloway»-Ausstellung im Strauhof blickt der Abend auf Virginia Woolf wichtigstes feministisches Manifest «A Room of One’s Own» und fragt nach seiner Bedeutung für die Gegenwart.
Mit Elisabeth Bronfen (Anglizistin, Kuratorin), Ava Slappnig (Herausgeberin Edition Gossip) und Darja Keller (Autorin)
Moderation: Nadia Brügger
Im Cabaret Voltaire
Eintritt: CHF 10/20
Die Veranstaltung ist schon ausgebucht.
«… they had no tradition behind them, or one so short and partial that it was of little help. For we think back through our mothers if we are women» – Virginia Woolf, A Room of One’s Own / Ein Zimmer für sich allein (1929)
Virginia Woolfs Essay «A Room of One’s Own» wird bereits bei Erscheinen als feministisches Manifest gefeiert. Die zweite Welle des Feminismus in den 1970er Jahren führt zu einer Wiederentdeckung und einer Neubewertung. So trägt Woolfs Aufforderung, Autorinnen sollten sich auf ihre literarischen Mütter beziehen, wesentlich zur feministischen Revision des literarischen Kanons und der Gründung der Gender Studies bei.
Das «eigene Zimmer» meint sowohl einen physischen Ort, in den eine Künstlerin sich zurückziehen kann, wie auch einen mentalen Raum, in dem sie sich von Vorurteilen und Erwartungen befreien kann. Der Abend blickt auf Woolfs wegweisenden Text und spricht mit Menschen aus der Gegenwart über seine Relevanz.
Die Veranstaltung findet in Zusammenarbeit mit dem Strauhof statt.
Sie findet in deutscher Sprache statt.
Photo: Strauhof
Für den zweiten Akt des «Interlude»-Programms ist die BaseCamp Library mit «Hold The Sound» zu Gast. Eine Installation lädt das Publikum zum Lesen, Zuhören, Nachdenken und Diskutieren ein. BaseCamp ist eine Initiative des Filmfestivals Locarno – eine Werkstatt und Kunstresidenz, die den multidisziplinären Dialog über das zeitgenössische Kino fördert.
Die Library ist ein neues Projekt von BaseCamp mit einem grossen Vorhaben: Ein lebendiges und sich entwickelndes Archiv aufzubauen. Die Library zielt darauf ab, ein Archiv und gemeinschaftliche Räume zu schaffen, die den Austausch von Mitteln und Ideen fördern – frei von produktionsbedingten Zwängen. «Hold The Sound» umfasst eine kuratierte Sammlung aus über 150 Kunstbüchern und versucht, die ephemere Natur des Klangs sprachlich und visuell auszudrücken. Die Bücher regen zur intensiven Auseinandersetzung mit dem Zuhören und der Aufmerksamkeit an und liefern vielfältige Positionen zu neuen Zugängen von auditiven Phänomenen.
Als Kurator*innen von «BaseCamp Library – Hold The Sound» beobachten Justine Stella Knuchel und Jan Steinbach, dass heutige Klangumgebungen zunehmend von Algorithmen geprägt sind, die spürbare isolierende Effekte haben können. Mit der BaseCamp Library laden sie dazu ein, andere Arten des Zuhörens zu erproben, Gewohnheiten zu hinterfragen und das Zuhören als aktive Praxis wiederzugewinnen.
«Hold The Sound!» rief der Klangkünstler Tony Conrad vor Jahrzehnten, als er sein Mikrofon an das Publikum weiterreichte – eine Aufforderung, sich tief auf die Hörerfahrung einzulassen, sie festzuhalten und voll und ganz anzuerkennen.
Mehr zu «Interlude: Act 2, Hold The Sound – BaseCamp Library» hier.
Flyer: Mattia Comuzzi.
Für den ersten Akt von «Interlude» bespielt WURM – ein Raum für experimentelle Klänge in Basel – den Gewölbekeller mit Klangarbeiten von internationalen und lokalen Künstler*innen. Diese Intervention im Cabaret Voltaire, kuratiert zusammen mit Mercury Tracer (Flavia Senn und Mattia Comuzzi), wird während einer Soiree mit einer Sound-Performance von Violeta García am 1. März 2025 aktiviert.
Violeta García (*1990) ist eine Cellistin, Komponistin und Kuratorin aus Buenos Aires und lebt in Bern. Sie bewegt sich in vielen Kunstformen wie freier Improvisation, elektronischer Musik und zeitgenössischer Experimentalmusik für Violoncello. Im Cabaret Voltaire präsentiert sie neue Klänge, welche die Grenze musikalischer Konventionen ausloten. An der Soiree bespielt sie die raumspezifische Akustik des Gewölbekellers mit minimalistischer zeitgenössischer Musik, Dark Ambient und experimentellem Noise. Durch Resonanz und Nachhall entfaltet der Klang eine gespenstische, immersive Wirkung und interagiert organisch mit seiner Umgebung.
Inspiriert von Komponist*innen wie La Monte Young, Eliane Radigue, Jürg Frey und Arvo Pärt, integriert García Elemente des sakralen Minimalismus und der akustischen Klangforschung in eine Performance, die Improvisation und Komposition verbindet. Dabei erforscht sie die Vielseitigkeit des Cellos und hinterfragt zugleich traditionelle Vorstellungen von Aufnahme und Aufführung.
Eintritt: Pay what you want.
Platz begrenzt. Reservation empfohlen via info@cabaretvoltaire.ch
Von Februar bis April 2025 wird der Gewölbekeller des Cabaret Voltaire, der sonst für Ausstellungen der bildenden Künste genutzt wird, mit Praktiken rund um Klang und Musik bespielt. Weitere Informationen zu «Interlude: Act 1, WURM» hier.
Das Programm «Interlude» thematisiert das Erbe von Dada in Bezug auf Musik und Klang und öffnet einen Raum für zeitgenössische Praktiken und Diskurse. Der Titel «Interlude» bezieht sich auf die traditionelle Struktur von Musikkompositionen sowie auf das, was in einer Pause zwischen den Teilen einer längeren Komposition geschieht. Der Gewölbekeller wird in den Pausen zwischen den üblichen Ausstellungen bespielt und lädt das Publikum zu einer anderen Art von immersiver und reflektierender Erfahrung ein.
Violeta García. Photo: Paula Suarez
Flyer: Mattia Comuzzi.
Für den ersten Akt von «Interlude» bespielt WURM – ein Raum für experimentelle Klänge in Basel – den Gewölbekeller mit Klangarbeiten von internationalen und lokalen Künstler*innen. Diese Intervention im Cabaret Voltaire, kuratiert zusammen mit Mercury Tracer (Flavia Senn und Mattia Comuzzi), wird während einer Soirée mit Sound-Performances von Elie und Gaspard Emma Hers am 7. Februar 2025 aktiviert.
Programm:
20:00 Elie (TW: hohe Lautstärke, Stroboskope, Sichtbarkeit von Spritzen, Nadeln)
20:30 Pause
20:45 Gaspard Emma Hers
Eintritt: Pay what you want.
Platz begrenzt. Reservation empfohlen via info@cabaretvoltaire.ch
Elie ist DJ und Klangkünstlerin aus Neuchâtel. Sie präsentiert eine Performance, die an Harsh Noise anlehnt und sich bewusst von jeglichem Savoir-faire entfernt. Mit Spritzenabfalleimern und selbstgebauten Granulatoren (Schneidmühlen) macht sie sich die Gewalt des Klangs zu eigen, um sie auf ihre eigene Weise zu vermitteln – eine Art dystopischer Klangrausch, der die Überstimulation des Gehirns verstärkt. Im Zentrum ihrer Performance steht die Erforschung der von Objekten ausgehenden Klänge sowie die Aggressivität der EDM-Samples, die sie in ihren musikalischen Anfangsjahren begleitet haben. Während sie sich durch den Raum bewegt, spielt sie auch mit der Resonanz von Klängen durch Feedback und erschafft ein Triptychon aus Körper, Maschine und Raum.
Gaspard Emma Hers präsentiert ein Konzert, bei dem die Echos entfernter Raves zu einem abstrakten und introspektiven Ambient-Noise-Stück verschmelzen. Gaspard Emma Hers – auch bekannt als DJ Würm – ist ein*e junge multidisziplinäre Künstler*in aus Brüssel. Hers’ Arbeit bewegt sich im Grenzbereich zwischen Fiktion, Archiv und Tagebuch, wo die Erzählung fragmentiert und von der Vorstellung eines traditionellen Skripts befreit ist. Durchsetzt mit Schlüsselbildern, verbinden Hers’ Arbeiten das Imaginäre und das Groteske, Mythen und Legenden aus der Vergangenheit und der Gegenwart. Objekte erwachen zum Leben und Körper hybridisieren sich. Landschaften formen und verformen sich zu anachronistischen Architekturen, die bereits vergangene Zukünfte erforschen. Handlungen verflüchtigen sich und weichen einem Moment der Spannung, in dem nur die Emotionen und die subjektive Beziehung der Zuhörer*innen mögliche Erzählungen erahnen lassen.
Weitere Informationen über «Interlude: Act 1, WURM» hier.
Von Februar bis April 2025 wird der Gewölbekeller des Cabaret Voltaire, der sonst für Ausstellungen der bildenden Künste genutzt wird, mit Praktiken rund um Klang und Musik bespielt. Das Programm «Interlude» im Gewölbekeller entfaltet sich in zwei Akten von Februar bis April 2025, um das Erbe von Dada in Bezug auf Musik und Klang zu thematisieren, sowie einen Raum für zeitgenössische Praktiken und Diskurse zu öffnen. Der Titel «Interlude» bezieht sich auf die traditionelle Struktur von Musikstücken in Form einer Partitur, auf das, was in einer Pause zwischen den Teilen einer längeren Komposition geschieht. Im Cabaret Voltaire soll es den Gewölbekeller zwischen dem üblichen Ausstellungsprogramm bespielen und das Publikum zu einer anderen Art von immersiver und reflektierender Erfahrung einladen.
Am Mittwoch, den 15. Januar, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. An der Veranstaltung hält Jeremy Narby einen Vortrag mit dem Titel «Talking About Hemp».
Cannabis ist eine komplexe Pflanze mit einer langen und kontroversen Geschichte. Jüngste wissenschaftliche Untersuchungen haben begonnen, einige ihrer Geheimnisse zu enträtseln. Der Anthropologe Jeremy Narby taucht tief in dieses Thema ein und versucht, die ganze Geschichte zu erzählen – basierend auf dem heutigen Wissensstand. Jeremy Narby, geboren 1959 in Montreal, studierte Schamanismus, Molekularbiologie sowie indigenes Wissen über Botanik und Biologie. Er ist bekannt für seine Bücher The Cosmic Serpent, Intelligence in Nature und Psychotropic Mind, in denen er die Zusammenhänge zwischen DNA, Schlangen und Entheogenen untersucht. Sein neuestes Interesse gilt Cannabis, dem Thema seines nächsten Buches.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Performance von donna Kukama
«Sunshine for those of us who are reminded, in the most brutal way, that we are connected.», 2024
Galerie Tschudi in Kollaboration mit Cabaret Voltaire
«Sunshine for those of us who are reminded, in the most brutal way, that we are connected.» ist die dritte und letzte Performance der «The Sunshine Lecture Series» – einer Trilogie öffentlicher Vorträge, die auf donna Kukamas langfristige Performancereihe mit dem Titel «the history book for those who absolutely need to be remembered» folgt. Die Arbeit beginnt mit der Vorstellung, dass Schreiben eine verkörperte Praxis ist, bei der das write-in-time bedeutet, sich an die Atemzüge von Vorfahren, Geistern, Ozeanen und anderen Gewässern, Landschaften, Pflanzen, Sonnenschein, etc. als aktive Teilnehmer*innen im Schreiben der Geschichte zu erinnern.
Der Vortrag verbindet spielerisch Träume, persönliche Erinnerungen, Auszüge aus Kinderbüchern und Recherchen vor Ort durch eine alchemistische Transformation von Alltagsgegenständen. Kukama greift dabei auf Elemente zurück, die die Geburtsstunde der Dada-Bewegung im Cabaret Voltaire prägten, und nutzt diese als Anker für die Reflexion über das aktuelle politische Klima. Dieser Prozess der Beschwörung des Sonnenscheins nährt vielfältige Widerstände und erschafft Wege, jenseits der vorherrschenden Formen von Unterdrückung, Apartheid und Kolonialität zu existieren.
Die erste Präsentation der Sunshine-Reihe «Sunshine for Those of Us Who Live Through the Holes in Your Concrete» wurde 2023 an der Kunsthochschule für Medien in Köln präsentiert. 2024 fand die zweite Präsentation der Reihe mit dem Titel «Sunshine for Those of Us Who Still Breathe from Under the Rubble» in Kapstadt, Südafrika, im Rahmen des ICA Live Arts Festival statt.
Im Anschluss an die Performance wird die Einzelausstellung in der Galerie Tschudi eröffnet:
donna Kukama, «in living memory...»
16. November 2024–18. Januar 2025
Eröffnung: Freitag, 15. November 2024, 18:00–20:00
Galerie Tschudi, Rämistrasse 5
Vom 9. November 2024 bis Sommer 2025 besetzen Camille Lütjens, Carlo Travaglia, Elena Barmpa, Laura Nan, Stéphane Nabil Petitmermet und Ice Wong Kei Suet die Künstler*innenkneipe mit der Ausstellung «The Red Herring».
Eröffnung: 08.11.2024, 18:00 bis 01:30.
Als Teil der Eröffnung performt Ice Wong Kei Suet «Public Studio: Condition Check on ‹The Red Herring›, Artists' Bar at Cabaret Voltaire», 18:00 bis 21:00 Uhr.
Sechs Künstler*innen legen in der Künstler*innenkneipe des Cabaret Voltaire Spuren aus, die in verschiedene Richtungen führen können. Die Ausstellung, «The Red Herring», benannt nach der englischen Redewendung für eine falsche oder irreführende Fährte, spielt nicht nur mit Ablenkung, sondern vor allem mit Mehrdeutigkeit und den Erwartungen, die wir an zeitgenössische Kunst und den historischen Geburtsort von Dada stellen. Dieser Ort wird täglich von Tourist*innen, der Kunstszene und zufälligen Vorbeikommenden besucht – einige hoffen, Schätze aus dem letzten Jahrhundert zu entdecken. Die Spuren der Künstler*innen lenken bewusst von geradlinigen Interpretationen ab, führen aber stets zurück zu Dada, zur Geschichte des Ortes, zu ihren eigenen künstlerischen Praktiken und den Konzepten, die mit der Idee einer Kunstkneipe verknüpft sind – sowohl im Allgemeinen als auch in Bezug auf diesen spezifischen Ort: 1916 wurde das Cabaret Voltaire im oberen Stockwerk gegründet, bekannt als Holländerstübli der holländischen Meierei, ein Treffpunkt, an dem Bier und Wein angeboten wurden und wo der alte Seemann Jan Ephraim gelegentlich Fisch servierte. Schon damals stand dieser Ort für Internationalität und Vielfalt. Die heutige Künstler*innenkneipe versucht, diese Tradition zu erweitern, indem sie zeitgenössische Praktiken und Fragen einbezieht.
Camille Lütjens, Carlo Travaglia, Elena Barmpa, Laura Nan, Stéphane Nabil Petitmermet und Ice Wong Kei Suet absolvieren derzeit ihren Master an der Zürcher Hochschule der Künste. Auch die Dadaist*innen selbst waren Anfang zwanzig, als sie das Cabaret Voltaire gründeten – einige noch Studierende, während andere, wie Sophie Taeuber-Arp, schon an der heutigen ZHdK tätig waren. In ihrem Bestreben, Künstler*innen am Anfang ihrer Karriere neben etablierten und historischen Figuren zu integrieren, hat das Cabaret Voltaire diese sechs aufstrebenden Künstler*innen eingeladen, gemeinsam die Künstler*innenkneipe zu bespielen und durch ihre individuellen Praktiken neu zu interpretieren, während sie gleichzeitig die Geschichte des Ortes widerhallen lassen.
In Kooperation mit der Zürcher Hochschule der Künste.
Unterstützt durch:
Stiftung Erna und Curt Burgauer
Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer-Stiftung
Woke Culture, Kampagnenjournalismus, mediale Öffentlichkeiten, kulturpolitisch motivierte Parteiprogramme und darin die fragile Freiheit der Kunst, von Kulturinstitutionen, von Kulturjournalismus, sowie die frage nach Diskursfähigkeit in einer Instant-Meinungsgesellschaft. Wie also können wir miteinander ins Gespräch kommen und verteidigen, was auf dem Spiel steht, fragen sich an diesem Round Table Kulturschaffende, Institutionsleiterinnen, Philosoph*innen, Journalist*innen. Wie können wir verkürzten reflexartigen Auslegungen und Ablehnungen von komplexen Prozessen innerhalb diverser Gesellschaften die notwendigen Räume geben? Warum gibt es eine Abneigung gegenüber Veränderungen, wieso ist woke für manche Lifestyle, für andere politische Praxis und wieder andere das dämonisierte Andere? Warum sind dekoloniale und postkoloniale Theorien manchen ein Dorn im Auge? Warum ist die Identitätspolitik der einen nicht sichtbar, weil normativ und die der anderen «Schuld» – woran eigentlich? Und welche Rolle nimmt Kunst und Kultur im ganzen ein?
In unserer komplexen Welt, in der die voranschreitende Polarisierung keine Differenzierung zuzulassen scheint, treten wir in den Dialog mit dem, was die Philosophin Gayatri Chakravorty Spivak als «affirmative sabotage» bezeichnet.
«affirmative sabotage ruiniert nicht nur; die Idee ist, in den Diskurs einzutreten, den du kritisierst, damit du ihn von innen heraus drehen kannst. Die einzige wirkliche und effektive Art und Weise, wie du etwas sabotieren kannst, ist, dass du sehr intim mit ihm wirst.»
(Gayatri Chakravorty Spivak)
Konfrontiert mit verkürzenden und ausschliessenden Gegensätzen, wie schwarz-weiss, gut-böse, links-rechts etc., möchten wir in den Bindestrich eintreten, ins grau, ins weder-noch und sowohl-als-auch, in den Widerspruch und die Ambivalenz und Möglichkeiten imaginieren, wie eine zivilisierte Diskurs- und somit zivilisierte Streitkultur lebendig bleibt. Weil: wenn man anfängt zu flüstern – oder gar aus Angst, gecancelt zu werden zu schweigen –, dann ist die Demokratie in Gefahr. Und nicht zuletzt steht diese auf dem Spiel. In diesem Sinne, ebenfalls mit Spivak gesprochen: «lassen sie uns eine bejahende Sabotage ausführen – und lassen sie uns die Werkzeuge mit einem neuen Sinn erfüllen und benutzen!»
Von und mit Tasnim Baghdadi, Jens Balzer, María do Mar Castro Varela, Hayat Erdoğan, Salome Hohl, Fatima Moumouni, Nora Zukker. Eine Kooperation von Migros Museum für Gegenwartskunst, Theater Neumarkt und Cabaret Voltaire.
Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt.
Tickets im Vorverkauf hier erhältlich. Preis: CHF 45/30/15
Seit über einem Jahr prägt die renommierte Künstlerin Monster Chetwynd die Künstler*innenkneipe des Cabaret Voltaire mit ihrer Ausstellung «Head-Less–Ness», die noch bis zum 20. Oktober 2024 zu sehen ist. Nun haben Sie die besondere Gelegenheit, Kissen und die Masken-Editionen der Ausstellung zu speziellen Preisen zu erwerben – und damit ein Stück Geschichte des Cabaret Voltaire.
Feierlicher Auftakt zum Kunstverkauf in Anwesenheit von Monster Chetwynd:
Mittwoch, 23. Oktober 2024, von 18:30 bis 21:00 Uhr.
Weitere Verkaufstermine:
Donnerstag, 24. Oktober bis Samstag, 26. Oktober, jeweils von 13:30 bis 18:30 Uhr.
Der Verkauf findet im Historischen Saal des Cabaret Voltaire statt. Jedes Werk ist persönlich von Monster Chetwynd zertifiziert.
First come, first serve.
Keine Online-Reservierungen.
Am Donnerstag, den 17. Oktober, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Dr. med. Torsten Passie unter dem Titel «MDMA – multiple facets of a recreational and therapeutic substance».
Obwohl MDMA vor mehr als 100 Jahren erstmals synthetisiert wurde, wird es erst seit 1977 verwendet, zunächst therapeutisch, dann als Partydroge. In einem Keynote Vortrag werden Höhepunkte der Geschichte, Toxikologie, politischen Reaktionen und des therapeutischen Potenzials vorgestellt. Anschließend werden interessante Fragen im Austausch mit dem Publikum ausführlicher diskutiert. Der Referent verfügt über umfassende Kenntnisse zu praktisch allen Aspekten der Substanz MDMA.
Dr. med. Torsten Passie ist Professor für Psychiatrie und Psychotherapie an der Medizinischen Hochschule Hannover. Er studierte Philosophie, Soziologie (M.A.) und Medizin. Seine Ausbildung absolvierte er an der Psychiatrischen Universitätsklinik Zürich und in der Praxis von Professor Hanscarl Leuner (1920-1996), dem führenden Experten für psycholytische Therapie. Von 1998 bis 2010 war er Wissenschaftler und Psychiater an der Medizinischen Hochschule Hannover. Er forschte zu veränderten Bewusstseinszuständen und ihrem Heilungspotenzial, einschließlich klinischer Studien mit Cannabis, Ketamin, Lachgas, Psilocybin und MDMA. Von 2012 bis 2015 war er Gastprofessor an der Harvard Medical School in Boston, USA.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Am Donnerstag, den 12. September, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Susanne G. Seiler unter dem Titel «The Secret History of LSD and the First Woman to Try It».
18:00 Türöffnung
19:00 Update und Ankündigungen
19:15 Susanne G. Seiler: «The Secret History of LSD and the First Woman to Try It»
20:00 Fragen und Antworten
20:30 Happy Hour
Die Geschichte des Mutterkorns, eines parasitären Pilzes, der auf Körnern wie Weizen, Gerste und Roggen wächst, ist mit dem Mythos von Demeter und ihrer Tochter, der geheimnisvollen Persephone, verflochten. Wie der deutsche Name «Mutterkorn» andeutet, wurde es bei Geburten verwendet und wird auch heute noch eingesetzt. Die Priesterinnen der alten Zeiten spezialisierten sich auf das Brauen, Mischen und Herstellen heiliger und profaner Tränke und Medikamente. Im letzten Jahrhundert entdeckte der berühmte Chemiker Albert Hofmann nicht nur LSD als 25. Derivat des Mutterkorns; er entwickelte auch eine Reihe weiterer nützlicher Arzneimittel auf Basis des Pilzes. Die meisten davon kamen hauptsächlich Frauen zugute. Die Menschen der Antike wussten, was sie taten, als sie das Mutterkorn der Göttin der Fruchtbarkeit und Geburt widmeten. Susi Weber-Ramstein stammte aus einer alten, ehemals aristokratischen Familie und war die erste Frau, die LSD nahm. Wir werden hören, wie und warum.
Die Autorin, psychedelische Aktivistin und Referentin Susanne G. Seiler ist die Gründerin von «The Psychedelic Salon», der in Zürich im Cabaret Voltaire und in Basel in der gaiamedia lounge stattfindet. Sie studierte Soziologie und Linguistik in Toronto und Ottawa, Kanada. Sie ist die Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters «gaiamedia goodnews». Dieser informiert, unterhält und vernetzt die globale psychedelische Community und berichtet über positive Entwicklungen in allen Lebensbereichen, insbesondere in der Natur. Als Zeitzeugin der Anfänge der Drogenkultur in den sechziger und siebziger Jahren lernte Susanne viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann, die Psychologin und Theologin Jean Houston, Terence McKenna oder den Delphin- und Bewusstseinsforscher John C. Lilly kennen. Susanne lebt in Zürich und veröffentlichte im Jahr 2023 das Buch «WILDE ZEITEN. Mein psychedelisches Leben» im Nachtschatten Verlag, Solothurn.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
Eintritt – 15 CHF
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Am 10. September spricht David Katz, offizieller Biograf von Lee Scratch Perry, über Perrys Leben und Werk. Im Anschluss legt Katz als Vinyl-DJ auf mit seltenen Musikstücken von Perry.
David Katz schreibt seit 1984 über die Klänge und Kultur Jamaikas. Seine Arbeiten erschienen in The Guardian, Newsweek, Mojo, Q, Wax Poetics und The Wire sowie in verschiedenen Musikbüchern. Er hat Radiodokumentationen produziert, zu Dokumentar- und Spielfilmen beigetragen und ist weiterhin als Vinyl-DJ aktiv. David Katz ist der offizielle Biograf von Lee Scratch Perry und veröffentlichte 2000 die Biografie «People Funny Boy», die 2021 in überarbeiteter und erweiterter Form erschien. Katz erkundet Perrys Leben und Arbeit anhand von ausführlichen Interviews mit Menschen, die Perry nahestanden und schafft ein komplexes Porträt einer einzigartigen Persönlichkeit, die von unsichtbaren spirituellen Kräften angetrieben wurde. In der erweiterten Ausgabe liefert Katz neue und aktualisierte Einblicke in Perrys späte Jahre, einschliesslich seiner Grammy-Auszeichnung und seine letzten Tage sowie bisher unveröffentlichte Details über sein frühes Leben, seine einzigartige Beziehung zu Bob Marley und das legendäre Black Ark Studio.
Eintritt: Pay what you want. Richtpreise: CHF 5/10/15
Photo: David Katz
Ark Angels im Cabaret Voltaire während der LANGEN NACHT der Zürcher Museen 2024
Noch vor dem offiziellem Beginn der LANGEN NACHT starten wir mit unserem Programm «B£E$$ED LEGAC¥ 2024 – In Honor of Lee Scratch Perry». Am Nachmittag findet um 14 Uhr der Dub-Siren-Workshop mit Rig Smith Electronics und im Anschluss um 15 Uhr der Carhartt WIP Merch Launch statt.
Mit dem Start der LANGEN NACHT um 18 Uhr können Besucher*innen Perrys Kosmos im Gewölbekeller erkunden, während sein musikalisches Vermächtnis im Rahmen von «B£E$$ED LEGAC¥ 2024» mit DJs und Live-Performances mit einem Soundsystem im jamaikanischen Stil im Historischen Saal weiterlebt. Diese Veranstaltung schafft eine kollaborative Mythologie, die Perrys interdisziplinäre Arbeit, sein kulturelles Sampling und seinen DIY-Ansatz würdigt und bietet gleichzeitig eine Plattform für eine neue Generation von Visionär*innen.
14:00–18:00 Dub-Siren-Workshop
mit Rig Smith Electronics, präsentiert von Trinity 'Mother Dubber' Njume-Ebong. Wenn Sie teilnehmen möchten, melden Sie sich bitte unter info@cabaretvoltaire.ch.
15:00–19:00 Carhartt WIP Merch Launch
mit speziell kuratierten Playlists von Equiknoxx, Adam Prescott, Asmara und vielen anderen an der Bar
18:00–23:00 Einführung Ausstellung Lee Scratch Perry
mit kurzer Einführung zu jeder vollen Stunde
19:00–02:00 Musikalische Darbietungen / Sound System von O.B.F.
19:00–21:30: O.B.F. Soundsystem feat. Jman
21:30–23:00: Ayshat Campbell
23:00–00:00: LYZZA (LIVE)
00:00–01:00: Xafya Lovecraft
01:00–02:00: O.B.F. Soundsystem feat. Jman
Präsentiert in Kollaboration mit Carhartt WIP
Künstlerische Leitung: HOI (House of Intuition)
Kuration: HOI (House of Intuition) und Trinity ‘Mother Dubber’ Njume-Ebong
Koordination: Dave Mueller-Sturm
In Kollaboration mit The Visual Estate of Lee Scratch Perry
Unterstützt von Stadt Zürich Kultur
Die Ausstellung Lee Scratch Perry und das Rahmenprogramm werden unterstützt von Stadt Zürich, Kanton Zürich, Amt für Kultur des Kanton Schwyz, Bezirk Einsiedeln, Private Kulturstiftung Einsiedeln und Migros Kulturprozent.
Am 22. Juni 2024 findet der gemeinsam mit Susanne Seiler organisierte «The Psychedelic Salon» in Zusammenarbeit mit MushRoom statt.
Bei dieser Veranstaltung werden keine Drogen konsumiert. Stattdessen wird der aktuelle Stand der psychedelischen Forschung vorgestellt und mit künstlerischen Elementen verknüpft. Ein Ort der Begegnung für kreative Grenzverschiebung und neue Einsichten.
PD Dr. Kurt Stocker (ETH Zürich) wird einen Vortrag zum Thema «The Psychedelic Spectrum» halten, gefolgt von Live-Performances von Papiro sowie New Kyd und Tapiwa Svosve. DJ Windows Explorer (Domi Chansorn Vinyl-Set) wird zu Beginn und am Ende für die musikalische Untermalung sorgen.
21:00 Meet & Greet
22:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Salome Hohl, Direktorin des Cabaret Voltaire, führt zusammen mit The Visual Estate of Lee Scratch Perry (Lorenzo Bernet und Valentina Ehnimb) durch die erste institutionelle Ausstellung von Lee Scratch Perry in Europa, begleitet von einem Special Guest.
Die Führung findet in englischer Sprache statt.
Bevor sie sich am Samstag auf die «Journey to a Sacred Place» begeben, treffen sich karnevaleske Gestalten im Historischen Saal des Cabaret Voltaire, der sich in eine Taverne verwandelt hat. In Anlehnung an den Roman «Das Schloss, darin sich Schicksale kreuzen» nehmen die Gestalten an verschiedenen Aktivitäten rund um Tarotkarten teil. Die Besucher*innen haben die Möglichkeit, zuzuschauen oder mitzumachen und sich an der Bar der Taverne mit einem Getränk zu erfrischen.
Performer*innen: Monster Chetwynd, Azur Sabir, Lukas Ryffel, Ladina Whitehead, Lian Staehelin, Luka Ostrež, Mariana Morales Tomaz, Delphine Bertrand, Jack Brennan, Lucca Süss, Myriam Uzor, Chiara Salmini.
Filmteam: Oscar Oldershaw, Joe Campbell, Ruby Cedar, Dragon Chetwynd.
Freier Eintritt.
Eine Zusammenarbeit zwischen dem Cabaret Voltaire und dem «Culture Club» des Studienprogramms Kulturanalyse der Universität Zürich
Nullnummer: Zwielichtige Kulturgeschichte 1 – Avantgarde und Antisemitismus
4. Juni 2024, 20:15 Uhr, Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1
Unsere Kulturgeschichte ist geprägt von tiefgreifenden Ausschluss- und Diskriminierungsmechanismen. Davon sind auch die historischen Avantgarden nicht frei: Antisemitismus, Rassismus oder Sexismus finden sich darin ebenso wie vielfältige Formen der Kritik daran. Darüber wollen wir in der Reihe «Zwielichtige Kulturgeschichte» sprechen und debattieren. Anhand des Blicks auf die historischen Avantgarden möchten wir Aufschlüsse für die drängenden Fragen der Gegenwart bekommen, wie sie uns in den heutigen Formen von Antisemitismus, Rassismus oder Sexismus begegnen. Startpunkt bildet eine erste Veranstaltung am Dienstag, 4. Juni 2024, um 20.15 Uhr im Cabaret Voltaire zum Antisemitismus im Kontext der Zürcher Dadabewegung. Im Rahmen eines gemeinsamen Gesprächs diskutieren wir unter Beteiligung von Caspar Battegay, Salome Hohl, Stefanie Leuenberger, Christine Lötscher, Benno Wirz und Sandro Zanetti Auszüge aus Hugo Balls «Zur Kritik der deutschen Intelligenz» (1919) sowie den Aufsatz «Dada Judaism: The Avant-Garde in First World War Zurich» (2017) von Alfred Bodenheimer.
Weitere Gesprächsteilnehmer*innen und Zuhörer*innen sind herzlich willkommen. Der Zugang zu den Texten erfolgt per Anmeldung via info@cabaretvoltaire.ch. Vor dem Hintergrund der gesammelten Erfahrungen werden wir die weiteren Sitzungen der Veranstaltungsreihe im Herbst 2024 und Frühling 2025 planen.
Am 21. Mai kommt die Soiree «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» zurück ins Cabaret Voltaire. Die Künstlerin Ilaria Vinci und CZARNAGORA (Rafal Skoczek) laden zum Schachturnier ein. Die Partien werden live von den Sound-Interventionen von Gotgha und Lancet3000 begleitet, die den Fokus der Spielenden herausfordern. Das Turnier findet in Zusammenarbeit mit dem Schachklub Kreis 4 statt, teilnehmen können alle. Der Anlass steht auch Zuschauer*innen offen.
DAS SCHACHTURNIER NACH SCHWEIZER SYSTEM
Im Historischen Saal spielen die Gegner*innen ein Turnier nach «Schweizer System» (offenes 5+0-Blitz). Die Anmeldungen beginnen eine Stunde vor Turnierbeginn und enden zehn Minuten vor Spielbeginn.
Gespielt werden fünf Runden à maximal zehn Minuten, wobei zwischen den einzelnen Runden fünf Minuten Zeit bleiben, um die Ergebnisse an die Software zu übermitteln, die dann die nächste Paarung ermittelt.
Gewinner*in ist die Person, mit den meisten Punkten aus den fünf Spielen sowie die Person, welche die meisten Punkte in der Kategorie Anfänger*in erzielt hat. Sie erhalten eine Goldmedaille und ein T-Shirt in limitierter Auflage, das von der Künstlerin Ilaria Vinci entworfen wurde.
Teilnahmegebühr Turnier: «prix libre» (empfohlener Beitrag: 10 CHF).
Der gesamte Erlös geht an den Schachklub Kreis4.
FREE PLAY
Hier können sich Partien freier bilden. Es kann zum Spass gespielt, geübt oder die Spielfähigkeit perfektioniert werden. Schachbretter stehen zur Verfügung, gerne können eigene Bretter mitgebracht werden. Eine Anmeldung ist nicht nötig.
THE NOISE
Klang und Schach haben eine dadaistische Tradition. Marcel Duchamp und John Cage entwickelten kurz vor Duchamps Tod 1968 das Projekt «Reunion», bei dem Schachspiele in Musikstücke verwandelt wurden.
Dieses Mal werden die Schachpartien mit Noise-Sets von Gotgha und Lancet3000 begleitet.
Luc Häfliger, auch bekannt als Gotgha, ist ein*e in Zürich lebender Musiker*in, Performer*in und Künstler*in. Häfligers Musik erforscht die Zwischenräume von Noise, Metal und elektroakustischer Musik sowie deren reaktives Potential im Raum. Der klangliche Output dieser Erkundungen manifestiert sich bei SCACCHI NOISE durch die Verstümmelung von Plattenspielernadeln mit Sandsteinvinyl. Der Prozess wird in Harsh Noise Walls umgesetzt. Häfligers Arbeiten wurden in nationalen und internationalen Institutionen wie dem Tanzhaus Zürich, dem ZKM Karlsruhe, dem LAC Lugano Art Museum sowie auf Festivals wie Les Urbaines und dem Drifts Festival Helsinki gezeigt.
Alex KH setzt sich für eine positive Geräuschmusik ein. Unter dem Pseudonym Lancet3000 hat er bereits hunderte von Songs veröffentlicht. Sein jüngstes Interesse gilt der Übertreibung beklemmender Medien, wobei er verschiedene Samples von Videospiel-Todesbildschirmen bis hin zu haptischen Feedback-Sounds verwendet.
Die Veranstaltung ist eine Zusammenarbeit zwischendem Schachclubb Kreis 4, der Künstlerin Ilaria Vinci und dem internationalen Label Czarnagora (www.czarnagora.bandcamp.com), das einen wichtigen Beitrag zur kleinen Zürcher Underground-Musikszene leistet und 2020 von Rafał Skoczek mitbegründet wurde.
Am Donnerstag, den 9. Mai, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Florian Elliker unter dem Titel «Psychedelics and Cannabis. Experiences and Meaning in Everyday Life».
Florian Elliker, PhD, ist Senior Lecturer in Soziologie an der Universität St. Gallen, Schweiz. Ausgebildet als qualitativer Wissenschaftler und ethnographischer Forscher, untersucht er den nicht-klinischen Gebrauch von Cannabis und Psychedelika im Alltag. Zusammen mit Niklaus Reichle gründete und leitet er das Forschungskollektiv «Unexplored Realities».
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
PRICE und die eingeladenen Künstler*innen Bonnie Banane und Tiran Willemse treffen sich an einem Tisch im Historischen Saal des Cabaret Voltaire. Ihr Dialog wird häufig von musikalischen Interludes, geleitet von Alban Schelbert, unterbrochen. Verschiedene emotionale Schichten und Sprachrhythmen entfalten sich, während sie ein sich wandelndes Tableau vivant aufführen, das mit Fragmenten aus Hollywood durchsetzt ist. Gemeinsam versuchen sie, einen aufrichtigen Affekt zu erzeugen, ohne sich um Authentizität zu bemühen. Ihre Stimmen werden zu musikalischen Vektoren, um die Grenzen der Bedeutung von Worten in einem emotionalen Austausch zu erkunden.
Dauer: 40 Min.
Eintritt: Pay what you want. Richtpreise: CHF 5/10
PRICE studierte an der Hochschule der Künste Bern und an der Rietveld Academie in Amsterdam. Sowohl in der Performance als auch in der bildenden Kunst tätig, hat PRICE ein Werk entwickelt, das sich durch aufwendige Klanglandschaften, Kostüme und Bühnenbilder auszeichnet, die oft in kollaborativen Konstellationen entwickelt werden und in denen die Stimme stets ein zentrales Element darstellt. PRICE betrachtet sie als eine akustische Form der emotionalen Kommunikation jenseits des Imperativs der Sprache, Bedeutung zu schaffen. Seine Arbeiten wurden u.a. in der Trauma Bar, Berlin; Casa do Povo, São Paulo; Basel Social Club, Basel; Istituto Svizzero, Rom; Gessnerallee, Zürich; Arsenic, Lausanne; Stadtgalerie, Bern und OCT0, Marseille präsentiert. Im Jahr 2023 wurde er für die Swiss Art Awards nominiert und für den Manor Kunstpreis 2024 des Kantons Bern ausgewählt.
Bonnie Banane ist eine französische Alternative-Pop-Sängerin mit Sitz in Paris. Seit der Veröffentlichung ihres ersten Songs «Muscles» im Jahr 2012 hat sie mit Produzenten und Künstler*innen wie Walter Mecca, Myth Syzer, Gautier Vizioz, Flavien Berger und Varnish La Piscine zusammengearbeitet. Sie ist bekannt für ihre exzentrischen Musikvideos und ihre surreale Welt, welche die Absurdität unserer Realität veranschaulichen. Von PRICE zu verschiedenen Anlässen eingeladen, ist sie auch in der Welt der Performance-Kunst aktiv. Unter anderem trat sie 2022 mit den Stücken «Repetition As Nostalgic Attachment On Violence (sequences)» und «The interesting (sequences)» für PRICE mit Cecile Believe, Tamara Alegre, Ivan Cheng, Tiran und Thibault Lac an der Gessnerallee, Zürich, auf. Im Jahr 2023 trat sie als Duo mit PRICE für den Art Basel Social Club auf.
Alban Schelbert ist ein in Zürich lebender Komponist, Musiker und Sounddesigner. Seine Arbeiten nehmen die Form von Soundinstallationen und auditiven Skulpturen an, sowie von raumbezogenen Performances und Kompositionen für akusmatische Mehrkanal-Konzerte. Er erforscht ständig neue auditive Horizonte, die zu immersiven Hörerfahrungen führen. Schelbert hat mit zahlreichen Künstler*innen wie PRICE und Hanne Lippard zusammengearbeitet und ist derzeit Teil des Ensembles von Alexandra Bachzetsis. Seine Kompositionen und Sounddesigns wurden in Performances, Animationsvideos und Filmen verwendet, die auf dem MoMa Film Festival New York, der Viennale Wien und dem FID Marseille gezeigt wurden. Schelberts kollaborative Arbeiten wurden auf der Art Basel, im Centre Culturel Suisse in Paris, im Arsenic Lausanne und im Tanzquartier Wien präsentiert.
Tiran Willemse ist ein Tänzer, Choreograf und Forscher aus Südafrika, der in Zürich lebt. Seine auf Performance basierende Praxis beruht auf einer sorgfältigen Aufmerksamkeit für Raum, Imagination, Geste und Klang, wobei er sich darauf konzentriert, wie sie sich auf die Art und Weise beziehen, in der Konstruktionen von Race, Gender und Erinnerung aufgeführt, kommuniziert und in Frage gestellt werden. Er arbeitete und kollaborierte mit Trajal Harrell, Jerome Bel, Wu-Tsang (Moved by the motion), Ligia Lewis, Meg Stuart, Andros Zins-Browne, Eszter Salamon und Deborah Hay. Seine Arbeiten wurden im Palais de Tokyo Paris, MCBA Lausanne, Museum Macro Rom, Impulstanz Wien, Santarcangelo Festival, Tanzquartier Wien, Sophiensaelen Berlin und Arsenic Lausanne gezeigt. Willemse hat den Swiss Performance Art Award 2023 gewonnen und ist derzeit Resident Artist an der Gessnerallee in Zürich, während seine Arbeit weiterhin international tourt.
Unterstützt von: Stiftung Temperatio, Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung
Besonderen Dank an: Blue Velvet Projects, Theater Neumarkt
Kuratiert von Monica Unser, Assistenzkuratorin des Cabaret Voltaire
In seinem Tractatus Theologico-Politicus (1670) schreibt Spinoza, dass die Massen, von deren Weisheit er grundsätzlich nicht viel zu halten scheint, rational werden, wenn sie sich demokratisch organisieren. Demokratien, pflichten ihm John Dewey im 20. und Elizabeth Anderson im 21. Jahrhundert bei, sind Gemeinschaftssport; sie machen ihre Bürger*innen epistemisch fit und fördern den Teamgeist. Was aber, wenn die Leute nicht mehr trainieren? Im künstlerischen Beitrag ist eine Skulptur von Ramon Feller zu sehen. Fragen zur demokratischen Fitness werden mit Gin(less)-Soda besprochen.
Ramon Feller arbeitet seit 2012 als freischaffender Künstler und Initiator verschiedener Projekte. Sein Interesse gilt den zeitlich getakteten Handlungen, Erfahrungen und Entscheidungen des sozialen Lebens und der Frage, welche Faktoren diese beeinflussen und steuern. Meistens entstehen Arbeiten, die in einer «Abhängigkeit» stehen, was oft zu performativen Installationen und Skulpturen führt. Der Gegensatz des Beobachtens und des Betrachtens ist dabei ein zentraler Punkt. Seit 2021 arbeitet er als wissenschaftlicher Mitarbeiter im Bachelor Kunst und Vermittlung K++V an der Hochschule Luzern und seit 2024 als technischer Entwickler bei Infinitsun. Seine Werke werden dieses Jahr in der Kunsthalle Bern und im Benzenholz, Meggen ausgestellt.
In der Soiree-Reihe «Analytisches Kabarett» wird das analytische Handwerk der Philosophie offengelegt und durch Beiträge aus anderen Perspektiven und Disziplinen herausgefordert oder verdichtet. Zu jeder Soiree gibt es eine Einführung zur Denkrichtung durch den Philosophen Dominique Kuenzle, eine präsentierte Textanalyse, eine These oder Frage von angehenden Philosoph*innen der Universität Zürich, einen künstlerischen sowie einen gastronomischen Beitrag. Gäste sind eingeladen, aktiv mitzudiskutieren oder zuzuhören.
Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt.
Eintritt: pay what you want.
Im gegenwärtigen Orientierungswirrwarr zwischen Fakten, Fake News und allen Zwischenschattierungen diagnostiziert US-Philosoph Thi Nguyen (2018) epistemische Echokammern online und offline als sektenähnliche Gebilde, in denen die Glaubwürdigkeit anderer manipuliert wird. Wenn jemand tief in einer solchen Echokammer steckt, so Nguyen, dann bleibt vielleicht nur der Ausweg einer sozialen Variante von Descartes’ skeptischem Neustart: Vergessen, wem wir vertraut haben, niemandem und allen trauen, Vertrauen neu aufbauen. – Aber ist ein solcher gezielter Blackout, so diskutieren wir aus der Perspektive von Julieta Paredes’ kommunitaristischem Feminismus, ein neoliberaler Luxus? Im künstlerischen Beitrag von Mara Miccichè aka IOKOI werden Echokammern musikalisch reflektiert. Fragen zu produktiven Neustarts gehen wir dem cartesischen Anspruch nach Klarheit mit Espresso Martini nach.
Mara Miccichè aka IOKOI ist Komponistin und Klangkünstlerin wohnhaft in Zürich. Ihr vielseitiges Schaffen entfaltet sich im Komponieren von Soundtracks für Film, Theater und Installationen, Kollaborationen in Mode+Design und in der Live-Vertonung von Stummfilmen in verschiedenen Konstellationen. Sie ist Mitbegründerin des Musiklabels -OUS und der transdisziplinären Plattform MADAM.
In der Soiree-Reihe «Analytisches Kabarett» wird das analytische Handwerk der Philosophie offengelegt und durch Beiträge aus anderen Perspektiven und Disziplinen herausgefordert oder verdichtet. Zu jeder Soiree gibt es eine Einführung zur Denkrichtung durch den Philosophen Dominique Kuenzle, eine präsentierte Textanalyse, eine These oder Frage von angehenden Philosoph*innen der Universität Zürich, einen künstlerischen sowie einen gastronomischen Beitrag. Gäste sind eingeladen, aktiv mitzudiskutieren oder zuzuhören.
Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt.
Eintritt: pay what you want.
Am Donnerstag, den 18. April, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Dr. David Andel unter dem Titel «Experimenting with Ourselves: How to Prepare and Experience Safe Journeys into Consciousness».
Dr. med. David Andel hat sich auf Psychopathologie und Brain Imaging spezialisiert. Er studierte Medizin an den Universitäten Basel und Prag, sowie Neurobiologie, Mathematik und Informatik in Zürich.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Am 11. April eröffnet im Cabaret Voltaire die erste institutionelle Einzelausstellung von Lee Scratch Perry in der Schweiz und Europa. Die Ausstellung ist vom 12. April bis zum 29. September im Gewölbekeller zu sehen (aufgrund des großen Interesses wurde sie bis zum 5. Januar 2025 verlängert).
Programm Eröffnung
18:00 – Eröffnung der Ausstellung
19:00 – Begrüssung durch Salome Hohl und Visual Estate of Lee Scratch Perry
21:00 – DJ-Set Mother Dubber (Trinity Njume-Ebong)
Lee Scratch Perry prägte die Entwicklung des Reggaes, Ska und Dub wie kein anderer. Seine legendären Studios in Kingston, Jamaika und in Einsiedeln, Schweiz, sind weltbekannt. Doch Perrys Einfluss geht weit über die Musik hinaus. Sein Gesamtkunstwerk umfasst visuelle Kunst wie Kostüme, totemistische Skulpturen und Assemblagen aus Sprache, Film, Malerei sowie alltäglichen Gegenständen wie CDs, Spiegeln, Steinen und religiösen und popkulturellen Bildern. Damit beeinflusste er nicht nur Musikgrössen wie Bob Marley oder Keith Richards, sondern auch Künstler*innen wie Jean-Michel Basquiat.
Mit dem Dada-Erbe des Cabaret Voltaire verbindet Perry das disziplinübergreifende Schaffen, die Sampling-Kultur oder der DIY-Ansatz. Beide brachen spielerisch mit gesellschaftlichen Normen, erschufen eigene Mythologien und waren dem Prozess sowie Kollaborationen verpflichtet. In der Schweiz fanden Perry und die Dada-Gruppe eine ruhige Insel, die Konzentration und kreative Entfaltung ermöglichte. Die Inkubatoren waren Räume, die heute international bekannt sind: eine Bier- und Weinschenke in Zürich (Cabaret Voltaire) sowie das Blue Ark Studio in einer Garage im Kanton Schwyz.
Mehr zur Ausstellung und zur Biografie von Lee Scratch Perry finden Sie hier.
Die Ausstellung entstand in Zusammenarbeit mit dem Visual Estate of Lee Scratch Perry (geleitet von Lorenzo Bernet und Valentina Ehnimb).
Neben Lee Scratch Perry leisten auch folgende Personen einen Beitrag zur Ausstellung: Peter Harris, Invernomuto, David Katz, Lhaga Koondhor (House Of Intuitions) & Dave Marshal, Trinity Mesime Njume-Ebong (Mother Dubber), Sebastian Roldan, Maria Rodski, Volker Schaner, Scott Seine, und weitere.
Herzlichen Dank an: Mireille Perry und die Familie Perry, Ulrike & Giuliano Bernet, Antoine Félix Bürcher, Thomas Julier, Albertine Kopp / Caribbean Art Initiative, Cabinet Gallery, London, Corbett vs. Dempsey, Chicago, suns.works, Zurich.
Mehr zum Eröffnungsprogramm mit Trinity Njume-Ebong:
Die in Genf geborene Trinity Njume-Ebong, auch bekannt als Mother Dubber, wühlt seit 2001 in Platten. Ihr Ziel ist es, die modernen klanglichen Ausdrucksformen der schwarzen Diaspora zu vereinen: von den westafrikanischen Disco-Platten, die sie von ihrem Vater geerbt hat, bis hin zu den zeitgenössischen elektronischen Musikproduktionen, die ihre Kindheit prägten. Eine starke universelle politische und kulturelle Allianz aus roher schwarzer Kreativität und Kunst ist durch ihre musikalische Kuration zu hören, die sich bei jedem Set auf eine bestimmte Ära oder Region konzentriert.
Am Eröffnungsabend wird eine Sammlung sorgfältig ausgewählter digitaler Musik der 80er-Jahre und früher Dancehall-Musik auf dem Programm stehen. Das Ergebnis ist eine Kombination aus Humor, Klage, Protest, Sexualpolitik und Freude, verpackt in eine Sammlung von 45er-Scheiben, die auch Dub-inspirierte Signale und Sirenen enthält.
Am Donnerstag, den 21. März, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Claude Weill unter dem Titel «A Return Ticket to Elysium: Psychedelics in the Second Half of Life».
Claude Weill ist der Autor von Elysium hin und zurück. Die neun im Buch porträtierten Menschen befinden sich alle in der zweiten Lebenshälfte, bringen die unterschiedlichsten Lebenshintergründe mit, arbeiten in verschiedenen Berufen oder sind bereits im Ruhestand. Für sie stellt der regelmäßige oder gelegentliche Konsum bewusstseinsverändernder Substanzen einen Zugang zu außergewöhnlichen Erfahrungen von spirituell-mystischer Dimension dar.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Eine Kooperation mit dem Kunsthaus Zürich
Ist Auswählen ein kreativer Akt? Im Kontext der Ausstellung «Barbara Visser – Alreadymade» zur Dadaistin Elsa von Freytag-Loringhoven im Kunsthaus Zürich wird im Cabaret Voltaire, dem Ursprungsort von Dada, Kreativität im Zeitalter der künstlichen Intelligenz (KI) hinterfragt: Was ist eine künstlerische Entscheidung? Welche Rolle spielen Algorithmen und kann KI sich Kunst als Quelle aneignen? Gäste sind Barbara Visser (Künstlerin), Giulia Bini (Kunsthistorikerin und Kuratorin), Flora Klein (Künstlerin) und Krystina Schaub (Wissenschaftlerin und Philosophin). Gemeinsam mit Simone Gehr (Kuratorin der Ausstellung «Alreadymade») und Salome Hohl (Direktorin Cabaret Voltaire) diskutieren sie über diese Fragen, begleitet von einem Happen, der mithilfe von KI aufgetischt wird.
Die Soiree findet auf Englisch statt. Das Publikum kann zuhören oder mitdiskutieren.
Eintritt: CHF 20 / CHF 10; Wir bitten um Anmeldung via info@cabaretvoltaire.ch
Dem Versprechen der Architektur, etwas von Bestand in die Welt zu setzen, entgegnen Ruinen ihre eigenen Verheissungen. «wir sind eine investitionsruine / statussymbol eines instabilen herrschers / vision eines architekten im wahn», schreibt Jana Volkmann. Simon Nagy antwortet: «Und die Gespenster? Die sind die Bewohner*innen der Ruinen. Die, die beim Ruinenbau umkommen, die, die verschütt gegangen sind, die, die immer noch dort in den Trümmern wohnen.» Im Dialog mit Sarah Lehnerer und Benedikt Bock sprechen Volkmann und Nagy über das Bauen von Ruinen, über die Heimsuchungen unserer Gegenwart und das not yet anderer Zukünfte. Zwischendurch lesen sie aus ihren Büchern Investitionsruinen und Spuk als Versprechen.
«Texte zum Nachdenken» ist eine unabhängige Lesereihe, die 2020 vom Künstler Benedikt Bock gegründet wurde. Seit 2023 ist die Künstlerin Sarah Lehnerer Teil des Teams. In Zürich kooperiert die Reihe mit dem Cabaret Voltaire.
Texte zum Nachdenken wird unterstützt von: Stadt Zürich, Kanton Zürich, Anne-Marie Schindler Stiftung, Temperatio.
Eintritt: Pay what you can (CHF 5/10)
Am Donnerstag, den 15. Februar, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung umfasst einen Vortrag von Stefan Zweifel über Antonin Artaud und einen surrealistischen Kurzfilm von Germaine Dulac, begleitet von der Musikerin Réka Csiszér alias Víz.
Eine Kooperation mit Eventi letterari Monte Verità und dem Institute for Incoherent Cinematography (IOIC).
Stefan Zweifel, Kurator der diesjährigen Eventi, hält einen Vortrag über Antonin Artaud und Peyotl. Das Institute for Incoherent Cinematography (IOIC) zeigt den surrealistischen Kurzstummfilm La coquille et le clergyman, den Germaine Dulac 1927 nach einem Drehbuch von Artaud realisierte. Begleitet wird dieses Werk von der transsylvanischen Sängerin, Cellistin und elektronischen Musikerin Víz (Réka Csiszér).
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet ausnahmsweise primär in deutscher Sprache statt.
Mit einer leidenschaftlichen Hingabe für die Erkundung der Schnittstelle von Technologie und künstlerischem Ausdruck widmet sich unsorted.love Live-Coding-Performances und kollaborativen Events. Das Kollektiv nutzt Programmiersprachen, um Musik und visuelle Elemente zu erschaffen, zu verändern und zu improvisieren.
Programm:
20:00 - 20:30 Ted Davis x Anselm Weber
20:45 - 21:15 Du bist du
21:30 - 22:15 Suntka Rinke x Paulina Zybinska
22:30 - 23:15 Younger Sibling x Andrea Zaccuri
Eintritt: CHF 5/10
@unsorted.love
https://unsorted.love
Am Donnerstag, den 11. Januar, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet eine Integrative Performance von Iris Andres unter dem Titel «Psychedelic Integration for Body, Mind & Soul», gefolgt von einer Podiumsdiskussion unter der Leitung von Susanne G. Seiler, an der Iris Andres, Stephan Fundinger, Claude Weill und Valentina Manini teilnehmen, die alle mit Psychedelic Integration beschäftigt sind.
Iris Andres ist ausgebildete Chemielaborantin und Atemtherapeutin mit Fortbildungen in holotropischem Atmen, somatischer Körperarbeit und körperzentrierter Psychotherapie. In ihrem Vortrag wird sie ihre Art, Psychedelic Integration zu praktizieren, erläutern.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Am Donnerstag, den 14. Dezember, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Beat Bächi, wissenschaftlicher Mitarbeiter am Lehrstuhl für Medizingeschichte der Universität Zürich.
Beat Bächi: «Transubstantiations. LSD and the Flesh of the Aztec Gods»:
Der Historiker Dr. Bächi kennt das Albert-Hofmann-Archiv in Bern genau und erforscht derzeit an der Universität Zürich das Schicksal von Nutztieren im Anthropozän. Er nimmt uns mit auf eine Reise durch Südmexiko und zeichnet die unwahrscheinlichen Wege nach, die es LSD ermöglichten, sich von einer psychopharmazeutischen Substanz zu einer Ikone der Gegenkultur zu entwickeln. Sein Buch LSD auf dem Land. Produktion und kollektive Wirkung psychotroper Stoffe ist vorerst nur auf Deutsch erhältlich (Konstanz University Press 2020).
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt: CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Texte zum Nachdenken mit Martian M. Mächler, Sarah Lehnerer und Jackie Grassmann
19:00–20:30 Lesungen, danach Karaoke
i left my body behind von Martian M. Mächler ist ein Buch über some body – ein autofiktionaler Text, der sich nuanciert mit dissoziativen Zuständen auseinandersetzt, ohne sich einer pathologisierenden und heilen-wollenden Sprache zu bedienen. Der narrative Gedichtband begibt sich auf eine Suche nach einem weniger abgeschlossenen Verständnis von Körper und Sprache, einem, das beweglich und veränderbar bleibt. In Englisch verfasst, einer Sprache, die Martian M. Mächler weniger vertraut ist als das (Schweizer-)Deutsche, mit dem Mächler aufgewachsen ist, wird dieser Umstand weiter verfremdet und fragmentiert.
Fireflies in the Dark. Letters on Ambiguities ist ein fortlaufender digitaler Briefwechsel zwischen den Künstlerinnen Jackie Grassmann und Sarah Lehnerer, der im März 2020 begann und ein Jahr darauf erstmalig in Auszügen als Buch veröffentlicht wurde. Der seither stetig wachsende Text ist ein Dokument des Begehrens der Autorinnen, eine Sprache für ihre künstlerische Praxis, ihr theoretisches Denken und für den Alltag und Geschehnisse um sie herum zu entwickeln, die sich durch das Prinzip der Zugewandtheit, dem geteilten Denken und Begreifen, dem Zuhören und Ansprechen formuliert.
Texte zum Nachdenken ist eine unabhängige Lesereihe, die 2020 vom Künstler Benedikt Bock gegründet wurde. Seit 2023 ist die Künstlerin Sarah Lehnerer Teil des Teams. In Zürich kooperiert die Reihe mit dem Cabaret Voltaire.
Texte zum Nachdenken wird unterstützt von: Stadt Zürich, Kanton Zürich, Anne-Marie Schindler Stiftung, Temperatio.
Eintritt: Pay what you can (CHF 5/10)
Eine Zusammenarbeit zwischen Cabaret Voltaire, ZHdK Master of Fine Arts, Theater Neumarkt.
Die Performance findet an zwei Orten statt: Theater Neumarkt und Cabaret Voltaire. Das Publikum ist eingeladen, zwischen den beiden Orten hin und her zu gehen (3 Minuten Fussweg) und in zwei parallele Welten einzutauchen. Das Künstlerinnenduo Dorota Gawęda und Eglė Kulbokaitė kombiniert Text, Video und digitale Verdopplung, um eine archaische und zugleich futuristische Umgebung zu schaffen. Während des Stücks entfaltet sich eine hybride Erzählung, die vermeintliche Gegensätze wie Subjekt–Umwelt, Natur–Technik, real–virtuell nahtlos verwischt.
Einst suchte die dämonische Południca die Feldarbeiter*innen zur Mittagszeit heim und verleitete sie zu trügerischen Gesprächen. Ihr Gesicht zuckt, ein grosses, schönes, in Staub gekleidetes «Mittagsmädchen». Es macht ihr Spass, die Bauer*innen bei der Mittagsarbeit an den Haaren zu ziehen. Sie hilft kleinen Kindern, sich auf den Feldern zu verirren. Wenn sie an den heissesten Tagen des Sommers mittags auftaucht und durch die goldenen Felder wandert, hält sie die Leute an und stellt ihnen schwierige Fragen, um sie in ein Gespräch zu verwickeln. Wenn jemand nicht antwortet oder versucht, das Thema zu wechseln, schneidet sie ihm den Kopf ab oder schlägt ihn mit einer Krankheit. Diese legendäre Figur aus der slawischen Folklore ist eine Metapher für unsere heutigen Ängste im Zusammenhang mit ökologischem und sozialem Unbehagen.
Besetzung: Performance: Giulia Terminio. Haare und Make-up: Jasmine Berger. Originalmusik: Bill Kouligas. Sprecher*innen: Justyna Chaberek, Niklas Draeger, Thanos Frydas, Leila Hassan, Oskar Pawełko.
Die Performance ist Teil des Forschungsworkshops «24/7 Performance: (Re-)Presentation in the Algorithmic Regime», organisiert von Marie-France Rafael (ZHDK/IFCAR), mit Unterstützung der Ernst Göhner Stiftung.
Vorverkauf: https://www.theaterneumarkt.ch...
Abendkasse: Cabaret Voltaire
Pay what you want
Im Herbst und Winter laden Cabaret Voltaire und CARAH – Collective for Anti-Racist Art History herzlich zu einer Reading Group ein. Gemeinsam wollen wir uns der Lektüre und Diskussion von Texten zu (Anti-)Rassismus in der Kunstgeschichte und damit im Zusammenhang stehenden Themen widmen.
Am 28. November diskutieren wir den Text von José Esteban Muñoz, «Performing Disidentifications», Einleitung zu Disidentifications: Queers of Color and the Performance of Politics (1999). Im Anschluss wird der Film Tongues Untied von Marlon T. Riggs gezeigt.
Der zukunftsträchtige Dokumentarfilm Tongues Untied (1989) des mit einem Emmy prämierten Regisseurs Marlon T. Riggs beschreibt mithilfe von Poesie, persönlichen Aussagen, Rap und Performance (u. a. mit dem Dichter Essex Hemphill) die Homophobie und den Rassismus, denen schwarze schwule Männer ausgesetzt sind. Die Geschichten verdeutlichen die doppelte Diskriminierung: der Mann, dem der Zutritt zu einer Schwulenbar aufgrund seiner Hautfarbe verweigert wird; der Student, der nach einem Gay-Bashing blutend auf dem Bürgersteig liegt; die Einsamkeit und Isolation der Drag Queen. Doch sie bekräftigen auch die Erfahrung des schwarzen schwulen Mannes: Protestmärsche, verrauchte Bars, «Snap Diva», humorvolle «Musikwissenschaft» und Vogue-Tänzer. Ein Vierteljahrhundert nach seinem Erscheinen ist der Dokumentarfilm des Regisseurs Marlon T. Riggs, der mit dem Los Angeles Film Critics Award und dem Preis für den besten Dokumentarfilm bei den Berliner Filmfestspielen ausgezeichnet wurde, so aktuell wie eh und je.
«Mein Kampf hat es mir ermöglicht, das Gefühl der Scham und des Stigmas zu überwinden, das damit verbunden ist, dass ich ein schwarzer schwuler Mann bin. Nachdem ich dieses Feuer überstanden habe, können sie mir nichts mehr anhaben.» – Marlon T. Riggs
Die Reading Group trifft sich jeweils um 19.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:
- 31. Oktober, 2023: Nora A. Taylor, «Why Have There Been No Great Vietnamese Artists?» (2005)
- 28. November, 2023: José Esteban Muñoz, «Performing Disidentifications», Einleitung zu Disidentifications: Queers of Color and the Performance of Politics (1999) mit Screening von Tongues Untied von Marlon T. Riggs (1989)
- 19. Dezember, 2023: Rasheed Araeen, «The Success and the Failure of Black Art ,» Third Text 18, no. 2, 2004. Optionale weitere Lektüre: Courtney J. Martin, «Rasheed Araeen, Live Art, and Radical Politics in Britain,» Getty Research Journal, no. 2, 2010
Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.
Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.ch erforderlich.
Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.
CARAH ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Dekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.
Freier Eintritt.
Still aus Marlon Riggs, Tongues Untied, 1989, 55 Minuten, Farbe, Ton.
Am Samstag, 25. November, findet im Cabaret Voltaire wieder die «Chaostage» von Ajana Dracula & friends statt.
Wir laden dazu ein, auf der offenen Bühne aufzutreten: Reden halten, Lieder singen, Instrumente spielen, Tänze oder Performances vorführen, rappen, Gedichte rezitieren – alle Beiträge sind willkommen.
Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, Klavier, Verstärker, Computer sowie je max.10 Minuten zur Verfügung.
In allen Sprachen. Verkleidung erwünscht!
Türöffnung: 20:00
Start: 21:00
Freier Eintritt.
Anmeldung an ajanadracula239@gmail.com
Wir freuen uns auf zahlreiches Erscheinen und Mitmachen!
Texte zum Nachdenken mit Sung Tieu
Lesung und Gespräch
Die Künstlerin Sung Tieu und Benedikt Bock diskutieren Autofiktion sowie die Bedeutung einer faktenkritischen Recherche, die in die Verwendung von Texten der Künstlerin einfliesst. Anhand ihrer aktuellen Ausstellung «One Thousand Times» im Kunst Museum Winterthur sprechen sie über Tieu's installative und multimediale Praxis und den besonderen Stellenwert von Informationsmedien wie Zeitungsartikeln in ihrem Werk.
Eintritt: pay what you want.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
«Texte zum Nachdenken» ist eine von dem Künstler Benedikt Bock gegründete Reihe von Leseperformances im Bereich der bildenden Kunst und Literatur. Seit 2023 ist die Künstlerin Sarah Lehnerer Teil des Teams.
Am Donnerstag, den 9. November, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet eine Präsentation und Performance von Sharka Rey unter dem Titel «Sex, Kink and Psychedelics».
Sharka ist eine somatische Kink-Pädagogin, Performerin, Künstlerin und internationale Retreat- und Workshop-Organisatorin mit einem Hintergrund in Psychologie, Yoga, Tanz, CI, Stimme und Theaterimprovisation. Zurzeit studiert sie an der Universität Basel den MA in Changing Societies mit dem Schwerpunkt Sexualkultur und ihre Rituale.
Zu «Sex, Kink and Psychedelics: Alternative Sex Education & Performance» (mit Visuals): Sowohl Kink als auch Psychedelika bieten höchstwahrscheinlich ein intensives Erlebnis, das die Grenzen dessen, was man im Leben erfahren hat, überschreitet. Beide bieten die Möglichkeit eines alternativen Bewusstseinszustandes und sollten zutiefst gewürdigt werden: Das Spiel selbst und die Verbindung zwischen oder unter den Partner*innen ist die Medizin.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Im Zusammenhang mit der Ausstellung «Upiór» von Ėgle Kulbokaitė und Dorota Gawęda im Sentiment findet im Cabaret Voltaire eine Podiumsdiskussion statt. Im Zentrum stehen die Überschneidungen von slawischer Mythologie, Quantenphysik und Kunst. Ziel ist es, geheimnisvolle Verbindungen aufzudecken, die unsere Realität und unsere Vorstellungskraft miteinander verbinden, indem wir Expert*innen auf ihren jeweiligen Gebieten zusammenbringen.
Vormerken: Am 30. November performen Ėgle Kulbokaitė, Dorota Gawęda im Cabaret Voltaire und im Theater Neumarkt, organisiert in Zusammenarbeit mit ZHdK Master of Arts und Theater Neumarkt.
Teilnehmer*innen:
Ėgle Kulbokaitė (LT) und Dorota Gawęda (PL) sind ein Künstlerinnen-Duo, dessen Arbeiten Ökologie und Technologie, Wissenschaft und Folklore, Queerness und Magie sowie nichtmenschliche Intelligenz nahtlos miteinander verweben. https://gawedakulbokaite.com
Łukasz Kozak (PL) ist Mediävist, Technologie- und Medienexperte. Er arbeitet mit zahlreichen kulturellen und wissenschaftlichen Einrichtungen in den Bereichen Innovation und neue Technologien zusammen. Im Jahr 2020 veröffentlichte er «With Stake and Spade. Vampiric Diversity in Poland» und «Upiór. Historia naturalna» («Upiór. Eine Naturgeschichte», mit Illustrationen von Aleksandra Waliszewska), die ersten umfassenden Studien zum Vampirismus in Polen und dem polnisch-litauischen Commonwealth.
Dr. Zeno Capatti (IT) ist Quantenphysiker mit Spezialisierung auf theoretische Teilchenphysik. Seine Forschung konzentriert sich auf die Berechnung von Vorhersagen für Teilchenbeschleuniger, wie den Large Hadron Collider am CERN. Darüber hinaus ist er an einem interdisziplinären Projekt beteiligt, das die Verbindung zwischen Kunst und Wissenschaft erforscht. Zu Zenos Interessen gehören poststrukturalistische Philosophie sowie Queer- und Gender-Theorie. Seit kurzem arbeitet er als Postdoktorand an der Universität Bern.
Sentiment ist ein gemeinnütziger Ausstellungsraum für Kunst in Zürich, der 2020 von Olga Generalova und Philemon Otth gegründet wurde. Sentiment hat sich zum Ziel gesetzt, zeitgenössische Künstler*innen aus der Schweiz und dem Ausland zu fördern und auszustellen und ihnen eine wertvolle öffentliche Plattform zu bieten, um ihre Arbeiten zu präsentieren. Sentiment unterstützt radikale und innovative Positionen in der lokalen und internationalen Kulturlandschaft. https://sentiment.cc
Details zur Veranstaltung:
Datum: Sonntag, 5. November
Zeit: 17:00
Ort: Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1, 8001 Zürich
Eintritt: frei
Am Donnerstag, den 12. Oktober, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet eine Präsentation von Susanne G. Seiler über die deutsche Version ihres Buches «My Psychedelic Life» und ein Vortrag von Roger Liggenstorfer über Absinth als Psychedelikum.
Susanne G. Seiler ist die Initiatorin von «The Psychedelic Salon» und beschäftigt sich seit den sechziger Jahren mit Psychedelik. Roger Liggenstorfer ist Gründer des psychoaktiven Nachtschatten Verlags (https://nachtschatten.ch/), Mitbegründer von Eve & Rave drug checking, und Inhaber der Absinth-Bar Die Grüne Fee in Solothurn (https://www.diegruenefee.ch/).
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start Programm
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Ablauf Eröffnung der Ausstellungen «Poetry for Revolutions. A Group Show with Manifestos and Proposals» | Ceylan Öztrük «Pink Tabula Rasa»:
–––––––––––––Programm Eröffnung
–18:00 Eröffnung der Ausstellungen
–20:00 Begrüssung mit Einführung
Im Anschluss DJ-Sets von Bunny Dakota (Martina Ruggeri/Industria Indipendente, Rom) und NDLOVU (Zürich) bis 1.30 Uhr.
Bunny Dakota experimentiert mit langen Klangreisen und entwirft künstliche Welten aus der Essenz des Südens, Drohnen, Maschinengeräuschen, Elektrizität, Gezeiten, schwarzer Magie, Beats und chaotischer Sinnlichkeit. Indem sich Techno mit Downtempo, harten Drums, Electro-Wave und House-Musik vermischt, setzt sie einen Track wie einen Superorganismus in Bewegung.
Starke Drums und Synthies, biegsam im Genre – NDLOVU bringt afrikanisch angehauchten Club, Dance und Electronica auf den Dancefloor.
–––––––––––––Informationen zur Ausstellung
Ein gemeinsames Projekt vom Cabaret Voltaire (Zürich) und dem Istituto Svizzero (Rom) mit Bassem Saad, Ceylan Öztrük, Guerreiro do Divino Amor, Giorgio Zeno Graf, Industria Indipendente, Ivona Brđanović, Maya Olah, Mathis Pfäffli, Michèle Graf & Selina Grüter, MigrArt/DACZ (Deniz Damla Uz & Niştiman Erdede), Ramaya Tegegne, RM, Sandra Mujinga, Shirana Shahbazi in Zusammenarbeit mit Hannaneh Heydari und Ursula Biemann
Zürich: 6. Oktober 2023 bis 31. März 2024, Eröffnung: 5. Oktober, 18 Uhr
Rom: 20. Oktober 2023 bis 18. Februar 2024, Eröffnung: 19. Oktober, 18 Uhr
Kuratiert von Gioia Dal Molin und Salome Hohl
Das Manifest avancierte in der historischen Avantgarde wie dem Futurismus oder Dada zum bedeutenden Stilmittel, um Überzeugungen und Kritik zu bekunden, «handgreiflich» und «offenbar» zu machen, wie es die etymologische Herkunft «manifestus» bereits vorwegnimmt. Kunst sollte nicht bewahren und einen Schein aufrechterhalten, sondern offenlegen, «tun», die Welt und die Menschen verändern. In der Ausstellung «Poetry for Revolutions» reagieren Künstler*innen und Schreibende in ihrer eigenen künstlerischen Sprache auf die global verstrickten Krisen oder reflektieren die Kultur des Mitteilens und des Manifestierens. Sie tun dies in einer Zeit, in der Manifeste oder Monumente aus der Zeit zu fallen scheinen, die Ereignisse jedoch zum Handeln, zum Erinnern und gleichzeitigen Brechen auffordern. Kunst bildet nicht eindimensional ab, sie verdichtet, isoliert, differenziert, verwirrt, entwirrt, sei es poetisch, radikal, subtil oder konkret. Dabei stellen sich Fragen nach der Position der Autor*innen und inwiefern Kunst politische Menschen bildet oder eher einen pseudopolitischen Raum erschafft.
Die Gruppenausstellung «Poetry for Revolutions» versammelt Manifeste von fünfzehn Künstler*innen – je ein Beitrag für Zürich und Rom, teilweise identisch, manchmal leicht abweichend. Die inhaltlichen und formalen Eigenheiten sind mannigfaltig. Sie beschäftigen sich mit der ökologischen Krise, der Macht der Sprache oder der Pharmaindustrie, dem Umgang mit Ideologien oder Ressourcen, mit Wünschen in dystopischen Zeiten, kollektiven Imaginationen und identitären Zuschreibungen. Aus kuratorischer Sicht stellen sich die Beiträge in gewisser Weise auch der grossen Ideologie «Demokratie», die eben nie neutral sein darf, sondern bestimmten Werten verpflichtet ist.
Einige der Manifeste sind poetisch, abstrakt, andere prosaisch, konkret. Es handelt sich um Texte, Zeichnungen, Fotografien oder Skulpturen. In beiden Institutionen liegen die Manifeste zusätzlich fotokopiert auf Ceylan Öztrüks Skulpturen «Choreographed Manifestos», welche die Papiere wie Flugblätter den Wänden entlang gleiten lassen. Die Künstlerin interessiert sich dafür, wie Informationen formal zirkulieren und wer sich bemächtigt fühlt, welches Wissen zu teilen. Die Besucher*innen können die Manifeste mitnehmen und hinaus auf die Strasse tragen.
Ceylan Öztrüks «Phantasm Manifesto» erweitert die Gruppenausstellung und den Gedanken des Manifestierens darüber hinaus mit einer Werkgruppe, die an architektonische Elemente mit propagandistischem Zweck erinnert. Auf den zweiten Blick muten die Papierskulpturen jedoch ironisch an, da sie jeglicher Funktion entbunden werden und Bilder oder Schriften transportieren, die auf nichts Konkretes verweisen. Vielleicht sind sie als künstlerische «Gegen- oder Antimonumente» zu verstehen, jedoch, wie der betitelte Gesamtbeitrag Öztrüks «Pink Tabula Rasa» impliziert, auch als mögliche Neubeschreibung zu lesen. Im Sinne des Titels «Phantasm Manifesto» möchte sie auch den imaginären, surrealen oder illusorischen Aspekten eines bestimmten Konzepts Raum geben.
Die fünfzehn Manifeste und Ceylan Öztrüks Beiträge sind in beiden Institutionen zu sehen. In Rom begleiten zusätzliche Arbeiten einiger Künstler*innen die Schau, zudem werden mit einer historischen Vitrine die Manifeste der feministischen Bewegung im Italien der 1960er und 70er Jahre beleuchtet. Im Zürcher Cabaret Voltaire zeigt sich das Referenzsystem im Kontext von Dada.
Dieses Projekt wird freundlicherweise unterstützt von:
Stadt Zürich
Ernst Göhner Stiftung
Stiftung Temperatio
Philaneo
Stiftung Anne-Marie Schindler
Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung
Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung
Stiftung Kulturfonds, ProLitteris
Oertli-Stiftung
Else v. Sick Stiftung
Adresse: Schule Hirslanden Sek, Freiestrasse 191, 8032 Zürich
Kunst-am-Bau Projekt von Florian Graf
Performance-Programm kuratiert von Elise Lammer in Zusammenarbeit mit Florian Graf und Salome Hohl.
Das Eröffnungsfest ist eine Kooperation zwischen dem Amt für Hochbauten, Fachstelle Kunst und Bau, dem Cabaret Voltaire und der Schule Hirslanden Sek.
Im Rahmen des Neubaus und der Sanierungen der denkmalgeschützten Bauten der Schulanlage Hofacker wurde in einem Studienauftrag auf Einladung das Kunst-und-Bau-Projekt «School Models» des Künstlers Florian Graf (*Basel, lebt und arbeitet in Basel) ausgewählt. Florian Graf realisierte eine Skulpturengruppe, die sich aus Steinmodellen der drei aus drei Jahrhunderten stammenden Schulhäuser zusammensetzt. Statt nun die Schulhäuser auf Sockeln zu platzieren, liess er die Modelle auf überdimensionierte Spielklötze setzen. Die Bausteine aus eingefärbtem Terrazzo und die Schulhäuser aus Kalkstein können von den Schüler*innen auch als Sitzgelegenheit benutzt werden. Sie können also ihr Schulhaus beklettern, sich drauf setzen oder auch mal von oben herab auf die Schule schauen. Die Gebäude werden so (an-)fassbar. Florian Grafs Skulpturenensemble ist ein augenzwinkerndes Spiel mit Grössenverhältnissen und mit unserer Wahrnehmung: Es regt dazu an, unsere Betrachter*innen-Positionen zu wechseln, andere Blickwinkel einzunehmen und uns zwischen Modell und Wirklichkeit zu bewegen.
Florian Graf hatte die Idee, die «School Models» mit einem Fest für die Schule und das Quartier einzuweihen und die Skulpturen durch verschiedene Künstler*innen bespielen zu lassen. Sieben Künstler*innen haben die Einladung von Florian Graf, Elise Lammer und Salome Hohl angenommen und werden die «School Models» heute auf unterschiedliche Weise in Beschlag nehmen. Wir freuen uns sehr, gemeinsam mit Ihnen, den Schüler*innen und Lehrpersonen der Schule Hirslanden Sek die «School Models» mit einem überraschenden Performance-Programm einzuweihen.
Programm:
–16.00-17.00 Uhr: Schüler*innen führen durch die Schulhäuser (Besammlung jeweils um 16.00 und 16.30 Uhr beim Eingang Neubau)
–17.00 Uhr: Begrüssung und Einführung von Christiane Rekade (Amt für Hochbauten, Fachstelle Kunst und Bau), Florian Graf (Künstler), Christoph Widmer und Astrid Hänggi (Schule Hirslanden Sek), Roger Curchod (Präsident der Kreisschulbehörde Zürichberg), Salome Hohl (Cabaret Voltaire), Elise Lammer (Kuratorin)
–17.30 Uhr: Yogos Sapountzis: «little school memory», 2023
–18.00 Uhr: Zwischenspiel: Nina Emge und Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–18.15 Uhr: Monster Chetwynd mit Schüler*innen der Schule Hirslanden Sek: «Puppets and Autoreflexive-representations», 2023
–18.30 Uhr: Apéro
–18.45 Uhr Julie Monot: «Hang Out III», 2023
–19.15 Uhr: Zwischenspiel: Nina Emge und Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–19.30 Uhr: Raffaela Boss und Charlotte Horn: «delicate balance», 2023
–19.45 Uhr: Zwischenspiel: Nina Emge und Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–20.00 Uhr: Schluss
Yorgos Sapountzis(*Athen, lebt und arbeitet in Berlin) beschäftigt sich oft mit der Rolle von Kunst und Denkmälern im öffentlichen Raum sowie der Beziehung zwischen Körper, Vision und Raum. Gemeinsam mit einer Gruppe von Studierenden des Institute Art Gender Nature (IAGN) der FHNW Basel und der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) hat er eine Performance um die Arbeit von Florian Graf entwickelt. In «little school memory», 2023 zelebrieren die Performer*innen die Enthüllung der Skulpturengruppe, machen sie einerseits öffentlich zugänglich, zeigen aber auch Alternativen und unerwartete Wege der Annäherung an die Skulpturen auf.
Nina Emge und Nils Amadeus Lange (*Zürich, lebt und arbeitet in Zürich / *Köln, DE, lebt und arbeitet in Zürich) präsentieren «School Bell 1», 2023: eine neue Performance, die sie gemeinsam für die Einweihung des Kunst-und-Bau-Werkes der Schule Hofacker entwickelt haben. «Zwischenspiel» ist die erste Zusammenarbeit der beiden Künstler*innen: Über den Abend verteilt, lassen sie eine Person mit einer Art tragbarem Instrument auftreten, das durch deren Bewegung Geräusche und Klänge erzeugt. Wie eine Schulglocke begleitet die Performance uns durch das Fest. Nils Amadeus Lange und Nina Emge inspirierten sich für diese Performance an der Resonanztheorie des deutschen Philosophen Hartmut Rosa, der die Beziehung zwischen Individuum und Welt mit Hilfe der Resonanz – also des Widerhalls oder der Schwingungen zwischen Dingen und Menschen und ihrer Umgebung zu erklären versucht.
Seit dem letzten Frühling leitet Monster Chetwynd (*London, UK, lebt und arbeitet in Zürich) einen Workshop für Schüler*innen der Schule Hofacker. Unter dem Titel «Puppets and Autoreflexive-representations», 2023 haben sie gemeinsam Puppen aus Materialien wie Pappe, Stoff oder gefundenen Elementen entwickelt, die nun die Modell-Schulhäuser von Florian Graf bevölkern können. Denn eine Schule funktioniert nur mit Schüler*innen. Im Workshop lernten die Schüler*innen, wie man Figuren erschaffen und mit Puppenspieltechniken zum Leben erwecken kann. Monster Chetwynd ist international bekannt für ihre überschwänglichen und humorvollen Performances mit handgefertigten Kostümen, Requisiten und Bühnenbildern.
Das künstlerische Schaffen von Julie Monot (*Lausanne, lebt in und arbeitet in Lausanne) bewegt sich zwischen verschiedenen Medien wie Performance, Installation, Skulptur und Video. Ihre Forschung konzentriert sich unter anderem auf die Grenzbereiche der körperlichen Äusserlichkeit und ihre Darstellungsformen. Dabei spielen Fantasiefiguren, die die Künstlerin «aktiviert», sozusagen ins Leben ruft, eine zentrale Rolle. In ihrer Performance- Serie «Hang Out» beschwört sie die Idee einer langen Zeit oder eines Raumes, den Menschen miteinander teilen, herauf. So tauchen auch in «Hang Out III», 2023 drei spukhafte Figuren auf, bewegen sich über den Pausenhof, um die Skulpturengruppe, interagieren mit dem Publikum und sorgen für überraschende Überschneidungen mit den anderen Performances.
Raffaela Boss und Charlotte Horn (*Interlaken, lebt und arbeitet in Basel / *Darmstadt, lebt und arbeitet in Basel) haben gerade ihr Kunststudium am Institute Art Gender Nature (IAGN) der FHNW Basel abgeschlossen. Mit «delicate balance», 2023, haben die beiden Künstlerinnen eine neue Performance entwickelt, die zwischenmenschliche Grenzen und Kommunikation erforscht. Sie verbindet Songwriting und Gesang, Bewegung und Field Recording und wird mit elektronischen Instrumenten umgesetzt. Die Performerinnen konzentrieren sich dabei auf ihre persönliche Beziehung, in der sie sich in einem konstanten Balanceakt zwischen angenehmen und unangenehmen Emotionen befinden.
Raffaela Boss verwendet in ihrer Arbeit Tanz und alltägliche Bewegungen, die auf repetitiven Grenzen und Kommunikation erforscht. Sie verbindet Songwriting und Gesang, Bewegung und Field Recording und wird mit elektronischen Instrumenten umgesetzt.
Charlotte Horns Schaffen basiert auf Performance, Musik und Installationen, aber auch auf Ölmalerei, Keramikskulptur, Klang und Zeichnen. Dabei interessiert sie sich für die Grundlagen der Abstraktion, wobei sie oft Nuancen von Nähe und Distanz miteinander verflechtet.
Am Donnerstag, den 14. September, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet zwei Kurzfilme und drei «Magical Passes» von Gabriel Mestre Arrioja und einen Vortrag und Präsentation von Susanne G. Seiler unter dem Titel «The Life and Work of Terence McKenna».
Gabriel Mestre Arrioja ist ein mexikanischer Künstler. Er wird zwei Kurzfilme zeigen, «Hunting One's Self» und «Psychedelic Transfer of Knowledge», und drei «Magical Passes» leiten – körperliche Übungen in der toltekischen schamanischen Tradition. Susanne G. Seiler ist die Initiatorin von «The Psychedelic Salon» und beschäftigt sich seit den sechziger Jahren mit Psychedelik. Die deutsche Version ihres Buches «My Psychedelic Life» wird im Oktober 2023 veröffentlicht.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Eine Zusammenarbeit mit dem SNF-Projekt «Conflict and Cooperation. Episteme and Methods between Art History, Art and Ethnology in the Performative Pictorial Practices of Vodun».
Wie wurde Ayiti, das «Enfant terrible» der Karibik, das erste Land, das die Sklaverei endgültig verbot, zum «Bête Noir» der Welt? Die Künstlerin und Wissenschaftlerin Gina Athena Ulysse schwenkt zwischen Vergangenheit und Gegenwart hin und her, um dystopische Zukunftsvisionen zu erörtern und abzuwehren, und bietet eine etwas andere Erzählweisen als Fiktionen. Unter Verzicht auf «zivilisierte» akademische Gewohnheiten spickt sie geopolitische Geschichte, persönliche Erzählungen und Statistiken mit Vodou-Gesängen zu einer lyrischen Meditation über Zwang und Zustimmung. Als Zeugin des Spektakels dieser vier gefährlichen kleinen Os und unserer vulgären menschlichen Besessenheit von Kategorisierung und Hierarchie fleht sie zu «Gede», dem lwa der Ahnentoten und der sexuellen Regeneration: Gad sa vivan yo fe mwen! Sieh, was die Sterblichen getan haben! Und sie tun es auch weiterhin... Der Ausweg ist der Abgrund mit der Marasa-Logik, wo 1+1=3 ist.
Gina Athena Ulysse ist Künstlerin, Wissenschaftlerin und Professorin für Feministische Studien in Santa Cruz, Kalifornien. Ihre Performance- und Kreativprojekte sind das Ergebnis ständiger Überschneidungen und Dialoge in den Bereichen Kunst, Geistes- und Sozialwissenschaften. Als Kulturanthropologin, Fotografin, Dichterin und Sängerin widmet sich Gina Athena der Praxis des Rasanblaj - dem Zusammentragen von Ideen, Dingen, Menschen und Geistern (nicht unbedingt in dieser Reihenfolge!) - um das Viszerale im Strukturellen zu konfrontieren. Mit multimedialen Ansätzen verfolgt sie das Ziel, verborgene Aspekte der menschlichen Existenz zu erforschen, um eine gerechtere Welt zu schaffen. Sie hat ihre verschiedenen Arbeiten an Colleges und Universitäten im In- und Ausland präsentiert und ist auch an künstlerischen Orten aufgetreten, darunter: The Bowery, Brecht Forum, The British Museum, Brooklyn Museum, Court Theatre, Gorki Theatre, Haus der Kulturen der Welt in Berlin, LaMaMa, Lyric Stage Theatre, Marcus Garvey Liberty Hall, MoMA und das Museum of Contemporary Art in Sydney, Australien. Im Jahr 2020 wurde sie zur Biennale von Sydney eingeladen. ginaathenaulysse.com
The Dress: Gina Athena Ulysse © 2014. Photo: Lucy Guiliano
Hanne Lippard (*1984, Milton Keynes/UK) arbeitet mit Formen des Schreibens, mit Performances und Lesungen sowie mit Tonaufnahmen und Installationen. Innerhalb der Variation dieser Formate ist die Stimme ihr Hauptmedium. Hanne Lippard ist eine der vier Preisträgerinnen des Preises der Nationalgalerie 2024. Mehr Informationen; https://hannelippard.com
Ingo Niermann (*1969, in Bielefeld, DE) ist Autor, Herausgeber der spekulativen Buchreihe Solution und doziert an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Basel. Basierend auf seinem Roman Solution 257: Complete Love (2016) initiierte Niermann die Army of Love (thearmyoflove.net), ein Projekt, das eine bedarfsorientierte Umverteilung der sinnlichen Liebe erprobt und fördert. Mehr Informationen: www.ingoniermann.com
Texte zum Nachdenken ist eine unabhängige Veranstaltungsreihe mit Lesungen aus Bildender Kunst und Literatur. Die Reihe ist ein Projekt des Künstlers Benedikt Bock. http://www.textezumnachdenken.com/
Während der LANGEN NACHT sind die beiden Ausstellungen von Monster Chetwynd zu sehen: «Profusion Protrusion» im Gewölbekeller und «Head-Less-Ness» in der Künstler*innenkneipe. Darüber hinaus lädt Monster Chetwynd zu einem speziellen Programm in unterschiedlichen Räumen ein. Der Historische Saal im oberen Stock verwandelt sich in eine Schmuckwerkstatt mit gefärbten und gebackenen Nudeln, die knorrig und uralt aussehen. Die Besucher*innen können Ketten basteln, begleitet von einem Orakel und den Helfer*innen auf einem grossen hölzernen Thron. Wie in den Ausstellungen geht es dabei um Themen wie Karneval, Do-it-yourself, Geschmacksspielerei und Komik. In Chetwynds Werk werden Humor, das Absurde und Groteske als bewusstseinserweiternde Mittel eingesetzt.
Ab 20 Uhr findet Monster Chetwynds «Heterotopian Shake Down» dreimal im Gewölbekeller statt. Ein «Heterotopian Shake Down» ist das, was es sein soll: ein Raum, in dem Normen und Gewohnheiten für einmal ausser Kraft gesetzt werden, kleine Schritte in die äussersten Bereiche des Ausdruckstanzes – alles in einer Stunde mit Monster Chetwynd, DJ Gianfranco Rossetti und dem Cabaret-Voltaire-Team.
Den ganzen Abend über können Sie den speziellen Cocktail «Never drink alone» an der unteren und oberen Bar beziehen, den die Künstlerin Monster Chetwynd entwickelte.
Programm:
18:00–02:00, Ausstellungen von Monster Chetwynd in der Künstler*innenkneipe und im Gewölbekeller, Barbetrieb in der Künstler*innenkneipe und im Historischen Saal
18:00–19:30, «Iron Age Pasta Necklace Workshop» im Historischen Saal
20:00–21:00, «Heterotopian Shake Down» im Gewölbekeller
22:00–23:00, «Heterotopian Shake Down» im Gewölbekeller
00:00–01:00, «Heterotopian Shake Down» im Gewölbekeller
Besucher*innen können kommen und gehen.
Vom 25. August 2023 bis Ende Juli 2024 besetzt Monster Chetwynd die Künstler*innenkneipe mit der Ausstellung «Head-Less-Ness».
Eröffnung: 25.08.2023, 18:00.
Programm: «Iron Age Pasta Necklace Workshop» und Performances (18:30–20:00), anschliessendes DJ-Set von Jack Brennan.
Mitwirkende: Monster Chetwynd, Dragan Chetwynd, Mariuccia Casadio, Jack Brennan, Lucy Soni, Ella Soni, Mette Sterre, Luca Süss, Dudu, Lukas Ryffel und Levin Stettler Brogli.
In einer Gesellschaft, die einerseits von Regeln, andererseits von Konventionen geprägt ist, verlangt es Orte, die alltägliche Normen aushebeln. Monster Chetwynd schafft solche Räume durch ihre Performances, Bilder und Installationen. Sie spielt mit Maskeraden, verdreht soziale Rituale, leitet Energien um, kreiert hybride Wesen und jongliert mit Bildkulturen vom Mittelalter bis zur Science-Fiction. Das Monströse, Karnevaleske und Groteske ist in ihren Welten immer mit dabei und stets mit Übertreibung, Absurdität, Schrecken und Humor verbunden. Immer aber sind sie dem Positiven verpflichtet. Monster Chetwynds Kunst strahlt den Mut aus, ehrliches Engagement im kreativen Akt zu finden und Proberäume für inklusive Alternativwelten zu inszenieren.
Die Ausstellung «Head-Less-Ness» versammelt Masken, körperhafte Fragmente, bricolierte Möbel, Textildrucke und Malereien in der Künstler*innenkneipe des Cabaret Voltaire. Ursprünglich 1916 als «Künstlerkneipe Voltaire» eröffnet, sollten hier Kunst und Leben Hand in Hand gehen und den Kunstbegriff erweitern. In diesem Sinne kann die Ausstellung als eine Assemblage von Theaterrequisiten betrachtet werden, die es juckt, benutzt zu werden, und die Vorstellungen des Gewohnten und Schönen herausfordern: eine überdimensionale Bank, zu tiefe Stühle, Gemälde als unbequem platzierte Tapeten, freistehende Skulpturen auf Tischen, Motten, Fratzen und Masken.
Beim Grotesk-Karnevalesken ist es immer unklar, wo der Körper aufhört und wo die Welt beginnt. Das passt zum Soziotop «Bar», das als geschlossener Gemeinschaftsraum gesellschaftliche Beziehungen besonders nivellieren und zugleich umkehren kann. Sowohl der Karneval als auch die Bar sind mit Ritualen verbunden, in denen sich das Individuum in der Gruppe und im Drumherum auflöst oder als Selbst wiederfindet. «Never drink alone» heisst dann auch das Getränk, das die Ausstellung begleitet und inmitten der unzähligen Köpfe und Körper zum «Puppet Slam» getrunken werden kann.
Opening «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd, Cabaret Voltaire, 25. August 2023. Photo: Romain Mader
Opening «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd, Cabaret Voltaire, 25. August 2023. Photo: Romain Mader
Opening «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd, Cabaret Voltaire, 25. August 2023. Photo: Romain Mader
Opening «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd, Cabaret Voltaire, 25. August 2023. Photo: Romain Mader
Ende 2022 wurde die Online-Kunstpublikation PW-Magazine auch in der Schweiz lanciert. In Zusammenarbeit mit PW-Magazine, Body Archive sowie Spectres feiern wir einen Abend mit Performances, Klängen, Interventionen, Vorführungen und anregenden Gesprächen von Künstler*innen, Leser*innen, Autor*innen und Unterstützer*innen. Alle sind herzlich eingeladen, an diesem sommerlichen Treffen teilzunehmen, um in die Magie der Nacht einzutauchen.
Wir freuen uns auf die Beiträge von:
Axel Kolb
Azur Sabic
DIVAS / Rafał Pierzyński, Aga Pędziwiatr
Deborah Macauley
Jamira Estrada
Jiajia Zhang
Margaretha Jüngling with Luc Häfliger
Modulaw
Nadia Hauri
Sam Fuentes
Rashiyah Elanga
Tereza Glazova
Valentina Demicheli Jitsattayakul
Young Boy Dancing Group
Freier Eintritt
Mehr Informationen: https://pw-magazine.com/2023/blue-moon-rising
Anlässlich der Finissage wird es möglich sein, alle Werke der Ausstellung (Möbel, Kissen, Lampen, Gemälde) zu kaufen. Die Werke können nach dem Abbau der Ausstellung im August abgeholt werden. Während der Nacht wird der Cocktail «Smoky Tear» zu einem reduzierten Preis serviert.
Mehr über die Ausstellung hier.
Open-Air-Gartenveranstaltung mit Beiträgen von Romane Chabrol, Julian Göthe, Sadie Plant und Alex Scrimgeour
Rotbuchstrasse 18, 8037 Zurich
18:00 Meet and Greet
19:00 Programmstart
Eintritt: CHF 15
«The Psychedelic Salon» ist eine monatliche Veranstaltungsreihe in Zusammenarbeit mit Susanne G. Seiler im Cabaret Voltaire, Zürich. Frei von Substanzkonsum dient die Reihe als Diskussionsplattform über den aktuellen Stand der psychedelischen Forschung, die von Subkultur, neuen Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis hin zur Ökologie reicht.
suns.works von Lorenzo Bernet ist als zyklisches Ausstellungsprogramm über das ganze Jahr hinweg konzipiert, an dem aufstrebende, musikorientierte und autodidaktische Künstler*innen teilnehmen. Der Salon Solaire findet jedes Jahr im Juni statt und bringt eine Bildwolke aus Sonnenmotiven und sonnenbezogenen Kunstwerken zusammen, die zu einem gemeinsamen Erlebnis für die teilnehmenden Künstler*innen, Unterstützer*innen und Besucher*innen wird.
Romane Chabrol ist eine Künstlerin, die mit einer Kombination aus elektronischen und akustischen Instrumenten musikalische Kompositionen und Umgebungen schafft. Die musikalische Struktur ihrer Werke ähnelt den raumgreifenden, kontemplativen und mitreissenden Elementen von Filmmusik. Sie stellte kürzlich bei suns.works, Zürich, und im Kunsthaus Glarus aus und trat am Grand V Festival in Virieu, FR, auf.
Julian Göthe ist Künstler, DJ und langjähriger Bühnenbildner für Animations- und Spielfilme. Seine Arbeiten, die Zeichnungen, Skulpturen und Installationen umfassen, wurden im Kunstverein München, in den KW Institute for Contemporary Art, Berlin, im Migros Museum, Zürich, und in der Kunsthalle Basel ausgestellt.
Sadie Plant ist eine britische Theoretikerin und Autorin des Buches Writing on Drugs, in dem sie die These vertritt, dass der enorme Einfluss psychoaktiver Substanzen auf die westliche Mainstream-Kultur den so genannten War on Drugs ad absurdum führt. Derzeit unterrichtet sie im Rahmen des MA-Studiengangs Contemporary Arts Practice an der Hochschule der Künste Bern.
Susanne G. Seiler, Gründerin des «Psychedelic Salon» und Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters gaiamedia goodnews, ist eine Zeitzeugin der frühen Drogenkultur der 1960er und 1970er Jahre. Sie lernte viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann und Terence McKenna kennen. Luisa Trujillo ist eine Politikwissenschaftlerin aus Kolumbien. Sie unterstützt Susanne bei den Psychedelischen Salons.
Alex Scrimgeour ist Redakteur, Übersetzer und Autor mit einem breiten Interesse an kulturellen Phänomenen. Er arbeitete als Redakteur bei der Kunstzeitschrift Artforum in New York und beim Spike Art Magazine in Berlin. Heute arbeitet er für den Verlag Hauser & Wirth in Zürich.
Das Buch der Künstlerin erscheint anlässlich ihrer Ausstellung im Istituto Svizzero (Rom). Gespräch mit Klodin Erb, Gioia Dal Molin (Chefkuratorin Istituto Svizzero), Teo Schifferli (Grafiker) und Salome Hohl (Direktorin Cabaret Voltaire).
Diese Veranstaltung wird im Rahmen des Zurich Art Weekend in Zusammenarbeit mit dem Istituto Svizzero (Rom) organisiert.
Book Launch mit Klodin Erb, Cabaret Voltaire, 10. Juni 2023. Photo: Cabaret Voltaire
Am 9. Juni eröffnen wir die Ausstellung im Gewölbekeller im Rahmen des Zurich Art Weekend 2023 – inklusive einer einstündigen Disco von 19 bis 20 Uhr.
Anlässlich der Eröffnung von Monster Chetwynds «Profusion Protrusion» veranstalten wir eine einstündige Disco mit DJ Gianfranco Rossetti, der Künstlerin und dem Team des Cabaret Voltaire. Ein «heterotopischer Shake Down» soll es sein: ein Raum, in dem Normen und Gewohnheiten für einen Moment ausser Kraft gesetzt werden, kleine Schritte in die äußersten Bereiche des Ausdruckstanzes des Körpers – alles in einer Stunde.
«Profusion Protrusion» ist bis September 2023 im Gewölbekeller zu sehen.
Im Gewölbekeller des Cabaret Voltaire, den man durch einen offenen Schlund betritt und der die Gäste in andere Welten entführt, steht ab dem 9. Juni einer der monströsen Köpfe von Monster Chetwynd. Im Inneren dieses Kopfes befindet sich eine kleine Ausstellung, die den Auftakt zu Chetwynds künstlerischer Besetzung der Künstler*innenkneipe vom 25. August 2023 bis Ende Juli 2024 bildet. Chetwynds Werke, seien es überschwängliche Performances oder malerische Installationen, strotzen vor optimistischer Absurdität und hintergründiger Komik, sind für jeden verständlich und doch reich an kulturellen Bezügen. Mit dem Do-it-yourself-Charakter, der Prozesshaftigkeit und dem Humor knüpft Chetwynd mit ihrer Kunst an das Erbe von Dada an.
Am 9. Juni eröffnen wir die Ausstellung im Gewölbekeller im Rahmen des Zurich Art Weekend 2023 – inklusive einer einstündigen Disco von 19 bis 20 Uhr!
Mehr zu«Profusion Protrusion»
Bild: Ausstellungsansicht Monster Chetwynd, The Owl with the Laser Eyes, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, 2018
Am Donnerstag, den 8. Juni, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Luisa Trujillo unter dem Titel «Psychedelic Politics».
Luisa Trujillo erforscht die politischen Auswirkungen des Konsums psychedelischer Substanzen. Der potenzielle Einfluss, den diese Substanzen auf einzelne politische Handlungen haben, hat sich als stark genug erwiesen, um strenge Vorschriften wie Verbote und Kriminalisierung auszulösen. Psychedelische Substanzen haben eine große soziale Bewegung inspiriert, und sie stehen an der Schwelle zu dem, was wir heute als Transhumanismus kennen. Diese Bewegung ist politischer als wir erwarten und kehrt zum eigentlichen Konzept der Politik zurück: der Fähigkeit, unsere Realität auf der Grundlage der addierten individuellen Macht zu verändern.
Luisa Trujillo ist eine Politikwissenschaftlerin aus Kolumbien, MA in Development Studies IHEID, Genf. Ihre Erfahrung als Programmmanagerin, Dozentin und Forscherin umfasst verschiedene Aspekte der menschlichen Entwicklung: Friedenserziehung, Konflikttransformation, nachhaltige Landwirtschaft, ziviler Widerstand und in jüngster Zeit die Verwendung von Entheogenen für die psychische Gesundheit. Luisa ist eine veröffentlichte Autorin, Mutter, Migrantin, unabhängige Forscherin und Pädagogin.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Eine Soiree von Theater Neumarkt und Cabaret Voltaire
Die Serie «BRUCH varieté» erkundet historische Cabaret- und Varieté-Formen als prekäre Laboratorien für individualisierte und ephemere Fluchtversuche aus einer als katastrophisch wahrgenommenen Welt, bei denen sich kommerzielle Unterhaltung, ästhetisierte Revolte und esoterisches Experiment vermischten. Für das Cabaret Voltaire adaptiert BRUCH Carl Einsteins Lehrstück «Die schlimme Botschaft» (1921) als Agitprop Varieté-Show. Der längst vergessene dramatische Text des anarchistischen Kunsttheoretikers, der bei seiner Veröffentlichung wegen «Blasphemie» verboten wurde, erzählt die Passion Christi neu, indem er sie in die heutige Zeit verlegt. Ausgehend von der Fiktion, Einstein habe das Stück zusammen mit Genoss*innen fünfzehn Jahre später in Zürich uraufgeführt, um Kämpfer für den Spanischen Bürgerkrieg zu mobilisieren, wird seine Meditation über Kunst, Politik und Religion in Form von performativen Entwürfen inszeniert, die mit dem Ensemble des Theaters Neumarkt entwickelt wurden.
Von BRUCH mit David Attenberger, Sofia Borsani, Challenge Gumbodete, Stanislav Iordanov, Yara Bau Nassar, Melina Pyschny.
Ort: Die Performance beginnt um 20 Uhr mit einem Prolog vor dem Theater Neumarkt und zieht anschliessend ins Cabaret Voltaire. Dauer: ca. 60 Minuten. Sprache: Englisch und Deutsch.
BRUCH ist ein kollaborativer Rahmen für künstlerische Forschung und Produktion zwischen Theater und bildender Kunst. Zu ihren vergangenen zählen u. a. EROS (encore), 2023 Tanzcafé Maratonga/NS-Dokumentationszentrum München; KLITTERN (aesopica), 2022, Münchner Kammerspiele/Thalia Theater/Ballhaus Ost, ausgezeichnet mit dem Preis des Körber Studio Junge Regie; COLD LOVE (seelenstahlbaden), 2021, Münchner Kammerspiele; tanikō (cold love), 2021 Brechtfestival Augsburg; ERMITAGE, Lothringer 13 Halle München.
Eintritt: pay what you want
Vorverkauf via Theater Neumarkt
Abendkasse: Im Cabaret Voltaire
In der Soiree-Reihe «Analytisches Kabarett» wird das analytische Handwerk der Philosophie offengelegt und durch Beiträge aus anderen Perspektiven und Disziplinen herausgefordert oder verdichtet. Zu jeder Soiree gibt es eine Einführung zur Denkrichtung durch den Philosophen Dominique Kuenzle, eine präsentierte Textanalyse, eine These oder Frage von angehenden Philosoph*innen der Universität Zürich, einen künstlerischen sowie einen gastronomischen Beitrag. Gäste sind eingeladen, aktiv mitzudiskutieren oder zuzuhören.
Nr. 2: Betrunkene Träume im rationalistischen Kloster. René Descartes, Mary Astell und Klosterschnaps
Im Gegensatz zur heutigen Manosphere zieht die englische Philosophin Mary Astell 1694, inspiriert von Descartes, nicht-misogyne Schlüsse aus seinem träumerischen Redpilling: Mit geeigneten Methoden und Institutionen sollen Frauen rationalistisch werden, was nicht nur für irdische Gerechtigkeit, sondern auch für die Autonomie der Seele beim Eintritt in den Himmel zentral sei. Anhand ihrer und Descartes’ Texten diskutieren wir Rationalitätsauffassungen der frühen Neuzeit zwischen maskulinen Idealen und feministisch-emanzipatorischem Potential. Elodie Pong trägt mit einem künstlerischen Hauch zur Soiree bei. Sie interessiert sich für die Frage, inwiefern olfaktorische Erlebnisse Kategorien des Denkens prägen.
Die ausgewählten Textstellen können via info@cabaretvoltaire.ch bezogen werden.
Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt.
Eintritt: pay what you want.
Am Donnerstag, den 11. Mai, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Mackenzie Amara unter dem Titel «Psychedelic Archetypes in Jungian Psychology» und einen künstlerischen Beitrag von Mountain River Jump.
Psychedelika bieten nicht nur Heilung für diejenigen, die mentalen und emotionalen Schmerz erfahren, sondern ermöglichen es uns auch, mit Realitäten in Kontakt zu treten, die außerhalb des persönlichen Bewusstseins angesiedelt sind. Mit einem Wort, Psychedelika sind transpersonal. Dem Schweizer Psychiater C. G. Jung zufolge ist die transpersonale Dimension des Seins nicht nur real, sondern wird von Mustern und Geschichten bestimmt. Diese Muster und Geschichten sind die sogenannten Archetypen. Archetypen gehen über die Persönlichkeit, die Kultur und die Zeit hinaus. Sie gehen der Gesellschaft voraus. Nach Jung bewegt die archetypische Realität jeden von uns dazu, eine schicksalhafte persönliche Erzählung zu leben, ähnlich wie ein Mythos, und sich dieses Musters in uns bewusst zu werden, ist der Schlüssel zur Selbstverwirklichung. In diesem Vortrag werden wir Beispiele für gängige Archetypen untersuchen, wie sie sich individuell und kollektiv zeigen und was das Verständnis von Archetypen mit psychedelischen Erfahrungen zu tun hat.
Von Beruf ist Mackenzie Amara, alias The Inked Shrink, Autorin, Coach und 5Rhythms®-Lehrerin. Sie ist Jungsche Analytikerin in Ausbildung und Doktorandin der klinischen Psychologie. Ihr Lebenswerk ist die Heilung von Traumata.
Mountain River Jump! ist ein Künstlerinnenduo, das 2016 von den Zwillingsschwestern Huang Shan und Huang He (alias yellow mountain und yellow river) gegründet wurde. Mountain River Jump! beschäftigt sich mit der Verkörperung mythologischer Anhaltspunkte im Alltagskontext und reflektiert die materialistische Kultur und deren psychologischen Status im modernen China. Die Konzepte, die ihre künstlerische Praxis bestimmen, sind massgeblich von der analytischen Psychologie des Zürcher Psychotherapeuten Carl Gustav Jung beeinflusst. Sie interessieren sich auch für psychedelische Ästhetik, was in ihrer filmischen Arbeit «Cards of Chinese Animal Idioms» (3min17sec) zum Ausdruck kommt. Der Film wird im Cabaret Voltaire zusammen mit einem künstlerischen Statement gezeigt.
An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Erotica! Eskapistisch, luxuriös, provokativ: In ihrem autobiografischen Debüt «A Year on Earth with Mr. Hell» erzählt Young Kim von den ersten zehn Monaten ihrer Beziehung zu Richard Hell, dem legendären Punk-Musiker und Autor. Erst diese Begegnung ermöglicht ihr, den Verlust ihres langjährigen Lebenspartners Malcolm McLaren, der 2010 gestorben ist, zu verarbeiten. Grenzüberschreitung mit den Mitteln des expliziten Schreibens über Sex ist dabei Programm: Das von Marie Lusa gestaltete Buch sucht nach dem, was in der Literatur gesagt und erlebt werden kann. Young Kim selbst nennt es «daybook-cum-docudrama». Wie passend, dass die Lesung und das Gespräch im Cabaret Voltaire stattfindet, Richard Hell war Fan von Dada, Dada ist Punk, Punk ist McLaren, so schliesst sich der Kreis!
In Kollaboration mit Literaturhaus Zürich.
Moderation: Gesa Schneider
Tickets und Informationen hier.
Was andere über das Buch sagen:
A fabulous escapist fantasy involving two cool people in amazing clothes having a fine time taking them off in glamorous hotel rooms.
– Helen Rumbelow, The Times
I found the book so engrossing; I really did read it in one sitting. That’s kind of unheard of from me. It all takes place in a beautiful bubble of privilege, and thank god. It’s glorious to be allowed to enter into it because fuck the rest of our rotten, barren world in this moment.
– Bret Easton Ellis
The most graphically effective sex writing I've read in a long time.
– Greil Marcus
The spirit of Anais Nin and Georges Bataille is reborn in this wonderful book. Young Kim has written something that is much more than a memoir—a truly modern work of art.
– Matthew D’Ancona
Taken as a whole the book left me thinking more profoundly about desire, humanity and loss, than anything I’d read in a long time.
– Sarah Bailey, Vogue Greece
In der Soiree-Reihe «Analytisches Kabarett» wird das analytische Handwerk der Philosophie offengelegt und durch Beiträge aus anderen Perspektiven und Disziplinen herausgefordert oder verdichtet. Zu jeder Soiree gibt es eine Einführung zur Denkrichtung durch den Philosophen Dominique Kuenzle, eine präsentierte Textanalyse, eine These oder Frage von angehenden Philosoph*innen der Universität Zürich, einen künstlerischen sowie einen gastronomischen Beitrag. Gäste sind eingeladen, aktiv mitzudiskutieren oder zuzuhören.
Nr. 1: Faschismus und Männlichkeit. Platon und Arendt, griechischer Wein und Campari Spritz
Platons Politeia enthält eine faszinierende Analogie: Genau so, wie ein gerechter Mensch Ordnung in seiner Seele trägt, wird ein gerechter Staat von einer Stormtrooper-ähnlichen Krieger*innenkaste kontrolliert. Auf der Grundlage von Auszügen aus der Politeia und einem Text von Hannah Arendt diskutieren wir, ob die hier vorgeschlagene Abschaffung von Familie und Privatbesitz nun feministisch, proto-faschistisch oder beides ist.
Miriam Laura Leonardi trägt mit einem künstlerischen Beitrag zur Soiree bei. Sie unterbricht das Analytische Kabinett mit einer Modeschau aus mehr oder weniger tragbaren Textilcollagen, die beim genaueren Hinsehen aufgrund von Texten, Motiven, des Schnitts oder Materials auf gesellschaftlich konnotierte Kleidungsstücke verweisen: Schürzen, Morgenmäntel, Zirkushosen, Partykleider, Bademode, Arbeitshosen oder Trainingsanzüge. Alle getragenen Stücke wurden von Leonardi als Unikate oder als Editionen mit Prints hergestellt und in Anlehnung an die Popkultur der 80er- und frühen 90er-Jahre mit einer neu interpretierte Version des Ghetto Blasters auf den Laufsteg des Cabaret Voltaire geschickt. Gewollt oder ungewollt verweist Leonardi dabei auf Themen, die in dieser philosophischen Soiree zur Sprache kommen. Individualisierte Kleidungsstücke, die auf massenpsychologische Phänomene verweisen, sind sowohl im Hinblick auf Hannah Arendt als auch Platon interessant. Beispielsweise wenn mit Arendt über Gleichheit und Individualität im Kontext von Autorität gesprochen wird oder ihre Beobachtung ins Blickfeld gerät, dass Kunst und das Tun «um die Sache selbst willen» Herrschaftssysteme bedrohen. Mit Platon kann über Mode im Zusammenhang von Besitz, Geschlechterrollen oder Hierarchien nachgedacht werden.
Die ausgewählten Textstellen können via info@cabaretvoltaire.ch bezogen werden.
Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt.
Eintritt: pay what you want.
Gemeinsam mit der freien Lesereihe Texte zum Nachdenken organisiert das Cabaret Voltaire in diesem Jahr drei Veranstaltungen. Am 18. April beginnen wir mit einer Lyriknacht, zu der wir Tim Holland, Ricarda Kiel und Simone Lappert begrüssen dürfen. Im lyrischen Schaffen der drei Schriftsteller*innen zeigt sich der Versuch, alles in ein Ganzes zu setzen, die Abhängigkeit der menschlichen und nicht-menschlichen Natur voneinander aufzuzeigen; emotionale, ökologische oder gesellschaftliche Krisen poetisch freizulegen und zu verästeln.
–Simone Lappert (*1985, Aarau, CH) lebt in Zürich und gehört seit ihrem Debütroman «Wurfschatten» 2020 fest zur Landschaft der jungen Literatur in der Schweiz. Ihr Lyrikband «Längst fällige Verwilderung» erschien 2022 im Diogenes Verlag. simonelappert.com
–Tim Holland (*1987, in Tübingen) studierte nach einer Ausbildung zum Buchhändler am Deutschen Literaturinstitut Leipzig. Er lebt in Berlin. Seine Science-Fiction-Lyrik «wir zaudern wir brennen» erschien im September 2022 bei Mathes und Seitz.
–Ricarda Kiel lebt in Leipzig, schreibt Texte, schnitzt Löffel und führt ein antikapitalistisches Unternehmen. „Kommt her ihr Heinis ich will euch trösten“ erschien 2019 bei hochroth München, „Outfits“ 2020 bei MATERIALIEN, „Tante Alles“ 2022 ebenfalls bei hochroth München. ricardakiel.de
Benedikt Bock (*1987) und Arnaud Wohlhauser (*1992) tragen mit einer Skulptur zur Soiree bei.
Am Donnerstag, den 13. April, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Soirée umfasst einen Vortrag von Jason K. Day mit dem Titel «Psychedelic Attention: On the Phenomenology of Psychedelic Experiences» und eine VJing- und Sound-Performance von Antoine Félix Bürcher und Caroline Ann Baur.
Psychedelische Erfahrungen, die durch die Einnahme von LSD, Psilocybin, Meskalin oder DMT ausgelöst werden, werden im Allgemeinen als eine radikal gesteigerte Detailgenauigkeit und Komplexität der Phänomene, eine tiefe Fokussierung von normalerweise unbemerkten Phänomenen und einen allgemein erhöhten Bewusstseinsgrad beschrieben. Im Volksmund wird dies als «Bewusstseinserweiterung» bezeichnet. Häufig wird jedoch auch von einem eingeschränkten Bewusstsein von Realität, Zeit, Raum, Verkörperung und Selbstsein berichtet. In seinem Vortrag zeigt Jason K. Day auf, wie häufig Menschen ihre psychedelischen Erfahrungen in Bezug auf die Aufmerksamkeit beschreiben und er geht der Frage nach, ob Menschen, die Psychedelika einnehmen, ähnliche Erfahrungen machen.
Die Performance von Antoine Félix Bürcher und Caroline Ann Baur entfaltet sich als eine atmosphärische Erkundung des «Psychedelic-Salon»-Raums. Sie richten ihre Aufmerksamkeit auf Details der klanglichen und visuellen Umgebung, um in Echtzeit die Grenzen des Bekannten zu explorieren. Sich im Raum befindende Snacks regen sie dazu an, sich auf den Moment der Verdauung einzulassen. Dabei konzentrieren sie sich auf hörbare und visuelle Aspekte wie Essens- und Verpackungsreste, Risse in den Wänden, fliessende Bewegungen des Wassers und der Umgebung. In seiner Praxis des analogen VJing spielt Antoine Félix Bürcher mit Materialien: Er beobachtet gefilmte Bilder, überlagert diese, zoomt sie heran und verzerrt ihre Frequenzen. Dies visuellen Störungen werden auf die Wände des Historischen Saals projiziert während Caroline Ann Baur die Klangumgebung des Cabaret Voltaire genau abhört. Sie sammelt bestimmte Elemente und entwickelt Klänge, die mit dem Raum in Resonanz stehen. Diese In-Situ-Intervention ist ein kollaboratives Experimentieren mit den Materialien, die den Raum durch Beobachten und Entdecken bewohnen. Die Künstler*innen werden den gegenwärtigen Moment erforschen, indem sie fliessend hinein- und herauszoomen und hinterfragen, inwiefern die Aufmerksamkeit für die Umgebung der visuellen und akustischen Materie einen anderen Zugang zur Gegenwart ermöglicht - ähnlich wie die psychedelische Erfahrung.
Ablauf:
–18:00: Meet & Greet
–19:00: Start Programm
Anmeldung möglich via info@cabaretvoltaire.ch oder früh erscheinen (oft ausgebucht).
Eintritt: CHF 15
Der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Jason K. Day (*1996) ist Doktorand der Philosophie an der Universität Fribourg und Forscher im SNF-Projekt Ästhetik und Ethik der Aufmerksamkeit. In seiner Doktorarbeit führt er eine phänomenologische Studie über psychedelische Erfahrungen in Bezug auf die Aufmerksamkeit durch. Day hat seinen Forschungs-MA in Philosophie an der Radboud Universität Nijmegen abgeschlossen, wo er sich auf die Husserlsche Phänomenologie und die frühe buddhistische Philosophie spezialisiert hat. Ebenso schreibt er über das Thema anarchistische Philosophie und ist für seine Collagen bekannt.
Caroline Ann Baur (*1986) lebt und arbeitet in Zürich. Ihre künstlerische Tätigkeit bewegt sich zwischen Sound Arts, Installationen und kollaborativen Experimenten. Ihr Hauptaugenmerk liegt auf dem Schaffen von sozialen Räumen. Sie experimentiert mit der Praxis des aktiven Zuhörens und ist von der Frage nach der gegenderten Auf- und Abwertung von Arbeit und Symbolik geleitet. Um Erfahrungen des Gemeinsamen ging es insbesondere auch im Zürcher Offspace «Raum*Station», den sie mitbegründet und während vier Jahren mit einer Gruppe von acht Personen geleitet hat. Ihre Arbeiten waren bereits zu sehen u.a. in der Kunst Halle Sankt Gallen, Gessnerallee Zürich, uni Offspace Zürich, Ausstellungsraum Klingental sowie mayday in Basel, Marrakech Biennale. 2019 gewann sie das Artist-in-Residence Programm sowie 2021 den Werkbeitrag der Ausserrhodischen Kulturstiftung. Als Autorin schreibt sie unter anderem für die WOZ Wochenzeitung und für künstlerische Publikationen. Sie lehrt als Unterrichtsassistentin im MA Transdisziplinarität an der ZHdK – Zürcher Hochschule der Künste und gab Seminare an der F+F Schule für Kunst und Design Zürich sowie am Hyperwerk Basel. Baur hat an der Humboldt Universität Berlin Kulturwissenschaft und Philosophie studiert sowie Fine Arts an der ZHdK.
Antoine Félix Bürcher (*1999) ist ein in Zürich lebender Künstler und Kurator. Seine künstlerische Arbeit ist interdisziplinär und konzeptuell und materialisiert sich in Skulpturen, Installationen, Texten, Videos und Performances mit einem Fokus auf das Skulpturale. Antoine Félix Bürcher imaginiert eine nicht-lineare Ästhetik der Zeit durch die Erfahrung der Materie, mit der er in einer symbiotischen Beziehung mit dem Ausdruck zusammenarbeitet. Er hat 2020 den Online-off-space sabl.live mitbegründet. Seine Arbeiten wurden in mehreren Gruppen- und Einzelausstellungen in der Schweiz und Europa gezeigt: BIG Biennale (Genf) mit One Gee in Fog, B74 Raum für Kunst (Luzern), Mock Jungle (Bologna), Danuser & Ramirez gallery (London), OnCurating (Zürich). Seine Glasskulpturen werden im Rahmen von PLATTFORM23 im Espace Arlaud in Lausanne ausgestellt.
Die Reihe «The Psychedelic Salon» in Zusammenarbeit mit Susanne G. Seiler findet regelmässig im Cabaret Voltaire statt. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über breite Themen gesprochen, die von Subkultur, Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis zu Ökologie reichen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austauschüber die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
Präsentation, Vortrag und Talk organisiert von Brücke Zürich-Tbilissi. Die Veranstaltung findet statt im CCA, Center of Contemporary Art, Tbilissi.
Die in Zürich lebende Künstlerin llaria Vinci präsentiert im CCA, Tbilissi, einen abgewandelten Ableger der Ausstellung «Phoenix Philosophy Café», die bis im Sommer 2023 im Cabaret Voltaire zu sehen ist. Die Ausstellung wird durch verschiedene Veranstaltungen aktiviert. Neben Kunstwerken stehen die «Chronicles of the Phoenix Fireplace» im Zentrum: Kurzgeschichten zu Vincis Schau, verfasst von den Schweizer Autorinnen Judith Keller und Maya Olah, Allison Grimaldi Donahue sowie der georgischen Autorin Anna Kordsaia-Samadaschwili. Salome Hohl, Direktorin des Cabaret Voltaire, lässt sich von der Ausstellung von llaria Vinci inspirieren und hält den Vortrag «Dada Phoenix, oder was wir mit Dada lernen können». Sie zieht Parallelen von der Vergangenheit in die heutige Zeit und analysiert, welche Probleme und Chancen wiederkehren und welche künstlerischen Antworten zu beobachten sind. Im Anschluss findet ein Gespräch zwischen llaria Vinci, Salome Hohl und jungen georgischen Künstler:innen statt.
19:00–20:00
Präsentation llaria Vinci und Lesung der Kurzgeschichte von Anna Kordsaia-Samadaschwili
20:00–21:00
Vortrag von Salome Hohl «Dada Phoenix, oder wie wir mit Dada lernen können»
21:00–22:00
Interaktion mit den georgischen Künstler:innen und Schriftsteller:innen
Eintritt frei
www.zuerich-tbilissi.ch
Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café Tbilissi», CCA, Center of Contemporary Art, Tbilissi, 5. April 2023
Le Foyer in Zusammenarbeit mit dem Cabaret Voltaire. Moderiert von Yasmin Afschar.
Mai-Thu Perret, Künstlerin, und Ida Soulard, Kunsthistorikerin und Kuratorin, stehen in einem regelmässigen Dialog – ein Austausch, der derzeit vertieft wird und in einem Text gipfelt, der in Perrets kommendem Buchprojekt veröffentlicht wird. Im Rahmen der Diskussion über gemeinsame Interessen, feministische Anliegen und die Rolle von Kunst und Kunsthandwerk in den Avantgardebewegungen des 20. Jahrhunderts erhalten wir einen Einblick in diesen Prozess. Insbesondere Soulards kunsthistorische Forschungen zu Anni Albers und textilen Praktiken in der Kunst der 1920er- bis 1960er-Jahre bieten zahlreiche Anknüpfungspunkte zu Perrets Werk, einschliesslich der derzeit im Cabaret Voltaire gezeigten Arbeiten, die sich auf das Erbe von Sophie Taeuber-Arp bezieht.
Literatur, Kunst- und Kulturgeschichte, aber auch spirituelle Traditionen und feministische Theorie bilden das intellektuelle Fundament, aus dem die Genfer Künstlerin Mai-Thu Perret schöpft. Sie beschäftigt sich mit den künstlerischen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts, insbesondere mit der Geschichte der Abstraktion, hinterfragt die kapitalistischen und patriarchalischen Konventionen der Kunst und schafft Gegennarrative dazu. Die Werke von Perret wurden in Einzelausstellungen gezeigt, unter anderem im Istituto Svizzero, Rom (2022); Le Portique - centre régional d'art contemporain du Havre, Frankreich (2020); MAMCO Genf (Musée d'art moderne et contemporain), Genf (2019); Badischer Kunstverein, Karlsruhe, Deutschland (2019); Spike Island, Bristol, England (2019); Nasher Sculpture Center, Dallas (2016); Le Magasin, Grenoble, Frankreich (2012); Haus Konstruktiv, Zürich (2011); University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor (2010); San Francisco Museum of Modern Art (2008); und die Renaissance Society an der University of Chicago (2006).
Ida Soulard ist Doktorandin in Kunstgeschichte (ENS / Université PSL) und unabhängige Kuratorin. Sie ist Co-Direktorin von Glass Bead, einer zweisprachigen Online-Forschungsplattform und Kunstzeitschrift. Von 2013 bis 2020 war sie künstlerische Leiterin von Fieldwork: Marfa, ein internationales Forschungs- und Residency-Programm, das gemeinsam von der Hochschule für Bildende Künste in Nantes und HEAD-Genf geleitet wurde. 2021 war sie künstlerische Leiterin und Beraterin für eine private Stiftung und ein Kunstprogramm in Armenien. Zusammen mit Jennifer Burris war sie Ko-Kuratorin von Marfa Sounding (2016-2018), einem Festival mit Performances, Klanginstallationen und Gesprächen in Marfa, Texas. Kürzlich kuratierte sie Transmeare, eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Ulla von Brandenburg im FRAC Amiens und 1833: Une jeune fille, une machine et leur amitié bei Image/Imatge, Orthez (2022-2023). Außerdem ist sie Herausgeberin von Du Tissage (Les Presses du Réel, 2021), der französischen Ausgabe von Anni Albers' legendärem Buch aus dem Jahr 1965, und von Manual for a future desert (Mousse Publishing, 2022). Derzeit unterrichtet sie an der ENSA-Bourges (Frankreich).
Eine Literatursoiree zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci mit Allison Grimaldi Donahue, Judith Keller und Maya Olah.
Die Autor*innen schreiben eine Kurzgeschichte zur Ausstellung zu den Stichworten, welche die Künstlerin Ilaria Vinci ihnen zuvor vorgegeben hat: Rebellion (rebellion), heilende Tränen (curative tears), Ei (egg), Kreis (circle) und Miss Phönix. An der Soiree werden die Kurzgeschichten in Feuerstelle-Atmosphäre vorgelesen.
Allison Grimaldi Donahue (*1984) ist Schriftstellerin und Künstlerin. Sie ist die Autorin von «Body to Mineral» (Publication Studio Vancouver 2016) und «On Endings» (Delere Press 2019) und hat Carla Lonzis «Self-portrait» (Divided, 2021) übersetzt. Sie lebt in Bologna.
Judith Keller (*1985) studierte Literarisches Schreiben in Leipzig und Biel sowie Deutsch als Fremdsprache in Berlin und Bogotá. Für ihr Debüt «Die Fragwürdigen» (Der gesunde Menschenverstand) wurde Judith Keller mit Anerkennungspreisen von Stadt und Kanton Zürich ausgezeichnet. Sie lebt in Zürich.
Maya Olah (*1990) studierte Germanistik und Ethnologie in Zürich und Wien. Ihre Hörspiele und Kurzgeschichten wurden im Radio ausgestrahlt, in Literaturzeitschriften veröffentlicht und sie hat zahlreiche Lesungen im In- und Ausland gegeben. Sie lebt in Zürich.
Ilaria Vinci (*1991) hat in Mailand und Lausanne Kunst studiert. In ihrer Praxis erforscht sie das, was sie die "Zone der Fantasie" nennt: Der Bereich in der menschlichen Psyche, in dem sich Selbst- und Weltwahrnehmung treffen und verschwimmen. Sie lebt in Zürich.
Diese Soiree wird von der Fondation Jan Michalski unterstützt.
Kaum einen Verweis gibt es im Dorf Trogen in Appenzell Ausserrhoden auf Sophie Taeuber-Arp, wo die Pionierin der abstrakten Kunst aufgewachsen ist. Nur ein kleines Schild am roten Familienhaus erinnert an ihre Kindheit in einem Dorf, das sichtbar reich geworden ist durch den transatlantischen Dreieckshandel mit Textilien aus der Region. Das Haus, das die Mutter Sophie Taeuber-Arps eigenhändig entworfen hatte, steht unweit vom Zellweger Palast, mit denen die Taeubers verwandt waren. Um sich dem multimedialen Werk Sophie Taeuber-Arps anzunähern und Spuren ihrer Biografie zu finden, begab sich eine Gruppe des Masters Transdizsiplinarität der Zürcher Hochschule der Künste auf eine 6-Tägige Exkursion nach Trogen. Konzepte der transdisziplinären Künstler*innenschaft standen im Zentrum der Auseinandersetzung, woraus die Studierenden Fragen nach gegenderten, kunsthistorischen Narrationen stellten, nach dem Verhältnis zwischen Kunsthandwerk und freier Kunst, sowie dem historischen Kontext von dem aus sich das Schaffen und das Selbstverständnis dieser gewichtigen Künstlerin der Moderne entwickeln konnte. Durch die Linse der Exkursion betrachten die Studierenden die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» von Sophie Taeuber-Arp und Mai-Thu Perret im Cabaret Voltaire. Mit einem alternativen Saalblatt reagieren die Studierende auf die Ausstellung und laden zu einer Vernissage ihrer Lesart mit Performances im Historischen Saal des Cabaret Voltaire ein.
Von und mit: Paula Thomaka, Nistiman Erdede, Amanda Hunt, Hans-Jakob Mühlethaler, Caroline Ann Baur, Nicole Frei.
Am Donnerstag, den 9. März, geht die Reihe «The Psychedelic Salon» weiter. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über breite Themen gesprochen, die von Subkultur, Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis zu Ökologie reichen.
Wir zeigen The Mushroom Speaks (2021), ein Dokumentarfilm von Marion Neumann, der die heilenden Qualitäten von Pilzen und ihre Fähigkeit zur Regeneration erforscht. In ihrem Film würdigt die Regisseurin nicht nur die Magie der Pilze, sondern stellt die These auf, Pilze könnten die Menschheit vor der kommenden Klimaapokalypse retten.
The Mushroom Speaks wurde kürzlich im The Guardian besprochen:
«Considering that the cultivation of fungal cultures has allowed us to ease our physical ailments as well as repair damaged ecosystems, the film posits that, beyond a transactional relationship, humans can also model our behaviours after the virtues of the mushroom.» (Phuong Le, 21 February 2023)
18:00 – Meet und Greet
19:00 – Neuigkeiten und Einführung mit Marion Neumann
19:15 – Screening: The Mushroom Speaks
20:45 – Diskussion
Aufgrund von organisatorischen Verzögerungen kann der mexikanische Künstler Gabriel Mestre Arrioja leider nicht wie angekündigt erscheinen. Sein Besuch wird auf einen anderen Salon verschoben.
Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch bis zum Abend vom 8. März möglich.
Die Reihe «The Psychedelic Salon» in Zusammenarbeit mit Susanne G. Seiler findet regelmässig im Cabaret Voltaire statt. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über breite Themen gesprochen, die von Subkultur, Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis zu Ökologie reichen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austauschüber die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
Am 21. Februar findet wieder die Soiree «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» im Rahmen der Ausstellung von Ilaria Vinci statt. Im Historischen Saal des Cabaret Voltaire laden die Künstlerin Ilaria Vinci und CZARNAGORA (Rafal Skoczek) zum Schachturnier ein. Die Partien werden live mit Sound-Interventionen von ALY-X und Axel Kolb begleitet, die den Fokus der Spielenden herausfordern. Der Anlass steht auch Zuschauer*innen offen. Der Eintritt ist frei.
BLITZ CHESS TOURNAMENT
Die Gegner*innen spielen BLITZ CHESS mit einer Gesamtzeit von zehn Minuten pro Partie (ohne Bonuszeit). Das Turnier besteht aus acht Spieler*innen, die im direkten Ausschlussverfahren gegeneinander antreten. Der*die endgültige Gewinner*in der drei Partien erhält eine Goldmedaille und ein von der Künstlerin entworfenes T-Shirt in limitierter Auflage. Es können mehrere Turniere gleichzeitig stattfinden. Wenn Sie am BLITZ CHESS teilnehmen möchten, melden Sie sich bitte via info@cabaretvoltaire.ch an (mit Angabe zum Schach-Level).
FREE PLAY
Hier können sich Partien freier bilden. Sie können zum Spass spielen oder einfach üben und Ihre Fähigkeiten perfektionieren – das ist ganz Ihnen überlassen. Schachbretter stehen zur Verfügung, gerne können eigene Bretter mitgebracht werden. Eine Anmeldung ist nicht nötig, es hilft uns jedoch trotzdem, damit wir die Anzahl der Schachbretter abschätzen können.
THE NOISE
Klang und Schach haben eine dadaistische Tradition. Marcel Duchamp und John Cage entwickelten kurz vor Duchamps Tod 1968 das Projekt «Reunion», bei dem Schachspiele in Musikstücke verwandelt wurden. Diesmal werden die Schachpartien von Noise-Sets von ALY-X und Axel Kolb begleitet.
«Klänge zu hören ist für mich so, als würde ich mich irgendwo zwischen dem auditorischen Kortex und dem Bewusstsein aufhalten.»
Aleyna Günay auch bekannt als ALY-X (geb. 1995) Künstlerin und elektronische Musikerin aus Istanbul. Sie begann als Pianistin, als sie sechs Jahre alt war, und komponierte weiter. Nach vielen Jahren wurde ihr Stil härter und diese Erkundung kombiniert Dronescapes, harsche Lärmwände und Doom. Sie hat ihr Projekt ALY-X im Jahr 2018 in Paris gestartet. Sie ist weithin bekannt mit Speedcore, Splittercore und Terror-Genres.
Günay lebt und arbeitet in Zürich. www.aleynagunay.com
Der Musiker und Komponist Axel Kolb studiert Komposition an der ZHdK und lebt in Zürich. Neben seiner Praxis in Spatial Audio und Solo-Posaunen-Performances organisiert und co-kuratiert er «Spectres», eine Reihe für elektroakustische Musik: www.spectres.ch
Marcel Duchamp und John Cage «Reunion», 1968
Am Freitag, 17. Februar, findet im Cabaret Voltaire wieder die «Chaostage» von Ajana Dracula & friends statt.
Wir laden dazu ein, auf der offenen Bühne aufzutreten: Reden halten, Lieder singen, Instrumente spielen, Tänze oder Performances vorführen, rappen, Gedichte rezitieren, einen Film zeigen – alle Beiträge sind willkommen.
Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, ein Klavier, Verstärker, ein Computer sowie je max. 10 Minuten zur Verfügung.
In allen Sprachen. Verkleidung erwünscht!
Türöffnung: 20:00
Start Programm: 21:00
Freier Eintritt.
Anmeldung an ajanadracula239@gmail.com
Wir freuen uns auf zahlreiches Erscheinen und Mitmachen!
In seiner neuen Performance «The Way I Are» arbeitet Luca Büchler mit Tanz und den verschiedenen Aspekten der passiven und aktiven Teilnahme, die sich aus dem Cruising ergeben. Büchler nutzt Cruising – die Praxis des Beobachtens und Begegnens von potentiellen Partner*innen in einem alltäglichen Kontext – um Bewegungen zu hinterfragen. Der Künstler begegnet damit seiner eingeschriebenen Körpersprache und bewegt sich dabei zwischen Fakt, der erkennbaren Form, und Fiktion, dem Interpretationsspielraum. Jede Geste, jeder Blick ist dabei dem Gegenüber und dessen subjektiven und kulturellen Lesearten ausgeliefert. Büchler möchte soziale Protokolle jedoch nicht einfach offenlegen. Durch die Wiederholung hinterfragt er diese und flirtet damit, Formen der Repräsentation sowie Interpretation zu vervielfachen, um individuelle Fantasien zu kreieren.
Besucher*innen sind eingeladen, sich während der gesamten Dauer der von Musik und Licht begleiteten Performance frei im Raum zu bewegen. Die Bar im Historischen Saal ist während der 90-minütigen-Performance geöffnet.
Am Donnerstag, den 9. Februar, findet im Cabaret Voltaire erneut «The Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Susanne G. Seiler unter dem Titel «The Love you Take is Equal to the Love you Make. LSD in the Sixties». Danach psychedelisches DJ-Set von Kalabrese.
«The love you make is equal to the love you take» ist ein Zitat der Beatles, das die Philosophie der Peace-and-Love-Ära zusammenfasst, in der die Hippies mit alternativen Therapien experimentierten. Die LSD-Therapie zum Beispiel, die damals in Nordamerika noch legal war, war weit verbreitet. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
Susanne G. Seiler studierte Soziologie und Linguistik in Toronto und Ottawa, Kanada. Sie ist Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters «gaiamedia goodnews» und organisiert und moderiert den monatlichen «The Psychedelic Salon». Als Zeitzeugin der Anfänge der Drogenkultur in den sechziger und siebziger Jahren lernte sie viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann, die Psychologin und Theologin Jean Houston, Terence McKenna oder den Delphin- und Bewusstseinsforscher John C. Lilly kennen. Susanne lebt in Zürich und arbeitet an einem Buch über ihre Erfahrungen, das im Herbst unter dem Titel «Mein psychelisches Leben» im Nachtschatten Verlag, Solothurn, erscheinen wird.
Kalabrese (Sacha Winkler) ist ein Zürcher Musiker, DJ, Musikproduzent und Co-Inhaber des Club Zukunft, der uns mit einem psychedelischen Set erfreut. Mehr Informationen: http://kalabrese.com
Eintritt: CHF 15 – der Anlass findet in englischer Sprache statt.
18:00 – Meet & Greet
19:00 – Vortrag Susanne G. Seiler
20:15 – Diskussion
21:00 – DJ Kalabrese
Die Veranstaltung kann auch online über diesen Link verfolgt werden: https://us02web.zoom.us/j/85085741374?pwd=TzNTU1VZdG1SRXRzU3pxWkZSM1RCQT09
Meeting-ID: 850 8574 1374
Kenncode: 579840
Weitere Daten: 9. März, 13. April, 11. Mai 2023.
Timothy Leary For Governor Of California, Poster by Joe Roberts Jr., 1969
Editionsvorstellung mit dem Künstler David Horvitz, eine Lesung in Georgisch mit Elene Abashidze, in Englisch mit David Horvitz und einleitende Gedanken zum Wetter von Nina Kunz.
In der georgischen Sprache existieren 64 verschiedene Bezeichnungen für Regen. Der Künstler David Horvitz arbeitete mit der in Tiflis lebenden Kuratorin Elene Abashidze zusammen, um diese Wörter zu sammeln. Das Ergebnis ist ein Glossar, welches die subtilen Unterschiede beschreibt, wie Wasser vom Himmel fallen kann. Der Reichtum an Ausdrücken für ein einziges Naturphänomen macht auch sichtbar, was wir durch die Auswirkungen der Klimakrise verlieren werden, wenn die Vielfalt an Begriffen für Regen keine Anwendung mehr finden.
Die Arbeit entstand anlässlich der Ausstellung «The Palace of Concrete Poetry» im Writers' House of Georgia in Tiflis (9. September – 9. Oktober 2022). Das Künstlerbuch «Წვიმა Rain» enthält das gesamte Glossar und ist verlegt bei Edition Taube in einer Auflage von 1000 Unikaten, und einer mit georgischem Regenwasser gedruckten Sonderedition.
Design: Jan Steinbach.
David Horvitz wird auch am nächsten Tag, den 01.02.2023, in Zürich im MATERIAL eine weitere neue Arbeit vorstellen und Bücher signieren.
David Horvitz «Წვიმა Rain», Design: Jan Steinbach.
Mit Sigrid Adorf, Medea Hoch, Salome Hohl, Hubertus Design, Walburga Krupp, Nimbus. Kunst und Bücher, Petra Ronner
Während das Werk der Pionierin konstruktiver Kunst aus der Schweiz international immer bekannter wurde, hat sich die kunsthistorische Rezeption weiterhin auf Erinnerungstexte von Hans Arp und weiterer Weggefährt*innen verlassen, die nach dem frühen Unfalltod Sophie Taeuber-Arps aufgezeichnet wurden. In der neu erschienenen dreibändigen Briefausgabe kann die Künstlerin endlich selbst zu Wort kommen. Der Perspektivenwechsel zeigt eine reflektierte, bestimmte und auch einmal aufgebrachte Sophie Taeuber-Arp und relativiert die bisherigen Zuschreibungen seitens der Künstlerkolleg*innen. Die Korrespondenz mit den nächsten Bezugspersonen erstreckt sich beinahe über die gesamte Lebenszeit Sophie Taeuber-Arps und liest sich wie eine Autobiografie in Fragmenten. Sie gibt Einblicke in unbekannte Lebenszusammenhänge und das innovative transdisziplinäre Schaffen der Künstlerin.
Die Briefedition wurde von Medea Hoch, Walburga Krupp und Sigrid Schade am Institut for Cultural Studies in the Arts der Zürcher Hochschule der Künste herausgegebenen und bei Nimbus. Kunst und Bücher in Wädenswil 2021 verlegt. Anlässlich der Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend, Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret» im Cabaret Voltaire soll ihr Erscheinen gefeiert werden mit Beiträgen zu den Briefen und zur prämierten Gestaltung von Hubertus Design, einem Büchertisch sowie einer Ananas-Bowle, roten Lampions und Klavierstücken von Béla Bartók, von denen die Briefe berichten. Die rumänische Weihnachtsmusik (Colinde) von Béla Bartók (1881–1945) besteht aus zwei Serien an zehn Klavierstücken betitelt «Rumänische Weihnachtslieder» (1915).
Am Donnerstag, den 8. Dezember, findet im Cabaret Voltaire der von Susanne G. Seiler organisierte psychedelische Salon statt.
Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Helena Aicher, Doktorandin in Psychologie an der Universität Zürich, unter dem Titel: Ayahuasca and analogues. Psychedelic research at the University of Zurich.
Es werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.
– 18:00 Uhr: Meet & Greet
– 19:00 Uhr: News & Einführung
– 19:15 Uhr: Helena Aicher: Ayahuasca & Analogues. Psychedelic Research an der Universität Zürich
– 20:15 Uhr: Diskussion
– 21:00 Uhr: Happy Hour (Öffnung der Türen für die Öffentlichkeit
Eintritt: CHF 15 – der Anlass findet in englischer Sprache statt.
Susanne G. Seiler studierte Soziologie und Linguistik in Toronto und Ottawa, Kanada. Sie ist Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters «gaiamedia goodnews» und organisiert und moderiert den monatlichen PSYCHEDELIC SALON. Als Zeitzeugin der Anfänge der Drogenkultur in den sechziger und siebziger Jahren lernte sie viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann, die Psychologin und Theologin Jean Houston, Terence McKenna oder den Delphin- und Bewusstseinsforscher John C. Lilly kennen. Susanne lebt in Zürich und arbeitet an einem Buch über ihre Erfahrungen, das im Herbst unter dem Titel «Mein psychelisches Leben» im Nachtschatten Verlag, Solothurn, erscheinen wird.
Weitere Daten: 9. Februar, 9. März, 13. April, 11. Mai 2023.
Robert Venosa, Ayahuasca Dream, 1996
Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine halbfiktionale Lesegruppe, die Ende 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen ins Leben gerufen wurde. Die Gruppe beschäftigt sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen. Der SRC betrachtet, erforscht und unterbricht die «Leser*innenschaft» als eine Möglichkeit, die Kontaktzonen zwischen Leser*in und Text, Text und Text, Leser*in und Leser*in zu stimulieren. Wenn Lesen eine Handlung ist, die ausgeführt wird, könnte sie dann auch choreografiert werden? Und könnten solche Choreografien einen Raum des Lesens eröffnen, der über die strenge Definition des Lesens fürs Verständnis hinausgeht?
Die Veranstaltung im Cabaret Voltaire besteht aus einer Reihe von text- und körperbasierten Leseprotokollen und einem Bootleg-Zine mit raubkopierten Texten, die von Festplatten mit experimentellen Texten, Poesie und Theorie stammen. Die Texte sind in englischer Sprache, Teilnehmer*innen von jeglicher Sprachkompetenz sind jedoch willkommen.
In Zusammenarbeit mit der Zürcher Hochschule der Künste und dem Neumarkt.
Am 8. November wird die Filmwissenschaftlerin Laura Mulvey anlässlich ihres ersten Besuchs in Zürich auf die Ausstellung «Frida Kahlo and Tina Modotti» zurückblicken, um die Ziele und ästhetischen Entscheidungen der kuratorischen Arbeit zu reflektieren; sie wird auch über die praktischen und theoretischen Prozesse sprechen, die zur Umsetzung der Ausstellung in einen Bildschirmraum führten.
Das Gespräch findet in Englisch statt und wird von Linda Waack, Oberassistentin am Seminar für Filmwissenschaft der Universität Zürich, moderiert. Die Veranstaltung wird von einer kleinen Ausstellung begleitet, die vom 1. bis 13. November im Historischen Saal zu sehen ist.
Der Abend mit Laura Mulvey ist Teil der Veranstaltung «Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zürich» organisiert durch das Seminar für Filmwissenschaft. Mehr Infos
In Kollaboration mit gta invites (Institut für Geschichte und Theorie der Architektur der ETH Zürich):
Vortrag von Michael Stevenson. Die Befragten: Khensani Jurczok-de Klerk und Daniel Tischler. Moderation: Adam Jasper.
Seit den 1980er-Jahren hat der 1964 in Neuseeland geborene und in Berlin lebende Michael Stevenson eine künstlerische Sprache entwickelt, die sich an der Schnittstelle von Wirtschaft, Technologie, Bildung und Glauben bewegt. In seiner Arbeit untersucht er die infrastrukturellen Systeme, die sich auf diese Bereiche beziehen.
In der unkonventionellen Übersichtsausstellung Disproof Does Not Equal Disbelief (KW Berlin 2021) waren frühe Arbeiten neben neueren grossformatigen skulpturalen Installationen zu sehen. Die Navigation in den Galerieräumen wurde zu einer zentralen Frage; sowohl als geplante als auch als unmittelbare Erfahrung. In diesen Räumen reagieren die Kunstwerke als Material und Erzählung aufeinander – eine Art Inszenierung – und ziehen die Architektur weiter in die Kreisbahn der Analogie: In diesem Fall Anatomie und Verdauung. Was bedeutet es, ungläubig zu sein, wenn wir uns in einer Umgebung befinden, die so eingeschlossen und desorientierend ist wie jene, die Jona im Bauch des Wals erlebte?
Michael Stevenson stellt seit den späten 1980er-Jahren aus. Umfassende Ausstellungen fanden 2021 im KW Institute for Contemporary Art in Berlin sowie 2011 im Museum of Contemporary Art Australia in Sydney statt. Michael Stevenson vertrat Neuseeland auf der 50. Biennale von Venedig und seine Arbeiten wurden in gross angelegten thematischen Ausstellungen gezeigt, darunter an der 21. Biennale von Sydney, der 6. und 8. Berlin Biennale, an der Liverpool Biennale in 2014, an der 2. Athens Biennale, die 8. Panama Art Biennale sowie an der 5. Asia-Pacific Triennial.
Michael Stevenson, Disproof Does Not Equal Disbelief, 2021
Eine Panel-Diskussion des Doktoratprogramms Epistemologien ästhetischer Praktiken der Universität Zürich.
Im Rahmen der Jahrestagung «Verschwörung, Fake und Gewissheiten. Fragen zum Beitrag der Künste und ihrer Theorien in Zeiten gesellschaftlichen Wandels» findet am Samstag 28. Oktober im Cabaret Voltaire den Panel «Verlernen. Postkoloniale Perspektiven», mit María do Mar Castro Varela (Berlin), Michaela Ott (Hamburg), Marita Tatari (Stuttgart/Berlin) statt, moderiert bei Ines Kleesattel (Zürich).
Die Denkfigur Verlernen sowie die Versuche ihrer Realisierung ist in aktuellen Künsten ebenso anwesend wie in anderen Diskursen. Während der Gedanke des Delinking von Walter D. Mignolo darauf abzielt, dass die Subjekte an den Rändern (border) eurozentristischen Denkens ihre eigenen Perspektiven entwickeln sollen, zielt der Begriff des Verlernens darauf, hegemoniales Wissen im Zentrum seiner Produktion zu hinterfragen. Anders gesagt, diejenigen, die versuchen, zu verlernen, beschäftigen sich mit sich selbst. Wie lies- sen sich beide Konzeptionen, die des Delinking und die des Verlernens, überhaupt zusammendenken und welche Gefahren und Selbstverständnisse bringen sie mit sich? Kann ein «unordentliches Denken» (Castro Varela) tatsächlich die Pfade westlichen Denkens verlassen oder ist «unordentliches Denken», das als Erwartung an die Künste herangetragen worden ist, nicht eher Teil des westlichen Denkens selbst.
Die Tagung des Doktoratsprogramms Epistemologien ästhetischer Praktiken findet vom 28. bis 30. Oktober 2022 in der Universität Zürich und im Cabaret Voltaire statt. Sie widmet sich den Künsten und ihren Theorien in Debatten um Verschwörungen, Fake-News und (Un-)Gewissheiten heute und wirft die Frage auf, welche Rolle letzteren bei der Formung aktueller Zustände zukommt. Bereits in den Auseinandersetzungen während der 1980er und 1990er Jahre sind Themen solcher Art intensiv diskutiert worden, etwa wenn es um Fakt und Fiktion, Ambivalenz und Unentscheidbarkeit, (Im-)Materialität und um die Verknotung des Realen, Symbolischen und Imaginären ging. Diese Diskussionen scheinen nun, oftmals unter umgekehrten theoretischen und politischen Vorzeichen, ein unerwartetes Nachleben entwickelt zu haben. Daher stellt sich umso dringlicher die Frage, was der Beitrag der Künste im gesellschaftlichen Wandel heute sein könnte.
Beiträge des Panels im Cabaret Voltaire:
María do Mar Castro Varela (Berlin): «Belohnte Ignoranz verlernen. Ethische Betrachtungen»
María do Mar Castro Varela ist Professorin für Soziale Arbeit und Allgemeine Pädagogik an der Alice Salomon Hochschule Berlin. Sie forscht zu postkolonialer Theorie, Rassismus, Antisemitismus, Migration und Kritischer Theorie. In diesem Jahr erschien ihr Buch Double Bind postkolonial.
Michaela Ott (Hamburg): «Um-Lernen als epistemologisches Dividuationsverfahren»
Michaela Ott ist Professorin für Ästhetische Theorien an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Ihre Forschungsschwerpunkte sind poststrukturalistische Philosophie, Ästhetik und Politik, Ästhetik des Films, Affekttheorie, Theorien des Raums, Kunst-Wissen, (In)Dividuation, postkoloniale Theorie, afrikanische Philosophie und Kunst.
Marita Tatari (Stuttgart/Berlin): «Über die Entscheidung, das westliche Denken zu verlassen»
Marita Tatari vertritt die Professur Gegenwartsästhetik an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart. Ihre Schwerpunkte sind Kontinentalphilosophie, Ästhetik und Kunsttheorie, sowie u. a. räumliche und performative Aspekte der Künste, Epistemologie der Performance, Realität der Kunst und Kunstwerk als Handlung.
Moderierung: Ines Kleesattel
Ines Kleesattel ist Dozentin im Master Art Education der ZHdK und forscht am FSP Kulturanalyse in den Künsten zu situierter Ästhetik, künstlerischer Forschung und experimentellen Theoriepraktiken. 2021/2022 vertrat sie die Professur für Kunstvermittlung und Ästhetik in der Fachgruppe Kunst an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.
Am 13. Oktober 2022, ab 18:00 eröffnet die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend». Im Gewölbekeller treten ältere und neu produzierte Werke von Mai-Thu Perret in den Dialog mit Sophie Taeuber-Arp. Im Dada-Haus entsteht eine Diskussion zwischen den Werken von Frauen unterschiedlicher Generationen und Regionen.
Hier erfahren Sie mehr über die Ausstellung.
Am 4. Oktober findet die Soiree «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» im Rahmen der Ausstellung von Ilaria Vinci statt. Auf beiden Stockwerken des Cabaret Voltaire laden die Künstlerin Ilaria Vinci und CZARNAGORA (Rafal Skoczek) zum Schachturnier ein. Die Partien werden live von Sound-Interventionen von CATATONIC LEISURE ALONE (Anton Ponomarev) und Luis Sanz begleitet, die den Fokus der Spielenden herausfordern. Der Anlass steht auch Zuschauer*innen offen.
THE CHESS GAME
BLITZ CHESS TOURNAMENT in der Künstler*innenkneipe: Die Gegner*innen spielen BLITZ CHESS mit einer Gesamtzeit von zehn Minuten pro Partie (ohne Bonuszeit). Das Turnier besteht aus acht Spieler*innen, die im direkten Ausschlussverfahren gegeneinander antreten. Der*die endgültige Gewinner*in der drei Partien erhält eine Goldmedaille und ein von der Künstlerin entworfenes T-Shirt in limitierter Auflage. Es können mehrere Turniere gleichzeitig stattfinden. Wenn Sie am BLITZ CHESS teilnehmen möchten, melden Sie sich bitte via info@cabaretvoltaire.ch an (mit Angabe zum Schach-Level).
FREE PLAY im Historischen Saal: Hier können sich Partien freier bilden. Sie können zum Spass spielen oder einfach üben und Ihre Fähigkeiten perfektionieren – das ist ganz Ihnen überlassen. Schachbretter stehen zur Verfügung, gerne können eigene Bretter mitgebracht werden. Eine Anmeldung ist nicht nötig, es hilft uns jedoch trotzdem, damit wir die Anzahl der Schachbretter abschätzen können.
THE NOISE
Klang und Schach haben eine dadaistische Tradition. Marcel Duchamp und John Cage entwickelten kurz vor Duchamps Tod 1968 das Projekt «Reunion», bei dem Schachspiele in Musikstücke verwandelt wurden.
Anton Ponomarev (CATATONIC LEISURE ALONE) ist ein Rohrblatt-/Blasinstrumenten- und Elektronikspieler aus Zürich mit einer Leidenschaft für Free Jazz, frei improvisierte Musik, Punk Jazz, Grindcore und experimentelle Musik.
Luis Sanz (*1984, Peru) lebt und arbeitet in Bern. Er ist ein multidisziplinärer Künstler, der sich mit synthetischen Klängen, Computergrafik und physischen audiovisuellen Erfahrungen beschäftigt.
Ilaria Vinci, Flyer Scacchi Noise, 2022
Marcel Duchamp und John Cage «Reunion», 1968. Kurz vor seinem Tod entwickelten der Dadaist Marcel Duchamp und der Komponist und Musiktheoretiker John Cage das Projekt «Reunion», bei dem Schachspiele in Musikstücke verwandelt wurden.
Dada-Rundgang im Zürcher Kreis 1
Zwischen 1916 und 1919 wurden in Zürich durch die Dadaist*innen Impulse gesetzt, welche die Künste weltweit nachhaltig prägen sollten. In Zürich steht mit dem Cabaret Voltaire nicht nur der Ursprungsort von Dada, im Kunsthaus Zürich befindet sich auch eine der wichtigsten Dada-Sammlungen.
Diese Führung mit der Cabaret Voltaire-Leiterin Salome Hohl und der Kunsthaus-Kuratorin Cathérine Hug verbindet die beiden Häuser und führt Sie zu weiteren Dada-Spielstätten, die das Milieu und die Orte zeigen, in denen Dada enstand und wirkte. Besammlung ist vor dem Cabaret Voltaire. Die Führung endet im Kunsthaus Zürich: im Dada-Kabinett und schliesslich beim Max Ernst-Bild in der Kunsthaus-Bar. Im Preis inbegriffen sind die kommentierte Tour und der Dada Pocket Guide.
–Treffpunkt: 18:00 vor dem Cabaret Voltaire
–Kosten: CHF 30.– / 25.– (Studierende) / 20.– (Mitglieder), inkl. Dada Pocket Guide
–Teilnehmerzahl beschränkt. Anmeldung erforderlich.
Tickets können via Ticket-Shop des Kunsthaus bezogen werden.
Der Rundgang findet auf Deutsch statt.
«[not] here» – eine Ausstellung und Soireen von Sarah Burger und Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22
Veranstaltungen:
03.09.22, 18:00–02:00: LANGE NACHT der Zürcher Museen
06.09.22: Soiree «[not] here», Ausstellungseröffnung (ab 18:00) und Dialogue (20:00) zwischen Sarah Burger und Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», musikalische Vertonung der ausgestellten Werke mit Dimitri Howald
Sarah Burger (Zürich) und Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) lernten sich während eines Workshops kennen, bei dem Ribeiro Dinge sammelte, die von verschiedenen Personen mitgebracht wurden, um die Objekte zu Erde zu verarbeiten und eine «gemeinsame Basis» zu schaffen. Burger und Ribeiro entdeckten ein geteiltes Interesse an Tektonik, Erd- und Steinformationen sowie an Landschaften und Geografien, die neue Zugänge zu Geschichte und Zeit ermöglichen. Die Idee, dass ein künstlerischer Austausch für beide fruchtbar sein könnte, entstand. Das Cabaret Voltaire war schon immer ein Ort des künstlerischen Austauschs, der internationalen Zusammenarbeit und des Experimentierens mit neuen Formen der Begegnung. Dieses historische Versprechen bot einen passenden Rahmen für den Dialog zwischen Burger und Ribeiro, der sich entlang von Reflexionen und Aneignungen von Materialeigenschaften, Erzählungen und Geschichten entfaltet. Schnell wurde deutlich, dass ihre Zusammenarbeit nicht nur aus dem Austausch von gemeinsam vereinbarten Vorschlägen bestand, sondern auch aus dem Kennenlernen des jeweils anderen als jemand, der anders arbeitet, reflektiert, assoziiert und artikuliert. Der gemeinsame Fokus liegt – wie vielleicht immer in der Kunst – auf der Frage, was sich im Dazwischen eröffnet: Jeder Blick auf Bildwelten und Objekte offenbart unterschiedliche Wertesysteme, jede Gegenüberstellung von Objekten wirft ein neues Licht auf Texturen, Formen, deren Erzählungen und Symbolik. Im Cabaret Voltaire teilen Burger und Ribeiro Überlegungen und Beobachtungen zu Fragen der Visualität, der Sprache und der Körperlichkeit, wobei sie Präsenz als eine lebendige, nicht fixierte Qualität wahrnehmen, die auch im Verschwinden stattfindet.
Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Die einzige Vorgabe, die Burger kommunizierte, war, dass die Objekte 1:1 geformt werden können und in den Brennofen passen müssen. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen?
Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands ist eine digitale Collage, die auf einem gefundenen Bild von Händen und einer Fotografie einer schnell hergestellten, nicht figurativen Skulptur aus Plastilin basiert. Die Hände scheinen die Skulptur zu evozieren und sie auf magische Weise zu formen, ohne sie zu berühren.
Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
Das Video-Gedicht ist eine Reflexion über die An- und Abwesenheit verschiedener Orte, über erinnerte Räume, die nie zuvor physisch besucht wurden. Burger produzierte das Werk während einer Residenz in Sofia, Bulgarien.
Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize ist Teil einer grösseren Serie mit dem Titel Revolving Actions und experimentiert mit Momenten der Abstraktion der menschlichen Figur, in der Hoffnung, dass die visuelle Destabilisierung andere Beziehungsformen ermöglicht. In beiden Arbeiten ist das Gesicht von einem goldenen Metallgewebe bedeckt, das den Gesichtsausdruck verschleiert, den Kopf als Form aber dennoch in den Vordergrund rücken lässt, während der Körper einer verschwimmenden Unbestimmtheit unterworfen ist. Dematerialize i – dawn ist eine Aktion, die sich mit der Ambivalenz des Verschwindens durch das Sichtbarwerden auseinandersetzt. Die in einer bestimmten Raum-Zeit-Koordinate stattfindende Performance findet im Morgengrauen des St.-Georgs-Tages statt, einer Feier, die in Rio de Janeiro den katholischen Heiligen mit der afrikanischen Gottheit Ogun verbindet. Als Symbol für Schutz und Resistenz predigen die Gläubigen, die Kleidung des Heiligen Georg zu tragen, damit der Feind «Augen hat, aber sie nicht sieht». Die Performance materialisiert dieses Gelübde als eine Mischung aus Anonymität und Überschwang. In Dematerialize ii – dusk, sind lang belichtete Aufnahmen eines zitternden Körpers in der Dunkelheit zu sehen, der seine Konturen verlieren soll. Die lang andauernde Aktion begann in Rio de Janeiro um 17:27 Uhr, bei Vollmondaufgang, dauerte über Nacht und endete am nächsten Tag.
Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Die Besucher*innen sind eingeladen, die auf die Wände des Cabaret Voltaire gerichtete Klanginstallation zu hören. Fragmentierte Erzählungen, Textauszüge, imaginative Logiken und Träume werden laut ausgesprochen, so dass die Wände sie hören und speichern können. Die Wand wird als konkrete Materie verdichteter Geschichten wahrgenommen, daher die Notwendigkeit, das Aufgenommene und Gehörte anzuerkennen und sie gezielt mit weiteren Klängen und Erzählungen zu versehen.
Die in Zürich lebende Künstlerin Sarah Burger studierte Bildende Kunst, Philosophie, Vergleichende Literaturwissenschaft und Linguistik. Ihre Praxis umfasst auch künstlerische Recherche (PhD, ZHdK Zürich und Kunstuniversität Linz). Der Künstler Felipe Ribeiro lebt in Rio de Janeiro und ist Professor für Tanz- und Filmstudien an der Federal University of Rio de Janeiro. Er studierte Film (MA) und besitzt ein PhD in Bildender Kunst.
Die Ausstellung ist von der Annemarie Schindler-Stiftung unterstützt.
«[not] here» – eine Ausstellung und Soireen von Sarah Burger und Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22
Veranstaltungen:
03.09.22, 18:00–02:00: LANGE NACHT der Zürcher Museen
06.09.22: Soiree «[not] here», Ausstellungseröffnung (ab 18:00) und Dialogue (20:00) zwischen Sarah Burger und Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», musikalische Vertonung der ausgestellten Werke mit Dimitri Howald
Sarah Burger (Zürich) und Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) lernten sich während eines Workshops kennen, bei dem Ribeiro Dinge sammelte, die von verschiedenen Personen mitgebracht wurden, um die Objekte zu Erde zu verarbeiten und eine «gemeinsame Basis» zu schaffen. Burger und Ribeiro entdeckten ein geteiltes Interesse an Tektonik, Erd- und Steinformationen sowie an Landschaften und Geografien, die neue Zugänge zu Geschichte und Zeit ermöglichen. Die Idee, dass ein künstlerischer Austausch für beide fruchtbar sein könnte, entstand. Das Cabaret Voltaire war schon immer ein Ort des künstlerischen Austauschs, der internationalen Zusammenarbeit und des Experimentierens mit neuen Formen der Begegnung. Dieses historische Versprechen bot einen passenden Rahmen für den Dialog zwischen Burger und Ribeiro, der sich entlang von Reflexionen und Aneignungen von Materialeigenschaften, Erzählungen und Geschichten entfaltet. Schnell wurde deutlich, dass ihre Zusammenarbeit nicht nur aus dem Austausch von gemeinsam vereinbarten Vorschlägen bestand, sondern auch aus dem Kennenlernen des jeweils anderen als jemand, der anders arbeitet, reflektiert, assoziiert und artikuliert. Der gemeinsame Fokus liegt – wie vielleicht immer in der Kunst – auf der Frage, was sich im Dazwischen eröffnet: Jeder Blick auf Bildwelten und Objekte offenbart unterschiedliche Wertesysteme, jede Gegenüberstellung von Objekten wirft ein neues Licht auf Texturen, Formen, deren Erzählungen und Symbolik. Im Cabaret Voltaire teilen Burger und Ribeiro Überlegungen und Beobachtungen zu Fragen der Visualität, der Sprache und der Körperlichkeit, wobei sie Präsenz als eine lebendige, nicht fixierte Qualität wahrnehmen, die auch im Verschwinden stattfindet.
Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Die einzige Vorgabe, die Burger kommunizierte, war, dass die Objekte 1:1 geformt werden können und in den Brennofen passen müssen. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen?
Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands ist eine digitale Collage, die auf einem gefundenen Bild von Händen und einer Fotografie einer schnell hergestellten, nicht figurativen Skulptur aus Plastilin basiert. Die Hände scheinen die Skulptur zu evozieren und sie auf magische Weise zu formen, ohne sie zu berühren.
Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
Das Video-Gedicht ist eine Reflexion über die An- und Abwesenheit verschiedener Orte, über erinnerte Räume, die nie zuvor physisch besucht wurden. Burger produzierte das Werk während einer Residenz in Sofia, Bulgarien.
Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize ist Teil einer grösseren Serie mit dem Titel Revolving Actions und experimentiert mit Momenten der Abstraktion der menschlichen Figur, in der Hoffnung, dass die visuelle Destabilisierung andere Beziehungsformen ermöglicht. In beiden Arbeiten ist das Gesicht von einem goldenen Metallgewebe bedeckt, das den Gesichtsausdruck verschleiert, den Kopf als Form aber dennoch in den Vordergrund rücken lässt, während der Körper einer verschwimmenden Unbestimmtheit unterworfen ist. Dematerialize i – dawn ist eine Aktion, die sich mit der Ambivalenz des Verschwindens durch das Sichtbarwerden auseinandersetzt. Die in einer bestimmten Raum-Zeit-Koordinate stattfindende Performance findet im Morgengrauen des St.-Georgs-Tages statt, einer Feier, die in Rio de Janeiro den katholischen Heiligen mit der afrikanischen Gottheit Ogun verbindet. Als Symbol für Schutz und Resistenz predigen die Gläubigen, die Kleidung des Heiligen Georg zu tragen, damit der Feind «Augen hat, aber sie nicht sieht». Die Performance materialisiert dieses Gelübde als eine Mischung aus Anonymität und Überschwang. In Dematerialize ii – dusk, sind lang belichtete Aufnahmen eines zitternden Körpers in der Dunkelheit zu sehen, der seine Konturen verlieren soll. Die lang andauernde Aktion begann in Rio de Janeiro um 17:27 Uhr, bei Vollmondaufgang, dauerte über Nacht und endete am nächsten Tag.
Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Die Besucher*innen sind eingeladen, die auf die Wände des Cabaret Voltaire gerichtete Klanginstallation zu hören. Fragmentierte Erzählungen, Textauszüge, imaginative Logiken und Träume werden laut ausgesprochen, so dass die Wände sie hören und speichern können. Die Wand wird als konkrete Materie verdichteter Geschichten wahrgenommen, daher die Notwendigkeit, das Aufgenommene und Gehörte anzuerkennen und sie gezielt mit weiteren Klängen und Erzählungen zu versehen.
Die in Zürich lebende Künstlerin Sarah Burger studierte Bildende Kunst, Philosophie, Vergleichende Literaturwissenschaft und Linguistik. Ihre Praxis umfasst auch künstlerische Recherche (PhD, ZHdK Zürich und Kunstuniversität Linz). Der Künstler Felipe Ribeiro lebt in Rio de Janeiro und ist Professor für Tanz- und Filmstudien an der Federal University of Rio de Janeiro. Er studierte Film (MA) und besitzt ein PhD in Bildender Kunst.
Die Ausstellung ist von der Annemarie Schindler-Stiftung unterstützt.
Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022, Video-Gedicht HD, 2:43 min im Loop
Während der LANGEN NACHT der Zürcher Museen findet das folgende Programm im Cabaret Voltaire statt:
Sarah Burger/Felipe Ribeiro, «Whispers» und «Dinge»
18:00–02:00
Während der LANGEN NACHT der Zürcher Museen präsentiert Felipe Ribeiro «Whispers»: eine körperlose Klanginstallation, die fragmentierte, träumerische Erzählungen und unkonventionelle Logiken in intimen Tönen zum Besten gibt, die sich mit den Besucher*innen vermischen und ein fortlaufendes Gespräch über verschiedene Kontexte und Zeiten schaffen. Sarah Burger zeigt Objekte aus der Serie «Dinge». Sie bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen? Dabei wurden 48 figurative Objekte durch sieben abstrakte Objekte ergänzt, um das Erkennen eines Objektbildes mit dem Prozess der Interpretation zu kontrastieren.
ektor garcia, «nudos de tiempo»
18:00–02:00
«nudos de tiempo» von ektor garcia (*1985) zeigt eine temporäre Konstellation aus bunten Häkelarbeiten sowie Metall- und Keramikskulpturen. In den sinnlich geknoteten Ketten oder Mäander Motiven vermengen sich kunsthandwerkliche Spuren indigener Bevölkerung aus Mittel- und Nordamerika mit Volkskunst, popkulturellen und digitalen Einflüssen. Einige Häkelarbeiten erinnern an Werke der US-Fiber-Art-Bewegung der 1960er Jahre. Der Auftritt im Cabaret Voltaire ist die erste institutionelle Einzelausstellung von ektor garcia in der Schweiz.
Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café»
18:00–02:00
Ilaria Vinci (*1991) erforscht in ihrer Praxis das, was sie als «Zone der Fantasie» bezeichnet: Der Bereich in der menschlichen Psyche, in dem sich Selbst- und Weltwahrnehmung treffen und verschwimmen. Die Künstlerin geht der Frage nach, was Realität ausmacht und wie Menschen kommunizieren und imaginieren. Während einem Jahr bespielt Vinci die Künstler*innen-Kneipe und verwandelt den Eingangsbereich in eine Feuerstelle. Um Feuer versammeln sich Menschen, tauschen Geschichten aus, essen, trinken und spielen zusammen. Teil der Ausstellung sind auch mythologische Figuren, die mit Feuer assoziiert werden, wie Phoenix und Prometheus.
Stefan Burger, «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II)
18:00–02:00
Die Dada-Bibliothek zeigt eine Arbeit des Künstlers Stefan Burger (*1977). Burger präsentiert zwei den Raum und bestenfalls die Gemüter erhellende Leuchtenobjekte. Die Skulpturen aus gegossenem Glas und Aluminium setzen Burgers 2020 im Cabaret Voltaire begonnene Auseinandersetzung mit Kunst als Gebrauchsgegenstand fort. Es sind hybride Anlagen oder Kippfiguren, die je nach Betrachtung zu einer unterschiedlichen Qualität oder Deutung neigen und mit Zierrat und Funktion umgehen. Die Arbeit mit flüssigem Glas involviert Farben von intensiver Leuchtkraft, die dank ihrer keramischen Natur unverwüstlich heiter weiter leuchten.
Party
Smoky Tear, Playlists and Surprises
22:00–02:00
Die Ausstellung von Ilaria Vinci «Phoenix Philosophy Café» wird begleitet von der trinkbaren Skulptur «Smoky Tear», einer eigens für die Ausstellung kuratierten Playlist sowie einer Überraschungsintervention. Die Klanginstallation «Murmur» von Sarah Burger und Felipe Ribeiro im historischen Saal wird ebenfalls mit einer Playlists musikalisch abgerundet und lädt zum Tanzen ein.
Am Freitag spielen endobliss, buffer, 400jasa, tsjmar, diejayvarni und avia ihre Sets für Radio Bollwerk im Cabaret Voltaire. Sie können kommen, wann immer Sie wollen. Die Bar ist offen.
Live-Stream unter www.radio-bollwerk.ch
Flyer von avia und diejayvarni.
«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 Jahre seit der Besetzung des Cabaret Voltaire, 24.06.–25.06.2022
Vor 20 Jahren besetzten am 2. Februar 2002 Künstler*innen und Aktivist*innen die Spiegelgasse 1 – den Ursprungsort von Dada. Die Besetzung endete am 2. April 2002 mit einer (je nach Erzählung) Räumung, welcher eine Vereinbarung zwischen der Stadt und den Besetzer*innen vorausging. Erst seit dieser Aktion wurde der Ort wieder als Kulturhaus wahrgenommen. Etwas mehr als 20 Jahres später feiern und reflektieren wir diese wichtige Initiative und haben via Rundschreiben damaligen Akteur*innen eingeladen, das Cabaret Voltaire am 24. und 25. Juni 2022 zu besuchen oder einen Beitrag zu zeigen. Im Zentrum stehen die Fragen «Wie wird Raum geschaffen und was bedeutet es, Raum zu schaffen?». Sowohl 1916, 2002 als auch 2022 galt und gilt es diese Fragen zu stellen, wenn es darum geht, herauszufinden, inwiefern Kulturschaffen ermöglicht wird und welche Voraussetzungen, Erzählweisen und Nachwirkungen mit dem künstlerischen Tun einhergehen. Wir freuen uns über das folgende Rahmenprogramm, das vielleicht durch spontane Ergänzungen erweitert wird.
Samstag, 25.06.2022
–20 Uhr: Lenin Dada und Hausbesetzer*innen (Sprach/Musik/Performance mit Knarf Rellöm und Tillamanda)
–22 Uhr: An der «Chaostage» von Ajana Dracula & friends sind alle dazu eingeladen, auf der offenen Bühne aufzutreten. Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, ein Klavier, Verstärker, Beamer sowie je max. 10 Minuten zur Verfügung. Begrüssung und Anmeldung ab 21 Uhr vor Ort oder unter ajanadracula239@gmail.com.
Open Call «Chaostage» – mach mit!
Am Samstag, 25. Juni, findet im Cabaret Voltaire die «Chaostage» von Ajana Dracula & friends statt. Wir laden dazu ein, auf der offenen Bühne aufzutreten: Reden halten, Lieder singen, Instrumente spielen, Tänze vorführen, Performances machen, rappen, Gedichte rezitieren, einen Film zeigen – alle Beiträge sind willkommen.
Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, ein Klavier, Verstärker, ein Computer, Beamer sowie je max.10 Minuten zur Verfügung.
In allen Sprachen. Verkleidung erwünscht!
Türöffnung: 21:00
Freier Eintritt.
Anmeldung an ajanadracula239@gmail.com
Wir freuen uns auf zahlreiches Erscheinen und Mitmachen!
Hinweis:
Vom 5. Juli bis 16. Juli finden die 10. Dadafestwochen in der Roten Fabrik statt.
«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 Jahre seit der Besetzung des Cabaret Voltaire, 24.06.–25.06.2022
Vor 20 Jahren besetzten am 2. Februar 2002 Künstler*innen und Aktivist*innen die Spiegelgasse 1 – den Ursprungsort von Dada. Die Besetzung endete am 2. April 2002 mit einer (je nach Erzählung) Räumung, welcher eine Vereinbarung zwischen der Stadt und den Besetzer*innen vorausging. Erst seit dieser Aktion wurde der Ort wieder als Kulturhaus wahrgenommen. Etwas mehr als 20 Jahres später feiern und reflektieren wir diese wichtige Initiative und haben via Rundschreiben damaligen Akteur*innen eingeladen, das Cabaret Voltaire am 24. und 25. Juni 2022 zu besuchen oder einen Beitrag zu zeigen. Im Zentrum stehen die Fragen «Wie wird Raum geschaffen und was bedeutet es, Raum zu schaffen?». Sowohl 1916, 2002 als auch 2022 galt und gilt es diese Fragen zu stellen, wenn es darum geht, herauszufinden, inwiefern Kulturschaffen ermöglicht wird und welche Voraussetzungen, Erzählweisen und Nachwirkungen mit dem künstlerischen Tun einhergehen. Wir freuen uns über das folgende Rahmenprogramm, das vielleicht durch spontane Ergänzungen erweitert wird.
Freitag, 24.06.2022
–ab 18 Uhr: Vernissage: «ten pet bottles hanging on the wall» von Mark Divo und Pavel Emelianov. Präsentation ausgewählter Fotografien von damals
–20 Uhr: Podcast «Dada2025»: Letzte Folge live im Cabaret Voltaire
Seit dem 2. Februar 2022 läuft zum Jubiläum eine Podcast-Reihe des «Maison du Futur». Die letzte Folge wird im Cabaret Voltaire ausgestrahlt. Anschliessender Talk mit Jean-Pierre Hoby, Mark Divo, Anja Nora Schulthess und Salome Hohl. Der Podcast heisst absichtlich «Dada2025», weil dieser Podcast sich ein langfristiges Ziel gesetzt hat – nämlich die Geschichtsschreibung des Cabaret Voltaire.
–im Anschluss: DJ Chiri Moya
Hinter Chiri Moya steckt die Künstlerin Maja Hürst, auch bekannt als Tika.
–––Podcast Folge 1: «Dada2025» von «Maison du Futur» – online! Mit Mark Divo, Big Zis, Wanda Wylowa und Jean-Pierre Hoby
Zur Erinnerung an die Besetzung des Cabaret Voltaire im Februar 2002 produziert das «Maison du Futur» einen dreiteiligen Podcast mit Zeitzeug*innen. Wanda Wylowa begrüsst in der ersten Folge im Studio den Künstler und damaligen Besetzer Mark Divo. Mark Divo wünschte sich als zusätzliche Gesprächspartnerin Franziska Schläpfer (Big Zis). In der ersten Folge erzählen Mark Divo und Big Zis über die Ereignisse der Besetzung des Wohlgroth-Areals bis hin zu diesem Februar 2002.
Sie können sich diese Folge auf SoundCloud oder Spotify anhören.
Teil 1.1: «Dada2025»: Labyrinthe der Erinnerung
Teil 1.2: «Dada2025»: Besetzungen
Jeweils ganz am Ende von Folge 1.1 und Folge 1.2 ist bereits kurz die Stimme von Jean-Pierre Hoby zu hören. Jean-Pierre Hoby war von 1983 bis 2010 Kulturdirektor der Stadt Zürich und setzte sich für den Erhalt des Cabaret Voltaire als Kulturinstitution ein. Heute ist er als Vize-Präsident im Trägerverein Cabaret Voltaire aktiv. Jean-Pierre Hobys Perspektive hören Sie im dritten Teil unseres Podcasts. Dieser wird – direkt vor Ort des behandelten Geschehens – aus dem Cabaret Voltaire ausgestrahlt. Wir freuen uns schon auf die Aufnahme-Session mit ihm.
–––Podcast Folge 2: «Dada2025: Besetzung des Cabaret Voltaire» von «Maison du Futur» – online Mit Mark Divo, Big Bis, Wanda Wylowa, Jean-Pierre Hoby und Salome Hohl
Teil 2: «Dada2025»: Besetzung des Cabaret Voltaire
Nachdem in der ersten Folge die Vorgeschichte zur Besetzung des Cabaret Voltaire erzählt wurde, unterhalten sich im zweiten Teil des «Dada2025»-Podcasts Wanda Wylowa, Mark Divo und Big Zis (Franziska Schläpfer) über die Besetzung des Cabaret Voltaire im Februar 2002. Zwischen den Aufnahmen der zweigeteilten Folge 1 und der Folge 2 ist ein Krieg in Europa ausgebrochen. Das hat Auswirkungen auf die Episode 2: Das Wort «Besetzungen» ist anders geprägt. In Folge 2 geht es – nebst diesen Erschütterungen in der Gegenwart – aber auch um die Auswirkungen Besetzung von 2002 und um die nachfolgende Institutionalisierung, die in Zürich unterschiedlich beurteilt wird. Salome Hohl, künstlerische Leiterin des Cabaret Voltaire, und Vizepräsident Jean-Pierre Hoby ergänzen punktuell das Gespräch zwischen Wanda Wylowa, Mark Divo und Big Zis.
Sie können sich diese und die anderen Folgen auf Spotify anhören.
Das Cabaret Voltaire lädt herzlich zum Filmabend mit Arbeiten von Howardena Pindell, Black Audio Film Collective, Aykan Safoğlu und Ivy Monteiro ein.
CARAH (Collective for Anti-Racist Art History) ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Rekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.
mit Alizee Lenox, Florence Peake, Eve Stainton.
Kostüme von Hugo Canoilas, Elise Lammer, Julie Monot, Mia Sanchez.
Szenografie und Dramaturgie: Cee Füllemann, Elise Lammer.
Musik: Alizee Lenox
Anlässlich des Zurich Art Weekend und ergänzend zur Zürcher Filmpremiere vom 31. Mai, performen Alpina Huus um 21:00.
Inmitten von Generations-, Klima- und Wirtschaftskrisen hinterfragt die Performance «Theodora or The Progress» des Kollektivs Alpina Huus die Sicht auf die Realität und die Legitimität des Sprechens. «Theodora or The Progress» ist ein kollektives künstlerisches Projekt, das eine Installation, Musikstücke und Performances von einer Gruppe internationaler Künstler*innen wie Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton und Niels Trannois umfasst.
Die Performance thematisiert den Begriff der Ermächtigung und erforscht das Potenzial des Unterbewussten. Aus dem Werk von Virginia Woolf, Adrian Piper und Lisa Simpson, Deleuze und Guattari, aber auch Snoop Dogg und Franz Kafka schöpfend, betont der Film die die Fähigkeit der nonverbalen Kommunikation als Mittel, Strategien gegen verschiedene Arten von Diskriminierung. In Anlehnung an den Namen der möglicherweise ersten feministischen Figur, der Kaiserin Theodora (500 n. Chr.), schildert «Theodora or The Progress» die Verwandlung der erzählenden Person und einiger seiner Kompliz*innen in ein Rudel von Hunden. «Theodora or The Progress» inszeniert eine kollektive Übernahme, die von Liebe, Verwandlung und Transzendenz spricht.
Während des Zurich Art Weekend hat das Cabaret Voltaire Sonderöffnungszeiten. Die Ausstellungen sind Freitag bis Sonntag jeweils ab 10 Uhr geöffnet.
Passend zu Vincis' Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» wird der Smoked Bubble Cocktail «Smoky Tear» serviert.
Freier Eintritt
Das Cabaret Voltaire hostet am 31. Mai die Zürcher Premiere des Films. Im Anschluss an den Film findet ein Gespräch mit Elise Lammer, Izidora L. LETHE und Salome Hohl statt. Zudem präsentiert Cee Füllemann bereits ein erstes Elemente einer szenischen Landschaft, die auch bei einer Performance des Kollektivs anlässlich des Zurich Art Weekend vom 10. bis zum 12. Juni im Cabaret Voltaire zu sehen sein wird.
Inmitten von Generations-, Klima- und Wirtschaftskrisen hinterfragt der Film «Theodora or The Progress» des Kollektivs Alpina Huus die Sicht auf die Realität und die Legitimität des Sprechens. «Theodora or The Progress» ist ein kollektives künstlerisches Projekt, das eine Installation, Musikstücke und Performances von einer Gruppe internationaler Künstler*innen wie Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton und Niels Trannois umfasst.
Der Film thematisiert den Begriff der Ermächtigung und erforscht das Potenzial des Unterbewussten. Aus dem Werk von Virginia Woolf, Adrian Piper und Lisa Simpson, Deleuze und Guattari, aber auch Snoop Dogg und Franz Kafka schöpfend, betont der Film die die Fähigkeit der nonverbalen Kommunikation als Mittel, Strategien gegen verschiedene gegen verschiedene Arten von Diskriminierung. In Anlehnung an den Namen der möglicherweise ersten feministischen Figur, der Kaiserin Theodora (500 n. Chr.), schildert «Theodora or The Progress» die Verwandlung der erzählenden Person und einiger seiner Kompliz*innen in einen Rudel Hunden. «Theodora or The Progress» inszeniert eine kollektive Übernahme, die von Liebe, Verwandlung und Transzendenz spricht.
Am 28. Mai 2022 findet im Cabaret Voltaire, die multimediale Kunst-Versteigerung KUNSTLICHT GALA zugunsten geflüchteter Menschen statt. Die Veranstaltung richtet sich klar gegen die gewaltvolle, abschottende Grenzpolitik und steht für eine breite Solidaritätsbewegung für alle Menschen auf der Flucht.
Der Gesamterlös der Versteigerung wird den Hilfsorganisationen Sans-Papiers Anlaufstelle Zürich, Brava - gemeinsam gegen Gewalt an Frauen, Sea-Watch – zivile Seenotrettung von Flüchtenden und Médecins Sans Frontières gespendet.
Die Spendengala umfasst die Versteigerung von über 25 künstlerischen Beiträgen verschiedener Zürcher und interna- tionaler Kunstschaffender – unter anderen MANON, Walter Pfeiffer, Mickry3 sowie vielen weiteren Künstler*innen – alle vereint in einer besonderen Verbindung zum Cabaret Voltaire und zur F+F Schule für Kunst und Design.
Die bedeutsame und gleichzeitig unterhaltende Veranstaltung richtet sich an ein breites Publikum möglicher Spender*innen. Umrahmt wird die Spendenaktion von vielseitigen künstlerischen Performances und Live-DJ-Musik.
Wir würden uns sehr freuen, wenn Ihr vorbeikommt und diese Aktion unterstützt!
F+F und Verein Kunstlicht: Kerstin, Karoline, Chiara, Noah, Christoph, Gökçe
Fragen zur Veranstaltung per E-Mail an Kerstin Wittenberg. Kunstlicht ist ein Verein, gegründet von Studierenden der F+F Schule für Kunst und Design.
In informeller Atmosphäre mit Barbetrieb findet ein Workshop mit ektor garcia statt. Während wir über seine Arbeiten und die Ausstellung «nudos de tiempo» im Cabaret Voltaire sprechen, gestalten wir mit dem Künstler Masken: einerseits im Hinblick auf die diesbezügliche Dada-Tradition, andererseits mit Bezug auf garcias frühe Arbeiten. Er häkelte in einem queeren Punkumfeld von San Francisco Masken.
Die Vernissage der Ausstellung «nudos de tiempo» von ektor garcia markiert die zweite Eröffnungsphase. Es wird die erste institutionelle Ausstellung des in Mexiko lebenden Künstlers in der Schweiz, kuratiert von Fabian Flückiger und Salome Hohl in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler. Die kunsthandwerklichen Objektlandschaften von ektor garcia (*1985) brechen mit Erzählformen, die bestimmte Bedeutungen suchen, ohne geschichtsvergessen zu sein. Sie sind punk und queer. Durch veränderte Konstellationenproduziert garcia immer wieder neue, bedeutungsoffene Beziehungen, welche sich dem Drang, Kategorien und Hierarchien herzustellen, widersetzen. Dennoch beruhigen die Arbeiten durch ihre Sinnlichkeit, das feinfühlige Arrangement der Objekte und die vielen inhaltlichen Fährten, die aufgenommen werden können.
Ebenfalls eingeweiht wird in dieser Etappe die Dada-Vitrine im Gewölbekeller mit Original-Dokumenten aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich.
Mit der Vernissage der Ausstellung von Ilaria Vinci in der neuen Künstler*innenkneipe und der Einweihung der Dada-Bibliothek mit Werken von Stefan Burger beginnen die Eröffnungswochen nach der Instandsetzung.
Abendprogramm 30.04.2022:
––Ab 18:00: Eröffnung der Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci und Einweihung der Dada-Bibliothek mit den Werken «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) von Stefan Burger
––20:00: Begrüssung durch Sandro Zanetti (Präsident des Vereins Cabaret Voltaire) und Salome Hohl (Direktorin Cabaret Voltaire)
––20:15: Performance «When Darkness» von Ilaria Vinci mit einem Live-Musikstück von Rafal Skoczek und Jamira Estrada, das als Soundtrack zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci erhalten bleibt, und einer Tanzperformance der Gruppe Stay Kids mit Kostümen von Ronja Varonier
––22:00–03:00: Belia Winnewisser (DJ-Set), Lateena Plummer (Performance und DJ-Set) und TVBXS (DJ-Set)
Im Eingangsbereich befindet sich neu eine Bar, die jeweils für ein Jahr von einer künstlerischen Position mit einer Ausstellung bespielt wird. Die Künstlerin Ilaria Vinci startet mit der Schau «Phoenix Philosophy Café». Mehr zur Ausstellung
Die Dada-Bibliothek ist neu im ersten Stock zu finden. Im Raum befinden sind ausserdem Arbeiten des Künstlers Stefan Burger. Mehr zur Bibliothek und Stefan Burgers Werken»
Die Performance «When Darkness», die als Teil von Ilaria Vincis Ausstellung zu verstehen ist, besteht aus einem Live-Musikstück von Rafal Skoczek und Jamira Estrada, das als Soundtrack zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci bestehen bleibt, und einer Tanzperformance der Gruppe Stay Kids (mit Ave, Sunny, Tiny, Mary, Anaïs, Arun und Milo) sowie Kostümen von Ronja Varonier.
Im Anschluss freuen wir uns auf Belia Winnewisser (DJ-Set, 22:00–23:30), Lateena Plummer (Performance und DJ-Set, 24:00–01:00) und TVBXS (DJ-Set, 01:00–02:30). Sie bespielen sowohl den Gewölbekeller als auch den Historischen Saal.
Dada-Rundgang im Zürcher Kreis 1
Zwischen 1916 und 1919 wurden in Zürich durch die Dadaist*innen Impulse gesetzt, welche die Künste weltweit nachhaltig prägen sollten. In Zürich steht mit dem Cabaret Voltaire nicht nur der Ursprungsort von Dada, im Kunsthaus Zürich befindet sich auch eine der wichtigsten Dada-Sammlungen.
Diese Führung mit der Cabaret Voltaire-Leiterin Salome Hohl und der Kunsthaus-Kuratorin Cathérine Hug verbindet die beiden Häuser und führt Sie zu weiteren Dada-Spielstätten, die das Milieu und die Orte zeigen, in denen Dada enstand und wirkte. Besammlung ist vor dem Cabaret Voltaire. Die Führung endet im Kunsthaus Zürich: im Dada-Kabinett und schliesslich beim Max Ernst-Bild in der Kunsthaus-Bar. Im Preis inbegriffen sind die kommentierte Tour und der Dada Pocket Guide.
- Treffpunkt: 18:00 vor dem Cabaret Voltaire
- Kosten: CHF 30.– / 25.– (Studierende) / 20.– (Mitglieder), inkl. Dada Pocket Guide
- Teilnehmerzahl beschränkt. Anmeldung erforderlich.
Tickets können via Ticket-Shop des Kunsthaus bezogen werden.
Der Rundgang findet auf Deutsch statt.
Cover des Pocket Guide Dada Stadt Zürich, Design: Vela Arbutina und Samuel Bànziger
Wir blicken zurück auf «Songs to the Suns» – unser Gastspiel auf dem Monte Verità und freuen uns, am 26. Oktober mit Izidora L. LETHE über die Arbeit WE ( zu sprechen und die inszenierte Video-Dokumentation der Choreographie / Intervention im Löwenbräu-Areal vorzuführen.
Auch einige der Performer*innen und Mitwirkenden der Choreographie / Intervention sind vor Ort.
Performer*innen: Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks, Claudia Barth
Sound: Yantan Ministry
Kamera: Diana Pfammatter, Antoine Felix Bürcher
Schnitt: Izidora L. LETHE
Mehr über «Songs to the Suns» und die Arbeiten von Izidora L. LETHE erfahren Sie hier.
Das Cabaret Voltaire wird derzeit renoviert. Deshalb sind wir zu Gast im Löwenbräu-Areal:
Ebene A, Zugang Limmatstrasse 270 (per Aufzug) & 268 (per Treppe)
Eintritt: kostenfrei, Anmeldung nicht nötig
Brücke: Zürich–Tbilissi, Vortrag, Talk & Filmscreening, mit den Kunsthistorikerinnen Prof. Dr. Nino Tchogoshvili und Irine Jorjadze. Eine Zusammenarbeit zwischen dem Cabaret Voltaire, der Kunsthalle Zürich und des Vereins Georgische Kulturplattform
Im Rahmen der georgischen Kulturfestivals «Brücke: Zürich–Tbilissi» laden das Cabaret Voltaire und die Kunsthalle Zürich ins Löwenbräu-Areal ein. Die Kunsthistorikerinnen Nino Tchogoshvili und Irine Jorjadze erläutern Entwicklung und Bedeutung von Modernismus, Futurismus und Dada in der georgischen Kunstszene. Anschliessend an die Vorträge und den Talk wird der Filmklassiker «Chemi bebia» (1929) gezeigt, eine Satire auf die sowjetische Bürokratie.
–Prof. Dr. Nino Tchogoshvili: Der georgische Modernismus (Vortrag)
–Irine Jorjadze: Futurismus und Dada in Georgien (Vortrag) und Vorstellung des Buches «H2SO4. Futurismus und Dada in Tiflis»
–Anschliessend Gespräch mit den beiden Vortragenden und Filmvorführung «Meine Grossmutter» (Chemi bebia, 1929) des Regisseurs Kote Mikaberidze.
Mehr zum georgischen Kulturfestival:
Das interdisziplinäre georgische Kulturfestival «Brücke: Zürich–Tbilissi» hat zum Ziel, die aktuelle Kunst- und Kulturszene von Georgien zu präsentieren, den kulturellen Dialog zwischen beiden Ländern zu vertiefen und ein Netzwerk der Zusammenarbeit zu schaffen. Gründerin und Leiterin des Festivals ist die Vereinspräsidentin Elene Chechelashvili, die das Programm in Zusammenarbeit mit den Zürcher Kulturinstitutionen Filmpodium, Literaturhaus Zürich, Cabaret Voltaire, ZAZ Zentrum Architektur Zürich und Kunstraum Walcheturm für Herbst 2021 plant. Die Partnerorganisationen der georgischen Seite sind das Nationale Filmzentrum, das Schriftstellerhaus von Georgien und die georgische Botschaft in Bern.
Künftig soll ein spiegelverkehrtes Programm «Brücke: Tbilissi–Zürich» organisiert und die schweizerische Kunst- und Kulturszene nach Georgien gebracht werden.
Anmeldung (nicht notwendig) unter info@cabaretvoltaire.ch.
Ort: Ebene A, Löwenbräukunst, Zugang Limmatstrasse 270 (per Aufzug) & 268 (per Treppe)
Eintritt: kostenfrei
«Salon der Republik» – Wie viel Patriarchat steckt in der Literatur?
Die Autorinnen Nicole Seifert und Ivna Zic sind zu Gast beim nächsten – und vorerst letzten – Literatur-Salon am 28. September in Zürich.
Nicole Seifert hatte irgendwann genug. Weil der Literaturbetrieb noch immer ausgesprochen männerlastig ist, hat sie vor gut drei Jahren beschlossen, fürs Erste nur noch Bücher von Autorinnen zu lesen. Auf ihrem Blog und in deutschsprachigen Medien schrieb sie über ihre Lektüren und über Misogynie in der Literaturszene – und hat nun all die Debatten zum Thema in einem soeben erschienenen Sachbuch gebündelt:
Nicole Seifert: FRAUEN LITERATUR. Abgewertet, vergessen, wiederentdeckt. Kiepenheuer & Witsch, Köln 2021. 224 Seiten, ca. 26 Franken
Dieses Buch wird im kommenden «Salon der Republik» diskutiert – gemeinsam mit der Autorin sowie mit der Schriftstellerin und Regisseurin Ivna Žic, die mit ihrem Debütroman Die Nachkommende 2019 sowohl für den Schweizer wie auch für den Österreichischen Buchpreis nominiert war. Beide Gäste diskutieren mit dem Salon-Team (Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger, Daniel Graf) über Nicole Seiferts Buch und werfen auch einen Blick auf die literatursoziologische Studie Schreiben der Basler Wissenschaftlerin Carolin Amlinger.
Achtung: Weil das Cabaret Voltaire renoviert wird, gastieren das Cabaret Voltaire mit dem «Salon der Republik» im Zürcher Literaturhaus, und zwar am Dienstag, 28. September, um 19:30.
Der Eintrittspreis beträgt 14 CHF, für Republik-Abonnentinnen und Mitglieder des Cabaret Voltaire 8 CHF. Tickets können Sie direkt über die Website des Literaturhauses beziehen.
Bitte beachten Sie das aktuelle Schutzkonzept des Literaturhauses Zürich.
Wichtig: Die Veranstaltung wird dieses Mal nicht wie bisher als Podcast nachzuhören sein. Überhaupt wird sich beim «Salon der Republik» einiges ändern. Die Veranstaltung im September wird die letzte sein in dieser Form, danach pausieren wir – und konzipieren neu.
Der dritte Akt der Ausstellungsreihe «Cracking Up and Staging Down» ist von 20.04–30.04.2021 zu sehen. Öffnungszeiten: Dienstag, 14:00–21:00 (Eröffnung); Mittwoch–Samstag: 14:00–18:00; Sonntag und Montag: auf Anfrage.
Die ursprünglich als Soireen geplante Ausstellungsreihe «Cracking Up and Staging Down» versteht sich als Möglichkeit, Funktionsweisen von Humor und seiner Inszenierungen zu erarbeiten. Während vier Wochen wird im Cabaret Voltaire untersucht, inwiefern das grenzüberschreitende, soziale und kritische Potential des Lachens und der Comedys (noch) funktioniert. Jeden Dienstag für eine Woche bespielen Akteur*innen aus unterschiedlichen Künsten den historischen Saal mit Requisiten, Spuren, Werken, ihren Erkenntnissen und Dokumentationen.
Hosts und Mimen, Trickster und Geister wurden eingeladen und sollten zwischen kollektiven und individuellen Körpern wandern. «Initiiert war eine schöne Performance in einem physischen Raum mit Kleidung, die von Körpern bewohnt wurde, offensichtlich. Leider sollte sie nicht stattfinden, vielleicht». Stattdessen beharren Hüllen auf Potenzialität. Auch die dritte Soiree von «Cracking Up and Staging Down» ist eine Ausstellung geworden, mit «Didi da da da», «current parroting» und «ein weiblicher Humorist namens Kobold». Karolin Braegger, Johan Ahlkvist, Hedda Bauer und Anastasia McCammon nutzen das Nachplappern und Imitieren als Alltagskomik, um sich den Menschen zu nähern und körperbestimmende Mechanismen offenzulegen. Wiederholung und Aneignung schaffen immer eine Distanz zum ursprünglichen Gebrauch und verschieben die Bedeutung.
Johan Ahlkvist und Hedda Bauer zeigen Kostüme, die das Grundlegendste des Cabaret Voltaire darstellen, oft als zufällig oder gegeben wahrgenommen, manchmal übersehen, und die im Juni von Körpern als queeres Powerplay Dynamic Resistance aktiviert werden. Karolin Braegger denkt vom Begriff der Aneignung, übergehend in das Werden. «Ah, sie müssen hierher kommen», sagt sie als Gastgeberin und Teilnehmerin, lädt Bauer und Ahlkvist ein und zeigt «Didi da da da», eine Serie neuer Arbeiten, alle aus Toile, einem Stoff, der meist zur Anprobe (Kleidung) oder als möglicher Hintergrund (Malerei) verwendet wird und auf etwas hinweist, das noch werden wird. Anastasia McCammon muss sich die Person, die sie anspricht, erst vorstellen. Die Künstlerin zeigt Spuren und Briefe aus ihrer Kommunikation mit Emmy Hennings, Mitbegründerin des Cabaret Voltaire, die einst als «weiblicher Humorist namens Kobold» angestellt war.
Die Reihe «Cracking Up and Staging Down» wird mit Martina Mächler und Anastasia McCammon organisiert.
Johan Ahlkvist, Hedda Bauer und Karolin Braegger
The complete poem, manifested, 2021
The complete poem, manifested:
Current parroting is an exhibition darling. Live, a little.
The tricksters were supposed to be here, dealing with the neverending rearrangements of __serious__ non-performed initiations.
Where are they darling?
puh..
Left a mark and boarded flights.
Birds in the back.
(Birds in the back.)
Over-rehearsing until the nasty habit of repetition becomes an exhibition.
re-re
aww
In the midst of the __elitist intimacy__, this actually totally made sense.
What are you talk talking about?
___________
or maybe at least or at least maybe, for them -
but we can't entirely figure
mrr
brrr
Initiated was a nice performance in a physical space with clothes inhabited by bodies obviously. Unfortunately, it was not supposed to happen maybe.
The extended version made it almost accessible possible
Ausstellungsansicht «current parroting, Didi da da da und 'ein weiblicher Humorist genannt Kobold'», Karolin Braegger, Didi da da da, Werkreihe aus Toile (drei Zigarettenschachteln), 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Der zweite Akt ist vom 13.04.–17.04.2021 zu sehen. Öffnungszeiten: Dienstag, 14:00–21:00 (Eröffnung); Mittwoch–Samstag: 14:00–18:00; Sonntag und Montag: auf Anfrage.
Die ursprünglich als Soireen geplante Ausstellungsreihe «Cracking Up and Staging Down» versteht sich als Möglichkeit, Funktionsweisen von Humor und seiner Inszenierungen zu erarbeiten. Während vier Wochen wird im Cabaret Voltaire untersucht, inwiefern das grenzüberschreitende, soziale und kritische Potential des Lachens und der Comedys (noch) funktioniert. Jeden Dienstag für eine Woche bespielen Akteur*innen aus unterschiedlichen Künsten den historischen Saal mit Requisiten, Spuren, Werken, ihren Erkenntnissen und Dokumentationen.
In zweiten Akt «Slapstick and Laughters» der Reihe «Cracking Up and Staging Down» widmen sich Dimitris Chimonas und Shinichi Iova-Koga Kippformen und Displays menschlicher Emotionen jenseits des Verbalen. «Slapstick» verweist auch auf seine filmischen Ursprünge im Stummfilm und den Humor als Mittel zur Darstellung von Schmerz und Verletzlichkeit.
Der Tänzer Shinichi Iova-Koga erforscht im Cabaret Voltaire unter dem Titel Collapsible Voltaire den Slapstick-Humor, die körperbasierte, meist wortlose und in Iova-Kogas Fall taktile Form der Komödie. Er interagiert mit dem Raum, den Oberflächen und dem Mobiliar, um – teilweise schnell, manchmal in Zeitlupe – einen Körper darzustellen, der versucht, Stabilität in einer zusammenbrechenden Struktur zu finden.
Dimitris Chimonas' zwei Filme handeln von der Lächerlichkeit der menschlichen Performativität von Emotionen. In den Nuancen aktueller Situationen geht das Weinen oft in ein Lachen über. Im Film Globus Sensation beschäftigt sich der Künstler mit der Funktion des Klosses im Hals; eine Empfindung, die wir spüren, wenn wir weinen müssen, die wir aber nicht vortäuschen können. Ausgangspunkt für seinen zweiten Film ist die Aussage «Alles ist eine Lüge». Chimonas entlarvt diesen Satz paradoxerweise als Lüge, in einer Zeremonie, in der Taschentücher feiern, lachen und weinen über ihre Fähigkeit, auseinandergerissen zu werden und durch Zaubertricks wieder als Ganzes zu erscheinen.
Die Dokumentation zu Iova-Kogas Intervention im historischen Saal heisst Collapsible Voltaire und ist neben Dimitris Chimonas Filmen Globus Sensation und Everything Is a Lie, Is a Lie! bis Samstag, 17.04.2021, im Cabaret Voltaire zu sehen.
Die Reihe «Cracking Up and Staging Down» wird mit Martina Mächler und Anastasia McCammon organisiert.
Ausstellungsansicht, Dimitris Chimonas, Everything Is a Lie, Is a Lie!, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Den Link zum einmaligen Streaming finden Sie am 12. April, verfügbar von 19:00 bis 22:00, hier.
Am 23.03.2021 und 24.03.2021 fand die persönliche und berührende Lesung Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn von Armen Avanessian statt. Die Aufnahme aus dem Cabaret Voltaire wird in Zusammenarbeit mit der Volksbühne Berlin am 12.04.21 (Teil 1) sowie am 15.04.21 (Teil 2) jeweils ab 19:00 gestreamt.
Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn wurde im ersten Lebensjahr seines Sohnes geschrieben und wird als Buch vielleicht 2035 erscheinen.
Der Philosoph schildert darin ihren gemeinsamen Alltag, ihre geteilte Gegenwart und adressiert dabei einen Leser in der Zukunft, der einmal zwanzig, einmal vierzig, und am Ende des Jahrhunderts achtzig Jahre alt sein wird. Aus stets konkreten Erfahrungen und Alltagsbeschreibungen entwickeln sich Überlegungen zu allgemeinen ethischen, sozialen und philosophischen Fragen.
Was ist ein Anfang, Geburt und Beginnen, und warum konnte die männlich dominierte Philosophie diese nur unzureichend fassen? Was sind die Verengungen der klassischen Liebeskonzeptionen, und inwiefern weist Intimität uns einen anderen Weg? Was bedeutet es heute Vater zu sein, eine Familie zu haben und ein Erbe weiterzugeben oder anzutreten (oder umgekehrt auszuschlagen, zurückzuschlagen und mit seiner Familie abzurechnen)? Und inwiefern müssen wir nicht zuletzt auch Tod-und-Sterben-lernen – als vielleicht die klassischen Topoi philosophischer Selbstreflexion – nicht nur mit Blick auf nachfolgende Generationen, sondern aus deren zukünftiger Bedrohung der gesamten Gattung neu denken? Schon heute ist Geteilte Zeit eine Flaschenpost aus einer bereits vergangenen Gegenwart.
«Was ich dir schreibe, das von mir Geschriebene, will dich umarmen, will deine Zeit und meine Zeit zusammen fassen. Denn das Schreiben kommt immer zu spät, hinkt hinterher, aber dann, zugleich, schreibe ich das alles für dich, meinen zukünftigen Leser, viel zu früh. Deshalb habe ich versucht, dir entgegenzukommen.
Ich habe dir geschrieben, um mich an die Zukunft zu erinnern.
Ich habe dir geschrieben, um dich auf die Vergangenheit vorzubereiten.
Ich habe dir geschrieben, weil du sie schon für mich verändert hast.
Ich habe dir geschrieben, damit du das noch einmal lesen kannst.
Ich habe dir geschrieben, weil ich gar nicht anders konnte.
Aus unserer geteilten Zeit habe ich dir geschrieben.
Und wer hätte gedacht, dass es Wünsche und Träume gibt, die in Erfüllung gehen.»
Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Den Link zum heutigen einmaligen Streaming finden Sie am 12. April, 19:00, hier.
Am 23.03.2021 und 24.03.2021 fand die persönliche und berührende Lesung Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn von Armen Avanessian statt. Die Aufnahme aus dem Cabaret Voltaire wird in Zusammenarbeit mit der Volksbühne Berlin am 12.04.21 (Teil 1) sowie am 15.04.21 (Teil 2) jeweils ab 19:00 einmal gestreamt.
Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn wurde im ersten Lebensjahr seines Sohnes geschrieben und wird als Buch vielleicht 2035 erscheinen.
Der Philosoph schildert darin ihren gemeinsamen Alltag, ihre geteilte Gegenwart und adressiert dabei einen Leser in der Zukunft, der einmal zwanzig, einmal vierzig, und am Ende des Jahrhunderts achtzig Jahre alt sein wird. Aus stets konkreten Erfahrungen und Alltagsbeschreibungen entwickeln sich Überlegungen zu allgemeinen ethischen, sozialen und philosophischen Fragen.
Was ist ein Anfang, Geburt und Beginnen, und warum konnte die männlich dominierte Philosophie diese nur unzureichend fassen? Was sind die Verengungen der klassischen Liebeskonzeptionen, und inwiefern weist Intimität uns einen anderen Weg? Was bedeutet es heute Vater zu sein, eine Familie zu haben und ein Erbe weiterzugeben oder anzutreten (oder umgekehrt auszuschlagen, zurückzuschlagen und mit seiner Familie abzurechnen)? Und inwiefern müssen wir nicht zuletzt auch Tod-und-Sterben-lernen – als vielleicht die klassischen Topoi philosophischer Selbstreflexion – nicht nur mit Blick auf nachfolgende Generationen, sondern aus deren zukünftiger Bedrohung der gesamten Gattung neu denken? Schon heute ist Geteilte Zeit eine Flaschenpost aus einer bereits vergangenen Gegenwart.
«Was ich dir schreibe, das von mir Geschriebene, will dich umarmen, will deine Zeit und meine Zeit zusammen fassen. Denn das Schreiben kommt immer zu spät, hinkt hinterher, aber dann, zugleich, schreibe ich das alles für dich, meinen zukünftigen Leser, viel zu früh. Deshalb habe ich versucht, dir entgegenzukommen.
Ich habe dir geschrieben, um mich an die Zukunft zu erinnern.
Ich habe dir geschrieben, um dich auf die Vergangenheit vorzubereiten.
Ich habe dir geschrieben, weil du sie schon für mich verändert hast.
Ich habe dir geschrieben, damit du das noch einmal lesen kannst.
Ich habe dir geschrieben, weil ich gar nicht anders konnte.
Aus unserer geteilten Zeit habe ich dir geschrieben.
Und wer hätte gedacht, dass es Wünsche und Träume gibt, die in Erfüllung gehen.»
Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Der erste Akt ist eine Woche zu sehen. Öffnungszeiten: Dienstag, 14:00–21:00 (Eröffnung); Mittwoch–Samstag, 14:00–18:00; Sonntag / Montag, auf Anfrage.
Die ursprünglich als Soireen geplante Ausstellungsreihe «Cracking Up and Staging Down» versteht sich als Möglichkeit, Funktionsweisen von Humor und seiner Inszenierungen zu erarbeiten. Während vier Wochen wird im Cabaret Voltaire untersucht, inwiefern das grenzüberschreitende, soziale und kritische Potential des Lachens und der Comedys (noch) funktioniert. Jeden Dienstag für eine Woche bespielen Akteur*innen aus unterschiedlichen Künsten den historischen Saal mit Requisiten, Spuren, Werken, ihren Erkenntnissen und Dokumentationen.
Im ersten Akt Tickle and Tackle Stand Up blicken Kasia Fudakowski und Francesca Hawker hinter die Bühne und exponieren Rituale und Regeln. Fudakowski fokussiert den «Joke Gap» anhand des Lebens und der Rollen der Komikerin und Schauspielerin Elisabeth Wellano alias Liesl Karlstadt (1892–1960). «Ein Witz kann als entbehrliches soziales Kapital gesehen werden. Historisch gesehen musste sich eine Frau erst als seriös etablieren, bevor sie in einen Witz investieren konnte.» Im Cabaret Voltaire zeigt Fudakowski Recherchematerial und Requisiten, die im Juni als Performance aktiviert werden.
Francesca Hawkers Wunsch, «das ungeliebte Gesicht zu erfreuen» (Anne Boyer), wird durch die leere Bar, die sie erwartet, konterkariert. Ihre Aufmerksamkeit richtet sie deshalb auf das Herstellen und Zerbrechen von alternativen Genussmitteln. Hawker zeigt ihren Spaghetti Film, Bar-Skulpturen im Raum und ein Gedichte-Menü, das sie am Dienstag zwischen 14:00 und 21:00 vor Ort aktiviert.
Die Reihe «Cracking Up and Staging Down» wird mit Martina Mächler und Anastasia McCammon organisiert.
Kollektives Online-Lesen mit dem «Slow Reading Club»
Sie können Sich für die folgenden Daten und Zeiten hier anmelden. Preis: Pay what you want.
04. März: 19:00, 20:00, 21:30
11. März: 19:00, 20:00, 21:30
18. März: 19:00, 20:00, 21:30
25. März: 19:00, 20:00, 21:30
Nach der Anmeldung erhalten Sie einen Zoom-Link per Mail. Anzahl Teilnehmer*innen: 8 Tickets pro Session. 6 Tickets am 25. März um 21.30 Uhr.
Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine semi-fiktionale Lesegruppe, die 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen initiiert wurde. Sie beschäftigen sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen.SRC versucht, den Raum der Übertragung zwischen Text und Lesenden, Lesenden und Lesenden, Text und Text zu besetzen und zu erotisieren; er tut dies, um im instabilen Raum des Lesens selbst zu verweilen, um das zu intensivieren, was Spivak «die mögliche Bedrohung eines Raums außerhalb der Sprache» nennt, der sich beim Lesen und in der Liebe eröffnet.
In Future Perfect Continuous Tense werden Strategien aus ihrer Praxis in den digitalen Raum übersetzt und Zoom als Raum für das gemeinsame Lesen und intime Zusammenkommen genutzt. Jeder Abend wird als Probe oder Experiment zum digitalen, kollektiven Lesens inszeniert. Dabei werden Texte verwendet, die die Zeitform aufbrechen, um Körper, Geräte und Räume, die das Lesen umkreisen, neu zu gestalten.
Jede Sitzung ist unabhängig von den anderen. Die Teilnehmer*innen können an einer oder mehreren teilnehmen. Diejenigen Teilnehmenden, die sich am Sonntag vor jeder Sitzung anmelden, erhalten per Post ein Geschenk, das die Lesung begleitet.
Eine Kooperation zwischen dem Cabaret Voltaire (Salome Hohl und Adam Jasper) und dem Theater Neumarkt
Bild: Slow Reading Club (Henry Andersen und Bryana Fritz)
Teil 1 findet am 23.03.2021 von 18:00–22:00 statt. Teil 2 findet am 24.03.2021 von 18:00–22:00 statt.
Armen Avanessian liest an zwei Abenden sein jüngstes Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn. Geschrieben im ersten Lebensjahr seines Sohnes, wird das Buch vielleicht 2035 erscheinen.
Der Philosoph schildert darin ihren gemeinsamen Alltag, ihre geteilte Gegenwart und adressiert dabei einen Leser in der Zukunft, der einmal zwanzig, einmal vierzig, und am Ende des Jahrhunderts achtzig Jahre alt sein wird. Aus stets konkreten Erfahrungen und Alltagsbeschreibungen entwickeln sich Überlegungen zu allgemeinen ethischen, sozialen und philosophischen Fragen.
Was ist ein Anfang, Geburt und Beginnen, und warum konnte die männlich dominierte Philosophie diese nur unzureichend fassen? Was sind die Verengungen der klassischen Liebeskonzeptionen, und inwiefern weist Intimität uns einen anderen Weg? Was bedeutet es heute Vater zu sein, eine Familie zu haben und ein Erbe weiterzugeben oder anzutreten (oder umgekehrt auszuschlagen, zurückzuschlagen und mit seiner Familie abzurechnen)? Und inwiefern müssen wir nicht zuletzt auch Tod-und-Sterben-lernen – als vielleicht die klassischen Topoi philosophischer Selbstreflexion – nicht nur mit Blick auf nachfolgende Generationen, sondern aus deren zukünftiger Bedrohung der gesamten Gattung neu denken? Schon heute ist Geteilte Zeit eine Flaschenpost aus einer bereits vergangenen Gegenwart.
«Was ich dir schreibe, das von mir Geschriebene, will dich umarmen, will deine Zeit und meine Zeit zusammen fassen. Denn das Schreiben kommt immer zu spät, hinkt hinterher, aber dann, zugleich, schreibe ich das alles für dich, meinen zukünftigen Leser, viel zu früh. Deshalb habe ich versucht, dir entgegenzukommen.
Ich habe dir geschrieben, um mich an die Zukunft zu erinnern.
Ich habe dir geschrieben, um dich auf die Vergangenheit vorzubereiten.
Ich habe dir geschrieben, weil du sie schon für mich verändert hast.
Ich habe dir geschrieben, damit du das noch einmal lesen kannst.
Ich habe dir geschrieben, weil ich gar nicht anders konnte.
Aus unserer geteilten Zeit habe ich dir geschrieben.
Und wer hätte gedacht, dass es Wünsche und Träume gibt, die in Erfüllung gehen.»
Spazieren Sie zwischen 18:00 und 22:00 am Cabaret Voltaire vorbei. Die Lesung wird auf die Spiegelgasse und Münstergasse übertragen. Zudem erhalten sie eine Seite eines Buches, das vielleicht in der fernen Zukunft erscheinen wird – so aber verteilt in Zürich existiert.
Keine Anmeldung erforderlich.
Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Teil 1 findet am 23.03.2021, um 18:00–22:00 statt. Teil 2 findet am 24.03.2021, um 18:00–22:00 statt.
Armen Avanessian liest an zwei Abenden sein jüngstes Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn. Geschrieben im ersten Lebensjahr seines Sohnes, wird das Buch vielleicht 2035 erscheinen.
Der Philosoph schildert darin ihren gemeinsamen Alltag, ihre geteilte Gegenwart und adressiert dabei einen Leser in der Zukunft, der einmal zwanzig, einmal vierzig, und am Ende des Jahrhunderts achtzig Jahre alt sein wird. Aus stets konkreten Erfahrungen und Alltagsbeschreibungen entwickeln sich Überlegungen zu allgemeinen ethischen, sozialen und philosophischen Fragen.
Was ist ein Anfang, Geburt und Beginnen, und warum konnte die männlich dominierte Philosophie diese nur unzureichend fassen? Was sind die Verengungen der klassischen Liebeskonzeptionen, und inwiefern weist Intimität uns einen anderen Weg? Was bedeutet es heute Vater zu sein, eine Familie zu haben und ein Erbe weiterzugeben oder anzutreten (oder umgekehrt auszuschlagen, zurückzuschlagen und mit seiner Familie abzurechnen)? Und inwiefern müssen wir nicht zuletzt auch Tod-und-Sterben-lernen – als vielleicht die klassischen Topoi philosophischer Selbstreflexion – nicht nur mit Blick auf nachfolgende Generationen, sondern aus deren zukünftiger Bedrohung der gesamten Gattung neu denken? Schon heute ist Geteilte Zeit eine Flaschenpost aus einer bereits vergangenen Gegenwart.
«Was ich dir schreibe, das von mir Geschriebene, will dich umarmen, will deine Zeit und meine Zeit zusammen fassen. Denn das Schreiben kommt immer zu spät, hinkt hinterher, aber dann, zugleich, schreibe ich das alles für dich, meinen zukünftigen Leser, viel zu früh. Deshalb habe ich versucht, dir entgegenzukommen.
Ich habe dir geschrieben, um mich an die Zukunft zu erinnern.
Ich habe dir geschrieben, um dich auf die Vergangenheit vorzubereiten.
Ich habe dir geschrieben, weil du sie schon für mich verändert hast.
Ich habe dir geschrieben, damit du das noch einmal lesen kannst.
Ich habe dir geschrieben, weil ich gar nicht anders konnte.
Aus unserer geteilten Zeit habe ich dir geschrieben.
Und wer hätte gedacht, dass es Wünsche und Träume gibt, die in Erfüllung gehen.»
Spazieren Sie zwischen 18:00 und 22:00 am Cabaret Voltaire vorbei. Die Lesung wird auf die Spiegelgasse und Münstergasse übertragen. Zudem erhalten sie eine Seite eines Buches, das vielleicht in der fernen Zukunft erscheinen wird – so aber verteilt in Zürich existiert.
Keine Anmeldung erforderlich.
Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Samuel Haitz mit Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge und Moritz Müller (DJ-Set)
Soirée 2 (After) fand am 09.03.2021 statt, Soirée 1 (Before) fand am 02.03.2021 statt. Beide Soireen können Sie hier nachhören (via radio-bollwerk.ch). Die parallellaufende Ausstellung «Memorabilia» läuft vom 02.03.2021 bis zum 27.03.2021.
«When I look back on my life it’s not that I don’t want to see things exactly as they happened, it’s just that I prefer to remember them in an artistic way. And truthfully the lie of it all is much more honest because I invented it. Clinical psychology tells us arguably that trauma is the ultimate killer. Memories are not recycled like atoms and particles in quantum physics. They can be lost forever. It’s sort of like my past is an unfinished painting and as the artist of that painting I must fill in all the ugly holes, and make it beautiful again. It’s not that I have been dishonest; it’s just that I loathe reality.»
– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – Erster Teil, Marry the Night
Samuel Haitz (*1997) lädt zu zwei aufeinanderfolgenden Soireen und zur parallellaufenden Ausstellung «Memorabilia» ins Cabaret Voltaire ein. Haitz zog erst kürzlich von Zürich nach Berlin. Ein Anlass, gelagerte Andenken in die Hand zu nehmen, Erinnerungen zu ordnen, zu bewahren und zu verklären. Im Cabaret Voltaire versammelt er eigene Arbeiten, Werke von Freund*innen und Idolen sowie weitere Objekte, die Codes des Begehrens und der Zugehörigkeit widerspiegeln. Für die Soireen lädt er seine künstlerischen Weggefährt*innen Milena Langer, Stella und Ian Wooldridge zum gemeinschaftlichen Lesen von Texten ein. Zum Abschluss interpretiert der befreundete DJ Moritz Müller die Veranstaltungen musikalisch. Soirée 1 (Before) widmet sich der Hoffnung und der romantischen Utopie; Soirée 2 (After) fokussiert die nostalgische Reflexion von Vergangenem. Die Veranstaltungen werden in Zusammenarbeit mit dem Berner Radio Bollwerk online übertragen. In dieser stillstehenden, kontaktarmen Zeit entsteht so ein Raum, um darüber nachzudenken, welche persönliche und gemeinsame Gedächtniskultur den Werdegang prägen soll.
Von links nach rechts im Cabaret Voltaire: Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Moritz Müller und Ian Wooldridge. Photo: Philipp Hänger
Samuel Haitz mit Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge und Moritz Müller (DJ-Set)
Soirée 1 (Before) fand am 02.03.2021 statt, Soirée 2 (After) fand am 09.03.2021 statt. Beide Soireen können Sie hier nachhören (via radio-bollwerk.ch). Die parallellaufende Ausstellung «Memorabilia» läuft vom 02.03.2021 bis zum 27.03.2021.
«When I look back on my life it’s not that I don’t want to see things exactly as they happened, it’s just that I prefer to remember them in an artistic way. And truthfully the lie of it all is much more honest because I invented it. Clinical psychology tells us arguably that trauma is the ultimate killer. Memories are not recycled like atoms and particles in quantum physics. They can be lost forever. It’s sort of like my past is an unfinished painting and as the artist of that painting I must fill in all the ugly holes, and make it beautiful again. It’s not that I have been dishonest; it’s just that I loathe reality.»
– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – Erster Teil, Marry the Night
Samuel Haitz (*1997) lädt zu zwei aufeinanderfolgenden Soireen und zur parallellaufenden Ausstellung «Memorabilia» ins Cabaret Voltaire ein. Haitz zog erst kürzlich von Zürich nach Berlin. Ein Anlass, gelagerte Andenken in die Hand zu nehmen, Erinnerungen zu ordnen, zu bewahren und zu verklären. Im Cabaret Voltaire versammelt er eigene Arbeiten, Werke von Freund*innen und Idolen sowie weitere Objekte, die Codes des Begehrens und der Zugehörigkeit widerspiegeln. Für die Soireen lädt er seine künstlerischen Weggefährt*innen Milena Langer, Stella und Ian Wooldridge zum gemeinschaftlichen Lesen von Texten ein. Zum Abschluss interpretiert der befreundete DJ Moritz Müller die Veranstaltungen musikalisch. Soirée 1
(Before) widmet sich der Hoffnung und der romantischen Utopie; Soirée 2 (After)
fokussiert die nostalgische Reflexion von Vergangenem. Die Veranstaltungen werden in Zusammenarbeit mit dem Berner Radio Bollwerk online übertragen. In dieser stillstehenden, kontaktarmen Zeit entsteht so ein Raum, um darüber nachzudenken, welche persönliche und gemeinsame Gedächtniskultur den Werdegang prägen soll.
Von links nach rechts im Cabaret Voltaire: Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Moritz Müller und Ian Wooldridge, Photo: Philipp Hänger
Kollektives Online-Lesen mit dem «Slow Reading Club»
Dieser Event am 25. Februar ist eine kostenlose Kennenlernsession und dauert ca. 15 Minuten.
Hier finden Sie den Zoom-Link.
Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine semi-fiktionale Lesegruppe, die 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen initiiert wurde. Sie beschäftigen sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen. SRC versucht, den Raum der Übertragung zwischen Text und Lesenden, Lesenden und Lesenden, Text und Text zu besetzen und zu erotisieren; er tut dies, um im instabilen Raum des Lesens selbst zu verweilen, um das zu intensivieren, was Spivak «die mögliche Bedrohung eines Raums außerhalb der Sprache» nennt, der sich beim Lesen und in der Liebe eröffnet.
In Future Perfect Continuous Tense werden Strategien aus ihrer Praxis in den digitalen Raum übersetzt und Zoom als Raum für das gemeinsame Lesen und intime Zusammenkommen genutzt. Jeder Abend wird als Probe oder Experiment zum digitalen, kollektiven Lesens inszeniert. Dabei werden Texte verwendet, die die Zeitform aufbrechen, um Körper, Geräte und Räume, die das Lesen umkreisen, neu zu gestalten.
Jede Sitzung ist unabhängig von den anderen. Die Teilnehmer*innen können an einer oder mehreren teilnehmen. Diejenigen Teilnehmenden, die sich am Sonntag vor jeder Sitzung anmelden, erhalten per Post ein Geschenk, das die Lesung begleitet.
Eine Kooperation zwischen dem Cabaret Voltaire (Salome Hohl und Adam Jasper) und dem Theater Neumarkt
Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine halbfiktionale Lesegruppe, die Ende 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen ins Leben gerufen wurde. Die Gruppe beschäftigt sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen. Der SRC betrachtet, erforscht und unterbricht die «Leserschaft» als eine Möglichkeit, die Kontaktzonen zwischen Leser*in und Text, Text und Text, Leser*in und Leser*in zu stimulieren. Organisiert mit Adam Jasper und Jan Steinbach.
Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
Slow Reading Club am Bâtard Festival 2017, Credit: Cillian O’Neill
Slow Reading Club im Louise Dany, 2019, Credit: Ignas Krunglevičius
Hier können Sie den «Salon der Republik» vom 24. November nachhören.
Noble Preise
Beim nächsten «Salon der Republik» am 24. November im Cabaret Voltaire geht es um die Gedichte von Nobelpreisträgerin Louise Glück. Und um den Gewinnertext des Schweizer Buchpreises.
Als am 8. Oktober die Entscheidung zum Literaturnobelpreis 2020 verkündet wurde und die Wahl auf Louise Glück fiel, war die Verwunderung im Literaturbetrieb und in den Feuilletonredaktionen hierzulande riesig. Bei all den Spekulationen im Vorfeld hatte der Name Louise Glück keine Rolle gespielt, ja, den Allerwenigsten war ihr Name zu diesem Zeitpunkt überhaupt bekannt. Das sagt allerdings wenig über Louise Glück aus und viel über hiesige Rezeptionslücken. In den USA hat Louise Glück in den letzten Jahrzehnten so ziemlich alles an Ehrungen und Preisen gewonnen, was man als Autorin gewinnen kann, vom Pulitzerpreis bis zum National Book Award. Auf Deutsch sind von ihren insgesamt zwölf Gedichtbänden zwar immerhin zwei ihrer meistgelobten erschienen: Averno (2007) und Wilde Iris (2008), jeweils übersetzt von Ulrike Draesner. Beide Bücher waren allerdings seit längerem vergriffen – und sollen ab Mitte November wieder lieferbar sein.
Zu Gast ist an diesem Abend die Autorin und Kolumnistin Nina Kunz. Sie diskutiert mit Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger und Daniel Graf über die Lyrik von Louise Glück – und über den Siegertext des Schweizer Buchpreises 2020.
Verliehen wurde der Schweizer Buchpreis am 8. November. Er ging an Anna Stern für den Roman das alles hier, jetzt (Elster & Salis). Die weiteren Nominierten waren:
Dorothee Elmiger für Aus der Zuckerfabrik (Hanser), Tom Kummer für Von schlechten Eltern (Klett-Cotta), Charles Lewinsky für Der Halbbart (Diogenes) und Karl Rühmann für Der Held (Rüffer & Rub).
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse. Es besteht Maskenpflicht.
Contagion (Steven Soderbergh, 2011) gilt vielen als prophetischer Film für die Ereignisse rund um Corona in diesem Jahr. Spätestens mit der zweiten Welle der Pandemie sehen wir aber auch, was sich in der Dekade seit Entstehen des Films verändert und verschoben hat, in unserem biologischen und virologischen Wissen, auf (sozial)medialer Ebene, und vor allem in den geopolitischen Verhältnissen. Vor weniger als einer Dekade entstanden, zeigt der Film noch eine intakte Globalisierung, inklusive unangefochtener internationaler Organisationen.Gezeigt werden Ausschnitte aus dem Film, und nach einem kurzen Impuls diskutiert Armen Avanessian mit Elisabeth Bronfen. Im September 2020 erschien ihre Publikation Angesteckt. Zeitgemässes über Pandemie und Kultur im Echtzeit-Verlag. Die Kultur- und Literaturwissenschaftlerin ist Professorin für Anglistik an der Universität Zürich und Global Distinguished Professor an der New York University.
«Cabaret Avanessian» ist eine Reihe mit dem Philosophen und Kulturtheoretiker Armen Avanessian im Cabaret Voltaire. Derzeit bekleidet er unter anderem eine Gastprofessur für Philosophie an der HFBK Hamburg.
Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
Filmstill, Steven Soderbergh, Contagion, 2011
Wegen Quarantäneregelung verschoben auf 2021
Kasia Fudakowski und Francesca Hawker. Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
Achtung: Die Soiree wird auf den 17. November 2020 verschoben.
17.11.20, 20:00
«Cabaret Avanessian #2 Updating Contagion»
Contagion (Steven Soderberghs, 2011) gilt vielen als prophetischer Film für die Ereignisse rund um Corona in diesem Jahr. Spätestens mit der zweiten Welle der Pandemie sehen wir aber auch, was sich in der Dekade seit Entstehen des Films verändert und verschoben hat, in unserem biologischen und virologischen Wissen, auf (sozial)medialer Ebene, und vor allem in den geopolitischen Verhältnissen. Vor weniger als einer Dekade entstanden, zeigt der Film noch eine intakte Globalisierung, inklusive unangefochtener internationaler Organisationen.Gezeigt werden Ausschnitte aus dem Film, und nach einem kurzen Impuls diskutiert Armen Avanessian mit Elisabeth Bronfen. Im September 2020 erschien ihre Publikation Angesteckt. Zeitgemässes über Pandemie und Kultur im Echtzeit-Verlag. Die Kultur- und Literaturwissenschaftlerin ist Professorin für Anglistik an der Universität Zürich und Global Distinguished Professor an der New York University.
«Cabaret Avanessian» ist eine Reihe mit dem Philosophen und Kulturtheoretiker Armen Avanessian im Cabaret Voltaire. Derzeit bekleidet er unter anderem eine Gastprofessur für Philosophie an der HFBK Hamburg.
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung. Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
Filmstill, Steven Soderberg, Contagion, 2011
Wegen Quarantäneregelung verschoben auf 2021
Shinichi Iova-Koga und Dimitris Chimonas. Organisiert mit Anastasia McCammon und Martina Mächler
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
Photo: Sheila Bosco/inkBoat
Photo: Dimitris Chimonas
Wegen Quarantäneregelung verschoben auf 2021.
Karolin Brägger (Kostüm in Kollaboration mit Janek Ackermann), Anastasia McCammon / Emmy Hennings, Dynamic Resistance von Hedda Bauer und Johan Ahlkvist mit Charlotte Gash, Charlotta Öberg, Sigrid Mau, Rogine Moradi. Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon.
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
delirium ist eine Zürcher Literaturplattform. Anfang 2020 sind die ersten Texte für Magazin N°12 eingetroffen. Inzwischen sind Corona, eine Wirtschaftskrise und ein weiterer Rekordhitzesommer über die Welt hereingebrochen. Müssen wir angesichts dessen nicht die Welt und die Literatur neu denken? Für den Release N°12 bittet der Philosoph und Kulturtheoretiker Armen Avanessian die Autor*innen des Hefts um ein zeitgemässes Update.
Teilnehmer*innen:
Armen Avanessian
Patrizia Huber
Fabian Schwitter
Gerhild Perl
Samuel Prenner
Rahel Hochstrasser
Samuel Eberenz
Niki Grieser
Kim de l'Horizon
Salomé Meier
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
Bild: Sätze aus der neuen delirium-Ausgabe N°12
Rory Pilgrim zeigt im Rahmen des Festivals Fleshy Interface Elemente des multidisziplinären Projekts Software Garden.
In Zeiten zunehmenden Nationalismus und Isolationismus sucht der Künstler Räume, in denen das Menschliche, Ökologische und Technologische auf Einfühlungsvermögen, Fürsorge und Freundlichkeit treffen. Zu diesem Zweck kombiniert Rory Pilgrim Körper und Stimmen innerhalb und ausserhalb des Bildschirms durch Live-Performances, Musikvideos, Gedichte und interaktive Workshops. Die Veranstaltung wird am 22. September mit einem Künstlergespräch mit Pilgrim im Cabaret Voltaire eröffnet, begleitet von einer Auswahl an Liedern aus dem Backkatalog mit der Sängerin Robyn Haddon und Gedichten der Poetin und Behindertenrechtlerin Carol R. Kallend, die über Skype teilnimmt. In den folgenden Tagen werden Rory Pilgrim und die Choreografin und Künstlerin Cassie-Augusta Jørgensen einen dreitätigen Workshop veranstalten, bei dem Interessierte Teil der Performance Software Garden werden können, die dann mit den Teilnehmer*innen am Samstag, 26. September im Neumarkt aufgeführt wird.
Das institutionsübergreifende Festival Fleshy Interface verbindet Performances und Workshops und hat die Wiederentdeckung der Körperlichkeit als zentrales Thema. Der Körper als Medium und als Instrument in den darstellenden Künsten, der digitale Körper, Körperlosigkeit und die Sehnsucht nach Berühren und Berührtwerden beschäftigen uns in dieser besonderen Zeit der physischen Distanzierung. Initiert vom Neumarkt, in Zusammenarbeit mit Cabaret Voltaire, Schauspielhaus Zürich, Literaturhaus, Tanzhaus, Fabriktheater, Winkelwiese, Shedhalle, ZHdK und Helferei. Rory Pilgrim partizipiert auf Einladung des Cabaret Voltaire, in enger Zusammenarbeit mit dem Neumarkt. Das gesamte Programm des Festivals inklusive E-Booklet ist hier zu finden.
Anmeldung Soiree am Dienstag:
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb für die Soiree am Dienstag um Anmeldung. Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
Anmeldung Workshop/Showing:
Workshop: 23.09.–25.09.20, 14:00–17:00, Anmeldung unter fleshyinterface@theaterneumarkt.ch. Showing des Workshops (Performance Software Garden): Samstag, 26.09.20, 16:00 im Neumarkt. Mehr Informationen finden Sie hier.
Rory Pilgrim (*1988 in Bristol, Grossbritannien) lebt und arbeitet in Rotterdam und auf der Isle of Portland. Seine Ausstellungen umfassen: Stedelijk Museum Amsterdam (Amsterdam, 2019), Between Bridges (Berlin, 2019), South London Gallery (London, 2018); andriesse eyck galerie (Amsterdam, 2018); Rowing Gallery (London, 2017), Plymouth Art Centre (Plymouth, 2017), Flat Time House (London, 2016), Site Gallery (Sheffield, 2016), sic! Raum für Kunst (Luzern, 2014), Rongwrong (Amsterdam, 2014), Kunsthuis SYB (Beetsterzwaag, 2011). Im Jahr 2019 wurde Pilgrim mit dem Prix de Rome ausgezeichnet.
«Software Garden» Live Concert, Transmediale 2019, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2019. Photo: Laura Fiorio
Hier können Sie den «Salon der Republik» vom 15. September nachhören. Der nächste Salon findet am 24. November statt.
Der «Salon der Republik» ist ein Forum für Literatur und Debatte. Es diskutieren über aktuelle Bücher und relevante Themen: das Feuilleton des Online-Magazins Republik, ausgewählte Gäste – und Sie, falls Sie mögen. Am 15. September heisst das Stichwort «Machtfragen, Genderfragen». Im Zentrum stehen die aktuellen Romane Milchmann von Anna Burns und Brüste und Eier von Mieko Kawakami, vorgestellt werden auch Die Neuerscheinungen Der Defekt von Leona Stahlmann und Hexen von Mona Chollet. Zu Gast ist Franziska Schutzbach. Sie diskutiert mit Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger und Daniel Graf.
Bitte Masken anziehen! Teilnehmerzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
«Salon der Republik», 15. September 2020. Zu Gast war Franziska Schutzbach. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
«Salon der Republik», 15. September 2020, mit Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger, Franziska Schutzbach und Daniel Graf. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Anlässlich des Zurich Art Weekend 2020 finden zwei Kurzführungen durch das Haus und die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» statt. Die erste Führung ist um 18 Uhr, die zweite um 20 Uhr.
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eine Führung durch das Cabaret Voltaire und die internationalistische Nachbarschaft
Treffpunkt: Cabaret Voltaire, Historischer Saal, 20:00
Das Cabaret Voltaire eröffnete am 5. Februar 1916 unter Mitwirkung einer Gruppe aus Deserteur*innen, Student*innen und Intellektuellen und bildete fortan den Rahmen für Dissens und künstlerische Experimente. Neben einer allgemeinen Einführung zu Dada und seinen Protagonist*innen möchten wir in dieser Führung einige Aspekte des historischen Kontexts um 1916 erkunden. Wir starten im Cabaret Voltaire und gehen danach weiter die Spiegelgasse hinauf, wo Lenin mit seiner Frau Nadeschda Krupskaja wohnte, zum internationalen Gewerkschaftsheim Eintracht, zum Schwänlianer-Treff und der Wohnung von Ball und Hennings am Predigerplatz, über das Cabaret Hirschen am Hirschenplatz bis zum Stüssihof, wo sich der «Kegelklub» zur wöchentlichen Debatte traf. «Verzweiflung an der Zeit gepaart mit ungebrochener, jugendlicher Kraft» fanden sich sowohl in den künstlerischen Aktivitäten im Cabaret Voltaire als auch in den Debatten der internationalistischen Sozialist*innen und Exilant*innen in den Lokalen der Nachbarschaft. Dabei waren die Ziele im Grunde die gleichen: Friede, Freiheit und eine neue Weltordnung. Dies und mithin Themen wie Sozialismus, Pazifismus, Revolution und die Rolle von Gewerkschaften bieten auch im heutigen Kontext anregende Diskussionsgrundlagen.
Die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» kann vor oder nach der Führung angeschaut werden. Hennings Erinnerungen sind auch für die Führung von Interesse:
«Viele Schweizer Familien hatten Ferienkinder aus den Kriegsländern eingeladen. Die kleinen Gäste kamen an, schmal, bleich, hohläugig, um hier aufzublühen wie junge Rosen. Wie viele, die inzwischen herangewachsen sind, werden sich dankbar zurückerinnern! 'Wer ein Kind aufnimmt in meinem Namen, der nimmt mich auf.' Ferner war eine unzählige Anzahl Fremder freiwillig gekommen, für die Zürich die hohe Warte war, von der aus man das Weltgeschehen ruhig oder entsetzt beurteilen konnte. Die Stadt war damals das Internationalste, das man sich denken kann. Am Quai hörte man in allen Zungen sprechen.»
– Emmy Hennings, in: Neue Zürcher Zeitung, Erste Sonntagsausgabe vom 27.05.1934
«Es war im Kriegsjahr 1917 in Zürich. Im Cabaret Voltaire war soeben der Dadaismus geboren worden. Der Dadaist kämpfte gegen die Agonie, gegen den Todestaumel der Zeit. Im Widerspruch behauptete sich das Leben. Jede Art von Maske war dem Dadaisten recht. Die Maske jedoch diente als notwendiger Unterschlupf, das wahre, zu tief erschütterte Gesicht zu verbergen. Beim Dadaismus war viel Verzweiflung an der Zeit mit ungebrochener, jugendlicher Kraft gepaart, die oftmals wie Übermut und Spottlust anmutete.»
– Emmy Hennings, Erinnerungen an Sophie Taeuber, in: Sophie Taeuber-Arp, hg. von Georg Schmidt, Basel, Holbein-Verlag, 1948
Die Führung wird von Elena Grignoli und Salome Hohl geleitet.
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Anny Klawa-Morf. Photo: freiberthoud.ch
Marcel Jancos Cabaret Voltaire, Bild aus dem Katalog Dada in Zürich, Arche Verlag
Historischer Saal 2020. Photo: Gunnar Meier
Emmy Hennings, gelesen von Heidi Maria Glössner, im Dialog mit Ariane von Graffenried. Im Anschluss Diskussion mit Jael Bollag, Carla Jörg und allen Beteiligten. Eine Zusammenarbeit mit dem Schweizerischen Literaturarchiv.
Ausserordentlich ist nicht nur Emmy Hennings' wechselvolle Biographie, auch von ihrem künstlerischen Werk geht eine grosse Anziehungskraft aus. In Erinnerung geblieben ist sie als eine der wirkungsmächtigsten Bühnenkünstlerinnen des Dadaismus. Nach wie vor frisch wirken auch ihre Gedichte, und als Performance-Künstlerin und Avantgarde-Autorin war sie ihrer Zeit voraus und beeinflusst Schreibende bis heute.
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung. Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse. Die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» ist vor der Soiree bis 20:00 geöffnet.
Photo Emmy Hennings: Nachlass Hennings, SLA Bern; Photo Ariane von Graffenried: Alexander Jaquemet; Collage: Gerhard Blättler
Lara Dâmaso, Photo: Flavio Karrer
Eine Performance von Lara Dâmaso, anschliessend DJ-Set von Asian Eyez
Der tanzende Körper und der singende Körper sind ein und derselbe. Die gleiche Art der Kommunikation: Vibration. Der tanzende Körper und der singende Körper sprechen zueinander, müssen aber nicht antworten. Das ist kein «Call and Response», es ist schneller als das. Ein Sprung vorwärts. Sofortige Präsenz. Der tanzende und singende Körper ist ein offener Kanal – keine leere Kammer. Da er ein Kanal und keine Kammer ist, kann er mit dem harmonisieren, was durch ihn hindurchgeht. Das wiederum zeigt, was er trägt und wie er aufgebaut ist. Es ist kein Echo, es ist melodischer als das. Der tanzende und singende Körper ist eine reflektierende Oberfläche. Er zeigt akribisch Zeit und Raum, Form und Bewegung, die ihn umgeben. Er wird durch diese Agenten impliziert und impliziert sie gleichzeitig. Aber das ist keine Repräsentation, es ist noch viel mehr als das. Und es braucht nicht mehr als das, was schon da ist. (Text: Lara Dâmaso/Matthew Hanson)
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF; Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.
Hier ist die Hörversion des «Salon der Republik» vom 7. Juli 2020 als Podcast zum Nachhören. Der nächste «Salon der Republik» findet am 15. September statt.
Der «Salon der Republik» ist ein Forum für Literatur und Debatte. Es diskutieren über aktuelle Bücher und relevante Themen: das Feuilleton-Team des Online-Magazins Republik, ausgewählte Gäste – und Sie, falls Sie mögen. Denn auch Zuhören ist erlaubt.
Weltweit entlädt sich auf den Strassen die Wut über Rassismus und Polizeigewalt. Zum ersten literarischen «Salon» besprechen wir drei Neuerscheinungen, die damit umso dringlicher sind. Gast ist die Spoken-Word-Poetin Fatima Moumouni. Die ausgewählten Werke: Der Wassertänzer von Ta-Nehisi Coates, 1000 Serpentinen Angst von Olivia Wenzel und der Gedichtband Nachthimmel mit Austrittswunden von Ocean Vuong.
Alle drei Bücher handeln vom Fortbestehen rassistischer Gewalt. Alle drei beschreiben sie auf je eigene Weise Ausgrenzung und Menschenfeindlichkeit. Und sie thematisieren die jahrhundertealte Ideologie der «white supremacy», diesseits und jenseits des Atlantiks, deren Konsequenzen nicht erst deutlich sind, seit George Floyd durch brutale Polizeigewalt getötet wurde.
Mit Fatima Moumouni debattieren Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger und Daniel Graf. Und Sie, falls Sie möchten. Bitte beachten: die Veranstaltung findet unter Einhaltung der Corona-Sicherheitsbestimmungen statt. Wir werden genügend Abstand zwischen den Plätzen einhalten und bitten um Anmeldung unter info@cabaretvoltaire.ch. Bitte teilen Sie uns auch mit, wenn Sie zu zweit oder mehreren kommen wollen. Der Eintritt beträgt 10 Franken regulär, 5 CHF reduziert. Republik-Verleger*innen bezahlen den ermässigten Tarif von 5 Franken.
Die Veranstaltung wird als Audio-Podcast zum Nachhören aufgezeichnet.
Mehr zu den Büchern:
Der Wassertänzer, der erste Roman von Ta-Nehisi Coates, dessen Sachbücher zum Rassismus in den USA längst auch international Standardwerke sind; 1000 Serpentinen Angst von Olivia Wenzel, ein Romandebüt, das vom Leben als «Person of Colour» in deutsch-deutschen Gefilden erzählt; der Gedichtband Nachthimmel mit Austrittswunden, für den Ocean Vuong international als neue literarische Sensation gefeiert wird.
Kurzbesprechungen der Bücher durch Daniel Graf finden Sie hier.
Am 8. Juni starten die drei Zürcher Kulturinstitutionen Theater Neumarkt, Literaturhaus Zürich und Cabaret Voltaire gemeinsam in die Zeit nach dem Shutdown. Unter dem Motto «Nach dem langen Sonntag» wird den Häusern und dem Niederdorf wieder kulturelles Leben eingehaucht.
Detailliertes Programm Cabaret Voltaire:
Montag, 8. Juni 2020
19:00 bis 23:00:
Wiedereröffnung und Verlängerung der Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» , 8. Juni bis 22. September 2020.
19:00 bis 23:00:
Laufende Performance der Tänzerin Anastasia McCammon zu Emmy Hennings. Dabei wird auch Cognac, Hennings' Lieblingsschnaps, serviert. McCammon ist der Teil der mit Martina Mächler konzipierten Serie Cracking Up and Staging Down, die im Herbst im Rahmen der Soireen am Dienstag im Cabaret Voltaire zu sehen sein wird.
19:30, 20:30, 21:30:
Die Autorin Simone Lappert tritt in einen lyrischen Dialog mit Emmy Hennings. Reservationen für die drei Lesungen nehmen wir via info@cabaretvoltaire.ch entgegen. Nur die Hälfte der Plätze kann für Reservationen freigegeben werden.
Programmübersicht Cabaret Voltaire, Theater Neumarkt und Literaturhaus:
Zwischen 19:00 und 23:00 gibt es Theater, Musik, Performances, Literatur, Kunst und Cognac. Im Neumarkt wird der zehntägige 7/11 Performance Supermarket eingeweiht, der mit Peepshow-Ästhetik, Voyeurismus und der Sehnsucht nach Nähe spielt. Etwas weiter die Spiegelgasse hoch eröffnet im Cabaret Voltaire die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» wieder, die Autorin Simone Lappert exerziert das Menschsein durch eigene und Hennings' lyrische Texte, während die Tänzerin Anastasia McCammon den Ausschank von Hennings’ Lieblingsschnaps performativ inszeniert. Und das Literaturhaus eröffnet seine dreiwöchige Literatur-Apotheke mit dem Kollektiv «Literatur für das was passiert», das Texte auf Auftrag bzw. auf Rezept schreibt. Die Besucherinnen sind eingeladen, von Haus zu Haus frei zu spazieren und sich überraschen zu lassen.
«Wir haben uns in den letzten Wochen immer wieder ausgetauscht, es ging dabei um die grossen Fragen: Was wird aus der Kultur zu Zeiten von Social Distancing? Wie lässt sich Kultur und Kunst in der neuen Normalität weiterhin erfahrbar machen? Uns war es wichtig, Nähe und Distanz inhaltlich aufzunehmen, aber auch ein Zeichen zu setzen. Wir spannen zusammen, da wir vor ähnliche Probleme gestellt werden und sie lieber gemeinsam lösen.» Salome Hohl (Cabaret Voltaire), Tine Milz (Theater Neumarkt) und Gesa Schneider (Literaturhaus Zürich).
Die Zwei-Meter-Regel wird eingehalten, Formulare für das ContactTracing stehen bereit, ebenso Desinfektionsmittel. Wir folgen dem «Pay what you want»-Prinzip. Nehmen Sie ihr liegengebliebenes Münz mit. Wir freuen uns!
Ausstellungsansicht «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi», mit Werken von Emmy Hennings und Sitara Abuzar Ghaznawi. Photo: Cabaret Voltaire, Gunnar Meier
Ausstellungsansicht «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi», mit Werken von Emmy Hennings und Sitara Abuzar Ghaznawi. Photo: Cabaret Voltaire, Gunnar Meier
Die Veranstaltung wird wegen des Coronavirus abgesagt.
In der Reihe «Wissen inGesellschaft» des «Zentrums Geschichte des Wissens» (ETH & Uni Zürich) spricht Prof. Dr. Adrian Daub (Stanford) zum Silicon Valley und nimmt dessen selbstgeschaffenen Mythos der Innovation kritisch unter die Lupe.
Diese Veranstaltung findet in Kooperation mit der Professur für Wissenschaftsforschung der ETH Zürich statt.
Reduziertes Programm und Beschränkung der Gästeanzahl aufgrund der aktuellen Situation. Wir bitten Menschen mit Grippesymptomen daheim zu bleiben und die vom Bund zur Verfügung gestellten Massnahmen zu beachten. Zudem empfehlen wir allen Teilnehmenden, sich regelmässig die Hände zu waschen, Körperkontakt in Grenzen zu halten und auf herkömmliche Begrüssungsrituale zu verzichten. Das Cabaret Voltaire stellt Desinfektionsmöglichkeiten zur Verfügung und achtet auf Zirkulationsmöglichkeiten.
13.03.20–15.03.20
«Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi»
13.03.20, 18:00–04:00
– Stefan Burger, Skulptur Traverse, ab 18:00
– Begrüssung, 19:00
– Nicolas und Martina Buzzi mit Li Tavor, Franziska Koch, Monika Stalder und Miao Shuyue Zhao, Performance Suspended Gestures, 21:00
– ABGESAGT: Crystallmess, Performance Poison/Paradise, anschliessend DJ-Set, 23:15–02:00
14.03.20, 11:30–02:00
– An Occasion Hosted by Isabel Lewis on the Topic of Love in the Time of Corona, ab 17:00
15.03.20, 11:30–23:00
– ABGESAGT: Soya Arakawa, Performance JIJII DOKOROKA, 17:00
– ABGESAGT: Simone Lappert, lyrischer Dialog mit Emmy Hennings, 18:00
Suspended Gestures von Martina und Nicolas Buzzi. Performerinnen: Li Tavor, Monika Stalder, Martina Buzzi und Franziska Koch.
In der Performance Suspended Gestures interagieren die Performerinnen durch Gesten, die synthetische Klänge steuern. Ihre Körper werden durch Bewegungssensoren erweitert. Die Partitur der Bewegungen, die Choreographie, wird durch die Mittel der Klänge bestimmt, durch die die Performerinnen miteinander kommunizieren.
Die erste volumes focus sound art book fair findet am letzten Sonntag im März in der Geburtsstätte von Dada statt. Zwölf Verlage und Projekte präsentieren Bücher, Zines, Sound Art, Musik, Vinyls, Tapes und andere Medien, und machen sie in Listening Sessions im ganzen Haus hörbar, live übertragen auf Furka Radio.
Mit:
-OUS (Zürich, CH)
CVBOOKS (Zürich, CH)
Fair Enough (Zürich/St.Gallen/Genf/Peking)
FLEE (Neuchâtel, CH / Paris, FR)
E.G.G. EditionGoraGora/czarnagora (Zürich, CH)
Music Sounds Better with Books (Lausanne, CH)
Präsens Editionen/Zweikommasieben (Luzern, CH)
Union Editions (Rom, IT)
Soundohm (Mailand, IT)
Ecart Books (Genf, CH)
Furka Radio (Zürich, CH)
Kostümierte Reisende, inspiriert von Italo Calvinos «Das Schloss, darin sich Schicksale kreuzen», werden um 15 Uhr von der Galerie Gregor Staiger losziehen, um 15.30 Uhr am Kunsthaus sowie um 16 Uhr am Helmhaus Halt machen, bevor sie ihre Reise um 17 Uhr im Cabaret Voltaire beenden. Dort erkunden sie die Ausstellung «Head-Less-Ness» von Monster Chetwynd. Gäste sind herzlich eingeladen, sich der «Journey to a Sacred Place» von einer Haltestelle ihrer Wahl aus anzuschliessen.
Performer*innen: Monster Chetwynd, Lukas Ryffel, Ladina Whitehead, Lian Staehelin, Luka Ostrež, Mariana Morales Tomaz, Jack Brennan, Lucca Süss, Myriam Uzor, Chiara Salmini.
Filmteam: Oscar Oldershaw, Joe Campbell, Ruby Cedar, Dragon Chetwynd.
Eintritt frei.
Agnes Scherer lädt zum Konzert mit der Londoner Band «Gentle Stranger» ein.
Tom Hardwick-Allan, Alex McKenzie und Joshua Barfoot treten als Wedding-Band auf und verpflichten sich ihrem selbstgeprägten Genre des Post-Clown. Die Performance mit kleinen und grossen Überraschungen startet im Cabaret Voltaire, findet mit einem Crescendo im Zug ihre Fortsetzung und endet im Rahmen der Ausstellung von Agnes Scherer in der Kunst Halle Sankt Gallen. Die Veranstaltung findet am letzten Wochenende von Scherers St.Galler Schau «Ein seltsames Spiel» statt.
Gerne blicken wir dabei zurück auf Agnes Scherers Performance «The Teacher», die 2020 im Cabaret Voltaire stattgefunden hat. Das Video der Performance finden Sie unten.
Türöffnung: ab 13:30 (Café und Ausstellungen offen)
Start: pünktlich um 14:45 im Cabaret Voltaire
Zug: 15:39 ab Zürich HB
Ankunft: 16:52 in St.Gallen
Fussweg mit Konzert von St.Gallen Bahnhof zur Kunst Halle
Abschluss und Drinks in der Kunst Halle Sankt Gallen (Ausstellung offen)
Die Veranstaltung ist kostenfrei. Sie können zu jedem Zeitpunkt dazustossen. Zugtickets müssen selbst organisiert werden.
Es stehen zehn SOLI-Tickets zur Verfügung. Bitte melden Sie sich hierzu mit Ihrem Namen und einer möglichen Ermässigung unter info@cabaretvoltaire.ch.
«Quo Vadis, Gentle Stranger», Ankündigungsbild von Agnes Scherer und Tom Hardwick-Allan für die Performance von «Gentle Stranger», 2023.
Eröffnung der Ausstellung «Puppet Slam» von Monster Chetwynd und Schüler*innen der Schule Hirslanden Sek im Cabaret Voltaire.
Im letzten Semester haben Schüler*innen der Sek Hirslanden in einem Workshop mit Monster Chetwynd eine Reihe von farbenfrohen Puppen aus verschiedensten Materialien entwickelt, die die Modell-Schulhäuser von Florian Graf bewohnen können. Die Puppen und eine filmische Inszenierung dieser Figuren werden zusammen mit einer Dokumentation des Entstehungsprozesses der «School Models» von Florian Graf vom 18. September bis zum 1. Oktober 2023 im Cabaret Voltaire ausgestellt. Gleichzeitig ist im Cabaret Voltaire die Ausstellung «Head-Less-Ness“ (bis Sommer 2024) von Monster Chetwynd zu sehen.
Florian Graf realisierte eine Skulpturengruppen, die sich aus Steinmodellen der drei aus unterschiedlichen Epochen stammenden Schulhäusern zusammensetzt. Statt nun die Schulhäuser auf Sockeln zu platzieren, wo sie aus Distanz bestaunt werden können, lässt Graf die Modelle auf überdimensionierte Spielklötze setzen. Die Bausteine aus eingefärbten Terrazzo und die Schulhäuser aus Kalkstein können von den Schüler*innen auch als Sitzgelegenheit benutzt werden. Man kann sich also an seinem Schulhaus anlehnen oder auch mal von oben herab auf die Schule schauen. Florian Grafs Skulpturenensemble ist ein augenzwinkerndes Spiel mit Grössenverhältnissen und mit unserer Wahrnehmung: Es regt dazu an, unsere Betrachter*innen-Positionen zu wechseln, andere Blickwinkel einzunehmen und uns zwischen Modell und Wirklichkeit zu bewegen.
Seit dem letzten Frühling leitet Monster Chetwynd (*London, UK, lebt und arbeitet in Zürich) einen Workshop für Schüler*innen der Schule Hofacker. Unter dem Titel «Puppets and Autoreflexive-representations» (2023) haben sie gemeinsam eine Reihe von farbenfrohen Puppen aus verschiedensten Materialien wie etwa Pappe, Stoff oder gefundenen Elementen entwickelt, die nun die Modell-Schulhäuser von Florian Graf bevölkern können. Denn eine Schule funktioniert nur mit Schüler*innen. Die Puppen werden ausserdem ab dem 17. September im Cabaret Voltaire ausgestellt, als Teil von «Head-Less-Ness», der aktuellen Einzelausstellung von Monster Chetwynd. Im Workshop lernten die Schüler*innen, wie man Figuren erschaffen und diese mit Puppenspieltechniken zum Leben erwecken kann. Die Künstlerin, die bekannt ist für ihre überschwänglichen und humorvollen Performances mit handgefertigten Kostümen, Requisiten und Bühnenbildern, erklärt, ihre Objekte seien aus einer «Ungeduld heraus entstanden». Dabei recycelt sie oft Materialien, die von den zahlreichen Personen, die sie zum Mitmachen einlädt, einfach verarbeitet und verwendet werden können: ein Ansatz, der die kollektive Entwicklung unterstreicht, die das Schaffen der Künstlerin massgeblich prägt.
Diese Veranstaltung ist eine Zusammenarbeit mit dem Zurich Art Weekend.
Der Beginn des russischen Krieges gegen die Ukraine und die Annexion der Krim 2014 haben Maria Kulikovska tief geprägt. Die Künstlerin begann nach Wegen zu suchen, um mit der radikalen Gewalt und Ungerechtigkeit umzugehen. Während ihrer Performance badet Maria Kulikovska mit ihrem aus ballistischer Seife gegossenen Skulptur-Klon. In der Waffenherstellung wird diese Seife verwendet, da ihre Dichte dem menschlichen Körper ähnlich ist. In diesem Ritual reinigt sich die Künstlerin selbst. In der Hoffnung, das Trauma durch Pflege zu heilen, sagt Maria: «Ich wasche mein Gesicht mit meinen eigenen Händen, bürste mein Haar, schäle meine Seifenhaut ab, wische mich ab und schrubbe mich.
Maria Kulikovska ist eine international tätige, ukrainische Künstlerin, Aktionistin, Performerin und Forscherin, die international arbeitet. Maria wurde in Kertsch, Autonome Republik Krim, Ukraine, geboren. Nach der Annexion der Krim durch Russland lebte und arbeitete die Künstlerin im Exil in Kiew, Donezk, Malmö, Liverpool, London, München und Stockholm. Ende 2019 gründeten Maria Kulikovska und Uleg Vinnichenko den internationalen nicht-binären Kunstraum GARAGE 33 in Kiew.
Eintritt: frei
Maria Kulikovska, Lustration/Ablution, 2018
Dada-Rundgang im Zürcher Kreis 1
Zwischen 1916 und 1919 wurden in Zürich durch die Dadaist*innen Impulse gesetzt, welche die Künste weltweit nachhaltig prägen sollten. In Zürich steht mit dem Cabaret Voltaire nicht nur der Ursprungsort von Dada, im Kunsthaus Zürich befindet sich auch eine der wichtigsten Dada-Sammlungen.
Diese Führung mit der Cabaret Voltaire-Leiterin Salome Hohl und der Kunsthaus-Kuratorin Cathérine Hug verbindet die beiden Häuser und führt Sie zu weiteren Dada-Spielstätten, die das Milieu und die Orte zeigen, in denen Dada enstand und wirkte. Besammlung ist vor dem Cabaret Voltaire. Die Führung endet im Kunsthaus Zürich: im Dada-Kabinett und schliesslich beim Max Ernst-Bild in der Kunsthaus-Bar. Im Preis inbegriffen sind die kommentierte Tour und der Dada Pocket Guide.
–Treffpunkt: 16:00 vor dem Cabaret Voltaire
–Kosten: CHF 30.– / 25.– (Studierende) / 20.– (Mitglieder), inkl. Dada Pocket Guide
–Teilnehmerzahl beschränkt. Anmeldung erforderlich.
Tickets können via Ticket-Shop des Kunsthaus bezogen werden.
Der Rundgang findet in Englisch statt.
Lesung und Gespräch mit der Autorin.
15:00–16:30 Buchvernissage
16:30–18:00 Apéro
Silvia Boadella ist die Grossnichte von Sophie Taeuber-Arp und mit ihrem Lebenswerk aufgewachsen. Taeuber-Arp ist eine Pionierin der modernen Kunst, stand im Zentrum des Zürcher Dada und gilt als wichtigste Schweizer Künstlerin zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts.
Anlässlich der Buchvernissage erzählt Silvia Boadella im Gespräch mit Salome Hohl (Direktorin Cabaret Voltaire) von den Erinnerungen ihrer Familie und und liest Passagen aus ihrer Publikation «Sophie Taeuber-Arp – Ein Leben für die Kunst | A Life through Art». Darin schöpft Boadella mit einem persönlichen Zugang aus den Geschichten und Dokumenten ihrer Familie und aus bisher unveröffentlichten Quellen. Ihr gelingt dabei eine wort- und bildstarke Erzählung, die erstmals Stationen aus Sophies Leben mit ihren Werken verbindet.
Die Zürcher Buchvernissage findet im Rahmen der Ausstellung «Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret», die vom 14. Oktober 2022 bis 30. April 2023 im Cabaret Voltaire zu sehen ist, statt.
Buchcover, Skira Editore, Mailand
Portrait Silvia Boadella, Autorin
Was passierte in den Wänden des Cabaret Voltaire vor über 100 Jahren? Wie und weshalb entstand Dada in Zürich? Diesen und weiteren Fragen geht der am 23. Oktober präsentierte Audio Guide des Cabaret Voltaire auf den Grund.
Der Audio Guide führt nicht nur zurück ins Zürich um 1916, sondern erweitert und befragt den historischen Blick auf Dada mit zeitgenössischen, kritischen Sichtweisen in Bezug auf Diskurse zu Themen wie Dada Queer, Dada Postkolonial, Dada Avantgarde und Dada Propaganda.
Anlässlich der Lancierung trägt die Schauspielerin Alicia Aumüller unter anderem das feministische Manifest der im Dadakreis tätigen amerikanischen Dichterin und Künstlerin Mina Loy (1882–1966) vor. Im Anschluss laden wir dazu ein, den Audio Guide selbst zu testen.
Impressum:
Konzept/Texte: Laura Felicitas Sabel
Supervision/Redaktion: Salome Hohl
Übersetzung: Emilia Meier, Sandra Wörz
Sprecherin: Alicia Aumüller
Aufnahme und Sounddesign: Ernesto Coba-Antequera
Feministisches Manifest von Mina Loy, 1914.
Das Cabaret Voltaire, das Schweizerische Institut und Lenz freuen sich, das Künstlerbuch Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi vorzustellen.
Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi bringt die ersten ins Englische übersetzte Gedichte und Texte von Emmy Hennings (geb. 1885, gest. 1948) mit dem Werk der in Zürich lebenden Künstlerin Sitara Abuzar Ghaznawi (geb. 1995) zusammen. Hennings, Mitbegründerin des Cabaret Voltaire in Zürich (zusammen mit Hugo Ball), war Performerin, Künstlerin und Schriftstellerin, deren Werk bis vor Kurzem kaum wahrgenommen wurde. Ghaznawi schuf einen Rahmen und Begegnungen für Hennings' Schreiben durch Collagen, Skulpturen und neue Texte von Mitgliedern ihrer künstlerischen Gemeinschaft. Bei dieser Nachmittagsveranstaltung werden Screenings einiger Mitwirkenden des Buches gezeigt und Auszüge von Hennings' Texten gelesen.
Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi
eds. Simon Castets, Salome Hohl, Eva Kenny, Laura McLean-Ferris
Publiziert vom Schweizerischen Institut und dem Cabaret Voltaire, in Zusammenarbeit mit Lenz.
Mit Texten und Beiträgen von: Sitara Abuzar Ghaznawi, Timur Akhmetov, Simon Castets, Olamiju Fajemisin, Emmy Hennings, Salome Hohl, Shamiran Istifan, Semuel Lala, Nils Amadeus Lange, Laura McLean-Ferris, Furqat Palvan-Zade, Sophia Rohwetter, Ser Serpas, Ian Wooldridge, Michael Zimmermann.
Grafik: Dan Solbach
128 pages
48 images (b/w)
ISBN 979-12-80579-36-2
20 EUR / CHF
mit Alizee Lenox, Florence Peake, Eve Stainton.
Kostüme von Hugo Canoilas, Elise Lammer, Julie Monot, Mia Sanchez.
Szenografie und Dramaturgie: Cee Füllemann, Elise Lammer.
Music: Alizee Lenox
Anlässlich des Zurich Art Weekend und ergänzend zur Zürcher Filmpremiere vom 31. Mai, performen Alpina Huus um 21:00.
Inmitten von Generations-, Klima- und Wirtschaftskrisen hinterfragt der Film «Theodora or The Progress» des Kollektivs Alpina Huus die Sicht auf die Realität und die Legitimität des Sprechens. «Theodora or The Progress» ist ein kollektives künstlerisches Projekt, das eine Installation, Musikstücke und Performances von einer Gruppe internationaler Künstler*innen wie Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton und Niels Trannois umfasst.
Die Performance thematisiert den Begriff der Ermächtigung und erforscht das Potenzial des Unterbewussten. Aus dem Werk von Virginia Woolf, Adrian Piper und Lisa Simpson, Deleuze und Guattari, aber auch Snoop Dogg und Franz Kafka schöpfend, betont der Film die die Fähigkeit der nonverbalen Kommunikation als Mittel, Strategien gegen verschiedene Arten von Diskriminierung. In Anlehnung an den Namen der möglicherweise ersten feministischen Figur, der Kaiserin Theodora (500 n. Chr.), schildert «Theodora or The Progress» die Verwandlung der erzählenden Person und einiger seiner Kompliz*innen in ein Rudel von Hunden. «Theodora or The Progress» inszeniert eine kollektive Übernahme, die von Liebe, Verwandlung und Transzendenz spricht.
** Für Cabaret-Voltaire-Mitglieder, Zurich-Weekend-VIPs und Alpina-Huus-Freunde. Bitte hier anmelden.
Mit diesem Workshop im Rahmen des Festivals Fleshy Interface können Sie Teil von Rory Pilgrims multidisziplinären Projekts Software Garden werden.
Der Künstler Rory Pilgrim sucht in Zusammenarbeit mit dem Cabaret Voltaire und dem Neumarkt im Rahmen des Festivals Fleshy Interface acht Teilnehmer*innen für eine Live-Performance von Software Garden. Software Garden, das 2018 veröffentlicht wurde, ist Rory Pilgrims erstes Musikvideoalbum, das die Frage stellt, inwiefern wir Systeme schaffen können, die das Menschliche, Ökologische und Technologische mit den Grundprinzipien von Einfühlungsvermögen, Fürsorge und Freundlichkeit vereinen. Software Garden arbeitet mit verschiedenen Generationen und Hintergründen und fragt insbesondere, wie wir hinter unseren Bildschirmen zusammenkommen.
Während des dreitägigen Workshops arbeiten Sie mit Rory Pilgrim und der Choreografin und Künstlerin Cassie Augusta Jørgensen zusammen, um Fragen der Berührung, Verbindung und Unterstützung zu untersuchen. Die Workshops, die sowohl digital als auch im 'meet space' stattfinden, werden sich insbesondere mit den Auswirkungen der globalen Pandemie befassen und Wege finden, wie wir uns physisch verbinden und eine Unterstützung innerhalb der erforderlichen Sicherheitseinschränkungen finden können.
Alle Zeiten des Workshops:
Mittwoch, 23.09.20, 14:00–17:00
Donnerstag, 24.09.20, 14:00–17:00
Freitag, 25.09.20, 14:00–17:00
Showing des Workshops (Performance «Software Garden»): Samstag, 26.09.20, 16:00 im Neumarkt. Das Showing endet mit einer Suppe im Neumarkt um 17:00.
Um am Workshop teilzunehmen, senden Sie bitte eine E-Mail an fleshyinterface@theaterneumarkt.ch
Der Workshop kostet:
CHF 30.-/60.-/90.- (3 Tage)
CHF 20.-/40.-/80.- (2 Tage)
Die Teilnehmer*innen entscheiden, welchen Preis Sie zahlen können.
Das institutionsübergreifende Festival Fleshy Interface verbindet Performances und Workshops und hat die Wiederentdeckung der Körperlichkeit als zentrales Thema. Der Körper als Medium und als Instrument in den darstellenden Künsten, der digitale Körper, Körperlosigkeit und die Sehnsucht nach Berühren und Berührtwerden beschäftigen uns in dieser besonderen Zeit der physischen Distanzierung. Initiert vom Neumarkt, in Zusammenarbeit mit Cabaret Voltaire, Schauspielhaus Zürich, Literaturhaus, Tanzhaus, Fabriktheater, Winkelwiese, Shedhalle, ZHdK und Helferei. Rory Pilgrim partizipiert auf Einladung des Cabaret Voltaire, in enger Zusammenarbeit mit dem Neumarkt. Das gesamte Programm des Festivals inklusive E-Booklet ist hier zu finden.
Wir danken dem Harfen-Service Daniel Zurlinden für die Unterstützung.
«Software Garden» Live Concert, Stedelijk Museum, Amsterdam, 2019. Photo: Maarten Nauw
Sexualität im Rausch von Bewegung und Musik
Im Rahmen des Zurich Art Weekend: Dialogische Führung mit Cabaret Voltaire-Leiterin Salome Hohl und Kunsthaus-Kuratorin Cathérine Hug. Kunstperformance Thirsty von Ivy Monteiro, Talaya Schmid und Angie Walti.
In die 1920er-Jahre fällt auch die erste sexuelle Revolution. Personen wie Josephine Baker, Coco Chanel, Magnus Hirschfeld, Alexandra Kollontai und Victor Margueritte haben wesentlich dazu beigetragen, dass offener über Sexualität gesprochen und dieser Befreiungsschlag auch in der Kultur gelebt wird. Dies war nur der Anfang eines langen Prozesses, der heute noch nicht abgeschlossen ist, sondern stets vor neuen Herausforderungen steht. Diese Veranstaltung in drei Teilen ist ein Streifzug durch die Erzählungen des Körpers, bei welcher die Performance von Ivy Monteiro, Talaya Schmid und Angie Walti uns mitten in die aktuellste Diskussion katapultiert, wo Fetisch, fluide Identitäten, Queerness und Herkunft Gegenstand intensiver Debatten sind.
- Treffpunkt «Führungen» im Kunsthaus Zürich.
- 14:00–14:45 in der Ausstellung «Schall und Rauch», 15:00–15:30 Rundgang zum Cabaret Voltaire. Ende der Performance und der Führung im Cabaret Voltaire.
- Teilnehmerzahl beschränkt. Anmeldung erforderlich.
- Kosten: Ausstellungsticket oder 10 CHF.
Tickets bekommen Sie hier. Die Covid-19-Schutzmassnahmen werden hier rechtzeitig kommuniziert.
Photo: Ivy Monteiro
Aufgrund der aktuellen Entwicklungen in der Schweiz in Bezug auf das Coronavirus möchten wir das Risiko einer Zusammenkunft anerkennen und ansprechen, während wir weiterhin Geselligkeit feiern und uns auf die Gemeinschaft konzentrieren. Die Dauer des Anlasses wurde auf mehrere Stunden ausgedehnt, damit die Besucher nach Belieben kommen und gehen können.
Die Occasions von Isabel Lewis können als ein Ritual des Zusammenkommens für das 21. Jahrhundert betrachtet werden. Sie bieten eine liberalisierte Form der Teilnahme, die es Besuchern erlaubt, stundenlang zu verweilen oder einfach nur vorbeizugehen. Die Künstlerin schuf dieses Format als eine Möglichkeit, eine Idee von Komposition anzusprechen, die ihre fehlende Autonomie, ihre Porosität und Kontingenz als Reflexion über die Natur der Realität selbst eher umarmt als verdrängt. Für das Eröffnungswochenende des Cabaret Voltaire reagiert die Künstlerin auf diesen Moment, indem sie unsere gegenwärtigen Ängste vor Nähe und Verbindung thematisiert und die Art und Weise nachzeichnet, wie diese Ängste in eine Flugbahn der Hyperindividualisierung und sozialen Atomisierung eingebaut sind, die mit dem Aufkommen der wissenschaftlichen Weltsicht, des Puritanismus und des Kapitalismus beginnt und bis heute in den sozialen und politischen Fragen des Neoliberalismus fortdauert.
Lewis entwickelt seit 2014 eine Idee, die sie als «radikale Empfänglichkeit» bezeichnet und die für sie eine Alternative zu den Formen der sozialen Interaktion bildet, statt zu Konflikten, Zwang und Konkurrenz, die im sozialen Austausch kapitalistischer Gesellschaften prominent erscheinen. Lewis legt grossen Wert auf die Rehabilitation der Sinne jenseits des Visuellen als einen Weg, sich auf unsere Umwelt einzustimmen und auf soziale und ökologische Krisen reagieren zu können. Ihr Ansatz ist realistisch – es gibt keine Verleugnung des Risikos, sich für einen anderen verwundbar zu machen, sich «gegenseitig ungeschehen zu machen». Mit den Worten von Judith Butler: «Man bleibt nicht immer intakt».
Die Ocassions (2014–heute) der international renommierten Künstlerin, Tänzerin, DJ und Theoretikerin gelten als feierliche Zusammenkünfte von Dingen, Menschen, Pflanzen, Tänzen und Düften, bei denen die Besucher*innen in die Aufmerksamkeit und die Geselligkeit eintauchen und sich aus ihr herauslösen können. Desinfektionsmittel und Erfrischungen sind Teil der Gastfreundschaft.
Die – restlos ausverkaufte – Premiere haben wir bereits hinter uns. Nun folgen die ersten regulären Ausgaben unseres Züri-Quiz, das künftig dreimal jährlich stattfinden wird. Gastgeber Thomas Wyss, ehemaliger Tagi-Lokalreporter, bringt wieder seinen Koffer mit, randvoll mit unnützem Wissen, vertrackten Fragen und einer gesunden Portion Chaos – und öffnet ihn im Cabaret Voltaire. Anno 1916 Geburtsort von Dada, war dieses Haus immer schon ein Ort des Skurrilen, Unberechenbaren, und ist deshalb auch die ideale Kulisse für unser neues Format. Während letztes Mal mittels Riechtest ermittelt werden musste, welches Bier nicht aus Zürich stammt, erraten, welches Tattoo die Zürcher Tatort-Kommissarin ziert, warum beim Sechseläuten einst Steckenpferde zum Einsatz kamen oder wie die Zürcher Gemeinde Dällikon laut 1. April-Scherz 2014 neu heissen sollte (Antwort: Durgol), wird es auch diesmal wieder ziemlich heiter, hoffentlich lehrreich und sicher gesellig werden – inklusive allerlei Film- und Fotoperlen aus dem Archiv. Das Quiz dauert zweimal 45 Minuten plus Nachspielzeit. Und zu gewinnen gibt es natürlich auch wieder einiges.
WANN: 20 Uhr
DAUER: 2x 45 Minuten plus Nachspielzeit
WO: Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1
EINTRITT: 20.- (Erwachsene), 15.- (Schüler*innen und Student*innen, Kulturlegi)
Die Veranstaltung ist leider ausverkauft. Wir führen eine Warteliste. Bei Interesse bitte Mail an: info@einfachzuerich.ch.
Illustration: Rafael Sommerhalder
«PLANTATION # 2 – Policing Narratives» ist die zweite Performancearbeit von experi_theater in einer Reihe von künstlerischen Untersuchungen zur Geschichte und Praxis der Plantage. Unsere kontinuierliche nicht-weisse künstlerische Praxis und ihr kritischer Fokus auf die koloniale Realität hat uns zu dieser kontinuierlichen experimentellen Arbeit geführt.
Die Performance-Arbeit konzentriert sich auf Narrative des Policierens von BIPOC*-Körpern, die über die Chronik von Einzelfällen hinausgehen, um das breitere System von Ungleichheit und Ungerechtigkeit in der Gesellschaft aufzuzeigen – wie sie strukturiert sind, wie sie nicht-weissen Personen schaden und wie wir uns für Veränderungen einsetzen können?
«PLANTATION #2 – Policing Narratives» thematisiert einen Weg vom Leben zum Gefängnis, Masseninhaftierung und Massentötungen, von den Mechanismen des Strafrechtssystems und davon, wie die Praktiken der Abolitionsbewegunguns dabei unterstützen können, Widerstand zu leisten und gemeinsam weiterzugehen. Die nicht-weissen Performer*innen von experi_theater bewegen sich im Raum und enthüllen Narrative durch bewegte Körper, Klänge und Texte.
Vorstellungen 11. und 12. November
Abendkasse ab 19.30 Uhr
Performance ab 20.00 Uhr
Dauer 90 Minuten
Englisch und Deutsch/Französisch
«PLANTATION # 2 – Policing Narratives» ist die zweite Performancearbeit von experi_theater in einer Reihe von künstlerischen Untersuchungen zur Geschichte und Praxis der Plantage. Unsere kontinuierliche nicht-weisse künstlerische Praxis und ihr kritischer Fokus auf die koloniale Realität hat uns zu dieser kontinuierlichen experimentellen Arbeit geführt.
Die Performance-Arbeit konzentriert sich auf Narrative des Policierens von BIPOC*-Körpern, die über die Chronik von Einzelfällen hinausgehen, um das breitere System von Ungleichheit und Ungerechtigkeit in der Gesellschaft aufzuzeigen – wie sie strukturiert sind, wie sie nicht-weissen Personen schaden und wie wir uns für Veränderungen einsetzen können?
«PLANTATION #2 – Policing Narratives» thematisiert einen Weg vom Leben zum Gefängnis, Masseninhaftierung und Massentötungen, von den Mechanismen des Strafrechtssystems und davon, wie die Praktiken der Abolitionsbewegung dabei unterstützen können, Widerstand zu leisten und gemeinsam weiterzugehen. Die nicht-weissen Performer*innen von experi_theater bewegen sich im Raum und enthüllen Narrative durch bewegte Körper, Klänge und Texte.
Vorstellungen 11. und 12. November
Abendkasse ab 19.30 Uhr
Performance ab 20.00 Uhr
Dauer 90 Minuten
Englisch und Deutsch/Französisch
Die – restlos ausverkaufte – Premiere haben wir bereits hinter uns. Nun folgen die ersten regulären Ausgaben unseres Züri-Quiz, das künftig dreimal jährlich stattfinden wird. Gastgeber Thomas Wyss, ehemaliger Tagi-Lokalreporter, bringt wieder seinen Koffer mit, randvoll mit unnützem Wissen, vertrackten Fragen und einer gesunden Portion Chaos – und öffnet ihn im Cabaret Voltaire. Anno 1916 Geburtsort von Dada, war dieses Haus immer schon ein Ort des Skurrilen, Unberechenbaren, und ist deshalb auch die ideale Kulisse für unser neues Format. Während letztes Mal mittels Riechtest ermittelt werden musste, welches Bier nicht aus Zürich stammt, erraten, welches Tattoo die Zürcher Tatort-Kommissarin ziert, warum beim Sechseläuten einst Steckenpferde zum Einsatz kamen oder wie die Zürcher Gemeinde Dällikon laut 1. April-Scherz 2014 neu heissen sollte (Antwort: Durgol), wird es auch diesmal wieder ziemlich heiter, hoffentlich lehrreich und sicher gesellig werden – inklusive allerlei Film- und Fotoperlen aus dem Archiv. Das Quiz dauert zweimal 45 Minuten plus Nachspielzeit. Und zu gewinnen gibt es natürlich auch wieder einiges.
WANN: 20 Uhr
DAUER: 2x 45 Minuten plus Nachspielzeit
WO: Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1
EINTRITT: 20.- (Erwachsene), 15.- (Schüler:innen und Student:innen, Kulturlegi)
Illustration: Rafael Sommerhalder
Satellites of Art lädt ein zu einem Podiumsgespräch mit vier Podiumsgästen:
- Tshepiso Seleke, Künstler
- Afeez Aregbede, Künstler
- Lilian Hasler, Künstlerin
- Larissa Mettler, gesellschaftliche Entwicklung & Künstlerin
Ihr Gespräch dreht sich um Fragen wie: Wie reflektiert Kunst Identität? Wie beeinflusst Kunst die Wahrnehmung von Identität? Welche Rolle spielen künstlerische Ausdrucksformen bei der Stärkung von Minderheiten? Darauf folgt ein Rundgang durch eine Auswahl ihrer Kunstwerke. Der Eintritt ist frei. Erfahre mehr über Satellites of Art: www.satellites-of-art.com
Die – restlos ausverkaufte – Nullnummer haben wir bereits hinter uns. Nun folgt die offizielle Premiere unseres Züri-Quiz, das künftig mehrmals jährlich stattfinden wird. Gastgeber Thomas Wyss, ehemaliger Tagi-Lokalreporter, bringt wieder seinen Koffer mit, randvoll mit unnützem Wissen, vertrackten Fragen und einer gesunden Portion Chaos – und öffnet ihn im Cabaret Voltaire. Anno 1916 Geburtsort von Dada, war dieses Haus immer schon ein Ort des Skurrilen, Unberechenbaren, und ist deshalb auch die ideale Kulisse für unser neues Format.
Während letztes Mal mittels Riechtest ermittelt werden musste, welches Putzmittel eine Zürcher Erfindung ist, auf welchem Gewässer Klaus Kinski einst eine Leiche entsorgte oder welche Dada-Legenden wahr sind und welche falsch, wird es auch diesmal wieder ziemlich heiter, hoffentlich lehrreich und sicher gesellig werden.
Das Quiz dauert (diesmal wirklich!) zweimal 45 Minuten plus Nachspielzeit. Mitmachen können alle, die – um es jugendsprachlich auszudrücken – Zürich irgendwie «fühlen». Und zu gewinnen gibt es natürlich auch einiges.
DAUER: 2x 45 Minuten plus Nachspielzeit
EINTRITT: 20.- (Erwachsene), 15.- (Schüler*innen und Student*innen, Kulturlegi)
Dieser Event ist ausgebucht. Warteliste für die nächste Ausgabe: Bei info@einfachzuerich.ch melden.
Still here! Late Night mit «Oh Darling, du zerfällst mir sehr», Gabriela Alvarez- Hummel, Romana Ganzoni, IOKOI, Andrea Keller, Simone Lappert, Anja Zag Golob
«Tage internationaler Literatur: Vom Verschwinden» (23.–26. Februar 2024). Zu Gast im Cabaret Voltaire!
Die Lyrikerinnen Simone Lappert und Anja Zag Golob, die am Nachmittag in einem Werkstattgespräch zu hören sind, zeigen in einer Late Night im Cabaret Voltaire die performative Seite ihrer Texte – untermalt von den musikalisch-elektronischen Klangwelten der Künstlerin IOKOI. Und wir laden die Macher*innen eines sehr spannenden interdisziplinären Kunstprojekts ein: «Oh, Darling, du zerfällst mir sehr». Anstoss und Aufhänger dafür ist ein Gebäude in Mels bei Sargans, das direkt an der Autobahn A3 und am Schienenstrang zerfällt – seit einer gefühlten Ewigkeit, in aller Seelenruhe und Konsequenz, während täglich Tausende von Menschen an ihm vorbei rauschen. Ab Ende April 2024 gibt es dazu ein Buch, ein filmisches Werk und eine dialogische Performance: An diesem Abend geben uns Romana Ganzoni, Gabriella Alvarez-Hummel und Andrea Keller in einer Preview einen lyrisch-performativen Projekt-Einblick, mit Videoeinspielungen von Raphael Zürcher und Musik. Ausklang an der Bar.
Das gesamte Programm auf einen Blick finden Sie im Flyer zum Festival oder hier: https://literaturhaus.ch/veran...
Das Cabaret Voltaire, anno 1916 Geburtsort von Dada, war immer schon ein Ort des Skurrilen, Unberechenbaren. Und deshalb ist dieses Haus auch die ideale Kulisse für unser Zürich-Quiz, das heute Nullnummer feiert – und künftig viermal pro Jahr stattfinden soll. Gastgeber Thomas Wyss, ehemaliger Tagi-Lokalreporter, bringt seinen Koffer mit – randvoll mit unnützem Wissen, vertrackten Fragen und einer gesunden Portion Chaos. Ein Ziel? Gibt es nicht. Aber sollten Sie mit dem Gefühl der wohltuenden Überforderung nach Hause gehen, haben wir vieles richtig gemacht.
Das Quiz dauert zweimal 45 Minuten plus Nachspielzeit. Mitmachen können alle, die – um es jugendsprachlich auszudrücken – Zürich irgendwie «fühlen». Und zu gewinnen gibt es natürlich auch einiges.
Einfach Zürich ist ein Netzwerkprojekt zur Vermittlung der Zürcher Kulturgeschichte. Es besteht aus einer permanenten Ausstellung im Landesmuseum und einem Veranstaltungsprogramm mit jährlich wechselnden Themen. Das Programm will verschiedene Partner*innen in Stadt und Kanton miteinander vernetzen sowie neue Aktivitäten lancieren.
Eintritt: 20.- (Erwachsene)/ 15.- (Student:innen und Kulturlegi). Zum Ticketkauf.
Anna Sigrίdur Arnar (Minnesota): The Machine of Possibilities: Mallarmé's Grids, Matrices, and Diagrams in Le Livre
Abendvortrag
«Ein Buch ist selbst eine kleine Maschine». In Mille Plateaux spielen Deleuze und Guattari mit der gesamten semantischen Bandbreite des Maschinenbegriffs, den sie nutzen, um das Buch neu zu denken. Der Maschinenbegriff wird aber nicht nur in Bezug auf den Produktionsprozess von Büchern verwendet. Er bezieht sich auch auf den mehrdimensionalen Gegenstand des Buches, seine Gestaltung und die Art und Weise, wie es mit dem Apparat selbst arbeitet. Es stellt sich die Frage, wie Bücher selbst als Maschinen funktionieren, indem sie einzelne bewegliche Seiten in einem komplexen, dynamischen Raum zueinander in Beziehung setzen.
Anna Sigrίdur Arnar vertritt in ihrem Buch die Ansicht, dass der französische Schriftsteller Stéphane Mallarmé einen zweifachen Einfluss auf die Künstlerbücher hatte. Das erste Vermächtnis ist das «livre de peintre», bei dem er mit dem Künstler Edouard Manet zusammenarbeitete. Das zweite Vermächtnis ist das experimentelle Künstlerbuch oder das «livre d’avant-garde», das das Konzept des Buches radikal in Frage stellt und durch sein legendäres Gedicht «un coup de dés» veranschaulicht wird. Mallarmé nutzte innovative Notationen, um Bücher in dynamische Werkzeuge zu verwandeln, die moderne Adaptionen, darunter Multimedia-Performances, und die Entwicklung des Künstlerbuchs im 20. und 21. Jahrhundert inspirieren.
Organisiert von Klaus Müller-Wille und Nils Röller mit Unterstützung des ZKK (Zentrum Künste und Kulturtheorie/Universität Zürich) und des IfCAR (Institute for Contemporary Art Research/Zürcher Hochschule der Künste).
Die Veranstaltung ist Teil einer Konferenz. Weitere Informationen folgen bald.
In dieser dekolonialen Performance-Arbeit beschäftigt sich experi_theater mit PLANTATION, sowohl in Bezug auf Menschen als auch auf Pflanzen. Diese Performancearbeit konzentriert sich auf Themen, die die politische Theorie und die zeitgenössische Politik stark beeinflussen: das Erbe des weißen Siedlerkolonialismus und seine anhaltenden narrativen Implikationen innerhalb von Debatten über globale Migration, moderne Versklavung, regionale Ansprüche und Zugehörigkeiten. Die Performance zeigt, wie das Einpflanzen und Auspflanzen von Menschen und Pflanzen Elemente desselben übergreifenden kolonialen Systems sind. Die heutigen ökologischen Probleme sind ein zentrales Erbe des Kolonialismus, der seine Plantagenwirtschaft immer als ein kooperatives Projekt betrieben hat, das Pflanzen, Tiere und Menschen gleichzeitig betraf. In diesem Zusammenhang deckt die Performance auch die Beteiligung der Schweiz an kolonialen Pflanz- und Rodungspraktiken auf, die zur Entwurzelung von einheimischen Pflanzen und Menschen geführt haben und weiterhin führen. Sie legt auch die jüngsten Erfahrungen von institutionalisiertem strukturellem Rassismus und weisser Vorherrschaftsgewalt offen, den tiefgreifenden Plantagenansatz des Neokolonialismus, den wir durchleben mussten und immer noch durchleben müssen, wenn wir in Zürich leben und arbeiten. Die Performance folgt den rudimentären Spuren nicht-weißer künstlerischer Intuitionsprozesse von experi_performers, in deren stimmlichen, körperlichen und musikalischen Echoräumen eine dekoloniale Perspektive auf NATIVENESS sichtbar werden kann.
Wir laden das Publikum zu unseren Performances ein, mit intersektionalen Empfindungen und Erfahrungen zu kommen, zuzuhören, zu lernen, zu verlernen und Zeuge unserer dekolonialen demonstrativen Performances zu werden.
Dauer 90 Minuten und in Englisch und Französisch
Mo 23, Di 24, Oktober 2023, um 20h
Einlass: Fr 15.-
Wir freuen uns darauf, mit Ihnen zu teilen!
experi_theater
In dieser dekolonialen Performance-Arbeit beschäftigt sich experi_theater mit PLANTATION, sowohl in Bezug auf Menschen als auch auf Pflanzen. Diese Performancearbeit konzentriert sich auf Themen, die die politische Theorie und die zeitgenössische Politik stark beeinflussen: das Erbe des weissen Siedlerkolonialismus und seine anhaltenden narrativen Implikationen innerhalb von Debatten über globale Migration, moderne Versklavung, regionale Ansprüche und Zugehörigkeiten. Die Performance zeigt, wie das Einpflanzen und Auspflanzen von Menschen und Pflanzen Elemente desselben übergreifenden kolonialen Systems sind. Die heutigen ökologischen Probleme sind ein zentrales Erbe des Kolonialismus, der seine Plantagenwirtschaft immer als ein kooperatives Projekt betrieben hat, das Pflanzen, Tiere und Menschen gleichzeitig betraf. In diesem Zusammenhang deckt die Performance auch die Beteiligung der Schweiz an kolonialen Pflanz- und Rodungspraktiken auf, die zur Entwurzelung von einheimischen Pflanzen und Menschen geführt haben und weiterhin führen. Sie legt auch die jüngsten Erfahrungen von institutionalisiertem strukturellem Rassismus und weisser Vorherrschaftsgewalt offen, den tiefgreifenden Plantagenansatz des Neokolonialismus, den wir durchleben mussten und immer noch durchleben müssen, wenn wir in Zürich leben und arbeiten. Die Performance folgt den rudimentären Spuren nicht-weisser künstlerischer Intuitionsprozesse von experi_performers, in deren stimmlichen, körperlichen und musikalischen Echoräumen eine dekoloniale Perspektive auf NATIVENESS sichtbar werden kann.
Wir laden das Publikum zu unseren Performances ein, mit intersektionalen Empfindungen und Erfahrungen zu kommen, zuzuhören, zu lernen, zu verlernen und Zeuge unserer dekolonialen demonstrativen Performances zu werden.
Dauer 90 Minuten und in Englisch und Französisch
Mo 23, Di 24, Oktober 2023, um 20h
Einlass: Fr 15.-
Wir freuen uns darauf, mit Ihnen zu teilen!
experi_theater
Spiel: Vivianne Mösli und Michael Wolf
Text: Ueli Greminger
Regie: Stephan Roppel
Anlässlich des 500. Jahrestages des Zürcher Bildersturms vergegenwärtigen wir zwei für Zürich historische Ereignisse. Wir bringen den Wörterstürmer Hugo Ball mit dem Bilderstürmer Leo Jud vom St. Peter auf der anderen Seite der Limmat miteinander ins Gespräch.
Die Bedeutung von Bild und Wort steht auf dem Spiel.
Es geht um die Macht von Wort und Bild. Anderseits spielt auch die Ohnmacht von Kunst und Religion in einer Zeit des Verfalls eine wichtige Rolle.
Anschliessend: Gelegenheit zur Diskussion und Einbettung des Stücks in aktuelle Diskurse um Ball in Bezug auf Religion und antisemitisches Gedankengut.
Eintritt: CHF 20 (Jugendliche/Studenten CHF 15, Solidaritätsticket CHF 30)
Reservation: info@cabaretvoltaire.ch
Weitere Aufführungen im Theater Keller 62, Zürich
12./13./14. Dezember 2023, 20 Uhr
Leo Jud trifft Hugo Ball, Die Zürcher Reformation im Fegefeuer des Dada, Ueli Greminger
Welche Art von Beziehung haben wir zu künstlichen Wesen (Avatare, Puppen, Roboter usw.)? Was bedeutet es, sich in ihnen zu spiegeln, sie zu spielen oder mit ihnen nach Identität zu fragen?
Das beim Transcript Verlag erschienene Actor & Avatar geht diesen Fragen aus künstlerischer und wissenschaftlicher Sicht nach. Beiträge über die Herstellung von «technischen Anderen» und philosophische Überlegungen zu künstlicher Alterität werden flankiert von neurowissenschaftlichen Studien über unterschiedliche Wahrnehmungsweisen von lebenden Personen und künstlichen Gegenüber.
Präsentiert mit Beiträgen von Teresa Sollfrank, Dieter Mersch, Miriam Loertscher, Anton Rey, Corinne Soland, Thomas Grunwald, Stella Speziali – oder deren Avatare.
Eine Gastveranstaltung des IPF Institute of Performing Arts and Film der Zürcher Hochschule der Künste.
Das Buch «Movements of Air» zeigt die atemberaubenden Bilder von Étienne-Jules Marey, die er zwischen 1899 und 1901 während seiner wissenschaftlichen Experimente mit bewegter Luft und Rauch aufgenommen hat, und ergänzt sie durch zwei technik- und kunsthistorische Essays von Georges Didi-Huberman und Laurent Mannoni. Mareys Windkanal-Fotografien waren selbst Anlass für Turbulenzen in der Geschichte der Bilder. Die beiden Künstler Florian Dombois und Christoph Oeschger erkunden die «grafischen» Wirbel der letzten 120 Jahre und liefern am Ende des Buches eine Collage aus historischem und zeitgenössischem Material, das sie mit ihrem eigenen Bildschaffen verschränken.
Dieser visuelle Essay aus der Perspektive von Bildmachern bildet den Ausgangspunkt für eine Diskussion über: Kunst, Wissenschaft, Politik, das Verbale und Nonverbale, die Visualisierung des Unsichtbaren, Wind, Rauch, Strömung und Turbulenz etc. Oder kurz gesagt: Wie schauen wir Bilder an?
«Movements of Air. The photographs from Étienne-Jules Marey’s wind tunnels.» Mit Essays von Georges Didi-Huberman, Laurent Mannoni und herausgegeben von Florian Dombois, Christoph Oeschger. Zürich: Diaphanes, 2023
One More Loop Around the Bend. Kulturanalytische Betrachtungen zu «Westworld»
Buchpräsentation und Gespräch mit den Autor*innen Johannes Binotto, Elisabeth Bronfen, Christine Lötscher, Klaus Müller-Wille und Benno Wirz
10.05.2023, 18:30 Uhr
Die Science-Fiction-Serie WESTWORLD (2016–2022) gehört zu den meistdiskutierten TV-Formaten der letzten Jahre. Die Konfliktzonen, mehr aber noch die sich auflösenden Grenzen zwischen Menschen und Androiden bieten zusammen mit der explorativen Ästhetik und der fragmentiert-rhythmischen Erzählweise viel Stoff für Analysen aus unterschiedlichen Perspektiven. Der Band ist die erste Publikation, die sich mit allen vier Staffeln und den neuen digitalen Erzählformen wie transmediale Umschreibung, technologische Vermittlung und den diversen Spielarten von Serialität befasst. Durch seine interdisziplinäre Anlage und die Befragung der Schnittstellen zwischen Menschen und nicht-menschlichen Entitäten wie Maschinen, Tieren oder ganz anderen Spezies und Existenzformen trifft er den Kern aktueller Debatten rund um Posthumanismus, Anthropozän und ökokritische Fragestellungen in Kunst und Literatur.
Eine Veranstaltung des Deutschen Seminars der Universität Zürich.
Wenn die Welt am Ende scheint, muss man sie neu erfinden. Niemand wusste das besser als der vor 400 Jahren geborene Hans Jacob Christoffel von Grimmelshausen. In seinem Erzählkosmos, dessen Zentrum der «Simplicissimus»-Roman bildet, zeigt sich eine kaleidoskopische und vielperspektivische Sicht auf eine Welt, die durch Krieg und soziale Umbrüche, aber auch eine neue Informations- und Medienkultur gezeichnet ist. Es sind die Magie des Tintenfasses und die Wahrsagekunst der Bücher, die in der zersplitterten Welt Sinn stiften. In dieser Zeit des Umbruchs gehören virtuoses Können und meisterhafte Geschicklichkeit zu einer Kunst des Überlebens. Der unangefochtene Rang von Grimmelshausens grossem erzählerischen Werk zeigt sich auch in seiner gerade heute wieder grundlegenden Aktualität.
Zum 400. Geburtstag von Grimmelshausen liest der Schauspieler und Sprecher Lukas Waldvogel ausgewählte Passagen aus den simplicianischen Romanwelten. Die Lesung findet im Rahmen des Workshops «Virtuosität in der Krise. Techniken der Selbstbehauptung im 17. Jahrhundert» des Deutschen Seminars der Universität Zürich statt (www.ds.uzh.ch/ agenda). Der Eintritt ist frei.
Vortrag (englisch) und Podiumsdiskussion mit Nicola Gess und Ulrich Bröckling
Im Rahmen der Abschlusstagung «Katastrophenwissen – Wissenskatastrophen» des SNF Sinergia-Projekts «The Power of Wonder», 3.–5. November 2022, Universität Zürich
Die Beziehung zwischen Katastrophe und sozialem Wandel ist wahrscheinlich so alt wie die Menschheit. Es gibt kein Dokument der Zivilisation, das nicht gleichzeitig auch ein Dokument der Katastrophe ist. Und bis zu unserem eigenen Zeitalter der Auslöschung war die Katastrophe auch eine Chance für eine Revolution und ... für die Evolution. Angesichts der eschatologischen Bedrohungen unserer Zeit – von der Klimakrise über den nicht enden wollenden Krieg bis hin zur Möglichkeit der nuklearen Vernichtung – scheint gerade eine grundlegende gesellschaftliche Transformation zu fehlen, die in der Lage wäre, sich mit dem Aussterben abzufinden. Und vielleicht eine Welt «nach der Apokalypse» zu schaffen. Gestützt auf Horvats jüngstes Buch After the Apocalypse geht es in diesem Vortrag nicht nur darum, die Frage zu beantworten, was uns historische Katastrophen – von Vulkanen und Atomunfällen bis zu Klimakatastrophen und Kriegen – über unsere Zukunft lehren können. Die Zukunft ist bereits da. Die Frage ist, was wir dagegen tun – hier und jetzt.
Srećko Horvat ist Philosoph und Autor von Büchern wie After the Apocalypse (Polity Press, 2021), Poetry from the Future (Penguin, 2019), The Radicality of Love (Wiley, 2015), What does Europe Want? (mit Slavoj Žižek, Columbia University Press, 2013). Die deutsche Wochenzeitung Der Freitag bezeichnete ihn als «eine der aufregendsten Stimmen seiner Generation», und er wurde als «feurige Stimme des Dissenses in der postjugoslawischen Landschaft» beschrieben. Seine Schriften sind in der New York Times, dem Guardian, Der Spiegel, Newsweek, Al Jazeera und Jacobin erschienen. Er ist einer der Mitbegründer von DiEM25 und der Progressiven Internationalen.
Srećko Horvat, fotografiert von Oliver Abraham, 2016
…endlich da: da da da!
Buchvernissage und Apéro am Sonntag, 8. Mai 2022, 15:00 Uhr
Was heisst es, auf Dada zurückzukommen? Wie lebt Dada fort? Wie kehrt Dada wieder?
Vier Bände zur Nachgeschichte und Zukunft von Dada. Soeben erschienen im Verlag Les Presse du réel:
Band 1: Dada-Filiationen
Band 2: Dada-Ausstellungen
Band 3: Dada-Spuren
Band 4: Dada-Historiografien
Die Herausgeberin Agathe Mareuge (Paris) und der Herausgeber Sandro Zanetti (Zürich) stellen das Buch vor. Sie blicken zurück auf das Forschungsprojekt und erörtern zusammen mit Salome Hohl (Zürich) und Anja Nora Schulthess (Luzern), welche Fragen und Perspektiven weiterhin offen sind: Vive Dada!
Special Guest: Peter K. Wehrli (PKW), der als Weltpremiere seine dadaïsierenden Losungen vorlesen wird!
Die vierbändige Publikation kann vor Ort erworben werden (CHF 40.-)
Eintritt frei.
Late Night im Cabaret Voltaire: Spoken-Word-Performance mit Koleka Putuma, Musik mit DJ youngseptember.
Im Eingangsbereich befindet sich CVBOOKS: Eine wechselnde Auswahl an Kunstpublikationen für das Cabaret Voltaire, kuratiert von Jan Steinbach. Erhältlich sind die Bücher und Zines im Cabaret Voltaire oder online via Edcat CVBOOKS.
Eingangsbereich mit CV-Books-Display, Photo: Philipp Hänger
Zwischen 1916 und 1919 wurden in Zürich Impulse gesetzt, welche die Künste weltweit nachhaltig prägen sollten. Dada war die Avantgarde-Bewegung, die dazu aufrief, Phänomene und Ereignisse ihrer Gegenwart zu befragen. Mit Dada New York, Berlin, Paris oder Chile werden Namen wie Marcel Duchamp, Hannah Höch, André Breton und Vincente Huidobro verbunden. Auch Punk, die heutige Performance-Kunst oder Techniken wie Collagen, Hacking und Ready-Mades lassen sich im Anschluss an Dada besprechen. Und alles begann an der Spiegelgasse 1 im Zürcher Niederdorf. In der Bier- und Weinschenke Meierei gründeten Emmy Hennings, Hugo Ball, Hans Arp, Sophie Taeuber, Marcel Janco und Tristan Tzara am 5. Februar 1916 das Cabaret Voltaire. Es waren vor allem junge Emigrant*innen, für die das Cabaret Voltaire inmitten des Ersten Weltkriegs Zuflucht bot. Sie setzten dem Wahnsinn der Zeit neue Sprach- und Ausdrucksformen entgegen, experimentierten im Nebeneinander von Literatur, Kunst, Theorie, Tanz und Architektur.
In Zürich steht mit dem Cabaret Voltaire nicht nur der Ursprungsort von Dada, im Kunsthaus Zürich befindet sich auch eine der wichtigsten Dada-Sammlungen. Dieser Pocket Guide verbindet die beiden Häuser und führt Sie zu weiteren Dada-Spielstätten, die das Milieu und die Orte zeigen, in denen Dada entstand und wirkte. Sie erfahren, in welchen Lokalitäten sich die Dadaist*innen zu ihren Soireen trafen, wo Lenin debattierte und C. G. Jung das Unbewusste beschrieb, wo die wildesten Tanzabende stattfanden und woher das Wort «Dada» eigentlich kommt. Dabei überblenden sich Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Sie erfahren, was war, sehen, was ist, und überlegen, was sein könnte. In diesem Sinne wird Dada auch als aktuelle Praxis verstanden. Dada stellt fortwährend Fragen an die Gegenwart und entwickelt Ideen für die Zukunft.
Der Pocket Guide kann für 7 CHF in Deutsch oder Englisch im Shop des Kunsthaus Zürich oder online in unserem CVBOOKS bezogen werden. Hier finden Sie den Link zu unserem Online-Shop CVBOOKS auf Edcat: https://edcat.net/item/pocket-...
Herausgeberschaft: Salome Hohl, Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1, 8001 Zürich und Cathérine Hug, Kunsthaus Zürich, Heimplatz, 8001 Zürich
Produktion: Salome Hohl, Cabaret Voltaire
Texte: Salome Hohl, Cathérine Hug. Einige Texte wurden übernommen von der Karte Dada Stadt Zürich, 2016, hrsg. von Adrian Notz, Cabaret Voltaire. Texte 2016 von: Nicola Behrens, Adrian Notz, Barbara Ruf, Werner Sieg, Raimund Meyer
Produktion 2016: Nora Hauswirth
Mitarbeit Pocket Guide 2021: Elena D’Amato, Franziska Lentzsch. Herzlichen Dank auch an Raimund Meyer, Elena Grignoli und Petra Winiger Østrup
Gestaltung: Vela Arbutina, Samuel Bänziger
Lektorat: Andreas Rizzi
Druck: J.E. Wolfensberger
(c) 2021 Cabaret Voltaire und Zürcher Kunstgesellschaft / Kunsthaus Zürich
ISBN 978-3-906269-31-3
Die Publikation «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» bringt die ersten ins Englische übersetzte Gedichte und Texte von Emmy Hennings (geb. 1885, gest. 1948) mit dem Werk der in Zürich lebenden Künstlerin Sitara Abuzar Ghaznawi (geb. 1995) zusammen. Hennings, Mitbegründerin des Cabaret Voltaire in Zürich, war Performerin, Künstlerin und Schriftstellerin, deren Werk lange kaum wahrgenommen wurde. Ghaznawi schuf einen Rahmen und Begegnungen für Hennings' Schreiben durch Collagen, Skulpturen und neue Texte von Mitgliedern ihrer künstlerischen Gemeinschaft. Ausgangspunkt der Publikation ist die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi», die 2020 im Cabaret Voltaire und später in abgewandelter Form im Swiss Institute in New York gezeigt wurde.
«Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi»
eds. Simon Castets, Salome Hohl, Eva Kenny, Laura McLean-Ferris
Publiziert vom Cabaret Voltaire (Zürich) und dem Swiss Institute (New York), in Zusammenarbeit mit Lenz.
Mit Texten und Beiträgen von: Sitara Abuzar Ghaznawi, Timur Akhmetov, Simon Castets, Olamiju Fajemisin, Emmy Hennings, Salome Hohl, Shamiran Istifan, Semuel Lala, Nils Amadeus Lange, Laura McLean-Ferris, Furqat Palvan-Zade, Sophia Rohwetter, Ser Serpas, Ian Wooldridge, Michael Zimmermann.
Grafik: Dan Solbach
128 pages
48 images (b/w)
ISBN 979-12-80579-36-2
20 EUR / CHF
Die Dada-Bibliothek befindet sich im ersten Stock des Cabaret Voltaire. Der Grundstock der Bibliothek ist eine Schenkung des verstorbenen Dada-Sammlers Hans Bolliger und des Dada-Spezialisten und Kurators Guido Magnaguagno. Das Cabaret Voltaire erweitert seine Bibliothek laufend. Die Bibliothek kann tagsüber als Arbeitsplatz genutzt werden, steht für Sitzungen zur Verfügung und wird am Abend zum erweiterten Barbereich. Das neu geschaffene Recherchedisplay, eine Holzkonstruktion, in der wertvolle Bücher wie Dada-Erstausgaben oder Faksimiles von Briefen und Fotos ausgestellt werden können, ist ebenfalls Teil der Bibliothek. Zudem sind wichtige Bücher zur aktuellen Ausstellung und Vermittlungsmaterial präsentiert. Im Raum finden sich auch «Leuchtenskulpturen» von Stefan Burger (mehr dazu weiter unten).
Stefan Burger, «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II):
Die Dada-Bibliothek zeigt ausserdem eine Arbeit des Künstlers Stefan Burger (*1977). Burger präsentiert zwei den Raum und bestenfalls die Gemüter erhellende Leuchtenobjekte. Die Skulpturen aus gegossenem Glas und Aluminium setzen Burgers 2020 im Cabaret Voltaire begonnene Auseinandersetzung mit Kunst als Gebrauchsgegenstand fort. Die Begrifflichkeiten, mit welchen sich die Skulpturen attributieren lassen, schwanken munter zwischen hübsch und hässlich, pedantisch und rotzig, dekorativ und nützlich, ekelhaft und erotisch. Es sind hybride Anlagen oder Kippfiguren, die je nach Betrachtung zu einer unterschiedlichen Qualität oder Deutung neigen und mit Zierrat und Funktion umgehen. Einige Formreferenzen ergeben sich aus dem Arbeitsvorgang: Wenn flüssiges Glas miteinander verbunden wird, hängt es stets zu Boden. Brezel und Böppel (ganz in der Tradition von Bollen und Bölleli) dienen als ornamentale Wiederholungen, entspannt bedeutungsarm und dennoch entfernt mit eklektischen Zierstrategien wie der barocken Rocaille verwandt. Die Trägerstruktur der Leuchte wiederum, eine ehemalige Leiter, entstammt dem Zürcher Kanalisationssystem und wurde ursprünglich gewaltsam aus einem dort hinunterführenden Schacht entrissen. Eigentlich als Ein- und Ausstiegshilfe angelegt, erfreut sich der Schachttritt nun neuen Aufgaben als Leselampe und Ambiente prägendes Objekt. Die Arbeit mit flüssigem Glas involviert Farben von intensiver Leuchtkraft, welche dank ihrer keramischen Natur unverwüstlich heiter weiter leuchten. Auch die Namen der benutzten Farbpalette «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) denkt der Künstler als Fröhlichkeitsverstärker: eine Einladung also zum guten Mute.
Den vollständigen Text über die Bibliothek und die Werke von Stefan Burger finden Sie hier.
Wir bieten Workshops für Schulklassen verschiedener Altersgruppen an:
«A-A-A-Auftritte auf der Dadabühne – Lautgedichte performen im Cabaret Voltaire»
Das Cabaret Voltaire im Herzen des Zürcher Niederdorfs ist nicht nur eine historisch bedeutende Stätte, sondern auch heute noch ein aktueller Ort für Kulturschaffende. Im Jahr 1916 wurde hier die weltbekannte Kunst- und Literaturbewegung Dada ins Leben gerufen. Wer kennt Dada nicht? Dadaistische Sprach- Tanzperformances, Collagen, Installationen, Konzeptkunst und Readymades haben hier ihren Ursprung gefunden und prägen bis heute das zeitgenössische Kunstschaffen.
Das dadaistische Lautgedicht erlangte besondere Bekanntheit. Im Verlauf des Workshops erforschen die Schüler*innen stufengerecht und auf vielseitige Weise solche Lautgedichte und damit die Verbindungen zwischen Sprache, Körper und Stimme. Dabei wir die Rolle der Sprache in unserer Gesellschaft experimentell untersucht und wie sie über die rein semantische Ebene hinausgeht. Die Schüler*innen haben die Möglichkeit, eigene lautmalerische Gedichte zu schaffen, sei es durch den Einsatz des Zufallsprinzips oder durch die Auseinandersetzung mit aktuellen Themen. Zusätzlich üben sie sich im Auftreten, indem sie ihre kreativen Werke präsentieren.
In Zusammenarbeit mit Schule+Kultur, Bildungsdirektion Kanton Zürich.
Kosten: Via Schule + Kultur: 150 CHF (inkl. ZVV). Für Schulen ausserhalb des Kantons Zürich fragen Sie bitte über workshops@cabaretvoltaire.ch an.
Hinweis für Schulklassen der öffentlichen Volksschule Stadt Zürich: Ausschliesslich über Globalbudget zu finanzieren.
inkl. ZVV-Tickets (Ausnahme: öffentliche Volksschulklassen der Städte Zürich und Winterthur auf ihrem eigenen Stadtgebiet)
Anmeldung: workshop@cabaretvoltaire.ch
Dossier zum Workshop: «A-A-A-Auftritte auf der Dadabühne – Lautgedichte performen im Cabaret Voltaire»
Weitere Workshops zu den Themen Collage und Manifeste werden unter den gleichen Bedingungen angeboten.
Einführende und weiterführende Unterlagen:
Die Unterlagen für Schüler*innen ab 16 Jahren, die 2016 in Zusammenarbeit mit dem Landesmuseum erarbeitet wurden, sind weiterhin zugänglich. Anhand von vier unterschiedlichen «Dada-Ereignis-Themenpfaden» und praktischen Übungen an verschiedenen Orten in Zürich beschäftigen sich die Schüler*innen mit den Anliegen der Dadaist*innen und werden selbst zu Akteur*innen.
Themenpfad «Die dadalogischen Dimensionen» (701,5 KiB)
Themenpfad Readymade – «Ich bin Kunst» (6,7 MiB)
Themenpfad «Sprechakte!» (7,1 MiB)
Themenpfad «Provokation auf der Bühne» (7,2 MiB)
Themenpfad «Politische Propaganda» (6,8 MiB)
Als die Dadaist*innen das Haus 1916 entdeckten, betrieb Jan Ephraim die Bier- und Weinschenke Holländische Meierei. Die Dadaist*innen bespielten den hinteren Saal und verpflegten sich mit dem Angebot der Meierei. Seit der Sanierung 2022 verfügt das Cabaret Voltaire sowohl über eine Bar im Eingangsbereich – die sogenannte Künstler*innenkneipe – als auch über eine Bar im Historischen Saal. Wir empfehlen den «Smoky Tear», der für die Ausstellung von Ilaria Vinci kreiert wurde, den «Never drink alone» zur Ausstellung von Monster Chetwynd, sowie unsere weiteren Signature-Drinks «Dada Sour», Haus Negroni» und den «French 1916».
Hier finden Sie die Karte.
In der oberen Etage befindet sich das ursprüngliche Cabaret Voltaire. Die Dadaist*innen mieteten das sogenannte Holländer Stübli im hinteren Bereich, um ihr eigenes Kabarett zu eröffnen. Hugo Ball beschrieb das Cabaret Voltaire in seinem Tagebuch als ihren Candide gegen die Zeit. Das Cabaret Voltaire war nur fünf Monate geöffnet. Vom 5. Februar bis zum 23. Juni 1916 fanden täglich, ausser freitags, Veranstaltungen statt. Im April 1916 einigten sich die Dadaist*innen auf den Namen Dada.
Heute ist von der Original-Bausubstanz nur noch die Säule im vorderen Teil des Saales vorhanden. Links im Raum stand – wie heute – die kleine Holzbühne, auf der experimentelle und interdisziplinäre Darbietungen gezeigt wurden. Gedichte wurden in verschiedenen Sprachen gleichzeitig aufgeführt und mit Masken, Tanz, Bühnenbildern und Musik kombiniert.
Damals hingen auch Kunstwerke an den Wänden, unter anderem auch von Picasso. Ein Höhepunkt des Cabaret Voltaire bildete der Auftritt von Hugo Ball am 23. Juni 1916, als er in einem kubistischen Kostüm als magischer Bischof seine Lautgedichte aufführte und dabei seine mystische Erleuchtung erlebte.
Der Historische Saal und die Dada-Bibliothek können für Privatanlässe oder Seminare, Vorträge, Lesungen etc., gemietet werden.
Wir verfügen über ein sorgfältig ausgewähltes Getränkesortiment. Gerne
stellen wir Ihnen aus der Getränkekarte einen passenden Aperitif zusammen.
Einfache Mahlzeiten bereiten wir je nach Wunsch für Sie zu. Für Flyingdinners, Apéro dînatoires und Tavolatas arbeiten wir mit ausgewählten Caterern zusammen.
Historischer Saal
Theaterbestuhlung: bis 80 Personen
Bankett: bis 60 Personen
Party: bis 130 Personen
Seminarbestuhlung: 20–30 Personen
Dada-Bibliothek
Seminar, Bankett: 16 Personen
Aperitif: 35 Personen
Wir freuen uns auf Ihre Kontaktaufnahme per untenstehendem Formular. Wir melden uns baldmöglichst bei Ihnen.
Wir bedanken uns herzlich für die Unterstützung!
Das Cabaret Voltaire erhält Betriebsbeiträge von:
Stadt Zürich
Kanton Zürich
Das Cabaret Voltaire erhielt 2025 Projektbeiträge von:
Jubiläumsstiftung der Mobiliar Genossenschaft
Stanley Thomas Johnson Stiftung
Hans F. Tellenbach Stiftung
Else v. Sick Stiftung
Elisabeth Weber-Stiftung
Das Cabaret Voltaire erhielt 2024 Projektbeiträge von:
Amt für Kultur des Kanton Schwyz
Private Kulturstiftung Einsiedeln
Bezirk Einsiedeln
Stiftung Temperatio
Elisabeth Weber Stiftung
Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung
Erna und Curt Burgauer Stiftung
Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer Stiftung
Migros Kulturprozent
Herzlichen Dank auch an die privaten Sponsor*innen, insbesondere hervorheben möchten wir Carhartt WIP und «The Home Hotel» in Zürich, mit denen wir eine Partnerschaft im Zeichen von Dada und der Kultur in Zürich führen.
Das Cabaret Voltaire erhielt 2023 Projektbeiträge von:
Ernst Göhner Stiftung
Kanton Zürich
Else v. Sick Stiftung
Stiftung Temperatio
Philaneo
Stiftung Anne-Marie Schindler
Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung
Elisabeth Weber Stiftung
Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung
Stiftung Kulturfonds, ProLitteris
Fondation Jan Michalski
Albert Huber-Stiftung
Oertli-Stiftung
Herzlichen Dank auch an die privaten Sponsor*innen.
Das Cabaret Voltaire erhielt 2022 Projektbeiträge von:
Else v. Sick Stiftung
Kanton Zürich
Pro Helvetia
Kanton Appenzell Ausserrhoden
Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer Stiftung
Steinegg Stiftung
Dr. Georg und Josi Guggenheim Stiftung
La République et canton de Genève (DCS)
Fonds cantonal d’art contemporain (FCAC)
Herzlichen Dank auch an die privaten Sponsor*innen.
Das Cabaret Voltaire erhielt 2020 und 2021 grosszügige Projektbeiträge von:
Die Mobiliar
Kanton Zürich
Ernst Göhner Stiftung
Nestlé Fondation pour l’Art
Avina Stiftung
Gottfried und Ursula Schäppi-Jecklin Stiftung
Ars Rhenia
Elisabeth Weber Stiftung
Temperatio
Frühere Betriebsbeiträge:
Bank Julius Bär (2008–2011)
Andy Rihs (2008–2011)
Swatch (2004–2008)
Frühere Projektbeiträge:
Dr. Adolf Streuli Stiftung (2013, 2017)
artEDUStiftung (2017)
Fachstelle Kultur Kanton Zürich (2017)
Avina Stiftung (2016)
Dr. Georg und Josi Guggenheim Stiftung (2014–2017)
UBS Kulturstiftung (2017)
Agape Stiftung (2015–2017)
Else v. Sick Stiftung (2016–2017)
Zürcher Kantonalbank (2013, 2016)
Ernst Göhner Stiftung (2013, 2016)
Maya Behn-Eschenburg Stiftung (2015–2016)
Pro Helvetia (2016)
Lixmar-Stiftung (2016)
Ars Rhenia Stiftung (2016)
Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung (2016)
Walter Haefner Stiftung (2016)
Cassinelli–Vogel Stiftung (2016)
Stiftung Temperatio (2016)
Kunstsammlung Albert und Melanie Rüegg (2008–2016)
Volkart Stiftung (2008–2014)
Swiss Re (2013)
Migros-Kulturprozent (2013)
Baugarten Stiftung (2013)
Adolf und Mary Mil-Stiftung (2013)
Parrotia-Stiftung (2013)
Georges und Jenny Bloch-Stiftung (2013)
Georg und Bertha Schwyzer-Winiker-Stiftung (2013)
You can find the complete exhibition text here.
When the Cabaret Voltaire opened as «Künstlerkneipe Voltaire» on February 5, 1916, its initial program – advertised on a poster designed by Marcel Słodki – first announced «music recitals and recitations.» Music was indeed central to the Dada impulses that unfolded during the Soirées, first at Cabaret Voltaire, then at the movement’s various venues in Zurich, and later transcending both national and European borders. Yet, neither in Dada Zurich’s historiography nor in the common conceptions of the movement, music is as prominently featured or contextualized in its full complexity. The «Interlude» program in the Vaulted Cellar unfolds in two acts from February to April 2025 and thematizes Dada’s legacy in relation to music and sound, while also creating space for contemporary practices and discourses. The title «Interlude» refers to the traditional structure of musical compositions and to what hap- pens during the interval between parts of a larger composition. At Cabaret Voltaire, «Interlude» activates the Vaulted Cellar between the usual exhibition program, inviting the audience to a different kind of immersive and reflective experience.
The second act of «Interlude» (11.03.25– 27.04.25) is composed around the BaseCamp Library, featuring «Hold The Sound», an installation that invites the audience to read, listen, reflect and discuss. The desire to capture the ephemeral nature of sound through verbal and visual expression is the starting point of «Hold The Sound». BaseCamp is an initiative of the Locarno Film Festival – a permanent laboratory and art residency dedicated to expanding the multidisciplinary dialogue on contemporary cinema. The Library is a new project from BaseCamp with the endeavor to build a living and evolving archive. It is born out of the need for more vibrant social spaces that foster community. With a modular display system, the BaseCamp Library can adapt to many places and en-able the sharing of tools and ideas, free from production-driven constraints. «Hold The Sound» is a curated selection of over 150 art books that hold sound, each in their own way. From critical theories around listen-ing practices to scores, the ephemeral phenomenon of sound is translated, archived and reflected upon through a medial transfer, in the form of publications. These works encourage deeper engagement with listening and attention, presenting a variety of voices that offer thought-provoking ideas, introductions and new ways of accessing auditory phenomena.
As curators of «Hold The Sound – BaseCamp Library» Justine Stella Knuchel and Jan Steinbach observe, today’s sonic environments are increasingly shaped by algorithms, leading to isolating effects that are already evident. In this context, they believe there is a need for exploring different ways of engaging with sound, questioning our habits, and reclaiming listening as an active practice. The title of the project is a reference to sound artist Tony Conrad, who shouted «Hold the sound!» decades ago, as he passed his microphone to an audience – an invitation to engage deeply with the auditory experience, to hold and acknowledge it fully.
The display of the library was conceived by designer Gabriel Hafner, using only discarded or recycled materials. It offers an environment where the public is invited to sit and inhabit the space in an extended temporality. For the first time since its inception, the BaseCamp Library is presented at Cabaret Voltaire accompanied by a soundscape, developed in collaboration with Beatrice Dinoia and composed of three sound works. These pieces by C3, Furtherset and Surani were originally performed live in the library space as it was displayed in Milano, at Fabbrica del Vapore. All three works, whether original creations or re-adapted sound performances, aim to reconsider listening as a practice that embraces a multiplicity of dimensions and blurs boundaries between natural and technological, voluntary and involuntary, real and imagined sounds – each equally capable of expanding the limits of perception. The recordings are played in «Interlude: Act 2, Hold The Sound – BaseCamp Library» to accompany the reading and reflecting of the public.
Published in inauguration of the BaseCamp Library in 2024, the pocketbook Hold The Sound is available for purchase at the bookshop CVBOOKS at the entrance. It collects thoughts on sound selected by 30 artists and researchers, and brings together a multitude of voices offering insights into listening experiences and fascinated by the idea of giving form to something as elusive as a sound.
Emma Jung, Watercolor of a Child in a Blue Dress, undated. © 2007 Stiftung der Werke von C.G. Jung, Zurich. © 2007 Stiftung der Werke von C.G. Jung, Zurich.
Rebecca Ackroyd, The World as I see it, 2025.
This extraordinary exhibition at Cabaret Voltaire brings the previously largely unknown cosmos of Emma Jung (1882–1955) into dialogue with contemporary artist Rebecca Ackroyd (*1987). For the first time, Emma Jung‘s records from her analytic practice, including drawings, paintings, poems, and notes, are being presented to the public. Emma Jung, a skilled analyst and close collaborator and interlocutor of her husband C.G. Jung, significantly influenced the exploration of the human psyche – even though she often worked in the background of the famous Swiss psychiatrist. Her work particularly focuses on the concept of individuation, referring to the process by which a person recognizes and develops themselves as an individual. Central to this are the dynamics of Animus and Anima, the symbolism of the Grail legend as a metaphor for the inner spiritual journey, and the quest for wholeness. As a result, dualities such as culture and nature, good and evil, or gender identities are dissolved.
Rebecca Ackroyd‘s œuvre features numerous parallels with Emma Jung. Her drawings give shape to the unconscious and, similarly to Jung, reflect the psychological and spiritual dimension of art and the process of ‚world- becoming‘. Ackroyd‘s installations are often dreamlike and depict the fragmentation of memory and time. Through a diverse visual language comprising large-format paintings, drawings, sculptures, and objects, a world of desire and repulsion, wishes and fears, as well as the familiar and the uncanny merge into a captivating whole. For her first exhibition in Switzerland, Rebecca Ackroyd is developing a new series of drawings and sculptures, conceived as intimate expressions of symbolic orders. Consciously smaller in scale, the drawings invite a closer encounter with the inner world of making.
The exhibition at Cabaret Voltaire – the birthplace of Dada – is inspired by a historical trace: the links between Emma Jung, analytical psychology and the Dada art movement. In 1916, Emma Jung, then the first president of the Psychological Club, attended at least one Dada soirée. That year, she created impressive visual metamorphoses that dealt with processes of individuation. Artists such as Sophie Taeuber-Arp and Hans Arp engaged with Jungian approaches, particularly in their search for typologies and universal forms. The analytic concept of individuation can be compared to the Dadaist breaking of conventions. Analytical psychologists, in turn, explore the therapeutic effects of abstract mandalas. Both Dada and Analytical Psychology were deeply concerned with the unconscious. Utilizing theories of Analytical Psychology, Dadaists grappled with the societal upheavals of the early 20th century, such as the mechanization of life and the traumas of World War I. Richard Huelsenbeck later noted a therapeutic quality in the works of many Dadaists.
Emma Jung was a Swiss analyst and author. She gained recognition as the wife and close collaborator of psychiatrist Carl Gustav Jung, but her own contributions to Analytical Psychology deserve acknowledgment. Emma Jung came from a wealthy and influential family. Her father, Johannes Rauschenbach-Schenk, was a successful industrialist and co-owner of the Rauschenbach machinery factory. Thanks to her privileged background, she received an excellent education, which sparked her interest in literature, philosophy, and psychology. In 1903, she married Carl Gustav Jung, with whom she had five children. She was not only deeply involved in her husband‘s work but also developed into an independent analyst over the years. Notably, her research on Grail symbolism, published posthumously in 1960, and her studies on the dynamics of Animus and Anima stand out as significant contributions.
Rebecca Ackroyd, born in 1987 in Cheltenham, Great Britain, lives and works between Berlin and London. She completed her Post Graduate Diploma in Fine Art at the Royal Academy of Arts, London, and her BA at the Byam Shaw School of Art, London. Her recent solo exhibitions include Mirror Stage at the Venice Biennale (2024), organized by Kestner Gesellschaft, Hanover; Period Drama at the Kestner Gesellschaft, Hanover (2023–2024); Shutter Speed at Musée d’Art Contemporain, Lyon (2023–2024). Her works have also been part of numerous group exhibitions, including Antéfutur at Musée d’Art Contemporain, Bordeaux (2023); Dark Light: Realism in the Age of Post-Truth at the Aïshti Foundation, Beirut (2022); Masters and Servants at Ygrec Gallery, École Nationale Supérieure d’Arts de Paris Cergy, Paris (2022); corpus murmur at Peles Empire, Berlin (2022); Act 1: Body en Thrall at Rugby Art Gallery and Museum, UK (2022); and Singed Lids for the 15th Lyon Biennale, organized by the Palais de Tokyo (2019).
The exhibition and the educational project are made possible with the support of
Jubiläumsstiftung der Mobiliar Genossenschaft
Stanley Thomas Johnson
Hans F. Tellenbach Stiftung
Else v. Sick Stiftung
Elisabeth Weber-Stiftung
Stiftung C.G. Jung Küsnacht
Stiftung der Werke von C.G. Jung
You can find the complete exhibition text here.
When the Cabaret Voltaire opened as «Künstlerkneipe Voltaire» on February 5, 1916, its initial program – advertised on a poster designed by Marcel Słodki – first announced «music recitals and recitations.» Music was indeed central to the Dada impulses that unfolded during the Soirées, first at Cabaret Voltaire, then at the movement’s various venues in Zurich, and later transcending both national and European borders. Yet, neither in Dada Zurich’s historiography nor in the common conceptions of the movement, music is as prominently featured or contextualized in its full complexity. The «Interlude» program in the Vaulted Cellar unfolds in two acts from February to April 2025 and thematizes Dada’s legacy in relation to music and sound, while also creating space for contemporary practices and discourses. The title «Interlude» refers to the traditional structure of musical compositions and to what hap- pens during the interval between parts of a larger composition. At Cabaret Voltaire, «Interlude» activates the Vaulted Cellar between the usual exhibition program, inviting the audience to a different kind of immersive and reflective experience.
Dada is often associated with loud disturbing sounds as well as chaos and randomness. Yet, the program sheets and chronicles of various protagonists reveal that the Dada Soirées in Zurich brought together many opposing artistic directions of the time: experiments with noise shared the stage with pieces rooted in the Western harmonic musical tradition, played by protagonists such as Hans Heusser and Suzanne Perrottet. At Cabaret Voltaire and the later Zurich venues, one could hear romantic pieces by Saint-Saëns and Rachmaninov, as well as folk music in German, French, Danish and Russian, brought by the movement’s inter- national protagonists, most of whom were fleeing the First World War. The two founders of Cabaret Voltaire were professionally active as cabaret musicians. During the Dada Soirées, Emmy Hennings sang folk songs and Hugo Ball played ragtime music on the piano. However, against a backdrop of disillusionment stemming from the crises of the war, Dada also developed new artistic languages that often drew on anti- traditional principles and used rhythm and sound as artistic materials.
Some of these innovations were shaped by the appropriation of non-European idioms; what was problematically labeled as «primitive» was embraced as a liberating alternative to communicate more directly with the public and disrupt the established norms of traditional Western art and the values of bourgeois society. With access to examples of African poetry, Zurich’s Dada artists incorporated «Chants N_» and the bruitist works of Richard Huelsenbeck into their Soirées programs, without critically reflecting on this appropriation. On the other hand, a crucial part of the experimental sound research of Dada artists also unfolded in questioning language as a tool of propaganda, in a context where nationalism established itself exponentially, which resonates with today’s political reality.
One of Dada’s artistic strategies was to understand words no longer as signifiers but as sound and use them as rhythms and intonations. A few years before the opening of Cabaret Voltaire, the futurist Luigi Russolo published the manifesto L’Arte dei Rumori (The Art of Noises), in opposition to academism and tradition, while seeking a direct and dynamic impact on the audience. Yet, within Futurism, the reproduction and declamation of machine and war sounds is to be understood as a proto-fascist celebration of modernity. In contrast, Dada artists used language itself to question nationalist propaganda, critiquing the violence of the modern age and war. This is particularly evident in the development of the new forms of sound poetry and simultaneous poetry, used mainly by Hugo Ball and Tristan Tzara, in which the noise of nonsensical words stands for an opposition to normative rationality. In these sonic tactics, the body was the instrument and place of declamation, and thus, a form of opposition against structures of power and rules.
The development of experimental music in the 20th and 21st centuries owes a certain legacy to Dada. The movement’s anti-bourgeois ethos resonates with various movements, such as Fluxus, or the punk and noise music genres, all of which embrace sound as a site of opposition. Figures such as Merzbow – the stage name of the pioneering Japanese noise artist of the 1980s and 1990s Masami Akita – or the industrial band Cabaret Voltaire demonstrate these historical links, with Akita directly referencing Dada artist Kurt Schwitters’ Merzbau. The processes of aleatoric creation exemplified by Tzara’s «cut-up» technique, or collage and assemblage, find a particular echo in sampling cultures, in the pioneering experimental compositions of John Cage, or in musique concrète and its sound collages. The use of urban soundscapes, field recordings and various environmental sounds in today’s electronic music resonates with Ball’s sound poetry. The centrality of the body and performance in this form of poetry is also crucial to contemporary sound art practices that blur the lines between music, poetry and the visual arts. The rejection of norms and the search for raw sounds in the various directions of noise music align with the transgressive ethos of Dada.
«Interlude» bridges the gap between this history and contemporary sound practices, giving them space as an echo to Dada’s legacy.
The first act of «Interlude» presents WURM, an experimental space for everything that sounds adventurous, exploratory, noisy, improvised, speculative, and charmingly weird. Founded 2011 in Basel, it evolved into a buzzy hub for workshops, performances and collaborative projects. For «Interlude» WURM occupies the Cabaret Voltaire for a month, presenting experimental and new sounds.
The Vaulted Cellar is transformed into a stage, activated by performative actions and new sounds. The program includes various sound performances, taking place during two Soirées on February 7 and March 1, 2025. In between these events, the space is inhabited with recordings of the performances. In the center of the room hangs a unique lamp, usually present in the original WURM space, now displaced as part of the scenography to invite new happenings. The focus shifts from the visual to the auditory, as an invitation to experience the space differently.
The program of «Interlude, Act 1: WURM» is organized in collaboration with Mercury Tracer, an event series based in Basel and launched at WURM that serves as a platform for ultra-contemporary artists from the fields of ambient, experimental music and experimental club music. Curated by Flavia Senn and Mattia Comuzzi, Mercury Tracer showcases the diversity and innova- tion of a new generation of musicians and puts local and international, forward-thinking voices at the center to break traditional boundaries and give room to innovative forms of expression. For the Soirée of February 7, 2025, Elie and Gaspard Emma Hers have been invited to perform their works in the Vaulted Cellar. Find out more here. For the Soirée of March 1, 2025, Violeta García has been invited. Find out more here. The recordings of these performances create the soundscape for the first act of «Interlude».
Elie is a DJ and sound artist based in Neuchâtel, Switzerland. In performances close to harsh noise, she explores the sonorities of unexpected materials, such as syringe garbage cans, and aggressive sounds created by DIY granulators as well as EDM samples. In her practice, the body is at the center, exploring its lim- its and its breath, as a creative and subversive energy. Here, noise simultaneously amplifies bodily movements and saturated sounds to an extreme, presented without any pretense of savoir-faire. As she moves through space, she also plays with the resonance of sound through feedback, creating a triptych between body, machine and space. The artist appropriates the violence of sound to convey it in her own terms, creating a kind of dystopian sonic high that amplifies the over-stimulation of the brain as a commentary on con- temporary violent realities for bodies and the power structures they must conform to. Confronted with dark tones and disrupted frequencies, the audience’s hear- ing and orientation are challenged as part of a cathartic procession.
Gaspard Emma Hers – also known as DJ Würm – is a multidisciplinary artist from Brussels, Belgium. Their music delves in liminal spaces between fiction and personal archive; they propose a journey into a landscape that echoes the sound of distant raves and develops into an introspective ambient noise piece. There is no narrative line to follow, but some images can be grasped in order to find a pathway into endless echoes, loops and vibrations. The artist assembles different sonorities like a floating collage, fragmented by deep bass and strident sounds. It is an invitation to call upon one’s own mythology, references and soundscapes, to let personal emotions create connections with the multiple and diverse layers of sound. The fantasy world that unfolds inhabits the medieval architecture of the Vaulted Cellar, whispering legends into the audience’s ears and blurring the temporalities of the past and future. Music is present as a distinct material with a liberating bodily effect, inviting sensitive dance and emotional release.
The cellist, composer, and curator Violeta García moves across many art forms such as free improvisation, electronic music, and contemporary experimental music for violoncello. Originally from Buenos Aires and currently living in Bern, the artist showcases the cello’s versatility while challenging traditional notions of recording and performance. At Cabaret Voltaire, she presents new sounds that push the boundaries of musical convention. Her work trans- forms the site-specific acoustics of the Vaulted Cellar with minimalistic contemporary music, dark ambient and experimental noise. Through resonance and reverberation, the sound has a haunting, immersive quality, and interacts organically with its environment. Drawing inspiration from composers like La Monte Young, Eliane Radigue, Jürg Frey, and Arvo Pärt, García integrates elements of sacral minimalism and acoustic experimentation in a performance that bridges improvisation and composition. The harmonies of the cello are twisted and stretched to a point of decomposition and recomposition, as a commentary on the experimental and liberating potential that can also be found in classical instruments.
For the second act of «Interlude», from March 11 until April 27, the BaseCamp Library inhabits the space. Find out more here.
Cabaret Voltaire is delighted to present the first institutional solo exhibition in Switzerland and Europe by Lee Scratch Perry (1936–2021).
You can find the complete exhibition text here.
Lee Scratch Perry profoundly influenced the development of Reggae, Ska, and Dub. His legendary studios in Kingston, Jamaica, and Einsiedeln, Switzerland, are globally renowned. However, Perry's influence extends far beyond music. His body of work includes visual art such as costumes, totemic sculptures, and assemblages of language, film, painting, as well as everyday objects like CDs, mirrors, stones, and religious and pop-cultural images. He influenced not only music greats like Bob Marley or Keith Richards but also artists like Jean-Michel Basquiat.
Perry connects with the Dada heritage of Cabaret Voltaire through interdisciplinary work, sampling culture, and a DIY approach. Both playfully broke societal norms, created their own mythologies, and were committed to process and collaborations. In Switzerland, Perry and the Dada group found a tranquil island conducive to concentration and creative expression. The incubators were spaces that are now internationally renowned: a beer and wine tavern in Zurich (Cabaret Voltaire) and the Blue Ark Studio in a garage in the canton of Schwyz.
The exhibition focuses on Perry's artistic creations since the 1990s in Switzerland. These include studio walls from the Blue Ark Studio, sculptural assemblages, paintings, decorated equipment, and processed material from his extensive video archive. Some works and video pieces have been specifically secured for the exhibition, making Perry's unique personality and the design of his environment tangible and illustrating the complex relationships and influences between music, spirituality, and art. Visitors to Cabaret Voltaire can enter a time capsule that provides access to Perry's thirty-year creative phase in Switzerland for the first time. The exhibition also includes works resulting from collaborations that help understand the archive as a living network.
The exhibition was developed in collaboration with the Visual Estate of Lee Scratch Perry (led by Lorenzo Bernet and Valentina Ehnimb).
In addition to Lee Scratch Perry the exhibition will feature contributions by: Peter Harris, Invernomuto, David Katz, Lhaga Koondhor (House Of Intuitions) & Dave Marshal, Trinity Mesime Njume-Ebong (Mother Dubber), Sebastian Roldan, Maria Rodski, Volker Schaner, Scott Seine, and more.
Special thanks to: Mireille Perry and the Perry Family, Ulrike and Giuliano Bernet, Antoine Félix Bürcher, Thomas Julier, Albertine Kopp / Caribbean Art Initiative, Cabinet Gallery, London, Corbett vs. Dempsey, Chicago, suns.works, Zurich.
This exhibition is supported by:
Stadt Zürich
Kanton Zürich
Amt für Kultur des Kanton Schwyz
Bezirk Einsiedeln
Private Kulturstiftung Einsiedeln
Biography Lee Scratch Perry:
Lee Scratch Perry (1936–2021) was born in a remote Jamaican village and moved to Kingston in 1961 to pursue a music career guided by a divine voice. After founding the famous Black Ark Studios, he produced some of Bob Marley's most famous songs and became a pioneering figure in the development of Dub and Reggae music. Several years later, the studio burned down, and Perry led a nomadic life until eventually settling in Switzerland. Perry collaborated with artists such as Bob Marley & The Wailers, Junior Murvin, the Beastie Boys, and The Clash. He was awarded a Grammy for Best Reggae Album in 2003.
In the late 1970s, Lee Scratch Perry began painting symbols and dub collages in his studio which gradually evolved into a multidisciplinary practice of total art. This encompassed his entire body and physical environment. Often imbued with spirituality, his visual work increasingly took the form of layered clusters that continuously evolved. With colour, mirrors, stones, photographs, videos, poems, and word collages, Perry created an expanding network of paradisiacal animals, cartoon characters, and saints – in an unceasing endeavour to worship the Almighty.
In recent years, Perry's work has been increasingly recognised in the art world. However, as early as the 1980s, Jean-Michel Basquiat cited the artistic power of Perry's oeuvre as an important source of inspiration for his own paintings. Works by Lee Scratch Perry have been exhibited, among others, at the NMAAHC / Smithsonian Institute in Washington DC (2023), at the Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen in Düsseldorf (2023), at the MACRO – Museum für zeitgenössische Kunst in Rome (2022), and at the 34th São Paulo Biennial (2021).
Here you can find the complete exhibition texts (EN).
Here you can find the Reader on historical manifestos (DE/EN).
Cabaret Voltaire, Zurich: 06.10.2023–31.03.2024, Opening: 05.10.2023, 18:00
Istituto Svizzero, Rome: 20.10.2023–18.02.2024, Opening: 19.10.2023, 18.00
A collaborative project between Cabaret Voltaire (Zurich) and Istituto Svizzero (Rome) with Bassem Saad, Ceylan Öztrük, Guerreiro do Divino Amor, Giorgio Zeno Graf, Industria Indipendente, Ivona Brđanović, Maya Olah, Mathis Pfäffli, Michèle Graf & Selina Grüter, MigrArt/DACZ (Deniz Damla Uz & Niştiman Erdede), Ramaya Tegegne, RM, Sandra Mujinga, Shirana Shahbazi (in collaboration with Hannaneh Heydari) and Ursula Biemann.
Curated by Gioia Dal Molin and Salome Hohl
Ceylan Öztrük, «Pink Tabula Rasa», Cabaret Voltaire 2023. Photo: Cedric Mussano.
In the historical avant-garde, such as Futurism or Dada, the manifesto advanced to become an important stylistic device for expressing convictions and criticism, for making them «tangible» and «evident,» as the etymological origin «manifestus» already indicates. Art should not preserve and maintain appearances, but rather reveal, «do,» change the world and people. In the exhibition «Poetry for Revolutions», artists and writers respond in their own artistic language to the globally entangled crises or reflect on the culture of sharing and manifesting. They do so at a time when manifestos or monuments seem to have gone out of fashion, yet events call for action, for remembering whilst at the same time for breaking free. Art does not depict one-dimensionally, it condenses, isolates, differentiates, confuses, unravels – be it poetic, radical, subtle or concrete. This raises the question of what position the authors take and to what extent art shapes political people or rather creates a pseudo-political space.
The group exhibition «Poetry for Revolutions» brings together manifestos by fifteen artists – one contribution each for Zurich and Rome, some identical, some slightly different. The content and formal characteristics are diverse. They deal with the ecological crisis, the power of language or the pharmaceutical industry, the handling of ideologies or resources, longings in dystopian times, collective imaginations and identitarian attributions. From a curatorial point of view, the contributions also deal in a certain way with the great ideology of “democracy,” which can never be neutral, but is committed to certain values.
Some of the manifestos are poetic, abstract, others prosaic, concrete. They are texts, drawings, photographs or sculptures. In both institutions, the manifestos are additionally available photocopied on Ceylan Öztrük‘s «Choreographed Manifestos» sculptures, which allow the papers to glide along the walls like leaflets. The artist is interested in how information formally circulates and who feels empowered to share what knowledge. Visitors can take the manifestos with them and take them to the streets.
Ceylan Öztrük‘s «Phantasm Manifesto» furthermore extends the exhibitions and the idea of manifestation with a group of works reminiscent of architectural elements with a propagandistic purpose. At second glance, however, the paper sculptures seem ironic, as they are deprived of any function and convey images or writing that do not refer to anything concrete. Perhaps they are to be understood as artistic «counter- or anti-monuments,» but they can also be read, as Öztrük‘s overall contribution titled «Pink Tabula Rasa» suggests, as a possible re-description. In keeping with the title «Phantsm Manifesto,» she also wants to give space to the imaginary, surreal, or illusory aspects of a particular concept.
The fifteen manifestos and Ceylan Öztrük‘s contributions are on view at both institutions. In Rome, additional works by some of the participating artists accompany the show, and a historical showcase highlights the manifestos of the feminist movement in Italy in the 1960s and 70s. At the Cabaret Voltaire in Zurich, the reference system is shown in the context of Dada.
This project is kindly supported by:
Stadt Zürich
Ernst Göhner Stiftung
Stiftung Temperatio
Philaneo
Stiftung Anne-Marie Schindler
Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung
Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung
Stiftung Kulturfonds, ProLitteris
Oertli-Stiftung
Else v. Sick Stiftung
You can find the complete exhibition text here.
In the Vaulted Cellar of the Cabaret Voltaire, entered through an open maw, and transporting guests to other worlds, stands one of the monstrous heads of Monster Chetwynd. Inside this head is a small exhibition, a prelude to Chetwynd’s artistic occupation of the Artists’ Bar from August 25, 2023 to the end of July 2024. Chetwynd’s works, be they exuberant performances or painterly installations, brim with optimistic absurdity and profound comedy; they are comprehensible to all yet rich in cultural references. With the do-it-yourself character, the processivity, and the humor, Chetwynd’s art connects to the heritage of Dada.
At the center of the exhibition “Profusion Protrusion” is Il Tetto, which moved from Frankfurt’s SCHIRN to the Cabaret Voltaire, the venue where Dada originated. The gigantic mask was first shown in Bergen in 2017, where it was worn by performers sing-screaming ecological songs. Such re-stagings are programmatic in Chetwynd’s work. Many of her works, made from simple materials such as cardboard and fabric, are recycled, and modified further as well as incorporated into altered contexts on site. Always inherent in the work is collective development, whether in the process of making, or the performative activations that take place at Cabaret Voltaire both on June 9 (with a one-hour disco) as well as August 25 and September 2.
Chetwynd draws her inspiration from a variety of sources, including film and television, literature, music, antiquity, art history, and philosophy. Il Tetto refers to different cultural eras and their genres: The stone masks of ancient Rome come to mind, as does the Christian motif of the “hell mouth.” The “gate to hell” was already found as a passage or entrance, for example, in the Italian sculpture garden “Sacro Bosco” from the 16th century. However, Il Tetto also testifies to years of investigation into the iconography of faces and masks, which can be seen in absurd overlaps, for example in the film Zardoz (1974) by John Boormann, where antiquity and sci-fi meet. Or in the film Satyricon by Federico Fellini (1969), with its roots in the scurrilous text written in the time of Nero. The sculpture also pays tribute to early Christian plays, when the theater was dormant, sets were built, and stories were reenac- ted outside of churches. The paintings of Giotto are thought to depict the scenery. Additionally, “hell mouths” painted on wood from this era have been preserved and serve as a major source of inspiration for Monster Chetwynd.
Both in the exhibition in the Vaulted Cellar and in the Artists’ Bar, Monster Chetwynd is interested in the mask-like and the carnivalesque. In Chetwynd’s work, humour and the grotesque are used as consciousness-expanding devices. In particular, the masks inside Il Tetto bear witness to this exploration and are snapshots of the working process for the upcoming show in the bar.
Monster Chetwynd (*1973, London) lives and works in Zurich. She received a bachelor’s degree in social anthropology and history from University College London in 1994 and a master’s degree in painting from the Royal College of Art in 2004. She has performed and exhibited internationally, including at SCHIRN KUNSTHALLE FRANK- FURT (2023); Konsthall C, Stockholm (2021); De Pont, Tilburg, Netherlands (2019); Villa Arson, Nice (2019); Tate Britain, London (2018); CCA Centre for Contemporary Arts, Glasgow (2016); Bergen Kunsthall, Bergen (2016); and Bonner Kunstverein (2016). In 2012, she became the first performance artist to be nominated for the Turner Prize. Playing with expectations and norms in art is also reflected in the artist’s name: formerly known as Spartacus and Marvin Gaye Chetwynd, she has been known as Monster since 2018.
Exhibition view Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend», Mai-Thu Perret, Untitled (for S.T.),2022 and Untitled (Green Oval), 2018, Cabaret Voltaire 2022. Photo: Cedric Mussano
Opening: 13 October, from 18:00
You can find the complete exhibition text here.
Although depicted on the old 50-franc note, Sophie Taeuber-Arp, like so many women in the Dada circle, was long denied recognition. In recent years, much has been done to honor her oeuvre, including the retrospective «Gelebte Abstraktion» [Lived Abstraction], which traveled from Basel (Kunstmuseum) to London (Tate Modern) and New York (MoMa) in 2021. Nevertheless, the artist’s complex oeuvre, shifting between applied, visual, and performing arts, needs to be further explored. Many art-historical and cultural-analytical questions arise that are still topical today: for example, abstraction processes or concepts of artisthood in the context of genre hierarchies, gender attribution, or democracy. Particularly revealing in this regard are Taeuber-Arp’s letters, acquired by the Zentralbibliothek Zürich [Zurich Central Library], which were recently examined in an edition project by Medea Hoch, Walburga Krupp, and Sigrid Schade. Until now, the art-historical reception of Sophie Taeuber-Arp has been based on the memories of Hans Arp and his companions. With the letters, the artist’s «own» view and her system of reference can be reconstructed for the first time.
At Cabaret Voltaire, Sophie Taeuber-Arp’s letters, isolated works (such as a never-before-shown necklace owned by Johanna Lohse), and testimonies of her work as a teacher of textile design at the Kunstgewerbeschule Zürich [Zurich School of Arts and Crafts] enter into dialogue with works by the Geneva-based artist Mai-Thu Perret (*1976). Perret’s multidisciplinary work combines feminist concerns, literary references, and questions about craft with the avant-garde movements of the 20th century. Political as well as formal questions of materiality are in the foreground. Dada and especially Sophie Taeuber-Arp represent an important source of inspiration for Perret. In addition to older works that quote Taeuber-Arp, the exhibition at Cabaret Voltaire shows new works by the artist. Among other things, Perret translates an exercise sheet designed by Taeuber-Arp from lessons for textile professions into a neon work. In this way, the artist transfers a formal language with female connotations as well as patterns from the textile trade into a medium that follows the male-dominated Minimal Art tradition. Following Perret’s genealogical interest in «Fiber Art», the exhibition also features works by Taeuber-Arp’s students, such as Elsi Giauque and Gertrud Sonderegger.
Both Cabaret Voltaire as well as the former Gallery Dada in Zurichs Sprünglihaus must be read as important stations for Sophie Taeuber-Arp. In the Dada House, a discussion arises between the works of women of different generations and regions. Taeuber-Arp’s years in the Dada circle stand at the interface between her apprenticeship years in Eastern Switzerland and her path into the avant-garde, which later led her to Paris, among other places, as a pioneer of abstract art. The exhibition title «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» [I am ang g g g g g g g ry] is a quotation from a letter Taeuber-Arp wrote to Hans Arp in Arosa on May 4, 1919, in which she expressed her disgust at some of what she saw as gimmicky male Dadaists, who considered themselves to be «radical artists.» The letter gives an additional perspective on Taeuber-Arp and Dada, but in the exhibition «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» is also representative of the rejection of hierarchies and constricting artistic methods.
The exhibition is supported by:
Pro Helvetia, Kulturförderung Kanton Appenzell Ausserrhoden, Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer Stiftung, Steinegg Stiftung, la République et canton de Genève (DCS), Fonds cantonal d’art contemporain (FCAC)
You can find the complete exhibition text here.
Opening: 20 May 2022, 18:00
The artisanal object landscapes by ektor garcia (*1985) are frozen moments within an ongoing process. Using a variety of materials and techniques, the artist creates temporary structures that can be reworked at any time. Set in juxtaposition, the crocheted textiles, copper wire connections, ceramic forms, and metal castings function like free-form poems that constantly generate fresh resonances. For each exhibition, garcia produces new constellations that resist the urge to establish categories and hierarchies. They are punk and queer. The sensual installations break with narrative forms that are intended to convey a certain story without obliviousness to history. Through the materials and symbols, multi-layered content traces can be picked up on without imposing themselves.
The artist’s work involves intense physical labor. Countless loops, knots, and fingerprints are evidence of his daily work, in which chaos and logic, connection and detachment exist in parallel. garcia strives for the imperfect, the beauty of the handmade, unique with its flaws. Fragments of the installation in the vaulted cellar were produced partly in Mexico City, the artist’s current place of residence, as well as in Zurich, Berlin, Paris, and Venice. In these places, for the past few weeks, garcia has knotted, knitted, modeled, and crocheted daily to produce work for the exhibition nudos de tiempo. Because of his nomadic practice, his art is invariably exposed to new influences. These do not, however, become fixed. Contributing to this openness is the fact that the objects are detached from craft traditions due to the sometimes unusual combinations of materials and techniques. For example, garcia crochets with copper wire, forms resistant objects such as chains from fragile terracotta, or transfers soft materials into bronze using the lost wax process. During the casting process, the original is dipped in wax melts. In order to extract the work fragment, the plaster mold must be destroyed, meaning that the casting can be carried out only once; the result is a unique piece with uncontrollable, surprising formations.
Some of the crochet works on display are reminiscent of the US fiber art movement of the 1960s, which addressed the division of the sexes by means of female-dominated domestic labor. garcia uses the emancipatory power of crochet but expands the feminist material vocabulary through disconcerting connections between material and technique. In the context of feminist movements, the butterfly can be read as a symbol of transformation and freedom. In the Cabaret Voltaire, butterflies made of cut leather, crocheted copper, yarn, or ceramics can be seen. garcia also associates the butterfly with other experiences. He made several visits to the Mariposa Monarca biosphere reserve near Mexico City, which serves as the winter quarters for the monarch butterfly. Countless butterflies fly up to 4,000 kilometers from Canada to Mexico in winter, and make the return journey in spring. These butterflies cross borders in a way that is not possible for many people wanting to enter the US from Mexico. On the other hand, the Spanish word for butterfly, this symbol of transnational freedom, is mariposa a derogatory term used in Mexico for homosexual men. Here, garcia reclaims the word. His small black leather butterfly displayed on the floor recalls, in its abstracted form, the armor of the Toltec warriors of Tula, who wear the butterfly emblazoned across their chests as a protective shield.
These historical intersections of nature, cultural production, and society are reflected in garcia’s use of materials. Ceramic and textile crafts are among the oldest and most important of cultural techniques. Textile products, for example, were used as communication systems by advanced civilizations. The Quipu, a knot script from the Inca Empire, served as a sophisticated counting system and as a simple form of correspondence from the 7th century onwards. Textiles have also been an important medium of communication in more recent history: for example, the Arpilleras, which gave expression to the oppression suffered during the Pinochet dictatorship in Chile, or the AIDS Memorial Quilt in the US, which commemorates the frequently socially ostracized victims. There are no obvious analogies to this in garcia’s work. It remains unclear whether the patterns and shapes follow a specific tradition, spring from the artist’s imagination, or come as arbitrary pattern templates sourced from the internet. However, knots, patchwork, material collages, and banners recall the coexistence of indigenous history, folk art, protest movements, and pop cultures.
All of garcia’s objects are produced with naturally sourced fabrics and natural dyes. The brownish yarn’s color comes from walnut shells. The crimson-red work on the floor comes from Central and South American cochineal insects, whose dyes were supplied to both European royalty and the Vatican to intensify the colors of precious textiles. garcia uses cactus fibers and the tips of water-chestnut seeds to attach barbs to a chain. This makes some objects reminiscent of tools for agriculture or hunting, and also bridles. These interpretations are supported by the lighting, which for brief moments is reminiscent of ethnographic displays but which in the end remains too scattered for that.
garcia always writes his name in lower case. In this way, he recalls US author bell hooks, and the idea that the content of a work should take precedence over its authorship. This negotiation of subject-object relationships and the breaking of hierarchies runs through his entire body of work. His exhibitions occupy floors, walls, ceilings, and intermediate spaces in equal measure. In their fragmentarily evoked history, the objects are transnational, trans- cultural, and hierarchically vertical. In the tradition of US theorist Eve Sedgwick, a wide range of desiring, identifying, representing, repelling, rivaling, imitating, withdrawing, attacking, distorting, and other relationships emerge in the juxtaposition.
In garcia’s work, a literary quality emerges in the production process as well as in each presentation. Like passages of poetry, the stitches of the crochet works and the individual fragments of an entire landscape of objects are strung together. Repetition, rhythm, and superimposition give rise to new meanings that can become knotted and unravel again at any time, as the exhibition title nudos de tiempo (knots of time) implies. Here, ektor garcia may be following the sculptor Barbara Chase-Riboud, who states in her book Everytime a Knot Is Undone, a God Is Released that each unraveling of a knot creates a new meaning.
It is precisely in this play with norms, and the simultaneity of openness and the search for meaning, that garcia’s practice finds a connection with the Dada legacy. The Dadaists moved between art and non-art, planning and chance, sense and nonsense, chaos and order, process and manifestation in their desire to overcome conventions and find new forms of expression. To this end, they made use of materials that had not previously been assigned to art, and committed themselves to process, to coexistence, and to drawing on cultural products of non-European cultures. Despite their progressive stance at the time, there were blind spots in their actions. They appropriated “the Other” for their own purposes, and ignored the fact that their reference objects became available to them through colonization.
The show at Cabaret Voltaire is ektor garcia’s first institutional solo exhibition in Switzerland. It is curated by Fabian Flückiger and Salome Hohl in close collaboration with the artist.
ektor garcia earned a BFA at the Art Institute of Chicago and an MFA at Columbia University. He has had solo exhibitions at the Henry Art Gallery (Seattle), Empty Gallery (Hong Kong), Progetto (Lecce), the Sculpture Center (New York), and the Museum Folkwang (Essen). His work has been included in numerous group exhibitions, including the Hangzhou Triennial of Fiber Art (China), the New Museum (New York), El Museo del Barrio (New York), and Prospect New Orleans.
Exhibition view ektor garcia «nudos de tiempo», Cabaret Voltaire 2022. Photo: Cedric Mussano
A didactic operetta by Agnes Scherer
Puppet play: Soya Arakawa
Music: Tobias Textor
Vocalist: Claudia Barth
Performance of the operetta «The Teacher» at Cabaret Voltaire. Photo: Gunnar Meier
Exhibition «The Teacher»
In the work of Agnes Scherer (*1985), the operettas that she has been developing since 2015, occupy a unique position. Her unusual performance formats draw inspiration from basal theatre forms such as processions, the mechanical theatres of the Baroque period, and even from the form of PowerPoint presentations. Thereby, Scherer is interested in possibilities of liberating the work of art from the status of the passive object, and giving it a heightened agency. At the center of «The Teacher» stands a teacher figure, which is controlled by a student – performed by Soya Arakawa – laying on the floor, using his feet to control the figure by employing some quite formidable effort. The teacher is thus placed in a didactic frenzy, a kind of hectic dance that sometimes seems monstrous, sometimes seductive. His lessons are illustrated by large diagrams that fall to the floor in short intervals, in order to reveal something new over and over again. What the teacher presents sounds impressive and true but in fact, contradicts itself. The text, which is closely interwoven with Tobias Textor’s rapid percussion, consists of aphorisms that Scherer was partly told by authorities and partly wrote herself. Together, the texts analyse and demonstrate the rhetorical blueprint of so-called wisdoms and their manipulative potential.
The concluding lesson, «The greater is the lesser and the lesser is the greater» seems to claim that in reality, there are opposing (power-)relations which exist a priori to those who are visible; logical if one considers that the teacher would be incapable of acting without the supporting function of the student. – Or, is it an insidiously constructed paradox, whose seductive anti-logic wants to convince the pupil to be satisfied while remaining in his powerless position? After this final lesson, the teacher disappears, leaving the pupil disoriented, longing for the return of his master. A colossal letter opens. Instead of the longed-for word of authority from afar, what emerges is a scene depicting futile waiting where the student, reclined on a sarcophagus, turns to stone while waiting. The content of the letter suggests that, in fact, no letter has ever arrived. Meanwhile, a stone replicate replaces the waiting and laying student, who can escape through a side hatch in the sarcophagus. In this final image, the artist opens up a space for in-between moments, which play out in unequal relationships. For example, the action of the student can be read as naivety that exists in order to accept power relations. At the same time, though, the scene also reflects the ambivalent longing toward wanting to be at home in a teaching, while, in equal measure, emancipating oneself from it. The master-student-relationship, which in «The Teacher» is embodied by men, refers back to the history of authority, which as a social principle of order and relationship is male. The fact that a woman transmits the patriarchal speech-act – the logos – causes a refraction through which a critical distance is created.
The twelve large paintings that accompany the lessons are playing with the genre of the diagram. The depicted arrangement of objects and pictorial figures seem to illustrate causalities and conditional relationships. However, this communicative character, which invites us to understand, is counteracted by a compositional unity containing fantastical landscapes. In analogy to the texts with which they correspond, they evoke a sentiment of near comprehension. The image-finding process emerges from a longstanding practice of elaborated pencil drawings, which is illustrated by a series exhibited on the upper floor of the Cabaret Voltaire. Stylistically, both, the paintings and the drawings combine, among other things, elements of the Middle Ages with those of Surrealism from the 1960s and 1970s and testify to the broad spectrum of references with which the artist, who is also trained as an art historian, works. References include the medieval Voynich manuscript, which illustrates botanical, anatomical, and astronomical contexts, and the psychedelic comic book Codex Seraphinianus (1981), which is based on the Voynich manuscript in its encyclopaedic approach.
With regard to the historical legacy of the Cabaret Voltaire, Scherer’s work connects in many ways to the site. By bringing together paintings, puppetry, sculpture, stagecraft, music and text, the artist continues the tradition of the Gesamtkunstwerk. Yet, Scherer also touches on other core themes of the Dada Zurich: She illustrates and distorts authoritarian relationships, whether it be through language, gestures or visual mediation. The didactic recognises itself ludicrously.
At Cabaret Voltaire, the installation accompanying the operetta will be on display for the entire duration of the exhibition. At the opening on October 2, at the matinée on October 3, and by the end of the exhibition, Agnes Scherer enlivened the production collaborating with Tobias Textor (musician/Berlin), Soya Arakawa (performer/Düsseldorf) and Claudia Barth (performer and activist/Zurich). In addition to the exhibition on the ground floor, a series of large-scale pencil drawings by the artist, spanning the years 2017-2019, is also on display on the upper floor.
«The Teacher» was shown for the first time in April/May 2019 at the Berlin project space Kinderhook & Caracas, curated by Sol Calero and Christopher Kline.
Biographies
Agnes Scherer (*1985 in Lohr am Main, Germany) lives and works in Berlin. She studied art history in Tübingen and Vienna and fine arts at the Düsseldorf Art Academy. In 2019, she won the Berlin Art Prize. Most recently, her work has been shown in group exhibitions including in the Galerie ChertLüdde (Berlin, 2019) and the Kunstverein Düsseldorf (Düsseldorf, 2019), as well as in solo exhibitions; «Coeurs Simples», Galerie Sans Titre (Paris, 2020); «Orlando Tussaud», Philipp Haverkampf Galerie (Berlin, 2019/20); «The Very Hungry», Horse & Pony (Berlin, Berlin Art Prize finalists exhibition 2019); «The Teacher», Kinderhook & Caracas (Berlin, 2019) and «Cupid and the Animals», Tramps (New York, 2018 and London, 2017). «The Teacher» was first shown in April and May 2019 in the Berlin project space Kinderhook & Caracas, curated by Sol Calero and Christopher Kline. www.agnesscherer.de
The career of multidisciplinary artist Soya Arakawa (* 1984 in Hamamatsu, Japan) includes many years of activity in the field of performance – including solo performances as well as repeated collaborations, in which he acts as a singer, dancer and instrumentalist. His contribution to «The Teacher» draws on his profound knowledge of the art of puppetry, which he also explores in his own recent work. His most recent projects include the performance Crystals at the Market Gallery, Glasgow (February 2020) and Passacaglia della Vita, together with the group SPINE (to which Claudia Barth belongs) at the Simultanhalle Köln (September 2020). Soya Arakawa lives in Krefeld, Germany. www.tacolv.org
The music for «The Teacher» was composed by Tobias Textor (* 1986 in Siegen, Germany). The Berlin-based musician cultivates an experimental attitude and creates music as a spontaneous reaction to social and material environments. His more recent works include «The Teacher», the setting to music of a painting performance by Gregor Hildebrandt together with Christopher Schmidt (2018), as well as compositions with Ornella Balhi for the operetta The Salty Testament, which is currently being written. In 2020, he developed music in connection with drawing in the context of the artists’ residence in the Freiraum of the dance company Ben J. Riepe in Düsseldorf. For «The Teacher», Textor has put together a percussion set of gongs and wooden percussion instruments, most of which originate from theatre contexts. Through his unconventional approach to these instruments, he elicits new and exciting sound qualities from them. https://www.instagram. com/tobias_textor/
Claudia Barth’s (* 1987 in Herrliberg, Switzerland) work focuses on a performance practice that concentrates on movement and speech acts. Her socially and politically committed artistic activity has resulted in video works, sculptural works
and large-scale silhouette cut-out. In 2019 Barth completed the long-term project Eu-você at the EinTanzhaus Mannheim,
a collaboration with her sister Isabelle Barth and Brazilian artists. Part of this project are also the video works every
smell a thousand memories, which were also shown in 2019 at the Raum*station Zürich, as well as the performance Eu não falo português – Ich spreche kein Portugiesisch, which can be seen online this year as a final work at the HKB
Bern. At the end of October 2020, Claudia Barth was nominated for the Performance Prize Switzerland in Geneva.
For «The Teacher», she performs as a reciter. https://cap-common-ground.ch/a..., www.barthclaudia.com
Angespannte Latenz [Tense Latency]
Three large drawings are on display at Cabaret Voltaire until April 30. One of them, Gegenstände [Objects], is attributed to Agnes Scherer. The other two deny their creation by Scherer's hand – by any hand: Inaktiver Zeichenarm [Inactive Drawing Arm] and Inaktiver Zeichenarm mit Motiven, die ohne dessen Zutun entstanden [Inactive Drawing Arm with Motifs Created Without its Involvement] show idle arms next to seemingly lost figurations. Incoherent motifs buzz unrelieved in a damaged framework of bridle that obviously failed to unfold into a foulard à la Hermès. Six stranded seals attempt to establish at least a formal relationship to the drawing arm passing by in a barge by imitating its silhouette. Comparable to the ownerless play personnel in Pirandello's «Sechs Personen suchen einen Autor» [Six Persons Seeking an Author], this assembly of motif finds itself in a kind of purgatory of only partially recognized existence. At the same time, the drawings, created in 2017 during a slow convalescence after pneumonia, reflect strangely aptly the state of tense latency prevailing today due to the pandemic. The enigmatic imagery of her pencil drawings, a core practice in Scherer's work, reveals itself as the source of the disorienting schematics of her operetta/exhibition «The Teacher», currently on view in the exhibition space. In front of the camera lens, the gingerly executed works on paper usually retreat into a nebulous haze that approximates photographic reproduction to a blurred memory. Thus, they circulate mainly in a cloud of inner images from which they have emerged.
Due to Covid-19 the performance to the finissage cannot take place in May 2021.
Sitara Abuzar Ghaznawi, Sculpture 1, 2020, Photo: Cabaret Voltaire, Gunnar Meier
Emmy Hennings (1885–1948) was co-founder of the artists’ bar with Hugo Ball, and probably the most present figure at Cabaret Voltaire. The fact that she received little attention as a writer and artist may be due to various reasons. Perhaps it was the distinct language, or the general uneasiness at dealing with her Catholicism; whatever it was, her trace is missing in the male-dominated Dada historicisation. Only recently has Hennings received recognition, and indeed beyond the role of cabaret star. Whoever reads her novels, poems, and reviews will encounter a woman for whom writing was a survival strategy. She astutely analyses her existence and stages herself as a multiple. The aim of this exhibition is to examine her oeuvre seriously and to promote the opinion that there is continuity within it. For example, ecstasy and faith lie close together, and the themes of captivity and freedom run throughout her work. Motifs like the rose are recurring. For the first time, stained glass from the last years of her life can be viewed in an exhibition. In the past, little claim to art was attributed to them.
At Cabaret Voltaire, Hennings’ writings and paintings enter into an associative dialogue with the works of Sitara Abuzar Ghaznawi (*1995). The young artist stages Hennings’ literary and artistic works in showcases that can also be understood as sculptures. The exhibition display as a place of encounter and a focal point of standardised ideas is part of her artistic questioning. Ghaznawi focuses her attention on power structures, possibilities of participation, forms of aesthetics, craft and knowledge. She questions her environment from a position between autonomy and dependence, the private and public spheres, collectivity and individuality. Characteristic of her formal language is the self-made and the use of everyday, often worthless, materials. The works appear fragile and poetic, a characteristic she shares, amongst other things, with Hennings. Thus, repetitive subjects such as specific flowers, materials and patterns are also present in her work. They result from her engagement with socialized taste and circulating motifs.
Emmy Hennings, who was born 1885 in Flensburg/D and died 1948 in Soregno near Lugano, was a writer, actress, cabaret artist and co-founder of the Cabaret Voltaire and the Dada Gallery. During her lifetime, the following writings were published among others: Die letzte Freude (1913), Gefängnis (1919), Das Brandmal. Ein Tagebuch, (1920), Helle Nacht (1922), Die Geburt Jesu (1932), Der Kranz (1939). But she also wrote for magazines and newspapers (including Revoluzzer) and painted.
Sitara Abuzar Ghaznawi, born 1995 in Ghazni/Afghanistan, lives and works in Obwalden and Zurich. In 2019 she received her Bachelor at the Zurich University of Applied Sciences of Arts and presented, among others, in the following group exhibitions: Gallery Maria Bernheim (Zurich, 2019), Fri Art (Fribourg, 2019), Museum in Bellpark (Kriens, 2019), Édouard Montassut (Paris, 2019), Material Art Fair (New Mexico City, 2019). Solo exhibition: Luma Westbau|schwarzescafé (Zurich, 2019).
Courtesy works Sitara Abuzar Ghaznawi: The artist
Courtesy exhibits Emmy Hennings: Swiss National Library, University Library Basel, Swiss Federal Archive and Zurich Central Library
We thank the Swiss National Museum for sponsoring the material.
You can find the complete exhibition text here.
Six artists lay down trails in the Artists’ Bar at Cabaret Voltaire, leading in various directions. The exhibition “The Red Herring” named after the English expression for a false or misleading clue, plays not only with distraction but also with ambiguity and the expectations we place on contemporary art and the historical birthplace of Dada. This site is visited daily by tourists, the art scene, and random passersby – some hoping to discover treasures from the last century, despite the space undergoing modifications over time. The artists’ traces deliberately steer away from straightforward interpretations but always lead back to Dada, to the history of the site, to their own artistic practices, and to the concepts linked with the idea of an art tavern – both generally and in relation to this specific place: the Cabaret Voltaire was founded in 1916 on the upper floor, known as Holländerstübli of the Dutch Dairy, a meeting spot where beer and wine were served and where the old sailor Jan Ephraim occasionally offered fish, as newspaper ads from 1915 in the Neue Zürcher Zeitung attest.
The Dadaists opened the Cabaret Voltaire during the First World War, initially as the “Künstlerkneipe Voltaire” – artists’ tavern Voltaire –, as a space for artistic and intellectual exchange. The exhibition background recalls the atmosphere of this same venue, as seen in a 1940 photograph. Presumably, the interior was even more rustic in the 1916 tavern; it remains unclear to what extent the “Swissness” of the working-class and entertainment district at time interacted with the internationality and diversity of the Dadaists and the owner. Today’s Artists’ Bar embraces these references and expands them with contemporary practices and questions. This is reflected not only in the diverse works of the artists but also in the carved words and phrases on the wooden structure – a common characteristic of taverns and historic sites, stemming from the desire to leave a mark behind. Here, banal statements sit alongside serious thoughts and demands, much like a social media feed where everyday life and politics coexist problematically side by side. The works and inscriptions will remain until the summer of 2025. Who knows what the world will look like then at this place, which once stood as a symbol of resistance against militarism, authoritarianism, and war and advocated for international solidarity as well as new societal and artistic forms.
Camille Lütjens, Carlo Travaglia, Elena Barmpa, Ice Wong Kei Suet, Laura Nan and Stéphane Nabil Petitmermet are currently completing their master’s degrees at the Zurich University of the Arts. The Dadaists themselves were also in their early twenties when they founded the Cabaret Voltaire – some still students, while others, such as Sophie Taeuber-Arp, were already affiliated with the institution now known as ZHdK. In its aim to integrate emerging artists at the beginning of their careers alongside established and historical figures, the Cabaret Voltaire has invited these six up-and-coming artists to collaboratively shape the Artists’ Bar, reinterpreting it through their individual practices while echoing the history of the site.
In cooperation with Zürcher Hochschule der Künste
Supported by:
Stiftung Erna und Curt Burgauer
Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer-Stiftung
Here you can find the complete exhibition text (EN).
Opening: 25.08.2023, 18:00. Program: «Iron Age Pasta Necklace Workshop» and performances (18:30–20:00), followed by a DJ set by Jack Brennan. Performers: Monster Chetwynd, Dragan Chetwynd, Mariuccia Casadio, Lucy Soni, Jack Brennan, Ella Soni, Mette Sterre, Luca Süss, Dudu, Lukas Ryffel and Levin Stettler Brogli.
In a society shaped by rules on the one hand, and conventions on the other, it requires places that subvert everyday norms. Monster Chetwynd creates such spaces through her performances, images, and installations. She plays with masquerades, twists social rituals, diverts energies, creates hybrid beings and juggles visual cultures from the Middle Ages to science fiction. The monstrous, the carnivalesque, and the grotesque are ever-present in her worlds and always associated with exaggeration, absurdity, horror, and humour. However, they are invariably committed to positivity. Monster Chetwynd's art exudes the courage to find honest engagement in the creative act and to stage rehearsal spaces for inclusive alternatives.
The exhibition «Head-Less-Ness» brings together masks, corporeal fragments, bricolage furniture, textile prints and paintings in the Artists' Bar of Cabaret Voltaire. Originally opened in 1916 as the «Künstlerkneipe Voltaire», art and life were to go hand in hand here and expand the concept of art. In this sense, the exhibition can be seen as a collection of theatre props itching to be used, challenging notions of the familiar and beautiful: an oversized bench, chairs too low to sit on, paintings as uncomfortably placed wallpaper, free-standing sculptures on tables, moths, grimacing faces and masks.
In the grotesque-carnivalesque it is always unclear where the body ends and where the world begins. This fits in with the sociotope «bar», which as a closed community space can both level and reverse social connections. Both the carnival and the bar are associated to rituals in which the individual dissolves within the group, their surroundings or conversely retrieves themselves. «Never drink alone» is therefore the name of the drink that accompanies the exhibition and can be drunk amidst the countless props of heads and bodies. A puppet accompanies the cocktail – an opportunity to enter into a «Puppet Slam» with other guests.
As always in her practice Chetwynd draws inspiration from a variety of sources, including film, literature, art history and philosophy. Mikhail Bakhtin, who draws on readings by François Rabelais to explore how the popular laughter culture of the Middle Ages subverted power relations, is just one of the many references Monster Chetwynd works with. The exhibition also showcases her ongoing exploration of faces and masks, for example from John Boormann’s film Zardoz (1974), in which ancient and futuristic worlds collide, or Federico Fellini’s film Satyricon (1969), based on the satire of the Emperor Nero.
The isolated props in the room are reminiscent of the game «Cadavre Exquis» or the children's game «Head, Body, Legs» with a folded paper, in which the players complete a drawing or sentence without seeing the previous contributions. A method also used by the surrealists to collectively connect freely associated words and images.
Monster Chetwynd often uses the Dadaist-Surrealist strategy of «cut-ups» in her work, a process that creates new images and texts through montage. The artist works with materials she encounters in everyday life, which she develops, upcycles and recycles in a collaborative process. Chetwynd’s fondness for assemblage and reuse is grounded in the fact that they are handmade and collaborative. At Cabaret Voltaire, this sustainable approach emerged primarily in cooperation with Gabi Deutsch, Dimitrij Stockhammer, Social Fabric, Natascha Madeiski, and Esther Schena.
Chetwynd’s practice is not about an ironic play with set pieces, but a contemporary perspective that maintains «radical laughter» as an essential component of resistance. Chetwynd does not promise redemption, but she continues to find pleasure in boosting morale and spirit as well as releasing the Dionysian. The medieval allusions and science fiction analogies offer a way to create fantasies that are inclusive in dystopian times. Now Monster Chetwynd’s artistic universe can be experienced in a bar for the first time that invites participation, and is activated performatively several times over the course of an entire year.
Monster Chetwynd (*1973, London) lives and works in Zurich. She received a Bachelor’s degree in social anthropology and history from University College London in 1995 and a Master’s degree in painting from the Royal College of Art in 2004. She has performed and exhibited internationally, including at SCHIRN KUNSTHALLE FRANKFURT (2023); Konsthall C, Stockholm (2021); De Pont, Tilburg; Studio Voltaire, London (2021); (2019); Villa Arson, Nice (2019); Tate Britain, London (2018); CCA Centre for Contemporary Arts, Glasgow (2016); Bergen Kunsthall (2016); and Bonner Kunstverein (2016). In 2012, she became the first performance artist to be nominated for the Turner Prize. Playing with expectations and norms in art is also reflected in the artist’s name: formerly known as Spartacus and Marvin Gaye Chetwynd, she has been known as «Monster» since 2018.
The exhibition is supported by: City of Zurich, Canton of Zurich, Albert Huber Foundation. We thank you very much!
Monster Chetwynd «Head-Less-Ness», Cabaret Voltaire 2023. Photo: Philipp Hänger
Monster Chetwynd «Head-Less-Ness», Cabaret Voltaire 2023; Monster Chetwynd, Drinking game, 2023. Photo: Philipp Hänger
Monster Chetwynd «Head-Less-Ness», Cabaret Voltaire 2023; Monster Chetwynd, my opinion (multiples), 2023; Monster Chetwynd, flat head (multiples), 2023; Monster Chetwynd, Statue, 2023. Photo: Philipp Hänger
Monster Chetwynd «Head-Less-Ness», Cabaret Voltaire 2023; Monster Chetwynd, midlife crisis (multiples), 2023. Photo: Philipp Hänger
Opening: 30. April 2022, 18:00–03:00
Exhibition: 30.04.2022–30.07.2023
You can find the complete exhibition text here.
In the entrance area there is now a bar, which is occupied by an artistic position for one year at a time and opens the house towards Münstergasse. In its designation as «Künstler*innenkneipe» (Artists’ Bar), the bar refers to the original name of the Cabaret Voltaire: the Dadaists originally opened their art space in 1916 as the «Künstlerkneipe Voltaire». With the gender star, the setting is updated, but the intertwining of art and gastronomy is carried forward. The Cabaret Voltaire invites people to meet without museum barriers in the midst of art.
Ilaria Vinci (*1991) kicks things off with her exhibition «Phoenix Philosophy Café». In her practice, Vinci explores what she calls the «Zone of Fantasy»: the area in the human psyche where self-perception and world-perception meet and blur. The artist explores what constitutes reality and how people communicate and imagine. To this end, she creates installations, props and writings that make use of visual and linguistic vocabulary, start with the everyday, but always tip over into the fantastic.
For «Phoenix Philosophy Café» Ilaria Vinci took as her starting point a particular type of fireplace that has its origin in the south of Italy in the beginning of 1900: A kind of living alcove where people gather, share stories, debate, eat, drink, or play together. The partially burnt furniture, which the artist created through skillful paint effects, underline the reference to the fireplace. Kept in shades of gray, the tables and chairs however seem slightly removed, as if from an old black-and-white film. In complete contrast, the colorful flickering flames in the background are reminiscent of Tiffany lamps, a special technique of glass processing in the Art Nouveau style. The fireplace aesthetic – which includes brick pillows designed by Vinci with a digital aesthetic – in connection with the lamps turns into an avant-garde grand café atmosphere. Both the fireplace and the café are places of encounter and exchange, with fire having a special aesthetic and social power.
Individual faces and thoughts appear particularly nuanced around the fireplace, then disappear in a collective play of shadows. Flames captivate; they have a calming and stirring effect. In the blazing fire, gazes meet and lose each other again. The fireplace (and also the café) seems to be a place where existentialist questions are particularly revealed. This refers to the examination of lived experiences and the view of an individual as something that is not predetermined in its essence, but only becomes what it is by creating itself – depending on the situations into which they have been thrown. The large gestural acrylic painting, partly in airbrush technique, in the alcove on the back wall hints at such musings.
On the lower left half of the picture are three burning candles, which can be read sometimes more clearly, sometimes more abstractly as «I» (German «Ich»). At the latest, this association is triggered when the eye wanders to the many letters «I», reminiscent of a concrete or Dadaist poem. The repetitions of «I» as «I» trigger different chains of thought. For example, on the interdependence of the many individual «I»s, raising the question of where the collective «we» should stand.
As a German speaker, the pronunciation of the English «I» absurdly leads to the German word «Ei» (English: «egg»), which is the focal point of the painting. In the juxtaposition of the burning egg and the candles, it is suggested that it is not so much transience as the examination of cycles of life and thought that underlie the painting. Vinci creates an image situation that changes every moment, a transformation process in which it is not clear whether something new will soon hatch from the egg or burnt-out shells will remain.
The burning egg on the nest is a reference to the mythological figure of Phoenix, which can be seen throughout the exhibition, for example on both the flanking columns of the fireplace console. Phoenix is the story of a fabulous bird, allegedly as large as an eagle, with scarlet and gold plumage, which communicated with melodious cries. When Phoenix‘s life approached its end, the bird built a nest for itself in Heliopolis, the city of sun, out of fragrant twigs and spices, set the nest on fire, and burned in the flames. A young Phoenix emerged from the pyre, which is why the story became a metaphor for rebirth and resilience. However, the phrase «like Phoenix from the ashes» also stands for the collapse of an old system and the emergence of old values in a new guise – a remarkable reference regarding the Dada house and the contexts of then and now.
Another reference is the legend of Prometheus, one of the most famous literary figures. In this story, too, fire plays an important role when it comes to man‘s power to act. Prometheus is considered the bringer of fire and culture, the founder of human civilization. Depending on the interpretation, he is seen as a courageous rebel against oppressive narratives or as a progressive exaggeration of man.
Vinci‘s exhibition is not only a place of traditional contemplation of art works – that is, a concentrated viewing of works of art according to certain ideas – but also a sitting area where people with different stories come together and interact with each other; discovering themselves and others. It is about the process of thought formation and the form of communication, as well as (thinking existentially) about moments of decision-making. Perhaps the art space, too, may be understood as such an incubator: In the engagement with big, existential, and time-transcending questions, impulses for change mature.
In addition to the fact that the exhibition is also a bar, Vinci‘s interventions extend into other areas of the operation: the exhibition includes, for example, the cocktail «Smoky Tear», a smoky drink with smoke bubbles, and soirees and various activations are to take place again and again: Readings, a joint chess game or a movie night are planned for the coming months. In «Phoenix Philosophy Café», art experience and gastronomy, exhibitions and events blur.
For the opening on April 30, 2022, the first fringe event will take place, which will also occupy the Vaulted Cellar and the Historic Hall, while still allowing a view of the new architectural interventions. Phoenix moves from room to room, kindling fires that go out again and ignite in another place. Continuing thinking about the eternal cycle, the contributions are dedicated to sampling and repetition with difference as an artistic practice, among other things. In line with the unifying and dispersing idea of fire – and following the Dadaist legacy – different sounds and movements gather in the house. The performance «When Darkness», to be understood as part of the exhibition, consists of a live sound piece by Rafal Skoczek and Jamira Estrada, which will remain the soundtrack to the exhibition «Phoenix Philosophy Café» by Ilaria Vinci, and a dance performance by the group Stay Kids (with Ave, Sunny, Tiny, Mary, Anaïs, Arun and Milo) with costumes by Ronja Varonier.
We thank Serena Scozzafava for her assistance in the production of the textiles used as pillowcases.
This exhibition and the accompanying program are supported by the Fondation Jan Michalski, the Else v. Sick Foundation, the City of Zurich and the Canton of Zurich.
Ilaria Vinci, Miss Phoenix, 2022
In the context of “Lee Scratch Perry”, this selection is dedicated to the term “rastaquouère”. The term was used in French-speaking countries from 1880 to describe an exotic figure of a parvenu – usually of South American or Mediterranean origin – who flaunts suspicious and tasteless luxury. Although the term ‘Rasta’ comes from the Spanish-American context (rastacuero) and has no etymological connection to the word “Rastafari”, both are often abbreviated as “Rasta”. They are often associated with colonial history, exoticism, and racist clichés, such as the idea of “mauvais goût” (tasteless). The term “rastaquouère” is frequently used in Dada texts and works from the 1920s. It is reinterpreted positively to describe a dandyish, “bon-vivant” attitude that mocks authority – an attitude that the Dadaists themselves also embraced. Despite this positive re-interpretation, the texts presented here contain racist clichés that must be identified.
1) Gabrielle Buffet, Le rastaquouère, Revue Mécano, Original, Leiden, July 1922
Gabrielle Buffet, a French musician, was closely associated with the Dada movement. She had been Picabia’s wife since 1909 and wrote the foreword to his book “Jésus-Christ Rastaquouère”. This excerpt was republished two years later in “Revue Mécano”, a magazine edited by Theo van Doesburg and published by De Stijl between 1922 and 1924. A pictorial and playful prose describes the figure of the “Rastaquouère” according to the prejudices that surrounded this pejorative term at the time: a miserly figure – a diamond eater – who valued objects but did not understand them, simple and naive, lacking in subtlety.
2) and 3) Tristan Tzara, Haute Couture. Monsieur Aa l’Antiphilosophe, Magazine Littérature No 11, Paris, January 1920, facsimile
This text was published in number 11 of the magazine Littérature, alongside texts by André Gide, André Breton and Paul Eluard, among others. It is one of several texts by Tristan Tzara in which the figure of “Monsieur Aa l’Antiphilosophe” appears, a kind of alter ego who rebels against all philosophy, ideology and politics. Tzara joined the Dada group in Zurich as early as 1916, where he studied philosophy but never graduated. The “Aa” in front of Antiphilosophe in the title of this text is a play on language that can be understood as referring to both Tzara and Dada.
4) Festival Dada, monograph, Paris, May 1920, mentioned lecture by Breton entitled “le rastaquouère”
This page contains the programme of the Dada Festival, which took place on 26 May 1920 at the Salle Gaveau in Paris and was the high point of the Dada movement in Paris. Between piano recitals, famous names from the avant-garde such as Paul Eluard and Tristan Tzara gave readings and performances. André Breton presented a text entitled “le rastaquouère” – thus demonstrating a general interest in the term. In the same year, Breton was to have written the foreword to Picabia’s book “Jésus-Christ Rastaquouère,” but in August 1920 he distanced himself from the Dada movement and began his own artistic reform, later called “Surrealism”.
5) Francis Picabia, Jésus-Christ Rastaquouère, Paris, Au Sens Pareil, 1920, orignal, title page
Francis Picabia (1879–1953) was a French artist who was associated with the term “rastaquouère” due to his lifestyle. He was involved in avant-garde circles, particularly in New York, and was a follower of the Dada movement in Paris and Zurich. The book “Jésus-Christ Rastaquouère,” inspired by Nietzsche’s nihilistic philosophy, is Dada insofar as it ridicules all conventions, particularly those of the art system and their sacred nature. The Christian references in this piece, as indicated by the title, verge on blasphemy and detract from the work and its creator. Picabia’s interest in the term “Rastaquouère” was also evident in the 1919 collage “Tableau Rastadada”, where he satirically portrays himself.
6) Francis Picabia, Jésus-Christ Rastaquouère, Paris, Au Sens Pareil, 1920, facsimile. P. 10, drawing “Portrait de la Reine du Perou” by Georges Ribemont-Dessaignes
Francis Picabia chose to illustrate the book “Jesus Christ Rastaquouère” with artwork by the French writer and painter Georges Ribemont-Dessaignes (1884–1974), a significant figure in the Dada movement in Paris. This practice challenges the authority of the author in Dada and avant-garde circles through collaborative practices. The drawing titled “Portrait of the Queen of Peru” can be compared to the grotesque story in the book about a character named Jacques Dingue who falls in love with a Peruvian woman. The crown, which represents hierarchical power, is portrayed in a childlike manner in this drawing, accompanied by whimsical comments. Picabia’s text, displayed next to it, showcases the artist’s playful and witty writing style. However, it also draws attention to the use of violent language derived from colonial history.
1) Contimporanul, number 46, with an illustration by Marcel Janco (facsimile)
The magazine Contimporanul was published monthly in Bucharest from 1922 to 1932 and developed into a platform for Romanian modernism. The issue presented here contains, among other things, the «Manifest activist către tinerime» (Activist Manifesto to the Youth) by Ion Vinea, who was the editor of the magazine alongside Marcel Janco.
2) Merz 2, number i, Manifest Proletkunst, 1923 (facsimile)
The magazine Merz was founded by Kurt Schwitters and published in Hanover between 1923 and 1932. On pages 24 and 25 of this issue, Theo van Doesburg published his «Manifesto Proletkunst,» which referred to the theory of proletkult developed by Bogdanov and Lunacharsky in connection with the Russian Revolution of 1917, criticizing its appeal to an aesthetic directed at the working class. The text was signed by von Doesburg, Schwitters, Arp, Tzara and Spengemann.
3) The Little Review, number 9, 1924, New York/ London (facsimile)
The beautiful cover with the letters and numbers belongs to «The Little Review» magazine published in New York. Founded by Margaret Andersen, it published articles on art between 1914 and 1929. The magazine is best known for printing early Dadaist and Surrealist works. Page 7 in this issue (9 (1923), 4) lists the titles of Tristan Tzara’s seven manifestos. In an accompanying short text, he also urges readers to read his texts; his manifestos would show that nothing is important.
4) Magazine Procellaria, number 5, 1920, Mantova, pp.66-67
Gino Cantarelli was a poet and painter associated first with Futurism and then with Dada. From 1917 to 1920, together with Aldo Fiozzi, he published the magazine «Procellaria». In this issue of February 5, 1920, the authors talk about a manifesto by Zurich abstract painters that «provides inspiration for a basis encompassing the entire intellectual horizon.» This is probably the «Manifesto of the Radical Artists» (see Reader on the Historical Manifestos in the Historical Hall).
5) Vincent Huidobro, Manifestes, Manifeste, Manifest, Manifest, Manifeste, Manif, Mani, Man Ma, M, 1925, Paris
Vincent Huidobro’s cover captivates with its typographic play «Manifestes, Manifeste, Manifest, Manifeste, Manif, Mani, Man Ma, M». Huidobro was a Chilean poet who founded the Creacionismo literary movement. Initially critical of the manifesto form, he used it to spread his ideas and place them in the panorama of the European avant-gardes such as Surrealism. Later, he put his ideas into practice by intervening directly in Chilean politics.
6) Hugo Ball, Eröffnungs-Manifest (Opening Manifesto), 1916, Zurich (facsimile)
Hugo Ball was a German writer and poet who co-founded the Cabaret Voltaire with Emmy Hennings in February 1916. This text was read at the 1st Dada evening at the Zunfthaus zur Waag on 14 July 1916, when the Dada group had already left the Cabaret Voltaire.
«Cabaret Voltaire (...) became a carnival of fantastic experiments, we danced, screamed and rolled over,» wrote Richard Huelsenbeck in 1920. For the Dadaists, the grotesque, the monstrous, the carnivalesque, and the excessive had the potential, on the one hand, to present world events as effectively absurd. On the other hand, they tried to break the boundaries of the European cultural canon and Western norms. Masks in particular were a popular way for Dada to play with conventions and identities. According to Cabaret Voltaire co-founder Emmy Hennings, they also offered «protection from the despair of the times» in the midst of the First World War. Thus, the mask became a performative means for distancing oneself from the horror and breaking down bourgeois role models. At the same time, the Dadaists themselves remained entangled in power structures and used non-European cultures for a new formal language, without reflecting the colonial context.
The current selection of exhibits from the Dada collection of the Kunsthaus Zürich in the Dada Showcase addresses this theme.
–Richard Huelsenbeck, En Avant Dada. Eine Geschichte des Dadaismus, 1920, 23.5 x 15 cm, Kunsthaus Zürich
Richard Huelsenbeck, author, poet, and later psychiatrist and psychoanalyst emigrated from Berlin to Zurich as a conscientious objector and belonged to both the Zurich and Berlin Dada group. In 1920 he published the exhibited publication En Avant Dada. Eine Geschichte des Dadaismus, in which he asked, among other things, «gentlemen who value being named in a literary history» where «laughing and crying eyes above the monstrous butt and carnival of this world» were.
–Man Ray, André Breton with mask, (photo, facsimile), 1930, 28.8 x 21.7 cm/65 x 50 cm, Kunsthaus Zürich, photo collection, 1988
Man Ray was a Dada-artist who worked in New York and Paris. His multi-media oeuvre testifies to an interest in new technologies and their plastic potential. Masks appear repeatedly in his photographs, which are discussed in many ways in relation to the treatment of colonial goods, the juxtaposition of Western and non-Western cultures, and the aestheticization of skin color and gender. In the Dada showcase is a portrait of the Surrealist André Breton photographed by Man Ray.
–Francis Picabia, Choix de poèmes, 1947, 16.7 x 10.8 cm, Kunsthaus Zürich, library
French painter, draftsman, and writer Francis Picabia was attracted early on to new forms of painterly abstraction and participated in emerging European avant-garde movements such as Cubism, Dada, and Surrealism. In New York he associated with Marcel Duchamp and Man Ray, among others, and in 1918 he met the Dada group in Zurich. In the poem shown here, the first-person narrator describes himself as a narcissistic, grandiose, and superior «beautiful monster.» The term «monster» was later used to title a series of his paintings and collages that deconstruct the aesthetic canon of the portrait genre with deformed figures.
Dada Showcase with exhibits from the Kunsthaus Zürich collection in the Vaulted Cellar
In the Vaulted Cellar, there is now a climate-proof showcase so that, starting on 20 May, a few original documents from the Dada collection of the Kunsthaus Zürich can be borrowed for three months at a time. The exhibits will be selected jointly with the Kunsthaus Zürich. On the one hand, the fact that only a few documents will be shown enables a concentrated examination of the content of the objects. On the other hand, the isolation allows precise questions to be asked about the reception and collection history of Dada. Furthermore, the exhibits thus enter into a dialogue with the exhibitions in the Vaulted Cellar. Historical documents and Dadaist strategies meet contemporary themes and questions.
For the exhibition «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend», exhibits from the collections of the ZHdK Archive and the Museum für Gestaltung are to be seen alongside original documents from the Kunsthaus collection.
Exhibits Slot 3 (14.10.2022–17.01.2023)
–Sophie Taeuber-Arp, Composition, sheet from the «Alliance folder» 5 constructionen + 5 compositionen, edited by Max Bill, allianz-verlag, Zurich, 1941, Color lithograph on paper, sheet size: 31.9 x 30.5 cm, mount: 65 x 50 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung, (from 1942)
–Sophie Taeuber-Arp, Tree collage, 1918, paper, collage: 16 x 10 cm, mount: 50 x 35 cm, Collection Museum für Gestaltung
–Sophie Taeuber-Arp, Unknown photographer, photograph of Sophie Taeuber-Arp‘s fresco from the Zurich Dada Pantheon, c. 1920, silver gelatin print, sheet mass: 11,6 x 15.8 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (from 2017)
–Sophie Taeuber-Arp, Blanche Gauchat, Teaching documentation Drawing for textile professions. Instructions for teaching drawing for textile professions, 1927, print, brochure, 25 x 20.5 cm, 19 pages, 33 sheets (19 pages of text and 33 pictures), ZHdK archives.
Dada Showcase with exhibits from the Kunsthaus Zürich collection in the Vaulted Cellar
In the Vaulted Cellar, there is now a climate-proof showcase so that, starting on 20 May, a few original documents from the Dada collection of the Kunsthaus Zürich can be borrowed for three months at a time. The exhibits will be selected jointly with the Kunsthaus Zürich. On the one hand, the fact that only a few documents will be shown enables a concentrated examination of the content of the objects. On the other hand, the isolation allows precise questions to be asked about the reception and collection history of Dada. Furthermore, the exhibits thus enter into a dialogue with the exhibitions in the Vaulted Cellar. Historical documents and Dadaist strategies meet contemporary themes and questions.
Exhibits Slot 1 (20.05.2022–18.07.2022)
–Das Neue Leben. Erste Ausstellung, Kunsthaus Zürich, 1919, Zürich exhibition magazine, 16 pages, Kunsthaus Zürich, library (since 1919)
–Hans Richter, Portrait Heinrich Coray (Han Corray), 1917, Graphite pencil on squared paper, Kunsthaus Zürich, graphic collection (since 1980)
–Tristan Tzara, Vortrag, Januar 1917, Galerie Corray, Zürich, Kunsthaus Zürich, library, since 1980)
Stefan Burger (*1977) exhibits two luminaire objects in the Dada Library which light up the room as well as, hopefully, the visitors’ moods. The sculptures, made from poured glass and aluminum, continue Burger’s work with art as a commodity which he began at the Cabaret Voltaire in 2020. The notions that can be attributed to the sculptures fluctuate between pretty and ugly, pedantic and snotty, decorative and useful, disgusting and erotic. They are hybrid installations or tilting figures which, depending on the view, lean towards different qualities and interpretations and deal with decoration and function. Some form-references can be derived from the work process: when liquid glass is joined together, it always hangs towards the ground. Brezel and Böppel (in the tradition of Bollen and Bölleli) serve as ornamental repetitions, relaxed and low in meaning, yet distantly related to eclectic decorative strategies such as Baroque Rocaille. The supporting structure of the luminaries, a former ladder, originates from the Zurich sewer system and was wrested from one of the descending shafts. Originally intended to serve as a help for entering and exiting the shaft, the shaft step now enjoys its new functions as reading light and as object shaping the ambiance. Working with liquid glass involves colors of intense radiance, which continue to shine indestructibly happily thanks to their ceramic nature. Even the name of the color palette which was used – «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) – is intended by the artist to amplify joy; an invitation to cheer up.
You can find the full text about the library and the works of Stefan Burger here.
Opening of the exhibition «Puppet Slam»: Sunday, September 17, 2023, 15:00 at the Cabaret Voltaire.
In the context of the new construction and renovations of the Wehrli- and the Hertherbau of the school Hirslanden Sek, the art-and-construction project «School Models» by the artist Florian Graf (*1980 in Basel) was selected in 2018 in a study commission by invitation.
Last semester, in a workshop with Monster Chetwynd, students from the Hirslanden secondary school developed a series of colourful puppets made of various materials that can inhabit Florian Graf's model school buildings. The puppets and a filmed staging of these figures, together with a documentation of the process of creating Florian Graf's «School Models», will be exhibited at Cabaret Voltaire from 18 September to 1 October 2023. At the same time, the exhibition «Head-Less-Ness» (until summer 2024) by Monster Chetwynd can be seen at the Cabaret Voltaire.
Florian Graf realized a sculpture group composed of stone models of the three school buildings dating from different eras. Instead of placing the school buildings on pedestals where they can be admired from a distance, Graf has the models placed on oversized play blocks. The building blocks made of colored terrazzo and the schoolhouses made of limestone can also be used by the students as seats. So you can lean against your schoolhouse or look down on the school from above. Florian Graf's sculpture ensemble is a tongue-in-cheek game with proportions and with our perception: it encourages us to change our viewer positions, to take other perspectives and to move between model and reality.
Since last spring, Monster Chetwynd (*London, UK, lives and works in Zurich) has been leading a workshop for students at Schule Hofacker. Under the title «Puppets and Autoreflexive-reprensentations» (2023), they have jointly developed a series of colorful puppets made of various materials such as cardboard, fabric or found elements, which can now populate Florian Graf's model school buildings. Because a school only works with students. The puppets will also be exhibited at Cabaret Voltaire from September 17 as part of «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd's current solo exhibition at Cabaret Voltaire. In the workshop, students learned how to create characters and bring them to life using puppetry techniques. The artist, who is known for her exuberant and humorous performances with handmade costumes, props and sets, explains that her objects are «born out of an impatience.» She often recycles materials that can be easily processed and used by the many people she invites to participate: an approach that underscores the collective development that significantly informs the artist's work.
The works from the student workshop with Monster Chetwynd will be on view at the Artists' Pub from September 18 through October 1.
In 1982, Laura Mulvey and Peter Wollen curated the exhibition «Frida Kahlo and Tina Modotti» at the Whitechapel Gallery in London which then travelled to Berlin, Hannover, Hamburg, Stockholm, New York and Mexico City. In the gallery space, the works of the Mexican painter Frida Kahlo, still quite unknown at the time, and the Italian photographer Tina Modotti were juxtaposed and shown as early examples of a political modernism of two powerful female artists working in the aftermath of the Mexican revolution. Alongside the exhibition, Wollen and Mulvey made an essayistic documentary film. Forty years after the Whitechapel exhibition, Cabaret Voltaire shows selected material from this context. Photographs, texts, audio recordings and the documentary by Mulvey and Wollen illuminate the cultural context of the 1980s. The small exhibition is on display from November 1 to November 13.
On November 8, on the occasion of her first visit to Zurich, film scholar Laura Mulvey will look back on the exhibition to revisit the aims and aesthetic choices behind the curatorial work; she will also discuss the processes, practical and theoretical, that guided the transformation of the exhibition into screen space.
The exhibtion is part of the event «Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zurich» hosted by the Department of Film Studies at the University of Zurich. More info
Laura Mulvey and Peter Wollen, «Frida Kahlo & Tina Modotti», 1982, Filmstill
«[not] here» – An exhibition and soirées by Sarah Burger and Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22
Events:
03.09.22, 18:00–02:00: Zurich’s LONG NIGHT of museums
06.09.22: Soiree «[not] here», exhibition opening (from 18:00) and dialogue (20:00) between Sarah Burger and Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», improvised music to the works on display with Dimitri Howald
Sarah Burger (Zurich) and Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) met at a workshop where Ribeiro collected matters brought by different people to be assembled into soil and forming a «common ground». They discovered a shared interest in tectonics, earth and stone formations and how landscapes and geographies offer new accesses to history and time. The idea that an artistic exchange could be fruitful for both of them, sedimented. Cabaret Voltaire has always been a place for artistic exchange, international collaborations, and experimentation with ways to interact. This historical promise offered a fitting context for Burger and Ribeiro to enter a dialogue which unfolds along reflections and appropriations of materials’ characteristics, stories and histories. It soon became apparent that their collaboration was not only the exchange of mutually agreed suggestions but also the learning to know the other one as someone working, reflecting, associating and articulating differently. The common focus - as perhaps always in art making - lies on the question of what opens up in the in-between: Each glimpse of visual worlds and objects reveals various value systems, each juxtaposition of objects sheds new light on textures, forms, their narratives and symbolism. At Cabaret Voltaire, Burger and Ribeiro offer reflections and observations on matters of visualities, of language and bodies, perceiving presence as a living, un-fixed quality that also works through disappearance.
Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger asked several friends to provide her lists of objects, which she then moulded out of clay while being blindfolded. The only rule Burger communicated was that the objects could be formed 1:1 and had to fit into the oven. This process led her to ask a variety of questions about things, form and meaning: Which objects are important to people? How can hands memorise things? What are the semantics of shapes?
Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands is a digital collage based on a found image of hands and a photograph of a quickly made, non-figurative sculpture made of Plasteline. The hands seem to evoke the sculpture, magically shaping it without touching it.
Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
The video-poem is a reflection on the presence and absence of different places, on memorised sites that have never been physically visited before. Burger produced the work during a residency in Sofia, Bulgaria.
Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize is part of a larger series entitled Revolving Actions and experiments with moments of abstraction of the human figure in the hope that visual destabilisation will allow for other means of relations. In both works, the face is covered by a golden metal tissue that veils facial expression but still foregrounding the head as a shape to appear, while the body is subjected to a blurring undefinition. Dematerialize i - dawn is an action that delves into the ambivalence of disappearing by becoming in evidence. Fomented in a specific space-time coordinate, the performance, takes place at dawn on St George’s Day, a celebration that in Rio de Janeiro confounds the Catholic saint with the African deity Ogun. Forged as a symbol of protection and resistance, devotees preach wearing St George’s clothes so that the enemy «has eyes but does not see them». The performance materialises such vow as a mingling of anonymity and exuberance. In Dematerialize ii - dusk, we see long-exposure shots of a trembling body in the dark, intended to lose its contours. The endured action started in Rio de Janeiro at 5:27 pm, at full moonrise, crossing the evening and edging the next day.
Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Visitors are invited to listen to the sound installation aimed at the walls of the Cabaret Voltaire. Fragmented narratives, text excerpts, imaginative logics and dreams are voiced out so that the walls are able to hear and retain them. The wall is perceived as a concrete matter of condensed histories, hence the need to acknowledge what they’ve absordbed and heard, and to purposefully furnish them with further sounds and narratives.
Zurich-based artist Sarah Burger studied visual arts, philosophy, comparative literature and linguistics. Her practice also includes artistic research (PhD, ZHdK Zurich and Kunstuniversität Linz). The artist Felipe Ribeiro lives in Rio de Janeiro and is a professor of dance and film studies at the Federal University of Rio de Janeiro. He studied film (MA) and holds a PhD in visual arts.
The exhibition is supported by the Annemarie Schindler-Stiftung
Felipe Ribeiro DEMATERIALIZE, 2022, Video-Still, Photo: Renato Mangolin 371
«Songs to the Suns»
Cabaret Voltaire on Monte Verità, Ascona
Exhibition Izidora L. LETHE and installation Paul Maheke
14.08.2021–02.10.2021
The booklet with information about the project, the works of LETHE and Maheke and the dialogue between the Cabaret Voltaire and Monte Verità can be found here.
The audio file of the installation by Paul Maheke can be found here.
Izidora L. LETHE's staged video documentation of the performance can be found here or as an embedded video below.
Opening with Performances and Talk, 14.08.2021:
16:00 Opening Exhibition Izidora L. LETHE, Paul Maheke
17:00 Talk with Christa Baumberger, Sophie Doutreligne, Minna Salami
18:00 Apéro
18:45 Performance Paul Maheke
19:45 Choreography / Intervention Izidora L. LETHE, performed by Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks, Claudia Barth
20:30 DJ Set Yantan Ministry
21:30 Late Dinner, please register at info@cabaretvoltaire.ch
Opening hours exhibition Izidora L. LETHE, Casa dei Russi
15.08.2021–02.10.2021
Sat: 14:00–18:00
Sun: 10:00–13:00/14:00–18:00
or on request at info@cabaretvoltaire.ch
Opening hours installation Paul Maheke, Spazio Piscina
15.08.2021–02.10.2021
daily, 24 hours
Monte Verità – like the Cabaret Voltaire – has long been considered one of the most important places of the avant-garde, whether in relation to art, theory or lifestyle. It is therefore not surprising that artists around the Zurich Dada circle spent their summers on the hill in Ascona, which was regarded as the center of the Lebensreform movement. Sophie Taeuber- Arp, Emmy Hennings, Hans Arp, and Hugo Ball attended Rudolf von La- ban’s courses, danced, held exhibitions and gave parties. Both in the Cabaret Voltaire and on Monte Verità, liberation from physical and linguistic conventions was central. The Lebensreform strove to free society from the stiff corset of bourgeois constraints through vegetarianism, expressive dance, naturopathy, light- and air-bathing, free-body culture and reform clothing. The primary focus of their «third way» between capitalism and communism was the individual, the body, and a way of life that was as «close to nature» as possible. Later, the Lebensreform’s criticism of progress and their interest in a mythical past found their way into fascist ideas. Numerous life-reformist ideas live on in today’s industries based around self-optimization and health. But they also appear where thinking is aimed at further challenging social categories through the body and its movements – and certainly in the search for alternative and communally organized models of life. However, the parameters around citizenship, identity, and knowledge have changed and need to be looked at from a new perspective. This return is not a nostalgic act, but rather a starting point from which to encounter concerns and forms of expression from the perspective of the present. «Songs to the Suns» combines holistic and fragmented approaches, and seeks a polyphony that challenges binary ways of thinking in terms of nature and culture, gender and origin. The focus is on the body as an archive and a site of emancipation.
With Izidora L. LETHE and Paul Maheke, Cabaret Voltaire invites two contemporary artists for a collaboration with the Monte Verità Cultural Centre. Performers on the opening weekend will be Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks, and Claudia Barth. Yantan Ministry will make an audio contribution. Christa Baumberger, Sophie Doutreligne, and Minna Salami will participate in the conversation.
Exhibition view, Paul Maheke, «As Saturn and Jupiter Conjunct», 2021 - ongoing series, Cabaret Voltaire, Monte Verità, photo: Diana Pfammatter
Exhibition view, Izidora L. LETHE, WE ( , Cabaret Voltaire, Monte Verità, photo: Diana Pfammatter
Talk between Christa Baumberger, Sophie Doutreligne, Salome Hohl and Minna Salami (from left to right) on Monte Verità, 14.08.2021, photo: Diana Pfammatter
Paul Maheke, Taboo Durag, 14.08.2021, Cabaret Voltaire, Monte Verità, photo: Diana Pfammatter
Izidora L. LETHE, Choreography/Intervention, 14.08.2021, WE ( , Cabaret Voltaire, Monte Verità, photo: Diana Pfammatterizi
«Laube zur schiefen Lage»
Cabaret Voltaire on Münsterhof, Zurich
27.08.2021–04.09.2021
A collaboration between Cabaret Voltaire and Benedikt Bock. Invited artists and authors: Johan Ahlkvist & Hedda Bauer, Karolin Braegger, Anne Fellner, Kasia Fudakowski, Marius Goldhorn, Johanna Kotlaris, Miriam Stoney, Claudia Stöckli & Raphael Stucky
Programme
Friday, 27 August 2021:
20:00 Johan Ahlkvist & Hedda Bauer/Karolin Braegger
20:30 Johanna Kotlaris
21:00 Marius Goldhorn
21:30 Raphael Stucky & Claudia Stöckli
Saturday, 28 August 2021:
20:00 Miriam Stoney
20:30 Johan Ahlkvist & Hedda Bauer/Karolin Braegger
21:00 Benedikt Bock
21:30 Anne Fellner
Saturday, 4 September 2021 (Lange Nacht der Zürcher Museen):
20:00 Kasia Fudakowski
20:30 Benedikt Bock
21:00 Johanna Kotlaris
21:30 Claudia Stöckli & Raphael Stucky
The installation «Laube zur schiefen Lage» will be on display in the Münsterhof from 27 August to 4 September. All works and traces by the participants can be seen daily between 17:00 and 22:00.
No registration necessary.
Somewhat out of place at Münsterhof stands the «Laube zur schiefen Lage» – a cobbled-together art object that serves both as an exhibition space and a stage. It is located in the immediate vicinity of the Zunfthaus zur Waag, in whose large hall the first Dada soirée after the closure of Cabaret Voltaire took place on 16 July 1916. At that time, the Dadaists explained their drawings, recited manifestos or danced in masks. More than 100 years later, Cabaret Voltaire is engaging with the guildhall from a distance with its own stage. For a period of almost two weeks, the «Laube zur schiefen Lage» becomes a public place in the field of tension between anti-bourgeois gestures and bourgeois culture, world reference and world escapism, community and individuality, the small and the big.
The basic framework of the «Laube zur schiefen Lage» is made by the artist Benedikt Bock, who conceived the project together with Cabaret Voltaire. On three evenings (27.08., 28.08. und 04.09.), invited artists, authors and musicians will present short contributions. The result is a colourful mesh of contemporary narratives that reflect directly or subtly, critically or humorously on what it means to be human in these challenging times. Another point of foucus is the reflection on the «contemporary» as a narrow, normative aesthetic practice in contemporary art. The «Laube zur schiefen Lage» especially plays with the genre of «cabaret art», which the Dadaists already referred to by naming their artistic space «cabaret»: the cabaret as a socially critical (left-wing) place that goes beyond entertainment and thereby questions the boundaries of high art. Outside the White Cube, certain debates are shown in a different light and meet a wider audience. «Laube zur schiefen Lage» articulates itself in this shift and allows space for doubt. Art-making is always closely connected with vulnerability and the question of what is communicated and what remains hidden.
On the contributions and tracks of Friday, 27 August:
Amid guild houses and efficient busyness, Karolin Braegger asks what it means to «perform». In her artistic practice, she thinks from the concept of appropriation about what there (still) is to say: be it as a host or with paintings and fabric objects, for example the work Soso (2021) made of toile, a textile that is mostly used for fitting (clothing) or as a possible background (painting) and expresses itself in the arbour during opening hours. As host, Braegger invites positions that represent her interests and expand or extend her work, such as the queer power play Dynamic Resistance by Hedda Bauer and Johan Ahlkvist. In the work, the artists explore themes of invisibility, inclusive entertainment and exclusive participation with the help of performers Hilma Bäckström, Charlotta Öberg, Luca Büchler, Jessica Comis and Alexandra Paya. The costumes, one of which hangs in the «Laube», are designed to reflect the space they relate to, in this case Cabaret Voltaire and Münsterhof.
Zurich artist Johanna Kotlaris shows Aware-Wolf, a continuation of her performance series The Fool: the Original Form of Things. In the performance, as a tragically comic fool, she explores how we define ourselves in our encounters with the world, with ourselves and with others. In this process – through movement, language and accompanied by Stefan Kägi on the piano – she shares big questions: To what extent is the self reflected in our encounters with others? What role do shame and guilt play in the definition of the self? During the opening hours, black and white pieces of clothing will hang at the back of the «Laube», referring to questions of identity.
Marius Goldhorn, author of the widely acclaimed novel Park, wrote the lecture Über den Aussterbenstrieb (August 2021) for the «Laube». Themes of the text are extinction as well as the drive and sense for extinction. He leaves a ceramic liver as a trace. Claudia Stöckli and Raphael Stucky continue the discussion of dissolution and new beginnings in their «Totentanz» (dance of death). The artists begin with a bone oracle that creates a situation to reflect on the past, present and future. This also involves playful image-making as a starting point for sonic interpretations: The artists create a finely woven carpet of sound, sometimes condensed, then loose again, samples and drones, with briefly flaring spherical MIDI keyboard sounds, synthesizer rhythms, footsteps in the gravel, a crow dialogue and electric bass sound bowed with a bow. The oracle, Stöckli‘s headband sound game and Stucky‘s collaged light objects are left behind for the exhibition.
Organised with Martina Mächler and Anastasia McCammon the artists Karolin Braegger, Hedda Bauer, Johan Ahlkvist and Kasia Fudakowski have already been invited to Cabaret Voltaire as part of «Cracking Up and Staging Down» in April 2021. Due to the pandemic, the performances could not take place at that time.
On the contributions and traces from Saturday, 28 August:
Miriam Stoney‘s reading explores different levels of language learning and the related question of the extent to which a language actively shapes the self. «Learning German is apparently not a neutral enterprise. So often was I questioned in Germany about why I wanted to speak this historically problematic language in the first place that at some point I had to construct my own political purpose for my efforts». The poster on the right outside of the «Laube zur schiefen Lage» bears witness to her learning process.
Karolin Braegger, Johan Ahlkvist and Hedda Bauer continue the discussion about appropriation, participation and exclusion (see text from Friday, 27 August). So does the artist Benedikt Bock who just published his second book Vögel/Birds at Texte zum Nachdenken. His text Sabine tells the story of the fictional Zurich newspaper seller Urban Lenti, who is called a misfit by his family because he is too slow for everything. Lenti develops into an outcast of society who observes the abstract goings-on on Bahnhofstrasse day in, day out and is rewarded at the end by the storm «Sabine» with an anti-capitalist play.
Anne Fellner‘s painting hangs in the background during all the readings and performances. Two detectives are schematically depicted and merge with the artist‘s expressive traces. The painting corresponds with the presented zeroth episode TBH – a mysterious hynponist on the loose from the exhibition and audio play series The Bellermann Hypnotist, which takes place in the project space Sangt Hipolyt in Berlin. The protagonist of the piece is an unspecified female investigator or detective; the perspective is modelled on the literary sub-genre of hard-boiled feminism as well as the gothic thriller. The fragmentary audio piece is composed of various literary quotations (by Charlotte Perkins Gilman or Vladimir Nabokov, among others) and statements by artists, authors and psychologists, which serve as set pieces of a criminological-artistic narrative.
On the contributions and traces from Saturday, 4 September:
Kasia Fudakowski‘s performance focuses on the «Joke Gap» through the life and roles of comedian and actress Elisabeth Wellano aka Liesl Karlstadt (1892-1960). «A joke can be seen as expendable social capital. Historically, a woman had to establish herself as respectable before she could invest in a joke». The «joke gap» can also be understood in a broader sense: What is perceived as funny changes depending on historical context, age or cultural background. Fudakowski‘s performance oscillates between lightness and painful moments, supported by painted costumes that bring Liesl Karlstadt and Karl Valentin to life.
This is followed by Benedikt Bock (see text for 28 August), Johanna Kotlaris (see text for 27 August) and Claudia Stöckli and Raphael Stucky (see text for 27 August). The «Dance of Death» by Stöckli and Stucky also plays with the information that the Münsterhof was used as a cemetery in the High Middle Ages.
Karolin Braegger during her performance, 27.08.2021, Cabaret Voltaire, Münsterhof, Photo: IIDA
«When I look back on my life it’s not that I don’t want to see things exactly as they happened, it’s just that I prefer to remember them in an artistic way. And truthfully the lie of it all is much more honest because I invented it. Clinical psychology tells us arguably that trauma is the ultimate killer. Memories are not recycled like atoms and particles in quantum physics. They can be lost forever. It’s sort of like my past is an unfinished painting and as the artist of that painting I must fill in all the ugly holes, and make it beautiful again. It’s not that I have been dishonest; it’s just that I loathe reality.»
– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – First Part, Marry the Night
Samuel Haitz (*1997) invites to two consecutive soirées and the simultaneously running exhibition «Memorabilia» at Cabaret Voltaire. Haitz recently moved from Zurich to Berlin. An occasion to take stored souvenirs in hand, to arrange, preserve and transfigure memories. At Cabaret Voltaire, he brings together his own works, works by friends and idols, and other objects that reflect codes of desire and belonging. For the soirées, he invites his artistic companions Milena Langer, Stella and Ian Wooldridge to read texts together. To round off, his friend DJ Moritz Müller interprets the events musically. Soirée 1 (Before) is dedicated to hope and romantic utopia; Soirée 2 (After) focuses on nostalgic reflection of the past. The events will be broadcast online in collaboration with the Bernese Radio Bollwerk. In this stagnant time of social distance and absence, a space is thus created to reflect on which personal and collective culture of memory should shape one's future.
Soirée 1 (Before) took place on the 02.03.2021 and Soirée 2 (After) took place on the 09.03.2021. You can re-listen to both soirées here. With Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge and Moritz Müller (DJ-Set) via radio-bollwerk.ch.
Exhibition view, Samuel Haitz, Archive Table, «Memorabilia», 2021. Photo: Cabaret Voltaire, Philipp Hänger
The exhibition «Tage und Nächte» of Emma Jung and Rebecca Ackroyd opens at Cabaret Voltaire on May 16. The exhibition will be on display in the Vaulted Cellar from May 17 to November 5, 2025.
This extraordinary exhibition brings the previously largely unknown cosmos of Emma Jung (1882–1955) into dialogue with contemporary artist Rebecca Ackroyd (*1987). For the first time, Emma Jung‘s records from her analytic practice, including drawings, paintings, poems, and notes, are being presented to the public. Emma Jung, a skilled analyst and close collaborator and interlocutor of her husband C.G. Jung, significantly influenced the exploration of the human psyche – even though she often worked in the background of the famous Swiss psychiatrist. Her work particularly focuses on the concept of individuation, referring to the process by which a person recognizes and develops themselves as an individual. Central to this are the dynamics of Animus and Anima, the symbolism of the Grail legend as a metaphor for the inner spiritual journey, and the quest for wholeness. As a result, dualities such as culture and nature, good and evil, or gender identities are dissolved.
Rebecca Ackroyd‘s œuvre features numerous parallels with Emma Jung. Her drawings give shape to the unconscious and, similarly to Jung, reflect the psychological and spiritual dimension of art and the process of ‚world- becoming‘. Ackroyd‘s installations are often dreamlike and depict the fragmentation of memory and time. Through a diverse visual language comprising large-format paintings, drawings, sculptures, and objects, a world of desire and repulsion, wishes and fears, as well as the familiar and the uncanny merge into a captivating whole. For her first exhibition in Switzerland, Rebecca Ackroyd is developing a new series of drawings and sculptures, conceived as intimate expressions of symbolic orders. Consciously smaller in scale, the drawings invite a closer encounter with the inner world of making.
You can find more about the exhibition here.
Flyer: Vela Arbutina.
La Grande-Biblioteca-Bagnata-Umida-Lubrificata
How does one develop jubilating stories and hilarious archives out of the experience of shame? Which kind of knowledge lies in the closet? La Grande-Biblioteca-Bagnata-Umida-Lubrificata is a visual and performative research project focusing on books, libraries and archives and considering them as lesbian landscapes. It tells the story of a community living in books that form a wet library. Through laughter and dyke performativity, the project tries to understand shame as a form of knowledge and to question the constitution of dominant archives.
Léa Katharina Meier (*1989) is a performance and visual artist. By employing clowning as performative practice, her research focuses on the notions of ridiculousness, abjection, and jubilation in order to create a visual and sensory universe that embraces the audience. Out of her intimate failures, she wishes to develop a filthy, dyke sense of humour. On stage, she strives to embody negative emotions and feelings as a source of pleasure. Storytelling, the body as archive, grotesque femininity, shame, and a childlike universe are recurrent motifs in her practice. She has shown her work in numerous art spaces and theatres in Switzerland, Italy and Brazil (Arsenic, Tunnel Tunnel, MCBA, TU-Théâtre de l’Usine, Lateral Roma, Istituto Svizzero, Short Theater Festival, ADA, Pivô arte e pesquisa).
The event will be held in English.
Admission: Pay what you can (CHF 5/10)
«Texte zum Nachdenken» is a series of reading performances within the fields of visual art and literature founded by artist Benedikt Bock. 2023 artist Sarah Lehnerer joined the team.
Photo: Davide Palmieri.
On the occasion of the «Mrs Dalloway» exhibition at Strauhof, the evening looks at Virginia Woolf's most important feminist manifesto «A Room of One's Own» and asks about its significance for the present day.
With Elisabeth Bronfen (anglicist, exhibition curator), Ava Slappnig (editor Edition Gossip) and Darja Keller (author)
Moderation: Nadia Brügger
At Cabaret Voltaire
Tickets: CHF 10/20
The event is already fully booked.
«... they had no tradition behind them, or one so short and partial that it was of little help. For we think back through our mothers if we are women» – Virginia Woolf, A Room of One's Own / Ein Zimmer für sich allein (1929)
Virginia Woolf's essay «A Room of One's Own» was already celebrated as a feminist manifesto when it was published. The second wave of feminism in the 1970s led to a rediscovery and reevaluation of this essay. Woolf's call for women writers to refer to their literary mothers contributed significantly to the feminist revision of the literary canon and the founding of gender studies.
«One’s own room» refers to both a physical space into which a woman artist can retreat and a mental space in which she can free herself from prejudices and expectations. The evening looks at Woolf's seminal text and talks to people from the present about its relevance.
This event is being held in collaboration with Strauhof.
It will be held in German.
Photo: Strauhof
The second act of the «Interlude» program is composed around the BaseCamp Library with «Hold The Sound», a display that can be visited during opening hours and in which the public is invited to read, listen, reflect and discuss. BaseCamp is an initiative of the Locarno Film Festival – a permanent laboratory and art residency dedicated to expanding the multidisciplinary dialogue on contemporary cinema. The BaseCamp Library is a recent addition and marks the beginning of a larger endeavour: a living, breathing archive that grows and evolves. It is a space born from the need for more vibrant social spaces that foster community and enable the sharing of tools and ideas, free from production-driven constraints. «Hold The Sound» is a curated selection of over 150 art books united by a desire to capture the ephemeral nature of sound through verbal and visual expression. These works encourage a deeper engagement with listening and attention, presenting a variety of voices that offer thought-provoking ideas, introductions and new ways of accessing auditory phenomena.
As curators of «BaseCamp Library – Hold The Sound» Justine Stella Knuchel and Jan Steinbach observe, today's sonic environments are increasingly shaped by algorithms, leading to isolating effects that are already evident. It is crucial to explore different ways of listening, to question our habits and to reclaim listening as an active practice. The more you pay attention, the more others will.
«Hold the sound!» sound artist Tony Conrad shouted decades ago as he passed his microphone to the audience – an invitation to engage deeply with the auditory experience, to hold it and acknowledge it fully.
More about «Interlude: Act 2, Hold The Sound – BaseCamp Library» hier.
Flyer: Mattia Comuzzi.
For the first act of «Interlude», WURM – a space for experimental sounds located in Basel – inhabits the space of the Vaulted Cellar with sound works by international and local artists. This intervention in Cabaret Voltaire, curated with Mercury Tracer (Flavia Senn and Mattia Comuzzi), is activated during a Soirée with a sound performance by Violeta García on March 1, 2025.
Violeta García (*1990) is a cellist, composer and curator from Buenos Aires, based in Bern. She is a performer in many art forms, including free improvisation, electronic music and contemporary and trans-media experimental music for violoncello. At Cabaret Voltaire, she will present new sounds that push the boundaries of musical convention. Her practice transforms the site-specific acoustics of the Vaulted Cellar with minimalistic contemporary music, dark ambient and experimental noise. Through resonance and reverberation, the sound has a haunting, immersive quality, and interacts organically with its environment. Drawing inspiration from composers like La Monte Young, Eliane Radigue, Jürg Frey, and Arvo Pärt, García integrates elements of sacral minimalism and acoustic experimentation in a performance that bridges improvisation and composition, showcasing the cello’s versatility while challenging traditional notions of recording and performance.
Admission: Pay what you want.
Limited space. Registration recommended via info@cabaretvoltaire.ch
More information about «Interlude: Act 1, WURM» here. From February to April 2025, the Vaulted Cellar of the Cabaret Voltaire, which is normally used for visual arts exhibitions, is occupied with practices related to sound and music. The program «Interlude» explores the legacy of Dada in relation to music and sound, creating a space for contemporary practices and discourses. The title «Interlude» refers to the traditional structure of musical compositions as well as to what happens during a pause between the parts of a longer composition. The Vaulted Vellar is activated during the intervals between the regular exhibitions, inviting the audience to a different kind of immersive and reflective experience.
Violeta García. Photo: Paula Suarez
Flyer: Mattia Comuzzi.
For the first act of «Interlude», WURM – a space for experimental sounds located in Basel – inhabits the space of the Vaulted Cellar with sound works by international and local artists. This intervention in Cabaret Voltaire, curated with Mercury Tracer (Flavia Senn and Mattia Comuzzi), is activated during a Soirée with sound performances by Elie and Gaspard Emma Hers on February 7, 2025.
Program:
20:00 Elie (TW: high volume, strobe lights, visibility of syringes, needles)
20:30 Break
20:45 Gaspard Emma Hers
Admission: Pay what you want.
Limited space. Registration recommended via info@cabaretvoltaire.ch
Elie is a DJ and sound artist based in Neuchâtel. She presents a performance close to harsh noise, far removed from any savoir-faire. Using syringe garbage cans and diy granulators, she appropriates the violence of sound to convey it in her own terms, a kind of dystopian sonic high that amplifies the over-stimulation of the brain. At the heart of her performance is an exploration of the sounds emitted by objects, as well as the aggressiveness of the EDM samples that accompanied her in her early years of music. As she moves through space, she also plays with the resonance of sound through feedback, creating a triptych between body, machine and space.
Gaspard Emma Hers will present a concert where echos of distant raves melt into an abstract and introspective ambient noise piece. Gaspard Emma Hers – also known as Dj Würm – is a young multidisciplinary artist from Brussels. Their work delves in liminal spaces between fiction, archive, and diary where the narrative is fragmented, stripped of the notion of traditional script. Interspersed with key images, their work combines the imaginary and the grotesque, myths and legends both ancient and contemporary. Objects come to life and bodies hybridize. Landscapes form and deform into anachronistic architectures exploring already past futures. Actions evaporate, giving way to a moment of suspense where only the emotions and the listener's subjective relationship to the multiple layers of sounds, bear witness to possible narratives.
More information about «Interlude: Act 1, WURM» here. From February to April 2025, the Vaulted Cellar of the Cabaret Voltaire, which is normally used for visual arts exhibitions, is inhabited with practices related to sound and music. The «Interlude» program in the Vaulted Cellar unfolds in two acts from February to April 2025 and thematizes Dada’s legacy in relation to music and sound, as well as to open a place for contemporary practices and discourses. The title «Interlude» refers to the traditional structure of musical pieces in the form of a musical score, to what happens in an interval between the parts of a longer composition. At Cabaret Voltaire, it is meant to enact the Vaulted Cellar in between the usual exhibition program, inviting the audience to a different kind of immersive and reflective experience.
On Wednesday, January 15, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a lecture by Jeremy Narby titled «Talking About Hemp».
Cannabis is a complex plant with a long and controversial history. Recent scientific investigations have begun unraveling some of its mysteries. An anthropologist wades into the subject and attempts to tell the whole story — at least as far as contemporary knowledge goes. Jeremy Narby, born in Montreal in 1959, studied shamanism, molecular biology, and indigenous knowledge of botanics and biology. He is known for his books The Cosmic Serpent, Intelligence in Nature, and Psychotropic Mind, which explore the connections between DNA, serpents, and entheogens. His recent interest has been cannabis, the subject of his next book.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
Performance by donna Kukama
«Sunshine for those of us who are reminded, in the most brutal way, that we are connected.», 2024
Galerie Tschudi in collaboration with Cabaret Voltaire
«Sunshine for those of us who are reminded, in the most brutal way, that we are connected.» is the third and final performance in «The Sunshine Lecture Series» – a trilogy of public lectures that follow donna kukama's long-term series of performances under the title «the history book for those who absolutely need to be remembered». The work begins with the notion of writing as an embodied practice, where to write-in-time is to re-member the breaths of ancestors and spirits, oceans and other water bodies, lands, plants, sunshine, and ..., and (?), and (...) as active participants in the writing of history. The lecture playfully interconnects dreams, personal memories, excerpts from children's books and on-site research through an alchemic transformation of everyday objects. It leans on certain aspects of what sparked the birth of the Dada movement at Cabaret Voltaire, as an anchor for reflecting on the current political climate. This process of summoning sunshine nurtures multiple resistances and gives birth to ways of existing beyond prevailing forms of oppression, apartheid, and coloniality.
The first presentation in the Sunshine series, titled «Sunshine for Those of Us Who Live Through the Holes in Your Concrete» was presented at the Academy of Media Arts in Cologne in 2023. In 2024, the second in the series, titled «Sunshine for Those of Us Who Still Breathe from Under the Rubble» was presented in Cape Town, South Africa as part of the ICA Live Arts Festival.
The performance will be followed by the opening of the solo exhibition at Galerie Tschudi:
donna Kukama, «in living memory...»
16 November 2024–18 January 2025
Opening: Friday, 15 November 2024, 18:00–20:00
Galerie Tschudi, Rämistrasse 5
From November 9, 2024 to the beginning of August 2025, Camille Lütjens, Carlo Travaglia, Elena Barmpa, Laura Nan, Stéphane Nabil Petitmermet and Ice Wong Kei Suet occupy the Artists' Bar with the exhibition «The Red Herring».
Opening: 08.11.2024, 18:00 to 01:30.
As part of the opening Ice Wong Kei Suet performs «Public Studio: Condition Check on ‹The Red Herring› , Artists' Bar at Cabaret Voltaire», 18:00 to 21:00.
Six artists lay down trails in the Artists' Bar at Cabaret Voltaire, leading in various directions. The exhibition, «The Red Herring,» named after the English idiom for a false or misleading clue, plays not only with distraction but, more importantly, with ambiguity and the expectations we place on contemporary art and the historic birthplace of Dada. This site is visited daily by tourists, the art scene, and casual passersby alike—some hoping to find treasures from the last century. The artists’ trails intentionally divert from straightforward interpretations, yet they continually loop back to Dada, the history of the place, their own artistic practices, and the concepts tied to the idea of an Artists’ Bar—both in general and as it pertains to this location: In 1916, Cabaret Voltaire was founded on the upper floor, known as the Holländerstübli of the Dutch Dairy, a meeting spot where beer and wine were offered, and where the old sailor Jan Ephraim would occasionally serve fish. Even then, the place symbolized internationalism and variety. Today’s «Artists’ Bar» seeks to expand by incorporating contemporary practices and questions.
Camille Lütjens, Carlo Travaglia, Elena Barmpa, Laura Nan, Stéphane Nabil Petitmermet, and Ice Wong Kei Suet are currently pursuing their master’s degrees at the Zurich University of the Arts. The Dadaists themselves were in their early twenties when they founded Cabaret Voltaire—some still students, while others, like Sophie Taeuber-Arp, already employed at what is now ZHdK. In its commitment to integrating artists at the beginning of their careers alongside established and historical figures, Cabaret Voltaire invited these six emerging artists to collectively occupy and reimagine the Artists' Bar, through their individual practices, while echoing its history.
In cooperation with Zürcher Hochschule der Künste
Supported by:
Stiftung Erna und Curt Burgauer
Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer-Stiftung
Woke culture, campaign journalism, the public media, political party programs motivated by cultural policy and therein the fragile freedom of art, cultural institutions and cultural journalism, as well as the question of discourse in an instant opinion society. So how can we get into conversation with each other and defend what is at stake? This is what cultural workers, institution directors, philosophers and journalists ask at this round table. How can we give the necessary space to abbreviated, reflexive interpretations and rejections of complex processes within diverse societies? Why is there an aversion to change, why is woke a lifestyle for some, a political practice for others and yet for some the demonized Other? Why are decolonial and postcolonial theories seen by many as a threat? Why is the identity politics of some not visible because it is normative and that of others «guilty» – of what, actually? And what role do art and culture play in all of this?
In our complex world, where increasing polarization does not seem to allow for differentiation, we enter into dialogue with what the philosopher Gayatri Chakravorty Spivak calls «affirmative sabotage».
«affirmative sabotage doesn't just ruin; the idea is to enter into the discourse you're criticizing so you can turn it inside out. The only real and effective way you can sabotage something this way is when you are working intimately within it.»
(Gayatri Chakravorty Spivak)
Confronted with reductive and exclusive opposites, such as black and white, good and evil, left and right, etc., we would like to enter the hyphen, the grey, the neither-nor and both-and, the contradiction and ambivalence and imagine how a civilized culture of discourse and thus civilized culture of debate can remain alive. Because if people start to whisper – or even remain silent for fear of being canceled – then democracy is in danger. And not least, democracy is at stake. In this sense, also in the words of Spivak: «Let us carry out an affirmative sabotage – and let us fill and use the tools with a new meaning!»
By and with Tasnim Baghdadi, Jens Balzer, María do Mar Castro Varela, Hayat Erdoğan, Salome Hohl, Fatima Moumouni, Nora Zukker. A cooperation between Migros Museum für Gegenwartskunst, Theater Neumarkt and Cabaret Voltaire.
The event will be held in German.
Tickets available in presale here. Price: CHF 45/30/15
For over a year, renowned artist Monster Chetwynd has shaped the Artists’ Bar of Cabaret Voltaire with her exhibition "Head-Less–Ness," which will be on view until October 20, 2024. Now, you have the special opportunity to purchase cushions and the mask editions from the exhibition at special prices – and with it, a piece of Cabaret Voltaire history.
Festive opening of the art sale in the presence of Monster Chetwynd:
Wednesday, October 23, 2024, from 6:30 PM to 9:00 PM.
Further sales dates:
Thursday, October 24 to Saturday, October 26, from 1:30 PM to 6:30 PM.
The sale will take place in the Historical Hall of Cabaret Voltaire. Each work is personally certified by Monster Chetwynd.
First come, first serve.
No online reservations.
On Thursday, October 17, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a lecture by Dr. med. Torsten Passie titled «MDMA – multiple facets of a recreational and therapeutic substance».
Although first synthesized more than 100 years ago, MDMA has only come into use since 1977, first therapeutically, then as a party drug. In a keynote speech, highlights on the history, toxicology, political reactions and therapeutic potential will be presented. Afterwards, questions of interest will be discussed in more detail in an exchange with the audience. The speaker has extensive knowledge of practically all aspects of the substance MDMA.
Dr. med. Torsten Passie is a professor of psychiatry and psychotherapy at the Hannover Medical School. He studied philosophy, sociology (M.A.) and medicine. He trained at the University Hospital of Psychiatry Zurich and in the practice of Professor Hanscarl Leuner (1920-1996), the leading expert in psycholytic therapy. From 1998 to 2010, he was a scientist and psychiatrist at the Hannover Medical School. Research on altered states of consciousness and their healing potential, including clinical studies with cannabis, ketamine, nitrous oxide, psilocybin and MDMA. Visiting Professor at Harvard Medical School in Boston, USA, from 2012-2015.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
On Thursday, September 12, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a lecture by Susanne G. Seiler titled «The Secret History of LSD and the First Woman to Try It».
18:00 Doors open
19:00 Update and announcements
19:15 Susanne G. Seiler: «The Secret History of LSD and the First Woman to Try It»
20:00 Questions and answers
20:30 Happy Hour
The story of ergot, a parasitic fungus growing on grains such as wheat, barley and rye, is interwoven with the myth of Demeter and her daughter, the mysterious Persephone. As its German name, «Mutterkorn», suggests, ergot was used in childbirth and still is. The priestesses of old specialized in brewing, mixing and creating sacred and profane potions and medicines, Last century, the famous chemist Albert Hofmann did not only discover LSD as the 25th derivate of ergot; he also created a slew of other useful medicines based or the fungus. Most them benefitted mainly women. The ancients knew what they were doing when they dedicated ergot to the goddess of fertility and childbirth. Susi Weber-Ramstein came from an old, once aristocratic family and was the first woman to take LSD. We will hear how and why.
The author, psychedelic activist and speaker Susanne G. Seiler is the founder of «The Psychedelic Salon», held in Zurich at Cabaret Voltaire and in Basel at gaiamedia lounge. She studied sociology and linguistics in Toronto and Ottawa, Canada. She is the editor of the bilingual newsletter «gaiamedia goodnews». It informs, entertains and connects the global psychedelic community, as well as reporting about positive developments in all walks of life, and especially concerning nature. As a contemporary witness of the beginnings of the drug culture in the sixties and seventies, Susanne got to know many of its protagonists such as Timothy Leary, Albert Hofmann, the psychologist and theologian Jean Houston, Terence McKenna or the dolphin and consciousness researcher John C. Lilly. Susanne lives in Zurich and published in 2023 the book «WILDE ZEITEN. Mein psychedelisches Leben» by Nachtschatten Verlag, Solothurn.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
Admission – 15 CHF
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
On September 10, David Katz, official biographer of Lee Scratch Perry, will talk about Perry's life and work. Afterwards, Katz will play some of Perry's rare music as a vinyl DJ.
David Katz has been writing about the sounds and culture of Jamaica since 1984. His work has appeared in The Guardian, Newsweek, Mojo, Q, Wax Poetics, and The Wire, as well as in various music books. He has produced radio documentaries, contributed to both documentaries and feature films, and continues to be active as a vinyl DJ. David Katz is the official biographer of Lee Scratch Perry and published the biography «People Funny Boy» in 2000, which appeared in a revised and expanded form in 2021. Katz explores Perry's life and work through in-depth interviews with people who were close to Perry, creating a complex portrait of a unique personality who was driven by unseen spiritual forces. In the expanded edition, Katz provides new and updated insights into Perry's later years, including his Grammy award and his final days, as well as previously unpublished details about his early life, his unique relationship with Bob Marley, and the legendary Black Ark Studio.
Admission: Pay what you want. Recommended price: CHF 5/10/15
Photo: David Katz
Ark Angels at Cabaret Voltaire during Zurich’s LONG NIGHT of Museums 2024
Even before the official start of the LONG NIGHT, we will kick off our program «B£E$$ED LEGAC¥ 2024 – In Honor of Lee Scratch Perry». In the afternoon, the Dub-Siren-Workshop with Rig Smith Electronics will take place at 2 pm, followed by the Carhartt WIP Merch Launch at 3 pm.
With the start of the LONG NIGHT at 6 pm, visitors can explore Perry's cosmos in the Vaulted Cellar, while his musical legacy continues with DJs and live performances powered by a Jamaican-style sound system in the Historical Hall as part of «B£E$$ED LEGAC¥ 2024». This event seeks to create a collaborative mythology that honors Perry's interdisciplinary work, cultural sampling and DIY approach, while also providing a platform for a new generation of visionaries.
14:00–18:00 Dub Siren Workshop
with Rig Smith Electronics, hosted by Trinity ‘Mother Dubber’ Njume-Ebong. If you would like to participate, please register at info@cabaretvoltaire.ch.
15:00–19:00 Carhartt WIP Merch Launch
with specially curated playlists by Equiknoxx, Adam Prescott, Asmara + many more at the bar
18:00–23:00 Exhibition Lee Scratch Perry
with a short introduction every full hour
19:00–02:00 Musical Performances / Sound System by O.B.F.
19:00–21:30: O.B.F. Soundsystem feat. Jman
21:30–23:00: Ayshat Campbell
23:00–00:00: LYZZA (LIVE)
00:00–01:00: Xafya Lovecraft
01:00–02:00: O.B.F. Soundsystem feat. Jman
Presented in collaboration with Carhartt WIP
Artistic Direction: HOI (House of Intuition)
Curation: HOI (House of Intuition) and Trinity ‘Mother Dubber’ Njume-Ebong
Coordination: Dave Mueller-Sturm
In collaboration with The Visual Estate of Lee Scratch Perry
Supported by Stadt Zürich Kultur
The Lee Scratch Perry exhibition and the framework program are supported by Stadt Zürich, Kanton Zürich, Amt für Kultur des Kanton Schwyz, Bezirk Einsiedeln, Private Kulturstiftung Einsiedeln und Migros Kulturprozent.
On June 22, 2024, «The Psychedelic Salon», organized in collaboration with Susanne Seiler and MushRoom, will take place.
No drugs will be consumed at this event. Instead, the current state of psychedelic research will be presented and intertwined with artistic elements. It is a meeting place for creative boundary-pushing and new insights.
PD Dr. Kurt Stocker (ETH Zurich) will give a lecture on «The Psychedelic Spectrum», followed by live performances from Papiro, New Kyd, and Tapiwa Svosve. DJ Windows Explorer (Domi Chansorn Vinyl-Set) will provide musical accompaniment at the beginning and end.
21:00 Meet & Greet
22:00 Start program
Entry – CHF 15
Reservations can be made via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
Salome Hohl, Director of Cabaret Voltaire, together with The Visual Estate of Lee Scratch Perry (Lorenzo Bernet and Valentina Ehnimb), will conduct a guided tour through Europe's first institutional exhibition of Lee Scratch Perry, accompanied by a Special Guest.
The guided tour will be in English.
Free admission.
Before embarking on the «Journey to a Sacred Place» on Saturday, carnivalesque characters convene at the Historical Hall of Cabaret Voltaire, which has transformed into their tavern. Taking cues from the novel «The Castle of Crossed Destinies,» they partake in diverse activities centered around tarot cards. Visitors have the option to observe or join in, all while indulging in refreshments available at the tavern bar.
Performers: Monster Chetwynd, Azur Sabir, Lukas Ryffel, Ladina Whitehead, Lian Staehelin, Luka Ostrež, Mariana Morales Tomaz, Delphine Bertrand, Jack Brennan, Myriam Uzor, Lucca Süss, Chiara Salmini.
Film crew: Oscar Oldershaw, Joe Campbell, Ruby Cedar, Dragon Chetwynd.
Free admission.
A collaboration between the Cabaret Voltaire and the «Culture Club» of the Cultural Analysis study program at the University of Zurich
Nullnummer [trial run]: Zwielichtige Kulturgeschichte 1 – Avant-garde and antisemitism
June 4, 2024, 20:15 Uhr, Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1
Our cultural history is characterized by profound mechanisms of exclusion and discrimination. Even the historical avant-gardes are not free of this: antisemitism, racism and sexism can be found in them, as can various forms of criticism. We want to talk and debate about this in the «Zwielichtige Kulturgeschichte» series. By looking at the historical avant-gardes, we want to gain insights into the pressing questions of the present, as we encounter them in today's forms of anti-Semitism, racism and sexism. The starting point is a first event on Tuesday, June 4, 2024, at 20.15 at Cabaret Voltaire on anti-Semitism in the context of the Zurich Dada movement. In a joint discussion with Caspar Battegay, Salome Hohl, Stefanie Leuenberger, Christine Lötscher, Benno Wirz and Sandro Zanetti, we will discuss excerpts from Hugo Ball's «Zur Kritik der deutschen Intelligenz» (1919) and the essay «Dada Judaism: The Avant-Garde in First World War Zurich» (2017) by Alfred Bodenheimer.
Other participants and listeners are very welcome. Access to the texts is by registration via info@cabaretvoltaire.ch. Based on the experience gained, we will plan further sessions of the event series in fall 2024 and spring 2025.
The discussion will be in German.
On May 21, the Soirée «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» comes back to Cabaret Voltaire. Artist Ilaria Vinci and CZARNAGORA (Rafal Skoczek) invite you to a chess tournament. The games are accompanied by live sound interventions by Gotgha and Lancet3000, which challenge the focus of the players. The tournament is a collaboration with Schachklub Kreis 4 and is open to everyone to participate. The event is also open to spectators.
THE SWISS SYSTEM CHESS TOURNAMENT
In the Historical Hall, opponents play the «Swiss System» tournament (open 5+0 blitz).
Registrations start one hour before the tournament and will close ten minutes before the start. The game will consist of five rounds of a maximum of ten minutes, with five minutes between each round to report the results to the software that will decide the next pair.
The two winners will be the person scoring the most points out of the five games and the one scoring most points from the beginner category. They will receive a gold medal and a limited edition t-shirt designed by the artist Ilaria Vinci.
Entry fee tournament: «prix libre» (suggested donation: 10 CHF).
All proceeds will go to the Schachklub Kreis 4.
FREE PLAY
Here matches are formed more freely, you can play for fun or just practice and perfect your skills – it’s up to you! There are chess boards available, but you can also bring your own. You don’t have to register or pay.
THE NOISE
Noise and chess have Dada traditions. Shortly before Marcel Duchamp’s death in 1968, Duchamp and John Cage developed the «Reunion» project, in which chess games were transformed into music pieces.
This time, the chess games are accompanied with noise sets by Gotgha and Lancet3000.
Luc Häfliger also known as Gotgha is a musician, performer and artist based in Zurich. Their music investigates the interspaces of noise, metal and electroacoustic music as well as their reactive potential within space. The sonic output of these investigations manifests itself at SCACCHI NOISE by mutilating recordplayer needles with sandstone vinyl. Translating this process into Harsh Noise walls. Häfligers work was shown in national and international Institutions like Tanzhaus Zürich, ZKM Karlsruhe, LAC Lugano Art Museum as well as Festivals as Les Urbaines and Drifts Festival Helsinki.
Alex KH advocates for a positive noise music. Under the pseudonym Lancet3000, he’s released hundreds of songs. His most recent interest is to exaggerate oppressive media using various samples from video game death screens to haptic feedback sounds.
The event is a collaboration between Schachclub Kreis 4, the artist Ilaria Vinci and the internationally operating label Czarnagora (www.czarnagora.bandcamp.com), which makes an important contribution to Zurich's small underground music scene and was co-founded in 2020 by Rafał Skoczek.
On Thursday, May 9, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a lecture by Florian Elliker entitled «Psychedelics and Cannabis. Experiences and Meaning in Everyday Life».
Florian Elliker, PhD, is Senior Lecturer in Sociology at the University of St. Gallen, Switzerland. Trained as qualitative scholar and ethnographic researcher, he investigates the non-clinical use of cannabis and psychedelics in everyday life. Together with Niklaus Reichle, he founded and leads the research collective «Unexplored Realities».
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
PRICE and guest artists Bonnie Banane and Tiran Willemse meet at a table in the Historical Hall of Cabaret Voltaire. Their dialogue is frequently interrupted by musical interludes led by Alban Schelbert. Different emotional layers and spoken rhythms unfold as they perform a morphing tableau vivant scattered with fragments from Hollywood. Together they seek to construct a sincere affect without any attempt towards authenticity, their voices becoming musical vectors to explore the limits of the meaning of words in an emotional exchange.
Duration: 40 min.
Admission: Pay what you want. Recommended price: CHF 5/10
PRICE studied at the Bern University of the Arts and the Rietveld Academie in Amsterdam. Active in both performance and visual arts, PRICE has developed a body of work characterized by elaborate soundscapes, costumes and sets, often developed in collaborative constellations and always with the voice as a central element. PRICE views it as an acoustic form of emotional communication outside language's imperative to create meaning. His work has been presented at Trauma Bar, Berlin; Casa do Povo, São Paulo; Basel Social Club, Basel; Istituto Svizzero, Rome; Gessnerallee, Zurich; Arsenic, Lausanne; Stadtgalerie, Bern and OCT0, Marseille, among others. In 2023, he was nominated for the Swiss Art Awards and selected for the Manor Kunstpreis 2024 of the Canton of Berne.
Bonnie Banane is a French alternative pop singer based in Paris. Since the release of her first song «Muscles» in 2012, she has collaborated with producers and artists such as Walter Mecca, Myth Syzer, Gautier Vizioz, Flavien Berger and Varnish La Piscine. She is known for her eccentric clips and surreal universe that illustrate the absurdity that surrounds us. Invited by PRICE on various occasions, she is also active in the world of performance art. In 2022, she performed «Repetition As Nostalgic Attachment On Violence (sequences)» and «The interesting (sequences)» for PRICE with Cecile Believe, Tamara Alegre, Ivan Cheng, Tiran and Thibault Lac at the Gessnerallee, Zurich. In 2023, she performed in duo with PRICE for the Art Basel Social Club.
Alban Schelbert is a composer, musician and sound designer based in Zurich. His works take the form of sound installations and auditory sculptures as well as spatialized performances and compositions for acousmatic multi-channel concerts. He is constantly exploring new auditory horizons which are leading to immersive listening experiences. Schelbert has collaborated with numerous artists such as PRICE, Hanne Lippard and is currently a member of Alexandra Bachzetsis’ ensemble. His compositions and sound designs have been featured in performances, animated videos, and films that were screened at the MoMa Film Festival New York, Viennale Vienna, and FID Marseille. Schelbert’s collaborative works have been presented at Art Basel, Centre Culturel Suisse in Paris, Arsenic Lausanne and Tanzquartier Wien.
Tiran Willemse is a dancer, choreographer and researcher from South Africa based in Zurich. His performance based practice is rooted in a careful attention to space, imagination, gesture, and sound, focusing on how they relate to the ways in which constructions of race, gender and memory are performed, communicated and challenged. He worked and collaborated with Trajal Harrell, Jerome Bel, Wu-Tsang (Moved by the motion) Ligia Lewis, Meg Stuart, Andros Zins-Browne, Eszter Salamon and Deborah Hay. His work has been shown in Palais de Tokyo Paris, MCBA Lausanne, Museum Macro Rome, Impulstanz Wien, Santarcangelo Festival, Tanzquartier Wien, Sophiensaele Berlin, Arsenic Lausanne. Willemse won the Swiss Performance Art Award 2023 and is currently resident artist at Gessnerallee in Zurich while his work continues touring internationally.
Supported by: Stiftung Temperatio, Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung
Special thanks to: Blue Velvet Projects, Theater Neumarkt
Curated by Monica Unser, assistant curator at Cabaret Voltaire
In his Tractatus Theologico-Politicus (1670), Spinoza writes that the masses, whose wisdom he does not seem to think much of in principle, become rational when they organize themselves democratically. Democracies – John Dewey in the 20th century and Elizabeth Anderson in the 21st century agree with him – are community sports; they make their citizens epistemically fit and promote team spirit. But what happens when people stop exercising? The artistic contribution features a sculpture by Ramon Feller. Questions about democratic fitness are discussed with gin(less) soda.
Ramon Feller has been working as a freelance artist and initiator of various projects since 2012. He is interested in the timed actions, experiences and choices of social life as well as the question of which factors influence and control them. He usually creates works that are «dependent», which often leads to performative installations and sculptures. The contrast between observing and looking is a central point here. Since 2021 he has been working as a research assistant in the Bachelor of Art and Mediation K++V at the Hochschule Luzern and since 2024 as a technical developer at Infinitsun. His works will be exhibited this year at the Kunsthalle Bern and Benzenholz, Meggen.
In the soirée series «Analytisches Kabarett», the analytical craft of philosophy is revealed and challenged or condensed by contributions from other perspectives and disciplines. Each soirée features an introduction to a particular line of thought by philosopher Dominique Kuenzle, a presented textual analysis, a thesis or question by aspiring philosophers studying at the University of Zurich, and an artistic as well as a gastronomic contribution. Guests are invited to actively participate in the discussion or to listen.
The event takes place in German.
Admission: pay what you want.
In the current confusion of orientation between facts, fake news and all shades in between, US philosopher Thi Nguyen (2018) diagnoses epistemic echo chambers online and offline as sect-like structures in which the credibility of others is manipulated. According to Nguyen, if someone is deep in such an echo chamber, then perhaps the only way out is a social version of Descartes' skeptical reboot: forgetting who we trusted, trusting no one and everyone, rebuilding trust. – But is such a deliberate blackout, as we discuss from the perspective of Julieta Paredes' communitarian feminism, a neoliberal luxury? In the artistic contribution by Mara Miccichè aka IOKOI, echo chambers are reflected musically. We pursue questions about productive new starts with the Cartesian demand for clarity with Espresso Martini.
Mara Miccichè aka IOKOI is a composer and sound artist based in Zurich. Her versatile work unfolds in the composition of soundtracks for film, theater and installations, collaborations in fashion+design and in the live scoring of silent films in various constellations. She is co-founder of the music label -OUS and the transdisciplinary platform MADAM.
In the Soirée series «Analytisches Kabarett», the analytical craft of philosophy is revealed and challenged or condensed by contributions from other perspectives and disciplines. Each soirée features an introduction to a particular line of thought by philosopher Dominique Kuenzle, a presented textual analysis, a thesis or question by aspiring philosophers studying at the University of Zurich, and an artistic as well as a gastronomic contribution. Guests are invited to actively participate in the discussion or to listen.
The event takes place in German.
Admission: pay what you want.
On Thursday, April 18, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a lecture by Dr. David Andel entitled «Experimenting with Ourselves: How to Prepare and Experience Safe Journeys into Consciousness».
David Andel M.D. specializes in Psychopathology and Brain Imaging. He studied Medicine at the Universities of Basel and Prague, and Neurobiology, Mathematics and Information Technology in Zürich.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
Lee Scratch Perry's first institutional solo exhibition in Switzerland and Europe opens at Cabaret Voltaire on April 11. The exhibition will be on display in the Vaulted Cellar from April 12 to September 29 (due to the strong interest, it has been extended until January 5, 2025).
Program opening
18:00 – Opening of the exhibition
19:00 – Welcome and introduction by Salome Hohl and Visual Estate of Lee Scratch Perry
21:00 – DJ set Mother Dubber (Trinity Njume-Ebong)
Lee Scratch Perry profoundly influenced the development of Reggae, Ska, and Dub. His legendary studios in Kingston, Jamaica, and Einsiedeln, Switzerland, are globally renowned. However, Perry's influence extends far beyond music. His body of work includes visual art such as costumes, totemic sculptures, and assemblages of language, film, painting, as well as everyday objects like CDs, mirrors, stones, and religious and pop-cultural images. He influenced not only music greats like Bob Marley or Keith Richards but also artists like Jean-Michel Basquiat.
Perry connects with the Dada heritage of Cabaret Voltaire through interdisciplinary work, sampling culture, and a DIY approach. Both playfully broke societal norms, created their own mythologies, and were committed to process and collaborations. In Switzerland, Perry and the Dada group found a tranquil island conducive to concentration and creative expression. The incubators were spaces that are now internationally renowned: a beer and wine tavern in Zurich (Cabaret Voltaire) and the Blue Ark Studio in a garage in the canton of Schwyz.
More about the exhibition and the biography of Lee Scratch Perry you can find here.
The exhibition was developed in collaboration with the Visual Estate of Lee Scratch Perry (led by Lorenzo Bernet and Valentina Ehnimb).
In addition to Lee Scratch Perry the exhibition will feature contributions by: Peter Harris, Invernomuto, David Katz, Lhaga Koondhor (House Of Intuitions) & Dave Marshal, Trinity Mesime Njume-Ebong (Mother Dubber), Sebastian Roldan, Maria Rodski, Volker Schaner, Scott Seine, and more.
Special thanks to: Mireille Perry and the Perry Family, Ulrike and Giuliano Bernet, Antoine Félix Bürcher, Thomas Julier, Albertine Kopp / Caribbean Art Initiative, Cabinet Gallery, London, Corbett vs. Dempsey, Chicago, suns.works, Zurich.
More about the opening program with Trinity Njume-Ebong:
Born in Geneva, Switzerland, Trinity Njume-Ebong, also known as Mother Dubber, has been digging records since 2001. Her aim is to unite the modern sonic expressions of the black diaspora; from the West African disco records inherited from her father to the contemporary electronic music productions that dominated her childhood. A strong universal political and cultural alliance of raw black creativity and art can be heard through her musical curation, focusing on a particular era or region with each set.
For the opening night, a collection of carefully selected 80's digital and early dancehall will be on the agenda. The result will be a combination of humor, lament, protest, sexual politics and joy, all wrapped up in a collection of 45s that also includes dub-inspired signals and sirens.
On Thursday, March 21, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include lecture by Claude Weill entitled «A Return Ticket to Elysium: Psychedelics in the Second Half of Life».
Claude Weill is the author of Elysium hin und zurück (A return ticket to Elysium). The nine people portrayed in the book are all in the second half of life, bring with them a wide variety of life backgrounds, work in different professions or are already retired. For them, the regular or occasional use of mind-altering substances represents an access to extraordinary experiences of spiritual-mystical dimensions.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
A cooperation with the Kunsthaus Zürich
Is choosing a creative act? In the context of the exhibition «Barbara Visser – Alreadymade» about the dadaist Elsa von Freytag-Loringhoven at the Kunsthaus Zürich, creativity in the age of artificial intelligence (AI) will be questioned at Cabaret Voltaire, the birthplace of Dada: What is an artistic decision? What role do algorithms play and can AI appropriate art as a source? Guests are Barbara Visser (artist), Giulia Bini (art historian and curator), Flora Klein (artist) and Krystina Schaub (scientist and philosopher). Together with Simone Gehr (curator of the «Alreadymade» exhibition) and Salome Hohl (director of Cabaret Voltaire), they will discuss these questions, accompanied by a snack served with the help of AI.
The Soirée will be held in English. The audience can listen or join in the discussion.
Admission: CHF 20 / CHF 10; Please register via info@cabaretvoltaire.ch
Ruins, with their own promises, counter the assurance of architecture to bring something lasting into the world. «we are an investment ruin / status symbol of an unstable ruler / vision of an architect in delusion,» writes Jana Volkmann. Simon Nagy replies: «And the ghosts? They are the inhabitants of the ruins. Those who perish building the ruins, those who are buried, those who still live there in the rubble.» In dialogue with Sarah Lehnerer and Benedikt Bock, Volkmann and Nagy talk about building ruins, about the hauntings of our present and the not yet of other futures. In between, they will read from their books Investitionsruinen and Spuk als Versprechen.
«Texte zum Nachdenken» is an independent reading series founded by artist Benedikt Bock in 2020. Artist Sarah Lehnerer has been part of the team since 2023. In Zurich, the series cooperates with the Cabaret Voltaire.
Texte zum Nachdenken is supported by: City of Zurich, Canton of Zurich, Anne-Marie Schindler Foundation, Temperatio.
Admission: Pay what you can (CHF 5/10)
The event will be held in German.
On Thursday, February 15, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include lecture by Stefan Zweifel on Antonin Artaud and a surrealist short film by Germaine Dulac, accompanied by the musician Réka Csiszér aka Víz.
A cooperation with Eventi letterari Monte Verità and the Institute for Incoherent Cinematography (IOIC).
Stefan Zweifel, curator of this year's Eventi, holds forth on Antonin Artaud and Peyotl. The Institute for Incoherent Cinematography (IOIC) will be showing the surrealist short silent film La coquille et le clergyman, which Germaine Dulac, made in 1927 from a screenplay by Artaud. This work will be accompanied by the Transylvanian singer, cellist and electronic musician Víz (Réka Csiszér).
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
Exceptionally, the event will be held primarily in German.
Fueled by a passion for exploring the intersection of technology and artistic expression, unsorted.love engages in live coding performances and collaborative events. The collective use programming languages to create, manipulate, and improvise music and visuals.
Program:
20:00 - 20:30 Ted Davis x Anselm Weber
20:45 - 21:15 Du bist du
21:30 - 22:15 Suntka Rinke x Paulina Zybinska
22:30 - 23:15 Younger Sibling x Andrea Zaccuri
Admission: CHF 5/10
@unsorted.love
https://unsorted.love
On Thursday, January 11, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include an Integrative Performance by Iris Andres entitled «Psychedelic Integration for Body, Mind & Soul», followed by a panel discussion led by Susanne G. Seiler and featuring Iris Andres, Stephan Fundinger, Claude Weill and Valentina Manini, all of whom are involved in Psychedelic Integration.
Iris Andres is trained as a chemical laboratory technician and respiratory therapist with advanced training in holotropic Breathwork, somatic bodywork and body-centered psychotherapy. In her intervention, she will talk about her way of practicing Psychedelic Integration.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
On Thursday, Dezember 14, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a lecture by Beat Bächi, Research assistant at the Chair of Medical History at the University of Zurich.
Beat Bächi: «Transubstantiations. LSD and the Flesh of the Aztec Gods»:
Dr. Bächi, a historian, knows the Albert Hofmann Archive in Bern intimately and is currently researching the fate of farm animals in the Anthropocene at the University of Zurich. He will take us on a journey through southern Mexico, tracing the unlikely paths that enabled LSD to transform itself from a psycho-pharmaceutical substance into a counterculture icon. His book LSD auf dem Land. Produktion und kollektive Wirkung psychotroper Stoffe (LSD in the Country. The Production and Collective Impact of Psychotropic Substances) is only available in German for now (Konstanz University Press 2020).
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission: CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
Texte zum Nachdenken with Martian M. Mächler, Sarah Lehnerer and Jackie Grassmann
19:00–20:30 Readings, afterwards Karaoke
i left my body behind by Martian M. Mächler is a book about some body – an autofictional interweaving that deals with dissociative states in a nuanced way without using pathologizing and healing language. The narrative poetry collection embarks on a search for a less closed understanding of body and language, one that remains fluid and changeable. Written in English, a language that Martian M. Mächler is less familiar with than the (Swiss) German that Mächler grew up with, this fact is further alienated and fragmented.
Fireflies in the Dark. Letters on Ambiguities is an ongoing digital correspondence between the artists Jackie Grassmann and Sarah Lehnerer, which began in March 2020 and was first published in excerpts as a book a year later. The text, which since then has been growing constantly, is a document of the authors' desire to develop a language for their artistic practice, their theoretical thinking, for everyday life, and larger events, which is formulated through the principle of attentiveness, shared thinking and understanding, listening and responding.
Texte zum Nachdenken is an independent reading series founded by artist Benedikt Bock in 2020. The artist Sarah Lehnerer has been part of the team since 2023. In Zurich, the series cooperates with the Cabaret Voltaire.
Texte zum Nachdenken is supported by: City of Zurich, Canton of Zurich, Anne-Marie Schindler Foundation, Temperatio.
Admission: Pay what you can (CHF 5/10)
A collaboration between Cabaret Voltaire, ZHdK Master of Fine Arts, Theater Neumarkt.
The performance is split between two locations: Theater Neumarkt and Cabaret Voltaire. The audience is invited to move back and forth between the venues (3 minutes walk) and dive into two parallel worlds. The artist duo Dorota Gawęda and Eglė Kulbokaitė combine text, video and digital doubling into a setting that is at once archaic and futuristic. During the piece, a hybrid narrative unfolds that seamlessly blurs presumed polarities, such as Subject–Environment, Nature–Technology, Real–Virtual.
Once upon a time, the demonic Południca haunted field workers at noon, tempting them to engage in deceptive dialogues. Her face twitches, a tall, beautiful «noon girl» dressed in dust. She enjoys pulling the hair of peasants working in the midday. She helps little children to get lost in the fields. Appearing around noon on the hottest days of summer, wandering in the fields of golden crops, her habit is to stop people and ask them difficult questions to engage them in conversation. If anyone fails to answer a question or tries to change the subject, she will cut off their head or strike them with illness. This legendary figure from Slavic folklore poses a metaphor for our contemporary anxieties related to ecological and social unease.
Cast: Performance: Giulia Terminio. Hair and Makeup: Jasmine Berger. Original music: Bill Kouligas. Voice Actors: Justyna Chaberek, Niklas Draeger, Thanos Frydas, Leila Hassan, Oskar Pawełko.
The performance is part of the research-workshop «24/7 Performance: (Re-)Presentation in the Algorithmic Regime», organized by Marie-France Rafael (ZHDK/IFCAR), with the support of the Ernst Göhner Stiftung.
Tickets: https://www.theaterneumarkt.ch...
Or on site: Cabaret Voltaire
Pay what you want
This fall and winter, Cabaret Voltaire and CARAH – Collective for Anti-Racist Art History cordially invite you to a reading group. Together we’re going to read and discuss texts on (anti-)racism in art history and related topics.
On 28 November, we will discuss the text by José Esteban Muñoz, «Performing Disidentifications», introduction to Disidentifications: Queers of Color and the Performance of Politics (1999). Afterwards, the film Tongues Untied by Marlon T. Riggs will be screened.
The seminal documentary on Black gay life, Emmy Award-winning director Marlon T. Riggs' 1989 Tongues Untied uses poetry, personal testimony, rap and performance (featuring poet Essex Hemphill and others), to describe the homophobia and racism that confront Black gay men. The stories are fierce examples of homophobia and racism: the man refused entry to a gay bar because of his color; the college student left bleeding on the sidewalk after a gay-bashing; the loneliness and isolation of the drag queen. Yet they also affirm the black gay male experience: protest marches, smoky bars, «snap diva», humorous «musicology» and Vogue dancers. A quarter of a century after its release, director Marlon T. Riggs' documentary, winner of the Los Angeles Film Critics Award, and Best Documentary prize at the Berlin Film Festival, is as relevant as ever.
«My struggle has allowed me to transcend that sense of shame and stigma identified with my being a black gay man. Having come through that fire, they can't touch me.» – Marlon T. Riggs
The reading group meets at 19:00 at the Dada library in Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) on the following dates:
- October 31, 2023: Nora A. Taylor, «Why Have There Been No Great Vietnamese Artists?» (2005)
- November 28, 2023: José Esteban Muñoz, «Performing Disidentifications», Einleitung zu Disidentifications: Queers of Color and the Performance of Politics (1999)
- December 19, 2023: Rasheed Araeen, «The Success and the Failure of Black Art ,» Third Text 18, no. 2, 2004. Optional further reading: Courtney J. Martin, «Rasheed Araeen, Live Art, and Radical Politics in Britain,» Getty Research Journal, no. 2, 2010
Depending on the composition of the group, the discussions will take place in German and/or English.
The reading group is open to anyone interested. To participate, all you need to do is register via email to antirassismus@khist.uzh.ch.
The texts will be sent to all participants after registration.
CARAH (Collective for Anti-Racist Art History) is an initiative of art historians at the University of Zurich that aims to critically question and break down racist ideologies that are rooted in art history. The collective sets itself the task of exposing and counteracting racially based inclusions and exclusions as well as blind spots in the methodological tradition of art history as an academic discipline in order to help deconstruct and overcome racism.
Free entrance.
Still from Marlon Riggs, Tongues Untied, 1989, 55 minutes, color, sound.
On Saturday, November 25, Cabaret Voltaire will once again host «Chaostage» by Ajana Dracula & friends.
We invite you to perform on the open stage: Make speeches, sing songs, play instruments, perform, dance, rap, recite poems – all contributions are welcome.
For the performances we have a stage, microphones, a piano, amplifiers, a computer and a maximum of 10 minutes each.
In all languages. Costumes are welcome!
Door opening: 20:00
Start: 21:00
Free entrance.
Registration: ajanadracula239@gmail.com
We look forward to many visitors and to your participation!
Texte zum Nachdenken with Sung Tieu
Reading and Conversation
Artist Sung Tieu and Benedikt Bock discuss auto-fiction, as well as the importance of a fact-critical research practice that influences the use of the artist's texts. They talk about Tieu's installation-based multimedia practice and the special significance of information media, such as news articles in her work, based on her current exhibition «One Thousand Times» at the Kunst Museum Winterthur.
Admission: pay what you want.
The event will be held in English.
«Texte zum Nachdenken» is a series of reading performances within the fields of visual art and literature founded by artist Benedikt Bock. Since 2023 artist Sarah Lehnerer joined the team.
On Thursday, November 9, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a presentation and performance by Sharka Rey entitled «Sex, Kink and Psychedelics».
Sharka is a somatic kink educator, performer artist, and international retreat and workshop organiser with a background in psychology, yoga, dance, CI, voice, and theatre improvisation. She currently studies MA in Changing Societies at Basel University with a focus on sexual culture and its rituals.
On «Sex, Kink and Psychedelics: Alternative Sex Education & Performance» (with visuals): Both, kink and psychedelics will most probably offer an intense experience that moves boundaries beyond what one has experienced in life. Both offer the possibility of an alternative state of consciousness and should be deeply honoured.The play itself and the connection between or among the partners is the medicine.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
In connection with the exhibition «Upiór» by Ėgle Kulbokaitė and Dorota Gawęda at Sentiment, a panel discussion will take place at Cabaret Voltaire. The focus will be on the intersections of Slavic mythology, quantum physics and art, aiming to uncover mysterious connections that bind our reality and imagination by bringing together experts in their respective fields.
Note: On November 30, Ėgle Kulbokaitė and Dorota Gawęda will perform at Cabaret Voltaire and Theater Neumarkt, organized in collaboration with ZHdK Master of Arts and Theater Neumarkt.
Participants:
Ėgle Kulbokaitė (LT) and Dorota Gawęda(PL) are an artist duo whose work seamlessly weaves together ecology and technology, science and folklore, queerness and magic, and nonhuman intelligence. https://gawedakulbokaite.com
Łukasz Kozak (PL) is a medievalist, technology, and media expert. He cooperates with numerous cultural institutions and scientific institutions in the fields of innovation and new technologies. In 2020, he published «With Stake and Spade. Vampiric Diversity in Poland» and «Upiór. Historia naturalna» («Upiór. A Natural History», with illustrations by Aleksandra Waliszewska), the first extensive studies on vampirism in Poland and the Polish-Lithuanian Commonwealth.
Dr. Zeno Capatti (IT) is a quantum physicist specializing in theoretical particle physics. His research is focused on the computation of predictions for particle colliders, such as the Large Hadron Collider at CERN. Additionally, he is involved in a cross-disciplinary project that explores the connection between art and science. Zeno's interests include post-structuralist philosophy, as well as queer and gender theory. Recently, he has begun work as a postdoctoral researcher at the University of Bern.
Sentiment is a non-profit art exhibition space in Zurich, founded by Olga Generalova and Philemon Otth in 2020. Sentiment aims to promote and exhibit contemporary artists from Switzerland and abroad and provide a valuable public platform to showcase their work. Sentiment supports radical and innovative positions within the local and international cultural landscape. https://sentiment.cc
Event Details:
Date: Sunday, November 5
Time: 17:00
Location: Cabaret Voltaire, Spiegelgasse 1, 8001 Zürich
Admission: free
On Thursday, October 12, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a presentation by Susanne G. Seiler of the new German version of her book «My Psychedelic Life» and a presentation by Roger Liggenstorfer on absinthe as psychedelic.
Susanne G. Seiler is the initiator of «The Psychedelic Salon» and has been involved with psychedelic since the 1960s. Roger Liggenstorfer is founder of the psychoactive Nachtschatten Verlag (https://nachtschatten.ch/), co-founder of Eve & Rave drug checking, and owner of the absinthe bar Die Grüne Fee in Solothurn (https://www.diegruenefee.ch/).
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
18:00 Meet & Greet
19:00 Start program
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
Schedule Opening of the exhibitions «Poetry for Revolutions. A Group Show with Manifestos and Proposals» | Ceylan Öztrük «Pink Tabula Rasa»:
–––––––––––––Opening program
–18:00 Opening of the exhibitions
–20:00 Welcome with introduction
Followed by DJ sets by Bunny Dakota (Martina Ruggeri/Industria Indipendente, Rome) and NDLOVU (Zurich) until 1.30 am.
Bunny Dakota experiments with long sound journeys and outlines artificial worlds made up of the essence of the South, drones, machine sounds, electricity, high tides, black magic, beats, chaotic sensuality, shaking the track like a superorganism in motion, where techno mixes with downtempo, hard drums, electro-wave and house music.
Heavy on drums and synths, bendy on the genre — NDLOVU brings african infused club, dance and electronica to the floor.
–––––––––––––Information about the exhibition
A collaborative project between Cabaret Voltaire (Zurich) and Istituto Svizzero (Rome) with Bassem Saad, Ceylan Öztrük, Guerreiro do Divino Amor, Giorgio Zeno Graf, Industria Indipendente, Ivona Brđanović, Maya Olah, Mathis Pfäffli, Michèle Graf & Selina Grüter, MigrArt/DACZ (Deniz Damla Uz & Niştiman Erdede), Ramaya Tegegne, RM, Sandra Mujinga, Shirana Shahbazi in collaboration with Hannaneh Heydari and Ursula Biemann.
Zurich: October 6, 2023 to March 31, 2024, opening: October 5, 6 p.m.
Rome: October 20, 2023 to February 18, 2024, opening: October 19, 6 p.m.
Curated by Gioia Dal Molin and Salome Hohl
In the historical avant-garde, such as Futurism or Dada, the manifesto advanced to become an important stylistic device for expressing convictions and criticism, for making them «tangible» and «evident,» as the etymological origin «manifestus» already indicates. Art should not preserve and maintain appearances, but rather reveal, «do,» change the world and people. In the exhibition «Poetry for Revolutions», artists and writers respond in their own artistic language to the globally entangled crises or reflect on the culture of sharing and manifesting. They do so at a time when manifestos or monuments seem to have gone out of fashion, yet events call for action, for remembering whilst at the same time for breaking free. Art does not depict one-dimensionally, it condenses, isolates, differentiates, confuses, unravels – be it poetic, radical, subtle or concrete. This raises the question of what position the authors take and to what extent art shapes political people or rather creates a pseudo-political space.
The group exhibition «Poetry for Revolutions» brings together manifestos by fifteen artists – one contribution each for Zurich and Rome, some identical, some slightly different. The content and formal characteristics are diverse. They deal with the ecological crisis, the power of language or the pharmaceutical industry, the handling of ideologies or resources, longings in dystopian times, collective imaginations and identitarian attributions. From a curatorial point of view, the contributions also deal in a certain way with the great ideology of “democracy,” which can never be neutral, but is committed to certain values.
Some of the manifestos are poetic, abstract, others prosaic, concrete. They are texts, drawings, photographs or sculptures. In both institutions, the manifestos are additionally available photocopied on Ceylan Öztrük‘s «Choreographed Manifestos» sculptures, which allow the papers to glide along the walls like leaflets. The artist is interested in how information formally circulates and who feels empowered to share what knowledge. Visitors can take the manifestos with them and take them to the streets.
Ceylan Öztrük‘s «Phantasm Manifesto» furthermore extends the exhibitions and the idea of manifestation with a group of works reminiscent of architectural elements with a propagandistic purpose. At second glance, however, the paper sculptures seem ironic, as they are deprived of any function and convey images or writing that do not refer to anything concrete. Perhaps they are to be understood as artistic «counter- or anti-monuments,» but they can also be read, as Öztrük‘s overall contribution titled «Pink Tabula Rasa» suggests, as a possible re-description. In keeping with the title «Phantsm Manifesto,» she also wants to give space to the imaginary, surreal, or illusory aspects of a particular concept.
The fifteen manifestos and Ceylan Öztrük‘s contributions are on view at both institutions. In Rome, additional works by some of the participating artists accompany the show, and a historical showcase highlights the manifestos of the feminist movement in Italy in the 1960s and 70s. At the Cabaret Voltaire in Zurich, the reference system is shown in the context of Dada.
This project is kindly supported by:
Stadt Zürich
Ernst Göhner Stiftung
Stiftung Temperatio
Philaneo
Stiftung Anne-Marie Schindler
Pro Helvetia, Schweizer Kulturstiftung
Ernst und Olga Gubler-Hablützel Stiftung
Stiftung Kulturfonds, ProLitteris
Oertli-Stiftung
Else v. Sick Stiftung
Address: Schule Hirslanden Sek, Freiestrasse 191, 8032 Zürich
Kunst-am-Bau project by Florian Graf
Performance program curated by Elise Lammer in collaboration with Florian Graf and Salome Hohl.
The opening party is a cooperation between the Amt für Hochbauten, Fachstelle Kunst und Bau, Cabaret Voltaire and Schule Hirslanden Sek.
As part of the new construction and renovation of the listed buildings of the Hofacker school complex, the Kunst-und-Bau project «School Models» by artist Florian Graf (*Basel, lives and works in Basel) was selected by invitation in a study commission. Florian Graf created a sculpture group consisting of stone models of the three school buildings from three centuries. Instead of placing the schoolhouses on pedestals, he had the models placed on oversized play blocks. The building blocks, made of colored terrazzo, and the school buildings, made of limestone, can also be used by the students as seats. They can climb on their school building, sit on it, or even look down on the school from above. In this way, the buildings become tangible. Florian Graf's sculpture ensemble is a tongue-in-cheek play with proportions and with our perception: it encourages us to change the viewer's location, to take other perspectives and to move between model and reality.
Florian Graf had the idea to inaugurate the «School Models» with a party for the school and the neighborhood and to let different artists play with the sculptures. Seven artists have accepted the invitation of Florian Graf, Elise Lammer and Salome Hohl and will occupy the «School Models» in different ways today. We are very pleased to inaugurate the «School Models» with a surprising performance program together with you, the students and teachers of the Hirslanden Sek School.
Program:
–4.00-5.00 p.m.: Students will guide you through the school buildings (meeting at 4.00 p.m. and 4.30 p.m. at the entrance to the new building).
–5.00 p.m.: Welcome and introduction by Christiane Rekade (Amt für Hochbauten, Fachstelle Kunst und Bau), Florian Graf (artist), Christoph Widmer and Astrid Hänggi (Schule Hirslanden Sek), Roger Curchod (President of the Zurichberg District School Board), Salome Hohl (Cabaret Voltaire), Elise Lammer (curator)
–5.30 p.m.: Yogos Sapountzis: «little school memory», 2023
–6.00 p.m.: Zwischenspiel: Nina Emge and Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–6.15 p.m.: Monster Chetwynd with students of the secondary school Hirslanden: «Puppets and Autoreflexive-representations», 2023
–6.30 p.m.: Apéro
–6.45 p.m. Julie Monot: «Hang Out III», 2023
–7.15 p.m.: Zwischenspiel: Nina Emge and Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–7.30 p.m.: Raffaela Boss and Charlotte Horn: «delicate balance», 2023
–7.45 p.m.: Zwischenspiel: Nina Emge and Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–8.00 p.m.: Closing
Yorgos Sapountzis (*Athens, lives and works in Berlin) often deals with the role of art and monuments in public space and the relationship between body, vision and space. Together with a group of students from the Institute Art Gender Nature (IAGN) at the FHNW Basel and the Zurich University of the Arts (ZHdK), he has developed a performance around the work of Florian Graf. In «little school memory», 2023, the performers celebrate the unveiling of the sculpture group, make it publicly accessible on the one hand, but also show alternatives and unexpected ways of approaching the sculptures.
Nina Emge and Nils Amadeus Lange (*Zürich, lives and works in Zurich / *Köln, lives and works in Zurich) present «School Bell 1», 2023: a new performance they developed together for the inauguration of the art and construction works at Schule Hofacker. «Zwischenspiel» is the first collaboration between the two artists: throughout the evening, they have a person perform with a kind of portable instrument that generates noises and sounds through their movement. Like a school bell, the performance accompanies us through the festival. For this performance, Nils Amadeus Lange and Nina Emge have been inspired by the resonance theory of the German philosopher Hartmut Rosa, who tries to explain the relationship between the individual and the world with the help of resonance - that is, the reverberations or vibrations between things and people and their environment.
Since last spring, Monster Chetwynd (*London, lives and works in Zurich) has been leading a workshop for students at Schule Hofacker. Under the title «Puppets and Autoreflexive-representations», 2023, they have jointly developed puppets from materials such as cardboard, fabric or found elements, which can now populate Florian Graf's model school building. After all, a school only works with students. In the workshop, the students learned how to create figures and bring them to life using puppetry techniques. Monster Chetwynd is internationally known for their exuberant and humorous performances with handmade costumes, props and sets.
The artistic work of Julie Monot (*Lausanne, lives and works in Lausanne) moves between different media such as performance, installation, sculpture and video. Her research focuses, among other things, on the border areas of physical externality and its forms of representation. Fantasy figures, which the artist «activates», brings to life, so to speak, play a central role. In her performance series «Hang Out,» she evokes the idea of a long time or space that people share. In «Hang Out III,» 2023, three ghostly figures appear, moving across the playground, around the sculpture group, interacting with the audience and creating surprising overlaps with the other performances.
Raffaela Boss and Charlotte Horn (*Interlaken, lives and works in Basel / *Darmstadt, lives and works in Basel) have just completed their art studies at the Institute Art Gender Nature (IAGN) of the FHNW Basel. With «delicate balance», 2023, the two artists have developed a new performance that deals with interpersonal boundaries and communication. It combines songwriting and singing, movement and field recording and is realized with electronic instruments. The performers focus on their personal relationship, in which they are in a constant balancing act between pleasant and unpleasant emotions.Raffaela Boss uses dance and everyday movements in her work, which deals with recurring boundaries and communication. It combines songwriting and singing, movement and field recording, and is realised with electronic instruments. Charlotte Horn's work is based on performance, music and installations, as well as oil painting, ceramic sculptures, sound and drawing. She is interested in the fundamentals of abstraction, often weaving together nuances of proximity and distance.
On Thursday, September 14, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include two short films and three «Magical Passes» by Gabriel Mestre Arrioja and a lecture and presentation by Susanne G. Seiler entitled «The Life and Work of Terence McKenna».
Gabriel Mestre Arrioja is a Mexican artist. He will show two short films, «Hunting One's Self» and «Psychedelic Transfer of Knowledge,» as well as teach three «Magical Passes» – physical exercises in the Toltec shamanic tradition. Susanne G. Seiler is the initiator of «The Psychedelic Salon» and has been involved with psychedelic since the 1960s. The German version of her book «My Psychedelic Life» will be published in October 2023.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
A collaboration with the SNF-project «Conflict and Cooperation. Episteme and Methods between Art History, Art and Ethnology in the Performative Pictorial Practices of Vodun».
How did Ayiti aka the enfant terrible of the Caribbean—the first nation to permanently ban slavery—become the world’s bête noir? Pivoting between past and present to ruminate on and deflect dystopic futurities, artist-scholar, Gina Athena Ulysse offers an alter(ed)native in something other than fiction. Foreswearing civilized academic habits, she eloquently spits geopolitical history, personal narrative, statistics with Vodou chants in a lyrical meditation on coercion and consent. Testifying to the spectacle of those 4 dangerous little Os and our vulgar human obsession with categorization and hierarchy, she pleads to Gede—the lwa of ancestral dead and sexual regeneration—Gad sa vivan yo fe mwen! Look at what the mortals have done! And they certainly continue to do things… The way out is through the abyss with Marasa logic where 1+1=3.
Gina Athena Ulysse is an artist-scholar and professor of Feminist Studies based in Santa Cruz, California. Her performance and creative projects stem from ongoing crossings and dialogues in arts, humanities and the social sciences. A cultural anthropologist, photographer, poet and songstress, Gina Athena engages in a practice of rasanblaj – the gathering of ideas, things, people and spirits (not necessarily in that order!) – to confront the visceral in the structural. Using multimedia approaches, her singular aim is to explore hidden aspects of the human condition toward a more just world. She has presented her various works in colleges, and universities nationally and internationally, and has also performed in artistic venues including: The Bowery, Brecht Forum, The British Museum, Brooklyn Museum, Court Theatre, Gorki Theatre, House of World Cultures in Berlin, LaMaMa, Lyric Stage Theatre, Marcus Garvey Liberty Hall, MoMA, and the Museum of Contemporary Art in Sydney, Australia. In 2020, she was invited to the Biennale of Sydney. ginaathenaulysse.com
The Dress: Gina Athena Ulysse © 2014. Photo: Lucy Guiliano
Hanne Lippard (*1984, Milton Keynes/UK) works with the medium of writing, through performances and readings as well as sound recordings and installations. Within the variation of these formats, the voice is her main medium. Hanne Lippard is one of the four recipients of the Preis der Nationalgalerie award 2024. Further information: https://hannelippard.com
Ingo Niermann (*1969, in Bielefeld, DE) is author, editor of the speculative book series Solution and an artistic mentor at Hochschule für Gestaltung und Kunst Basel. Based on his novel Solution 257: Complete Love (2016), Niermann initiated the Army of Love (thearmyoflove.net), a project that tests and promotes a needs-oriented redistribution of sensual love. Further information: www.ingoniermann.com
Texte zum Nachdenken is a series of reading performances within the fields of visual arts and literature assembled by artist Benedikt Bock. http://www.textezumnachdenken.com/
During the LONG NIGHT, the two exhibitions by Monster Chetwynd will be on view: «Profusion Protrusion» in the Vaulted Cellar and «Head-Less-Ness» in the Artists' Bar. In addition, Monster Chetwynd invites you to a special program in different rooms. The Historical Hall upstairs will be transformed into a jewellery workshop with dyed and baked noodles that look gnarled and ancient. Visitors can make necklaces, accompanied by an oracle and helpers on a large wooden throne. As in the exhibitions, the focus is on carnival, do-it-yourself, playfulness of taste and comedy. In Chetwynd's work, humour and the grotesque are used as consciousness-expanding devices.
From 20:00 Monster Chetwynds «Heterotopian Shake Down» will take place three times in the Vaulted Cellar. A «Heterotopian Shake Down» is what it's supposed to be: a space where norms and habits are suspended for a moment, small steps into the furthest reaches of the body's expressive dance – all in one hour with Monster Chetwynd, DJ Gianfranco Rossetti and the Cabaret Voltaire team.
Throughout the evening you can get the special cocktail «Never drink alone» at the lower and upper bar, developed by the artist Monster Chetwynd.
Program:
18:00-02:00, exhibitions by Monster Chetwynd in the Artists' Bar and the Vaulted Cellar, bar service in the Artists' Bar and the Historic Hall.
18:00–19:30, «Iron Age Pasta Necklace Workshop» in the Historical Hall
20:00–21:00, «Heterotopian Shake Down» in the Vaulted Cellar
22:00–23:00, «Heterotopian Shake Down» in the Vaulted Cellar
00:00–01:00, «Heterotopian Shake Down» in the Vaulted Cellar
Visitors can come and go.
From August 25, 2023 to the end of July 2024, Monster Chetwynd will occupy the Artists' Bar with the exhibition «Head-Less-Ness».
Opening: 25.08.2023, 18:00.
Program: «Iron Age Pasta Necklace Workshop» and performances (18:30–20:00), followed by a DJ set by Jack Brennan.
Performers: Monster Chetwynd, Dragan Chetwynd, Mariuccia Casadio, Jack Brennan, Lucy Soni, Ella Soni, Mette Sterre, Luca Süss, Dudu, Lukas Ryffel and Levin Stettler Brogli.
In a society shaped by rules on the one hand, and conventions on the other, it requires places that subvert everyday norms. Monster Chetwynd creates such spaces through her performances, images, and installations. She plays with masquerades, twists social rituals, diverts energies, creates hybrid beings and juggles visual cultures from the Middle Ages to science fiction. The monstrous, the carnivalesque, and the grotesque are ever-present in her worlds and always associated with exaggeration, absurdity, horror, and humour. However, they are invariably committed to positivity. Monster Chetwynd's art exudes the courage to find honest engagement in the creative act and to stage rehearsal spaces for inclusive alternatives.
The exhibition «Head-Less-Ness» brings together masks, corporeal fragments, bricolage furniture, textile prints and paintings in the Artists' Bar of Cabaret Voltaire. Originally opened in 1916 as the «Künstlerkneipe Voltaire», art and life were to go hand in hand here and expand the concept of art. In this sense, the exhibition can be seen as a collection of theatre props itching to be used, challenging notions of the familiar and beautiful: an oversized bench, chairs too low to sit on, paintings as uncomfortably placed wallpaper, free-standing sculptures on tables, moths, grimacing faces and masks.
In the grotesque-carnivalesque it is always unclear where the body ends and where the world begins. This fits in with the sociotope «bar», which as a closed community space can both level and reverse social connections. Both the carnival and the bar are associated to rituals in which the individual dissolves within the group, their surroundings or conversely retrieves themselves. «Never drink alone» is therefore the name of the drink that accompanies the exhibition and can be drunk amidst the countless props of heads and bodies. A puppet accompanies the cocktail – an opportunity to enter into a «Puppet Slam» with other guests.
Opening «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd, Cabaret Voltaire, August 25, 2023. Photo: Romain Mader
Opening «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd, Cabaret Voltaire, August 25, 2023. Photo: Romain Mader
Opening «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd, Cabaret Voltaire, August 25, 2023. Photo: Romain Mader
Opening «Head-Less-Ness», Monster Chetwynd, Cabaret Voltaire, August 25, 2023. Photo: Romain Mader
At the end of 2022, the online art publication PW-Magazine was launched in Switzerland. In collaboration with PW-Magazine, Body Archive as well as Spectres we are set to celebrate a night filled with performances, sounds, interventions, screenings, and engaging conversations. Join us to be a part of this summer gathering, where we can all immerse ourselves in the magic of the night.
We're looking forward to contributions by:
Axel Kolb
Azur Sabic
DIVAS / Rafał Pierzyński, Aga Pędziwiatr
Deborah Macauley
Jamira Estrada
Jiajia Zhang
Margaretha Jüngling with Luc Häfliger
Modulaw
Nadia Hauri
Sam Fuentes
Rashiyah Elanga
Tereza Glazova
Valentina Demicheli Jitsattayakul
Young Boy Dancing Group
Free Admission
More information: https://pw-magazine.com/2023/blue-moon-rising
On the occasion of the finissage it will be possible to buy all the works from the exhibition (furniture, pillows, lamps, painting). The works can be picked up after the dismantling of the exhibition in August. During the night the cocktail «Smoky Tear» will be served at a reduced price.
More about the exhibition here.
Open-air garden event with contributions by Romane Chabrol, Julian Göthe, Sadie Plant and Alex Scrimgeour
Rotbuchstrasse 18, 8037 Zurich
18:00 :meet and greet
19:00: start program
Admission: CHF 15
«The Psychedelic Salon» is a series of monthly events in collaboration with Susanne G. Seiler, at the Cabaret Voltaire, Zurich. Free from substance consumption, the series serves as a discussion platform about the current state of psychedelic research, ranging from subculture, new forms of therapy, phenomenology, and art to ecology.
suns.works, by Lorenzo Bernet, is conceived as a cyclical exhibition program throughout the year, featuring emerging, music-oriented and self-taught artists. The Salon Solaire takes place every year during June and brings together a pictorial cloud of solar motifs and sun-related artworks, becoming a shared experience among the participating artists, supporters, and visitors.
Romane Chabrol is an artist who creates musical compositions and environments using a combination of electronic and acoustic instruments. The musical structure of her works is similar to the expansive, contemplative, and rousing elements of film scores. She recently exhibited at suns.works, Zurich, and Kunsthaus Glarus, and performed at the Grand V Festival in Virieu, FR.
Julian Göthe is an artist, DJ and long-time set designer for animated and feature films. His works, comprising drawing, sculpture and installations, have been exhibited at Kunstverein München, Munich; KW Institute for Contemporary Art, Berlin; Migros Museum, Zurich; and Kunsthalle Basel.
Sadie Plant is a British theorist and author of Writing on Drugs, which posits that the enormous influence of psychoactive substances on mainstream Western culture makes a nonsense of the so-called War on Drugs. She currently teaches on the Contemporary Arts Practice MA at the Hochschule der Künste Bern.
Susanne G. Seiler, founder of «The Psychedelic Salon» and editor of the bilingual newsletter gaiamedia goodnews is a contemporary witness of the early drug culture of the 1960s and 1970s. She got to know many of its protagonists such as Timothy Leary, Albert Hofmann, and Terence McKenna. Luisa Trujillo is a political scientist from Colombia. She has been assisting Susanne with the Psychedelic Salons.
Alex Scrimgeour is an editor, translator and writer, widely interested in cultural phenomena. He worked as an editor at the art magazine Artforum in New York and at Spike Art Magazine in Berlin. He now works for Hauser & Wirth Publishers in Zurich.
The artist's book is published on the occasion of her exhibition at the Istituto Svizzero (Rome). Talk with Klodin Erb, Gioia Dal Molin (Head Curator Istituto Svizzero), Teo Schifferli (Graphic Designer), and Salome Hohl (Director Cabaret Voltaire).
This event is organized as part of the Zurich Art Weekend, in collaboration with the Istituto Svizzero (Rome).
Book Launch with Klodin Erb, Cabaret Voltaire, June 10, 2024. Photo: Cabaret Voltaire
On June 9, we will open the exhibition in the Vaulted Cellar as part of Zurich Art Weekend 2023 – including a one-hour disco from 7 p.m. to 8 p.m.
On the occasion of the opening of Monster Chetwynd's «Profusion Protrusion» we will host a one-hour disco with DJ Gianfranco Rossetti, the artist and the Cabaret Voltaire team. A «heterotopian shake down» is what it's supposed to be: a space where norms and habits are suspended for a moment, small steps into the furthest reaches of the body's expressive dance – all in one hour.
«Profusion Protrusion» is on view in the Vaulted Cellar until September 2023.
In the Vaulted Cellar of the Cabaret Voltaire, entered through an open maw, and transporting guests to other worlds, stands one of the monstrous heads of Monster Chetwynd from June 9, 2023. Inside this head is a small exhibition, a prelude to Chetwynd’s artistic occupation of the Artists’ Bar from August 25, 2023 to the end of July 2024. Chetwynd’s works, be they exuberant performances or painterly installations, brim with optimistic absurdity and profound comedy; they are comprehensible to all yet rich in cultural references. With the do-it-yourself character, the processivity, and the humor, Chetwynd’s art connects to the heritage of Dada.
On June 9, we will open the exhibition in the Vaulted Cellar as part of Zurich Art Weekend 2023 – including a one-hour disco from 7 p.m. to 8 p.m.!
More about «Profusion Protrusion»
Image: Exhibition view Monster Chetwynd, The Owl with the Laser Eyes, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, 2018
On Thursday, May 11, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event includes a lecture by Luisa Trujillo titled «Psychedelic Politics».
Luisa Trujillo explores the political impact of the use of psychedelic substances. The potential influence these substances have over individual political actions have proven to be powerful enough to trigger tight regulations such as prohibition and criminalization. Psychedelics inspired a large social movement, and they are on the verge of what we now know as transhumanism. More political than we expect, this movement returns to the real concept of politics: the capacity to alter our reality based on added up individual power.
Luisa Trujillo is a political scientist from Colombia, MA in Development Studies IHEID, Geneva. Her experience as program manager, lecturer, and researcher unfolds around different aspects of human development: education for peace, conflict transformation, sustainable agriculture, civil resistance, and most recently the use of entheogens for mental health. Luisa is a published author, mother, migrant, independent researcher and educator.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
A Soirée by Theater Neumarkt and Cabaret Voltaire
The series «BRUCH varieté» explores cabaret and varieté forms as precarious laboratories for individualized and ephemeral modes of rupture, mixing commercial entertainment, aestheticized revolt and esoteric experiment. At Cabaret Voltaire, BRUCH adapts Carl Einstein’s didactic play «Die schlimme Botschaft» (1921) as an an agitprop varieté show. The anarchist art theorist’s long forgotten dramatic text, which was banned for «blasphemy» upon publication, retells the passion of Christ by transposing it into present times. Departing from the fiction that Einstein along with comrades premiered the piece in Zurich fifteen years later in order to mobilize fighters for the Spanish Civil War, his meditation on art, politics and religion is staged in the form of performative drafts developed with the ensemble of Theater Neumarkt.
Location: The performance begins at 8 p.m. with a prologue in front of the Theater Neumarkt and then moves to the Cabaret Voltaire. Duration: approx. 60 minutes. Language: English and German.
With David Attenberger, Sofia Borsani, Challenge Gumbodete, Stanislav Iordanov, Yara Bau Nassar, Melina Pyschny.
BRUCH is a collaborative framework for artistic research and production. Previous works include EROS (encore), 2023 Tanzcafé Maratonga/NS-Dokumentationszentrum München; KLITTERN (aesopica), 2022, Münchner Kammerspiele/Thalia Theater/Ballhaus Ost, awarded with the jury prize of Körber Studio Junge Regie; COLD LOVE (seelenstahlbaden), 2021, Münchner Kammerspiele; tanikō (cold love), 2021 Brechtfestival Augsburg; ERMITAGE, Lothringer 13 Halle, Munich.
Admission: pay what you want
Pre-sale via Theater Neumarkt
Box office: At Cabaret Voltaire
In the soirée series «Analytisches Kabarett», the analytical craft of philosophy is revealed and challenged or condensed by contributions from other perspectives and disciplines. Each soirée features an introduction to a particular line of thought by philosopher Dominique Kuenzle, a presented textual analysis, a thesis or question by aspiring philosophers studying at the University of Zurich, and an artistic as well as a gastronomic contribution. Guests are invited to actively participate in the discussion or to listen.
Nr. 2: Drunken Dreams in a Rationalist Monastery. René Descartes, Mary Astell and Monastic Liquor
In contrast to today's manosphere, in 1694, the English philosopher Mary Astell, inspired by Descartes, draws non-misogynist conclusions from his dreamy redpilling: with appropriate methods and institutions, women should become rationalistic, which is central not only for earthly justice but also for the autonomy of the soul when entering heaven. On the basis of her and Descartes' texts, we discuss conceptions of rationality in the early modern period between masculine ideals and feminist-emancipatory potential. Elodie Pong will contribute an artistic whiff to the soiree and present a conceptual prospective scent. She’s interested in how olfactory experiences shape our ways of thinking.
The selected text passages can be obtained via info@cabaretvoltaire.ch.
The discussions will take place in German.
Admission: pay what you want.
On Thursday, May 11, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event includes a lecture by Mackenzie Amara titled «Psychedelic Archetypes in Jungian Psychology» and an artistic contribution by Mountain River Jump.
Psychedelics, beyond offering healing to those experiencing mental and emotional pain, allow us to engage with realities outside the purview of personal consciousness. In a word, psychedelics are transpersonal. According to the Swiss psychiatrist C. G. Jung, the transpersonal dimension of being is not only real, but governed by patterns and stories. These patterns and stories are what’s known as archetypes. Archetypes transcend personality, culture, and time. They predate society. According to Jung, archetypal reality moves each of us to live out a fated personal narrative, much like a myth, and becoming aware of this pattern within you is the key to self-realization. In this talk, we will explore examples of common archetypes, how they show up individually and collectively, and what understanding archetypes has to do with psychedelic experience.
By trade Mackenzie Amara, aka The Inked Shrink, is a writer, coach, and 5Rhythms® teacher. By vocation she is a Jungian analyst-in-training and a clinical psychology doctoral student. Her life’s work is to heal trauma.
Mountain River Jump! is an artist duo founded in 2016 by twin sisters Huang Shan and Huang He (alias yellow mountain und yellow river). Mountain River Jump! deals with the embodiment of mythological clues in the everyday context and reflects the materialistic culture in modern China and its psychological status. The concepts that define their artistic practice have been significantly influenced by analytical psychology as propounded by Zurich psychotherapist Carl Gustav Jung. They are also interested in psychedelic aesthetics, which can also be seen in their filmic work «Cards of Chinese Animal Idioms» (3min17sec), screened at Cabaret Voltaire, along with an artistic statement.
At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
Admission – CHF 15
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch.
The event will be held in English.
Erotica! Escapist, luxurious, provocative: In her autobiographical debut «A Year on Earth with Mr. Hell» Young Kim recounts the first ten months of her affair with the legendary punk musician and author, Richard Hell. This experience enables her to come to terms with the loss of her longtime life partner Malcolm McLaren, who died in 2010. Designed by Marie Lusa, this «daybook-cum-docudrama», as Young Kim herself describes it, pushes the boundary of what can be said and experienced in literature via explicit writing about sex. With Richard Hell a Dada fan, Dada being punk and punk being Malcolm McLaren, it all comes full circle with a reading and conversation at the Cabaret Voltaire!
In collaboration with Literaturhaus Zürich.
Presented by Gesa Schneider
Tickets and informations here.
What others say about the book:
A fabulous escapist fantasy involving two cool people in amazing clothes having a fine time taking them off in glamorous hotel rooms.
– Helen Rumbelow, The Times
I found the book so engrossing; I really did read it in one sitting. That’s kind of unheard of from me. It all takes place in a beautiful bubble of privilege, and thank god. It’s glorious to be allowed to enter into it because fuck the rest of our rotten, barren world in this moment.
– Bret Easton Ellis
The most graphically effective sex writing I've read in a long time.
– Greil Marcus
The spirit of Anais Nin and Georges Bataille is reborn in this wonderful book. Young Kim has written something that is much more than a memoir—a truly modern work of art.
– Matthew D’Ancona
Taken as a whole the book left me thinking more profoundly about desire, humanity and loss, than anything I’d read in a long time.
– Sarah Bailey, Vogue Greece
In the soirée series «Analytisches Kabarett», the analytical craft of philosophy is revealed and challenged or condensed by contributions from other perspectives and disciplines. Each soirée features an introduction to a particular line of thought by philosopher Dominique Kuenzle, a presented textual analysis, a thesis or question by aspiring philosophers studying at the University of Zurich, and an artistic as well as a gastronomic contribution. Guests are invited to actively participate in the discussion or to listen.
Nr. 1: Fascism and Masculinity. Plato and Arendt, Greek Wine and Campari Spritz
Plato's Politeia contains a fascinating analogy: just as a righteous person carries order in his soul, a righteous state is controlled by a Stormtrooper-like warrior caste. Based on excerpts from the Politeia and a text by Hannah Arendt, we discuss whether the abolition of family and private property proposed is feminist, proto-fascist, or both.
Miriam Laura Leonardi contributes to the soirée with an artistic contribution. She interrupts the Analytical Cabinet with a fashion show of more or less wearable textile collages, which, on closer inspection, refer to socially connoted items of clothing due to texts, motifs, the cut or material: Aprons, robes, circus pants, party dresses, swimwear, work pants or tracksuits. All the pieces worn were made by Leonardi as one-offs or editions with prints, and sent down the runway at Cabaret Voltaire with a reinterpreted version of the Ghetto Blaster in a nod to the pop culture of the 80s and early 90s. Intentionally or unintentionally, Leonardi references themes raised in this philosophical soirée. Individualized garments that refer to mass psychological phenomena are interesting in terms of both Hannah Arendt and Plato. For example, when talking with Arendt about equality and individuality in the context of authority, or her observation that art and doing «for the sake of the thing itself» threaten systems of domination comes into focus. With Plato, fashion can be thought about in the context of property, gender roles, or hierarchies.
The selected text passages can be obtained via info@cabaretvoltaire.ch.
The event is conducted in German.
Admission: pay what you want.
Together with the independent reading series Texte zum Nachdenken, Cabaret Voltaire is organizing three events this year. On April 18, we begin with a poetry night, to which we welcome Tim Holland, Ricarda Kiel and Simone Lappert. The lyrical work of the three writers reveals an attempt to put everything into a whole, to show the interdependence of human and non-human nature; to poetically expose and branch out emotional, ecological or social crises.
The event will be held in German.
–Simone Lappert (*1985, Aarau, CH) lives in Zurich and has been part of the landscape of young literature in Switzerland since her debut novel Wurfschatten 2020. Her poetry collection «Längst fällige Verwilderung» was published by Diogenes Verlag in 2022. simonelappert.com
–Tim Holland (*1987, in Tübingen) studied at the German Literature Institute in Leipzig after an apprenticeship as a bookseller. He lives in Berlin. His science fiction poetry «wir zaudern wir brennen» was published by Mathes und Seitz in September 2022.
–Ricarda Kiel lives in Leipzig, writes texts, carves spoons and runs an anti-capitalist company. «Kommt her ihr Heinis ich will euch trösten» was published in 2019 by hochroth Munich, «Outfits» in 2020 by MATERIALIEN, «Tante Alles» in 2022 also by hochroth Munich. ricardakiel.de
Benedikt Bock (*1987) and Arnaud Wohlhauser (*1992) contribute to the soirée with a sculpture.
On Thursday, April 13, «The Psychedelic Salon» organized with Susanne G. Seiler will take place again at Cabaret Voltaire. The event will include a lecture by Jason K. Day titled «Psychedelic Attention: On the Phenomenology of Psychedelic Experiences» and a VJing- and Sound-performance by Antoine Félix Bürcher and Caroline Ann Baur.
Induced by the intake of LSD, psilocybin, mescaline or DMT, psychedelic experiences are commonly described by those who take them as entailing such changes as a radically heightened detail and complexity of phenomena, deep focalisation of those that are usually unnoticed, and a generally increased degree and scope of attention that is popularly referred to as an «expansion of consciousness.» However, a diminished awareness of usually basic features of experience is also commonly reported – of reality, time, space, embodiment, and selfhood. In his lecture, Jason K. Day will show how often people describe their psychedelic experiences in terms of attention and how looking at this can help answer the question of whether people have similar experiences when they take psychedelics.
The performance of Antoine Félix Bürcher and Caroline Ann Baur develops as an ambient exploration of the «Psychedelic Salon» space. They focus their attention on details of the sonic and visual environment to explore the boundaries of the known in real time. Snacks in the space preceeding the performance will invite them to delve into the moment of digestion by focusing on audible and visual aspects such as the remains of food and packaging, cracks in the walls, fluid movements of the water and the surrounding area. In his practice of analog VJing, Antoine Félix Bürcher plays with materials by observing, overlapping, zooming in live filmed images and by distorting its frequencies. These visual glitches will be projected on the walls of the Historical Hall. In dialogue with this visual exploration, Caroline Ann Baur will listen carefully to the sound environment at Cabaret Voltaire in order to collect certain elements and develop sounds that resonate with the space. This in situ intervention is a collaborative experimentation with the materials that inhabit the space by observing and discovering. The artists will explore the present moment, zooming in and out in a fluid way, questioning how particular attention to the surrounding of visual and sonic matter allows a different access to the present – much like the psychedelic experience.
Program:
–18:00: Meet & Greet
–19:00: Start program
Registration possible via info@cabaretvoltaire.ch or show up early (often fully booked).
Admission: CHF 15
This event will be held in English.
Jason K. Day (*1996) is a PhD student in philosophy at the University of Fribourg and researcher in the SNSF project Aesthetics and Ethics of Attention. In his PhD thesis he is conducting a phenomenological study of psychedelic experiences in terms of attention. Day completed his Research MA in philosophy at Radboud University Nijmegen where he specialised in Husserlian phenomenology and Early Buddhist philosophy. He also writes on the topic of anarchist philosophy, and has otherwise been known to create collage art.
Caroline Ann Baur (*1986) is based in Zurich. Her artistic work migrates between sound arts, installations, and collaborative experiments. She experiments with the practice of active listening and is guided by the questioning of the gender based valorisation and devaluation of work and symbolism. Experiences of community were a particular focus in the Zurich offspace Raum*Station, which she co-founded and ran for four years with a group of eight people. Her works have been displayed at Kunst Halle Sankt Gallen, Gessnerallee Zurich, uni Offspace Zurich, Ausstellungsraum Klingental, mayday in Basel, Marrakech Biennale, among others. In 2019 she won the artist-in-residence programme and in 2021 the work grant of the Ausserrhodische Kulturstiftung. As an author, she writes for the WOZ weekly newspaper and for artistic publications. She teaches as a teaching assistant in the MA Transdisciplinarity at the ZHdK - Zurich University of the Arts and has tuaght seminars at the F+F School of Art and Design Zurich and at Hyperwerk Basel. Baur studied Cultural Studies and Philosophy at Humboldt University Berlin and Fine Arts at ZHdK.
Antoine Félix Bürcher (*1999) is an artist and curator based in Zurich. His artistic work is interdisciplinary, conceptual and materializes through sculptures, in-situ installations, texts, videos, and performances, always with a focus on the sculptural. Antoine Félix Bürcher imagines a non-linear aesthetic of time through the experience of matter, collaborating with it in a symbiotic relationship of expression. He co-founded the online off-space sabl.live in 2020. His work has been displayed in several group and solo exhibitions in Switzerland and Europe: BIG Biennale (Geneva) with One Gee in Fog, B74 Raum für Kunst (Lucern), Mock Jungle (Bologna), Danuser & Ramirez gallery (London), OnCurating (Zurich). His glass sculptures will be shown as part of PLATTFORM23 at Espace Arlaud, Lausanne.
The series «The Psychedelic Salon» in collaboration with Susanne G. Seiler takes place regularly at the Cabaret Voltaire. No drugs will be taken at this event, but broad topics ranging from subculture, forms of therapy, phenomenology and art to ecology will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, thetopic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
Presentation, lecture, and talk organized by Brücke Zürich-Tbilissi. The event takes place at CCA, Center of Contemporary Art, Tbilisi.
The Zurich-based artist llaria Vinci presents at the CCA, Tbilisi, a modified of the exhibition «Phoenix Philosophy Café», which is currently on show at Cabaret Voltaire until the summer of 2023. The exhibition will be activated by various events. In addition to artworks, the focus will be on «Chronicles of the Phoenix Fireplace»: short stories about Vinci's show, written by the Swiss authors Judith Keller Maya Olah, Allison Grimaldi Donahue, and the Georgian author Anna Kordsaia Samadaschwili. Salome Hohl, director of the Cabaret Voltaire, takes her inspiration from the exhibition of llaria Vinci and gives a lecture she names «Dada Phoenix, or what we can learn with Dada». She draws parallels from the past to the present and analyzes which problems and opportunities recur and which artistic responses can be observed. Afterwards, a conversation between llaria Vinci, Salome Hohl, and young Georgian artists will take place.
19:00–20:00
Presentation of llaria Vinci and reading of the short story by Anna Kordsaia-Samadashvili
20:00–21:00
Lecture by Salome Hohl «Dada Phoenix, or what we can learn with Dada»
21:00–22:00
Interaction with the Georgian artists and writers
Free entrance
www.zuerich-tbilissi.ch
Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café Tbilissi», CCA, Center of Contemporary Art, Tbilisi, April 5, 2023
Le Foyer in collaboration with Cabaret Voltaire. Moderated by Yasmin Afschar.
Mai-Thu Perret, artist, and Ida Soulard, art historian and curator, have been engaged in a regular dialogue – an exchange that is currently being deepened and culminated in a text to be published in Perret’s upcoming book project. We are given an insight into this process as we discuss common interests, feminist concerns and the role of arts and crafts in the avant-garde movements of the 20th century. In particular, Soulard's art historical research on Anni Albers and textile practices in the art of the 1920s-1960s provides plenty of links to Perret's work, including that currently on view at Cabaret Voltaire referring to Sophie Taeuber-Arp’s legacy.
Literature, art and cultural history, as well as spiritual traditions and feminist theory form the intellectual foundation from which the Geneva-based artist Mai-Thu Perret draws. She engages with the artistic avant-gardes in the early 20th century, especially with the history of abstraction, questioning the capitalist and patriarchal conventions of art and creates counter-narratives to them. Perret has been the subject of solo exhibitions at institutions including Istituto Svizzero, Rome (2022); Le Portique – centre régional d’art contemporain du Havre, France (2020); MAMCO Geneva (Musée d’art moderne et contemporain), Geneva (2019); Badischer Kunstverein, Karlsruhe, Germany (2019); Spike Island, Bristol, England (2019); Nasher Sculpture Center, Dallas (2016); Le Magasin, Grenoble, France (2012); Haus Konstruktiv, Zurich (2011); University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor (2010); San Francisco Museum of Modern Art (2008); and the Renaissance Society at the University of Chicago (2006).
Ida Soulard is a PhD in art history (ENS / Université PSL) and an independent curator. She is co-director of Glass Bead, a bilingual online research platform and art journal. From 2013 to 2020, she was artistic director of Fieldwork: Marfa, an international research and residency program jointly led by the school of fine arts in Nantes and HEAD-Geneva and, in 2021, artistic director and consultant for a private foundation and art program in Armenia. She was co-curator with Jennifer Burris of Marfa Sounding (2016-2018), a festival of performances, sound installations and conversations in Marfa, Texas. She recently curated Transmeare, an exhibition in collaboration with artist Ulla von Brandenburg at FRAC Amiens and 1833: Une jeune fille, une machine et leur amitié at Image/Imatge, Orthez (2022-2023). She is also the editor of Du Tissage (Les Presses du Réel, 2021), the French edition of Anni Albers' iconic 1965 book, and Manual for a future desert (Mousse Publishing, 2022). She currently teaches at ENSA-Bourges (France).
A literary Soirée accompanying the exhibition «Phoenix Philosophy Café» at Cabaret Voltaire by Ilaria Vinci with Allison Grimaldi Donahue, Judith Keller and Maya Olah.
The authors wrote a short story about the exhibition with keywords, which the artist Ilaria Vinci has previously given them: rebellion, curative tears, egg, circle and Miss Phoenix. At the Soirée, the short stories will be read aloud in a fireplace atmosphere.
Allison Grimaldi Donahue (*1984) is a writer and artist. She is the author of «Body to Mineral» (Publication Studio Vancouver 2016) and «On Endings» (Delere Press 2019), and translated Carla Lonzi’s «Self-portrait» (Divided, 2021). She lives in Bologna.
Judith Keller (*1985) studied literary writing in Leipzig and Biel and German as a foreign language in Berlin and Bogotá. For her debut «Die Fragwürdigen» (Der gesunde Menschenverstand) Judith Keller was awarded recognition prizes by the city and canton of Zurich. She lives in Zurich.
Maya Olah (*1990) studied German linguistics and literature as well as ethnology in Zurich and Vienna. Her radio plays and short stories have been broadcast on the radio, published in literary magazines, and she has given numerous readings at home and abroad. She lives in Zurich.
laria Vinci (*1991) studied art in Milan and Lausanne. In her practice she explores what she calls «The Zone of Fantasy»: the area in the human psyche where self-perception and world-perception meet and blur. She lives in Zurich.
This Soirée is supported by Fondation Jan Michalski.
There is hardly a reference to Sophie Taeuber-Arp in the village of Trogen in Appenzell Ausserrhoden, where the pioneer of abstract art grew up. Only a small sign on the red family house reminds us of her childhood in a village that became visibly rich from the transatlantic triangular trade in textiles from the region. The house, which Sophie Taeuber-Arp's mother had designed herself, stands not far from the Zellweger's Palace, to whom the Taeubers were related. In order to approach the multimedia work of Sophie Taeuber-Arp and to find traces of her biography, a group of the Masters Transdiciplinarity of the Zurich University of the Arts went on a 6-day excursion to Trogen. Concepts of transdisciplinary artistship were at the center of the discussion, from which the students asked questions about counter-gendered, art historical narratives, the relationship between craft and fine art, and the historical context from which the work and self-understanding of this weighty modernist artist could develop. Through the lens of the field trip, students view Sophie Taeuber-Arp and Mai-Thu Perret's exhibition «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» at Cabaret Voltaire. They react with an alternative exhibition text and invite the public to a vernissage of their reading with performances in the Historical Hall.
By and with: Paula Thomaka, Nistiman Erdede, Amanda Hunt, Hans-Jakob Mühlethaler, Caroline Ann Baur, Nicole Frei.
On Thursday 9 March, the series «The Psychedelic Salon» continues.No drugs will be taken at this event, but broad topics ranging from subculture, forms of therapy, phenomenology and art to ecology will be discussed. The Mushroom Speaks (2021), a documentary film by Marion Neumann, which explores the healing qualities of fungi and their ability to regenerate, will be screened. In her film the director not only pays tribute to the magic of mushrooms but claims they could save humanity from the coming climate apocalypse.
The Mushroom Speaks was recently reviewed in the Guardian.
«Considering that the cultivation of fungal cultures has allowed us to ease our physical ailments as well as repair damaged ecosystems, the film posits that, beyond a transactional relationship, humans can also model our behaviours after the virtues of the mushroom.» (Phuong Le, 21 February 2023)
18:00 – Meet and Greet
19:00 – News and an introduction with Marion Neumann
19:15 – Screening: The Mushroom Speaks
20:45 – Discussion
Due to organisational delays, the Mexican artist Gabriel Mestre Arrioja unfortunately cannot appear as announced. His visit will be postponed to another salon.
Admission – CHF 15
Seat reservations are possible via info@cabaretvoltaire.ch until the evening of 8 March.
The series «The Psychedelic Salon» in collaboration with Susanne G. Seiler takes place regularly at the Cabaret Voltaire. No drugs will be taken at this event, but broad topics ranging from subculture, forms of therapy, phenomenology and art to ecology will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, thetopic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
On February 21, the Tuesday Soirée «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» is taking place again, organized in the context of Ilaria Vinci's exhibition. Ilaria Vinci and CZARNAGORA (Rafal Skoczek) invite to a chess tournament in the Historical Hall at Cabaret Voltaire. The games are accompanied with live sound interventions by ALY-X and Axel Kolb which challenge the focus of the players. The event is also open to spectators. Free entry.
BLITZ CHESS TOURNAMENT
The opponents play BLITZ CHESS, with a total of ten minutes per match each, with no increment bonus time. The game will consist of eight players that play against each other with direct elimination. The final winner of the three matches will receive a gold medal and a Cabaret Voltaire limited edition t-shirt designed by the artist. Various tournaments can happen simultaneously. If you want to take part in the tournament, please register at info@cabaretvoltaire.ch (with indication of the chess level).
FREE PLAY
Here matches are formed more freely, you can play for fun or just practice and perfect your skills – it’s up to you! There are chess boards available, but you can also bring your own. You don't have to register, but it helps if you do anyway, so we can estimate the number of chess boards.
THE NOISE
Noise and chess have Dada tradition. Shortly before Marcel Duchamp's death in 1968, Duchamp and John Cage developed the «Reunion» project, in which chess games were transformed into music pieces. This time, the chess games are accompanied with noise sets by ALY-X and Axel Kolb.
«Listening to sound for me is like staying somewhere between the auditory cortex and consciousness.»
Aleyna Günay also known as ALY-X (b: 1995) artist and electronic musician from Istanbul. She began as a pianist when she was six years old and continued composing. After many years her style became harsher and this exploration combines dronescapes, harsh noise wall, and doom. She has started her project ALY-X in 2018 in Paris. She is widely known with speedcore, splittercore, and terror genres.
Günay lives and works in Zürich. www.aleynagunay.com.
Musician and composer Axel Kolb studies composition at ZHdK and lives in Zürich. In addition to his practice in spatial audio and solo trombone performances he organizes and co-curates «Spectres», a series for electroacoustic music: www.spectres.ch
Marcel Duchamp and John Cage «Reunion», 1968
On Friday, February 17, Cabaret Voltaire will once again host the «Chaostage» of Ajana Dracula & friends.
We invite you to perform on the open stage: Make speeches, sing songs, play instruments, perform, dance, rap, recite poems, show a film – all contributions are welcome.
For the performances are available: stage, microphones, a piano, amplifier, a computer and max. 10 minutes each.
In all languages. Costumes are welcome!
Door opening: 20:00
Program Start: 21:00
Free entrance.
Registration: ajanadracula239@gmail.com
We look forward to many visitors and to your participation!
In his new performance «The Way I Are», Luca Büchler works with dance and the various aspects of passive and active participation that arise from cruising. Büchler uses cruising – the practice of observing and meeting potential partners in an everyday context – to question movements. The artist thus encounters his inscribed body language, moving between fact, the recognizable form, and fiction, the scope for interpretation. Every gesture, every gaze is thereby at the mercy of the other person and their subjective and cultural ways of reading. Büchler, however, does not want to simply reveal social protocols. Through repetition he questions them and flirts with multiplying forms of representation as well as interpretation in order to create individual fantasies.
Visitors are invited to move freely around the space throughout the duration of the performance, which is accompanied by music and light. The bar in the Historical Hall will be open during the 90-minute performance.
On Thursday, February 9, «The Psychedelic Salon» will take place once again at Cabaret Voltaire. The event will include a lecture by Susanne G. Seiler titled «The Love you Take is Equal to the Love you Make. LSD in the Sixties.» It is followed by a psychedelic DJ set by Kalabrese.
«The love you make is equal to the love you take» is a Beatles quote that sums up the philosophy of the peace and love era, when hippies were experimenting with alternative therapies. LSD therapy, for example, which was still legal in North America at the time, was widely used. At this event, no drugs will be taken, but the state of psychedelic research will be discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
Susanne G. Seiler studied sociology and linguistics in Toronto and Ottawa, Canada. She is the editor of the bilingual newsletter «gaiamedia goodnews» and organizes and moderates the monthly «The Psychedelic Salon». As a contemporary witness of the beginnings of the drug culture in the sixties and seventies, she got to know many of its protagonists such as Timothy Leary, Albert Hofmann, the psychologist and theologian Jean Houston, Terence McKenna or the dolphin and consciousness researcher John C. Lilly. Susanne lives in Zurich and is working on a book about her experiences, which will be published in autumn under the title «Mein psychelisches Leben» by Nachtschatten Verlag, Solothurn.
Kalabrese (Sacha Winkler) is a Zurich musician, DJ, music producer and co-owner of Club Zukunft who will delight us with a psychedelic set. More information: http://kalabrese.com
Admission: CHF 15 – the event will be held in English.
18:00 – Meet & Greet
19:00 – Lecture Susanne G. Seiler
20:15 – Discussion
21:00 – DJ Kalabrese
The event can also be followed online via this link: https://us02web.zoom.us/j/85085741374?pwd=TzNTU1VZdG1SRXRzU3pxWkZSM1RCQT09
Meeting-ID: 850 8574 1374
Code: 579840
Additional dates: March 9, April 13, May 11, 2023.
Timothy Leary For Governor Of California, Poster by Joe Roberts Jr., 1969
Edition launch with artist David Horvitz, a reading in Georgian with Elene Abashidze, in English with David Horvitz, and introductory thoughts on the weather by Nina Kunz.
There are 64 different terms for rain in the Georgian language. Artist David Horvitz worked with Tbilisi-based curator Elene Abashidze to collect these words. The result is a glossary that describes the subtle differences in how water can fall from the sky. The wealth of expressions for a single natural phenomenon also makes visible what we stand to lose from the effects of the climate crisis, when the variety of expressions for rain no longer apply.
The work was created on the occasion of the exhibition «The Palace of Concrete Poetry» at the Writers' House of Georgia in Tbilisi (September 9 – October 9, 2022). The artist's book «Წვიმა Rain» contains the entire glossary and is published by Edition Taube in an edition of 1000 unique copies, and a special edition printed with Georgian rainwater.
Design: Jan Steinbach.
David Horvitz will present another new work and sign books also the next day, 01.02.2023, in Zurich at MATERIAL.
David Horvitz «Წვიმა Rain», Design: Jan Steinbach.
With Sigrid Adorf, Medea Hoch, Salome Hohl, Hubertus Design, Walburga Krupp, Nimbus. Kunst und Bücher, Petra Ronner
While the work of the pioneer of constructive art from Switzerland has become increasingly well-known internationally, the art historical reception continued to rely on memoirs by Hans Arp and other companions, which were recorded after the early accidental death of Sophie Taeuber-Arp. In the newly published three-volume edition of letters, the artist herself can finally have her say. The change of perspective shows a reflected, determined, and at times upset Sophie Taeuber-Arp, and puts the ascriptions previously made by fellow artists into perspective. The correspondence with those closest to her stretches over almost all of Sophie Taeuber-Arp's life and is to be read like an autobiography in fragments. It provides insights into unknown life contexts and the artist's innovative transdisciplinary work.
The collection of letters was edited by Medea Hoch, Walburga Krupp, and Sigrid Schade at the Institute for Cultural Studies in the Arts at the Zurich University of the Arts and published by Nimbus. Kunst und Bücher in Wädenswil in 2021. On the occasion of the exhibition «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend, Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret» at Cabaret Voltaire, their publication will be celebrated with contributions to the letters and the award-winning design by Hubertus Design, a book table as well as a pineapple punch bowl, red lanterns and piano pieces by Béla Bartók as mentioned in the letters. The Romanian Christmas carols (Colinde) by Béla Bartók (1881–1945) consist of two series of ten piano pieces titled «Romanian Christmas Songs» (1915).
The event will be held in German.
On Thursday, December 8, the Psychedelic Salon organized by Susanne G. Seiler will take place at Cabaret Voltaire.
The event includes a lecture by Helena Aicher, PhD candidate in psychology at the University of Zurich, entitled: Ayahuasca and analogues. Psychedelic research at the University of Zurich.
No drugs are taken, but the state of psychedelic research is being discussed. Already the Dadaists were interested in the role of the unconscious and consciousness-expanding substances. In recent years, the topic of psychedelics has met with great interest in society, in the arts, and in science – we are experiencing a psychedelic renaissance (also in conventional medicine). Education and exchange about the human constitution and the effects of substances must be given space.
– 6:00 pm: Meet & greet
– 7:00 pm: News & introduction
– 7:15 pm: Helena Aicher: Ayahuasca & Analogues. Psychedelic Research at the University of Zurich
– 8:15 pm: Discussion
– 9:00 pm: Happy hour (doors open to the public)
Entry: CHF 15 – the event will be held in English.
Susanne G. Seiler studied sociology and linguistics in Toronto and Ottawa, Canada. She is the editor of the bilingual newsletter gaiamedia goodnews and organizes and moderates the monthly PSYCHEDELIC SALON. As a contemporary witness of the beginnings of the drug culture in the sixties and seventies, she got to know many of its protagonists such as Timothy Leary, Albert Hofmann, the psychologist and theologian Jean Houston, Terence McKenna or the dolphin and consciousness researcher John C. Lilly. Susanne lives in Zurich and is working on a book about her experiences, which will be published this fall in German as Mein psychelisches Leben with Nachtschatten Verlag, in Solothurn.
Additional dates: February 9, March 9, April 13, May 11, 2023.
Robert Venosa, Ayahuasca Dream, 1996
Slow Reading Club (SRC) is a semi-fictional reading group founded by Bryana Fritz and Henry Andersen in late 2016. The group deals in constructed situations for collective reading. SRC looks at, probes, and interrupts «readership» as a way to stimulate the contact zones between reader and text, text and text, reader and reader. If reading is an action that is performed, might it then also be choreographed? And might such choreographies open up a space of reading beyond the strictly useful definition of reading-as-comprehension.
The session at Cabaret Voltaire will consist of a number of text and body based protocols for reading, and a bootleg zine of pirated texts culled from hard drives of experiment writing, poetry and theory. Texts are in English, though participants of any language competency are encouraged.
In collaboration with Zürcher Hochschule der Künste and Neumarkt.
On November 8, on the occasion of her first visit to Zurich, film scholar Laura Mulvey will look back on the exhibition «Frida Kahlo and Tina Modotti» to revisit the aims and aesthetic choices behind the curatorial work; she will also discuss the processes, practical and theoretical, that guided the transformation of the exhibition into screen space.
The conversation will be held in English and moderated by Linda Waack, Senior Assistant at the Seminar for Film Studies at the University of Zurich. The event will be accompanied by the display on view from November 1 to 13 in the Historic Hall.
The evening with Laura Mulvey is part of the event «Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zurich» hosted by the Department of Film Studies at the University of Zurich. More info
In collaboration with gta invites (Institute for the History and Theory of Architecture at ETH Zurich):
Presentation by Michael Stevenson. Respondents: Khensani Jurczok-de Klerk and Daniel Tischler. Moderation by Adam Jasper.
Since the 1980s Michael Stevenson—Berlin-based, born in New Zealand in 1964—has developed an artistic language that operates at the juncture of economy, technology, education, and faith. His work explores the infrastructural systems that condition these disciplines.
Take the unconventional survey, Disproof Does Not Equal Disbelief (KW Berlin 2021), where early work could be encountered alongside recent large-scale sculptural installations. Navigation of the gallery spaces became a central question; both as a planned and ad hoc experience. When set into these spaces the artworks respond together as material and narration—a kind of mise-en-scène—drawing architecture further into the orbit of analogy, in this case anatomy and digestion. What constitutes disbelief, when we find ourselves in an environment as enclosed and disorienting as the one Jonah experienced in the belly of the whale?
Michael Stevenson has exhibited since the late 1980s. Comprehensive survey exhibitions have been held in Berlin at KW Institute for Contemporary Art in 2021, and in Sydney at the Museum of Contemporary Art Australia in 2011. Michael Stevenson represented New Zealand at the 50th Venice Biennale, and his work has been included in large-scale thematic exhibitions including the 21st Biennale of Sydney, 6th and 8th Berlin Biennales, Liverpool Biennial 2014, 2nd Athens Biennial, 8th Panama Art Biennial, and the 5th Asia-Pacific Triennial.
Michael Stevenson, Disproof Does Not Equal Disbelief, 2021
A panel discussion of the PhD program Epistemologien ästhetischer Praktiken of the University of Zurich.
As part of the annual conference «Verschwörung, Fake und Gewissheiten. Fragen zum Beitrag der Künste und ihrer Theorien in Zeiten gesellschaftlichen Wandels», a panel discussion will take place on Saturday October 28 at Cabaret Voltaire, entitled «Verlernen. Postkoloniale Perspektiven», with María do Mar Castro Varela (Berlin), Michaela Ott (Hamburg), Marita Tatari (Stuttgart/Berlin), moderated by Ines Kleesattel (Zurich).
The thought figure of «unlearning» as well as the attempts of its realization is present in current arts as well as in other discourses. While Walter D. Mignolo's notion of «delinking» aims to have subjects at the border of Eurocentric thought develop their own perspectives, the notion of unlearning aims to question hegemonic knowledge at the center of its production. In other words, those who seek to unlearn are engaging with themselves. How can the two conceptions, delinking and unlearning, be thought together at all, and what dangers and self-understandings do they entail? Can a «unordentliches Denken» [messy thinking] (Castro Varela) actually leave the paths of Western thinking or isn't – as something brought to the arts as an expectation – rather part of Western thinking itself.
The conference will take place from October 28 to 30, 2022 at the University of Zurich and at the Cabaret Voltaire. It is dedicated to the arts and their theories in debates about conspiracies, fake news, and (un)certainties today, and raises the question of what role the latter play in shaping current conditions. Already in the debates of the 1980s and 1990s, topics of this kind have been intensively discussed, for instance when it came to fact and fiction, ambivalence and undecidability, (im-)materiality, and the knotting of the real, the symbolic, and the imaginary. These discussions now seem to have developed an unexpected afterlife, often under reversed theoretical and political auspices. Therefore, the question of what the contribution of the arts in social change might be today is all the more urgent.
Contributions of the panel at Cabaret Voltaire:
María do Mar Castro Varela (Berlin): «Belohnte Ignoranz verlernen. Ethische Betrachtungen»
María do Mar Castro Varela is Professor of Social Work and General Education at the Alice Salomon Hochschule Berlin. She researches postcolonial theory, racism, anti-Semitism, migration, and critical theory. This year saw the publication of her book Double Bind postkolonial.
Michaela Ott (Hamburg): «Um-Lernen als epistemologisches Dividuationsverfahren»
Michaela Ott is Professor of Aesthetic Theories at the Hamburg University of Fine Arts. Her research focuses on poststructuralist philosophy, aesthetics and politics, aesthetics of film, theory of affect, theories of space, art-knowledge, (in)dividuation, postcolonial theory, African philosophy and art.
Marita Tatari (Stuttgart/Berlin): «Über die Entscheidung, das westliche Denken zu verlassen»
Marita Tatari holds the professorship of Contemporary Aesthetics at the Staatliche Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart. Her focus is on continental philosophy, aesthetics and art theory, as well as spatial and performative aspects of the arts, epistemology of performance, reality of art and artwork as action, among others.
Moderation: Ines Kleesattel
Ines Kleesattel is a lecturer in the Master Art Education at ZHdK and researches at the FSP Cultural Analysis in the Arts on situated aesthetics, artistic research and experimental theoretical practices. In 2021/2022 she represented the professorship for art education and aesthetics in the art department at the Staatliche Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.
On October 13, 2022, from 18:00 opens the exhibition «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend». In the Vaulted Cellar, older and newly produced works by Mai-Thu Perret enter into a dialogue with Sophie Taeuber-Arp. In the Dada House, a discussion emerges between the works of women from different generations and regions.
Learn more about the exhibition here.
On October 4, the Tuesday Soirée «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» is taking place, organized in the context of Ilaria Vinci's exhibition. Ilaria Vinci and CZARNAGORA (Rafal Skoczek) invite to a chess tournament on both floors of Cabaret Voltaire. The games are accompanied by live sound interventions by CATATONIC LEISURE ALONE (Anton Ponomarev) and Luis Sanz, which challenge the focus of the players. The event is also open to spectators.
THE CHESS GAME
BLITZ CHESS TOURNAMENT in the Artists’ Bar: The opponents play BLITZ CHESS, with a total of ten minutes per match each, with no increment bonus time. The game will consist of eight players that play against each other with direct elimination. The final winner of the three matches will receive a gold medal and a Cabaret Voltaire limited edition t-shirt designed by the artist. Various tournaments can happen simultaneously. If you want to take part in the tournament, please register at info@cabaretvoltaire.ch (with indication of the chess level).
FREE PLAY in the Historical Hall: Here matches are formed more freely, you can play for fun or just practice and perfect your skills – it’s up to you! There are chess boards available, but you can also bring your own. You don't have to register, but it helps if you do anyway, so we can estimate the number of chess boards.
THE NOISE
Noise and chess have Dada tradition. Shortly before Marcel Duchamp's death in 1968, Duchamp and John Cage developed the «Reunion» project, in which chess games were transformed into music pieces.
Anton Ponomarev (CATATONIC LEISURE ALONE) is a Reed/Brass instruments and electronics player based in Zurich, with a passion for free jazz, free improvised music, punk jazz, grindcore and experimental music.
Luis Sanz (*1984, Peru) lives and works in Bern. He is a multidisciplinary artist who explores synthetic sounds, computer graphics and physical audiovisual experiences.
Ilaria Vinci, Flyer Scacchi Noise, 2022
Marcel Duchamp and John Cage «Reunion», 1968. Shortly before his death, the Dadaist Marcel Duchamp and the composer and music theorist John Cage developed the «Reunion» project, in which chess games were transformed into pieces of music.
Dada Tour in Zurich's District 1
Between 1916 and 1919, the Dadaists in Zurich set impulses that were to have a lasting influence on the arts worldwide. Zurich is not only home to the Cabaret Voltaire, the place where Dada originated, but also to one of the most important Dada collections in the Kunsthaus Zürich.
This guided tour with Cabaret Voltaire director Salome Hohl and Kunsthaus curator Cathérine Hug connects the two houses and takes you to other Dada venues, revealing the milieu and places where the Dada movement was born and developed. The meeting point is in front of the Cabaret Voltaire. The tour ends at the Kunsthaus Zürich: in the Dada cabinet and finally in front of the Max Ernst painting in the Kunsthaus bar. The price includes the guided tour and the Dada Pocket Guide.
–Meeting point: 18:00 in front of Cabaret Voltaire
–Cost: CHF 30.- / 25.- (students) / 20.- (members), incl. Dada Pocket Guide
–Limited number of participants. Registration required.
Tickets can be purchased via the ticket store of the Kunsthaus.
The tour is in German.
«[not] here» – An exhibition and soirées by Sarah Burger and Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22
Events:
03.09.22, 18:00–02:00: Zurich’s LONG NIGHT of museums
06.09.22: Soiree «[not] here», exhibition opening (from 18:00) and dialogue (20:00) between Sarah Burger and Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», improvised music to the works on display with Dimitri Howald
Sarah Burger (Zurich) and Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) met at a workshop where Ribeiro collected matters brought by different people to be assembled into soil and forming a «common ground». They discovered a shared interest in tectonics, earth and stone formations and how landscapes and geographies offer new accesses to history and time. The idea that an artistic exchange could be fruitful for both of them, sedimented. Cabaret Voltaire has always been a place for artistic exchange, international collaborations, and experimentation with ways to interact. This historical promise offered a fitting context for Burger and Ribeiro to enter a dialogue which unfolds along reflections and appropriations of materials’ characteristics, stories and histories. It soon became apparent that their collaboration was not only the exchange of mutually agreed suggestions but also the learning to know the other one as someone working, reflecting, associating and articulating differently. The common focus - as perhaps always in art making - lies on the question of what opens up in the in-between: Each glimpse of visual worlds and objects reveals various value systems, each juxtaposition of objects sheds new light on textures, forms, their narratives and symbolism. At Cabaret Voltaire, Burger and Ribeiro offer reflections and observations on matters of visualities, of language and bodies, perceiving presence as a living, un-fixed quality that also works through disappearance.
Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger asked several friends to provide her lists of objects, which she then moulded out of clay while being blindfolded. The only rule Burger communicated was that the objects could be formed 1:1 and had to fit into the oven. This process led her to ask a variety of questions about things, form and meaning: Which objects are important to people? How can hands memorise things? What are the semantics of shapes?
Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands is a digital collage based on a found image of hands and a photograph of a quickly made, non-figurative sculpture made of Plasteline. The hands seem to evoke the sculpture, magically shaping it without touching it.
Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
The video-poem is a reflection on the presence and absence of different places, on memorised sites that have never been physically visited before. Burger produced the work during a residency in Sofia, Bulgaria.
Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize is part of a larger series entitled Revolving Actions and experiments with moments of abstraction of the human figure in the hope that visual destabilisation will allow for other means of relations. In both works, the face is covered by a golden metal tissue that veils facial expression but still foregrounding the head as a shape to appear, while the body is subjected to a blurring undefinition. Dematerialize i - dawn is an action that delves into the ambivalence of disappearing by becoming in evidence. Fomented in a specific space-time coordinate, the performance, takes place at dawn on St George’s Day, a celebration that in Rio de Janeiro confounds the Catholic saint with the African deity Ogun. Forged as a symbol of protection and resistance, devotees preach wearing St George’s clothes so that the enemy «has eyes but does not see them». The performance materialises such vow as a mingling of anonymity and exuberance. In Dematerialize ii - dusk, we see long-exposure shots of a trembling body in the dark, intended to lose its contours. The endured action started in Rio de Janeiro at 5:27 pm, at full moonrise, crossing the evening and edging the next day.
Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Visitors are invited to listen to the sound installation aimed at the walls of the Cabaret Voltaire. Fragmented narratives, text excerpts, imaginative logics and dreams are voiced out so that the walls are able to hear and retain them. The wall is perceived as a concrete matter of condensed histories, hence the need to acknowledge what they’ve absordbed and heard, and to purposefully furnish them with further sounds and narratives.
Zurich-based artist Sarah Burger studied visual arts, philosophy, comparative literature and linguistics. Her practice also includes artistic research (PhD, ZHdK Zurich and Kunstuniversität Linz). The artist Felipe Ribeiro lives in Rio de Janeiro and is a professor of dance and film studies at the Federal University of Rio de Janeiro. He studied film (MA) and holds a PhD in visual arts.
The exhibition is supported by the Annemarie Schindler-Stiftung.
«[not] here» – An exhibition and soirées by Sarah Burger and Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22
Events:
03.09.22, 18:00–02:00: Zurich’s LONG NIGHT of museums
06.09.22: Soiree «[not] here», exhibition opening (from 18:00) and dialogue (20:00) between Sarah Burger and Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», improvised music to the works on display with Dimitri Howald
Sarah Burger (Zurich) and Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) met at a workshop where Ribeiro collected matters brought by different people to be assembled into soil and forming a «common ground». They discovered a shared interest in tectonics, earth and stone formations and how landscapes and geographies offer new accesses to history and time. The idea that an artistic exchange could be fruitful for both of them, sedimented. Cabaret Voltaire has always been a place for artistic exchange, international collaborations, and experimentation with ways to interact. This historical promise offered a fitting context for Burger and Ribeiro to enter a dialogue which unfolds along reflections and appropriations of materials’ characteristics, stories and histories. It soon became apparent that their collaboration was not only the exchange of mutually agreed suggestions but also the learning to know the other one as someone working, reflecting, associating and articulating differently. The common focus - as perhaps always in art making - lies on the question of what opens up in the in-between: Each glimpse of visual worlds and objects reveals various value systems, each juxtaposition of objects sheds new light on textures, forms, their narratives and symbolism. At Cabaret Voltaire, Burger and Ribeiro offer reflections and observations on matters of visualities, of language and bodies, perceiving presence as a living, un-fixed quality that also works through disappearance.
Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger asked several friends to provide her lists of objects, which she then moulded out of clay while being blindfolded. The only rule Burger communicated was that the objects could be formed 1:1 and had to fit into the oven. This process led her to ask a variety of questions about things, form and meaning: Which objects are important to people? How can hands memorise things? What are the semantics of shapes?
Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands is a digital collage based on a found image of hands and a photograph of a quickly made, non-figurative sculpture made of Plasteline. The hands seem to evoke the sculpture, magically shaping it without touching it.
Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
The video-poem is a reflection on the presence and absence of different places, on memorised sites that have never been physically visited before. Burger produced the work during a residency in Sofia, Bulgaria.
Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize is part of a larger series entitled Revolving Actions and experiments with moments of abstraction of the human figure in the hope that visual destabilisation will allow for other means of relations. In both works, the face is covered by a golden metal tissue that veils facial expression but still foregrounding the head as a shape to appear, while the body is subjected to a blurring undefinition. Dematerialize i - dawn is an action that delves into the ambivalence of disappearing by becoming in evidence. Fomented in a specific space-time coordinate, the performance, takes place at dawn on St George’s Day, a celebration that in Rio de Janeiro confounds the Catholic saint with the African deity Ogun. Forged as a symbol of protection and resistance, devotees preach wearing St George’s clothes so that the enemy «has eyes but does not see them». The performance materialises such vow as a mingling of anonymity and exuberance. In Dematerialize ii - dusk, we see long-exposure shots of a trembling body in the dark, intended to lose its contours. The endured action started in Rio de Janeiro at 5:27 pm, at full moonrise, crossing the evening and edging the next day.
Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Visitors are invited to listen to the sound installation aimed at the walls of the Cabaret Voltaire. Fragmented narratives, text excerpts, imaginative logics and dreams are voiced out so that the walls are able to hear and retain them. The wall is perceived as a concrete matter of condensed histories, hence the need to acknowledge what they’ve absordbed and heard, and to purposefully furnish them with further sounds and narratives.
Zurich-based artist Sarah Burger studied visual arts, philosophy, comparative literature and linguistics. Her practice also includes artistic research (PhD, ZHdK Zurich and Kunstuniversität Linz). The artist Felipe Ribeiro lives in Rio de Janeiro and is a professor of dance and film studies at the Federal University of Rio de Janeiro. He studied film (MA) and holds a PhD in visual arts.
The exhibition is supported by the Annemarie Schindler-Stiftung
Felipe Ribeiro DEMATERIALIZE, 2022, Video-Still, Photo: Renato Mangolin 371
During Zurich's LONG NIGHT of museums the following program will take place at the Cabaret Voltaire:
Sarah Burger/Felipe Ribeiro, «Whispers» and «Dinge»
18:00–02:00
During the LONG NIGHT of museums, Felipe Ribeiro presents "Whispers": a disembodied sound installation that voices out fragmented, dreamy narratives and unconventional logics, in intimate tones that mingle with visitors and create an ongoing conversation of different contexts and times. Sarah Burger shows objects from the series "Dinge". She asked several friends to give her lists of objects which she then formed out of clay blindfolded. This process lead her to manifolding questions regarding things, shape and meaning: What objects are important to people? How are things imprinted in the hands? What are the semantics of shapes? In the process, 48 figurative objects were supplemented by 7 abstract objects to contrast the recognition of an object image with the process of interpreting it.
ektor garcia, «nudos de tiempo»
18:00–02:00
«nudos de tiempo» by ektor garcia (*1985) shows a temporary constellation of colourful crochet works as well as metal and ceramic sculptures. The sensually knotted chains or meandering motifs blend traces of indigenous craftsmanship from Central and North America with folk art, pop cultural and digital influences. Some crochet works are reminiscent of works from the US fibre art movement of the 1960s. The show at Cabaret Voltaire is ektor garcia's first institutional solo exhibition in Switzerland, curated by Fabian Flückiger and Salome Hohl in close collaboration with the artist.
Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café»
18:00–02:00
Ilaria Vinci (*1991) explores in her practice what she calls the «Zone of Fantasy»: The area in the human psyche where self-perception and world-perception meet and blur. The artist explores what constitutes reality and how people communicate and imagine. Over the course of a year, Vinci will occupy the artists' bar and transform the entrance area into a fireplace. People gather around fires, share stories, eat, drink, and play together. Part of the exhibition are also mythological figures associated with fire, like Phoenix and Prometheus.
Stefan Burger, «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II)
18:00–02:00
Stefan Burger (*1977) exhibits two luminaire objects in the library which will light up the room as well as the visitors’ moods. The sculptures, made from poured glass and aluminum, continue Burger’s work with art as a commodity which he began at the Cabaret Voltaire in 2020. They are hybrid installations or tilting figures which, depending on the view, lean towards different qualities and interpretations and deal with decoration and function. Working with liquid glass involves colors of intense radiance, which continue to shine indestructibly happily thanks to their ceramic nature.
Party
Smoky Tear, Playlists and Surprises
22:00–02:00
The exhibition by Ilaria Vinci «Phoenix Philosophy Café» is accompanied by the drinkable sculpture «Smoky Tear», a playlist curated especially for the exhibition and a surprise intervention. The sound installation «Murmur» by Sarah Burger and Felipe Ribeiro in the Historic Hall will also be musically rounded off with a playlist and invites you to dance. Regular bar service until 2:00 a.m. in the Historic Hall and the Artists' Bar.
On Friday endobliss, buffer, 400jasa, tsjmar, diejayvarni and avia will play their sets for Radio Bollwerk at Cabaret Voltaire. You can come whenever you want. The bar is open.
Live stream via www.radio-bollwerk.ch
Flyer by avia and diejayvarni.
«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 years since the squatting of the Cabaret Voltaire
20 years ago, on February 2, 2002, artists and activists squatted Spiegelgasse 1 - the place of origin of Dada. The squatting ended on April 2, 2002 with an eviction (according to the story), which was preceded by an agreement between the city and the squatters. Only since this action the place was perceived as a house for cultural activities again. A little more than 20 years later, we celebrate and reflect on this important initiative and have invited via circular letter actors of that time to visit the Cabaret Voltaire on June 24 and 25, 2022 or to show a contribution. The central questions are «How is space created and what does it mean to create space?». Both in 1916, in 2002 and in 2022, these questions were and are valid to ask when it comes to finding out to what extent cultural creation is made possible and what preconditions, narratives and after-effects are associated with artistic activity. We are looking forward to the following framework program, which maybe will be extended by spontaneous additions.
Saturday, 25.06.2022
–8 p.m.: Lenin Dada and Squatters (speech/music/performance with Knarf Rellöm and Tillamanda)
–10 p.m.: Everyone is invited to perform on the open stage at Ajana Dracula & friends' «Chaostage». Stage, microphones, a piano, amplifier, beamer and a maximum of 10 minutes each will be available for the performances. Welcome and registration from 9 pm on site or at ajanadracula239@gmail.com.
Open Call «Chaostage» – participate!
On Saturday, June 25, the «Chaostage» of Ajana Dracula & friends will take place at Cabaret Voltaire. Everyone is invited to perform on the open stage: Making speeches, sing songs, play instruments, perform dances, do performances, rap, recite poetry, show a film – all contributions are welcome.
For the performances, a stage, microphones, a piano, amplifier, a computer, beamer and max. 10 minutes are available.
In all languages. Costumes are welcome!
Doors: 21:00
Free entrance.
Registrations to ajanadracula239@gmail.com
We look forward to a large turnout and participation!
Notice:
From July 5 to July 16, the Dada Festival Weeks will take place at the Rote Fabrik.
«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 years since the squatting of the Cabaret Voltaire
20 years ago, on February 2, 2002, artists and activists squatted Spiegelgasse 1 - the place of origin of Dada. The squatting ended on April 2, 2002 with an eviction (according to the story), which was preceded by an agreement between the city and the squatters. Only since this action the place was perceived as a house for cultural activities again. A little more than 20 years later, we celebrate and reflect on this important initiative and have invited via circular letter actors of that time to visit the Cabaret Voltaire on June 24 and 25, 2022 or to show a contribution. The central questions are «How is space created and what does it mean to create space?». Both in 1916, in 2002 and in 2022, these questions were and are valid to ask when it comes to finding out to what extent cultural creation is made possible and what preconditions, narratives and after-effects are associated with artistic activity. We are looking forward to the following framework program, which maybe will be extended by spontaneous additions.
Friday, 24.06.2022
–6 p.m.: Opening: «ten pet bottles hanging on the wall» by Mark Divo and Pavel Emelianov. Presentation of selected photographs from that time
–8 p.m.: Podcast «Dada2025»: Last episode live at Cabaret Voltaire
A podcast series of the «Maison du Futur» has been running since February 2, 2022 to celebrate the anniversary. The last episode will be broadcast at the Cabaret Voltaire. Followed by a talk with Jean-Pierre Hoby, Mark Divo, Anja Nora Schulthess and Salome Hohl. The podcast is intentionally called «Dada2025» because this podcast has set itself a long-term goal - namely, to write the history of Cabaret Voltaire.
–Followed by: DJ Chiri Moya
Behind Chiri Moya is the artist Maja Hürst, also known as Tika.
–––Podcast «Dada2025» by «Maison du Futur»! With Mark Divo, Big Zis, Wanda Wylowa and Jean-Pierre Hoby
In memory of the squatting of the Cabaret Voltaire in February 2002, «Maison du Futur» is producing a three-part podcast with contemporary witnesses. Wanda Wylowa welcomes artist and then-squatter Mark Divo in the first episode in the studio. Mark Divo requested Franziska Schläpfer (Big Zis) as an additional conversation partner. In the first episode Mark Divo and Big Zis talk about the events of the occupation of the Wohlgroth-Areal up to this February 2002.
You can listen to this episode in two parts on SoundCloud and Spotify.
Part 1.1: «Dada2025»: Labyrinths of Memory
Part 1.2: «Dada2025»: Squats
The voice of Jean-Pierre Hoby can already be heard briefly at the very end of episode 1.1 and episode 1.2. Jean-Pierre Hoby was Cultural Director of the City of Zurich from 1983 to 2010 and was committed to maintaining the Cabaret Voltaire as a cultural institution. Today he is active as Vice President in the association Cabaret Voltaire. You can hear Jean-Pierre Hoby's perspective in the third part of our podcast. This will be broadcast from the Cabaret Voltaire – directly on the scene of the events being discussed. We are already looking forward to the recording session with him.
–––Podcast Episode 2: «Dada2025: Squatting the Cabaret Voltaire» by «Maison du Futur» – online With Mark Divo, Big Bis, Wanda Wylowa, Jean-Pierre Hoby and Salome Hohl.
Part 2: «Dada2025»: Squatting of the Cabaret Voltaire
This is the second part of our «Dada 2025» podcast. Wanda Wylowa, Mark Divo and Big Zis (Franziska Schläpfer) talk about the squatting of Cabaret Voltaire in February 2002, after telling the back story in the first episode.
Between the shooting of the two-part episode 1 and episode 2, a war has broken out in Europe. This has an impact on episode 2: the word "occupations" is suddenly coined differently.
Episode 2 is about – besides these shocks in the present – the occupation of the Cabaret Voltaire in February 2002, but also already to some extent about the consequences of this occupation and the subsequent institutionalization, which of course is judged differently in Zurich. Salome Hohl, the current artistic director of the Cabaret Voltaire, and the vice president Jean-Pierre Hoby selectively complement the conversation between Wanda Wylowa, Mark Divo and Big Zis.
You can listen to this episode on Spotify.
Cabaret Voltaire warmly invites you to a film evening with works by Howardena Pindell, Black Audio Film Collective, Aykan Safoğlu and Ivy Monteiro.
CARAH (Collective for Anti-Racist Art History) is an initiative of art historians at the University of Zurich that aims to critically question and break down racist ideologies that are rooted in art history. The collective sets itself the task of exposing and counteracting racially based inclusions and exclusions as well as blind spots in the methodological tradition of art history as an discipline in order to deconstruct and overcome racism.
with Alizee Lenox, Florence Peake, Eve Stainton.
Outfits by Hugo Canoilas, Elise Lammer, Julie Monot, Mia Sanchez.
Scenography and dramaturgy: Cee Füllemann, Elise Lammer.
Music: Alizee Lenox
On the occasion of the Zurich Art Weekend and complementary to the Zurich film premiere on May 31, Alpina Huus perform at 21:00.
In the midst of generational, climate and economic crises, the performance «Theodora or The Progress», by the collective Alpina Huus questions the view of reality and the legitimacy of speech. «Theodora or The Progress», is a collective artistic project that includes an installation, music pieces and performances by a group of international artists* such as Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton and Niels Trannois.
The performance addresses the notion of empowerment and explores the potential of the subconscious. Drawing from the work of Virginia Woolf, Adrian Piper and Lisa Simpson, Deleuze and Guattari, as well as Snoop Dogg and Franz Kafka, the film emphasizes the ability of nonverbal communication as a means of employing strategies against different types of discrimination. Taking its cue from the name of possibly the first feminist figure, the Empress Theodora (500 AD), «Theodora or The Progress», depicts the transformation of the narrator and some of his accomplices into a pack of dogs. «Theodora or The Progress», stages a collective takeover that speaks of love, transformation and transcendence.
During the Zurich Art Weekend, the Cabaret Voltaire has special opening hours. The exhibitions are open Friday to Sunday from 10 am.
Additional to Vincis' Exhibition «Phoenix Philosophy Café», the Smoked Bubble Cocktail, «Smoky Tear» will be served.
Free admission
Cabaret Voltaire hosts the Zurich premiere of «Theodora or The Progress». The screening at 20:00 will be followed by a discussion with Elise Lammer, Izidora L. LETHE and Salome Hohl. Already on view are elements of the scenic landscape by Cee Füllemann, which will be also part of the performance by the collective Alpina Huus at Cabaret Voltaire during the Zurich Art Weekend on Friday 10 June, 21:00 and Saturday 11 June, 12:00.
In the midst of generational, climate and economic crises, the film «Theodora or The Progress» by the collective Alpina Huus questions the view of reality and the legitimacy of speech. «Theodora or The Progress» is a collective artistic project that includes an installation, music pieces and performances by a group of international artists such as Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton and Niels Trannois.
The film addresses the notion of empowerment and explores the potential of the subconscious. Drawing on a body of work by Virginia Woolf, Adrian Piper and Lisa Simpson, Deleuze and Guattari, as well as Snoop Dogg and Franz Kafka, the film emphasises the capacity of non-verbal communication as a means of employing strategies against different kinds of discrimination. Based on the name of possibly the first feminist figure, the empress Theodora (500 AD), «Theodora or The Progress» depicts the transformation of the narrator and some of his accomplices into a pack of dogs. «Theodora or The Progress» stages a collective takeover that speaks of love, transformation and transcendence.
On May 28, 2022, the multimedia art auction KUNSTLICHT GALA for refugees will take place at the Cabaret Voltaire. The event is clearly directed against the violent, sealing-off border policy and stands for a broad solidarity movement for all people who are fleeing.
The total proceeds of the auction will be donated to the aid organizations Sans-Papiers Anlaufstelle Zürich, Brava – ending violence against women together, Sea-Watch - civilian sea rescue of refugees and Médecins Sans Frontières.
The fundraising gala includes the auction of over 25 artistic contributions by various Zurich and international artists - including MANON, Walter Pfeiffer, Mickry3 as well as many others - all united in a special connection to the Cabaret Voltaire and the F+F School of Art and Design.
This significant and simultaneously entertaining event is aimed at a broad audience of potential donors. The fundraising gala will be accompanied by versatile artistic performances and live DJ music.
We would be very happy if you came by to support this action!
F+F and Kunstlicht Association: Kerstin, Karoline, Chiara, Noah, Christoph, Gökçe
Questions about the event may be sent by e-mail to Kerstin Wittenberg. Kunstlicht is an association founded by students of the F+F School of Art and Design.
In an informal atmosphere with bar service, a workshop with ektor garcia will take place. While we talk about his work and the exhibition «nudos de tiempo» at the Cabaret Voltaire, we create masks with the artist: on the one hand with regard to the Dada tradition in this matter, on the other hand with reference to garcia's early work. He crocheted masks in a queer punk environment in San Francisco.
The opening of the exhibition «nudos de tiempo» by ektor garcia marks the second opening phase. It will be the first institutional exhibition of the Mexico-based artist in Switzerland. The artisanal object landscapes of ektor garcia (*1985) refuse fixed features or meanings, break with hierarchies and follow a do-it-yourself attitude. They are punk and queer. garcia exhibition at the Cabaret Voltaire connects to the heritage of the house. Dadaists sought to free themselves from crushing nationalisms and constricting models of life, sometimes choosing parallel multilingualism, ambiguity, and performative practices that celebrated process, immediate co-existence, and juxtaposition, curated by Fabian Flückiger and Salome Hohl in close collaboration with the artist. In addition, the Dada showcase with exhibits from the Kunsthaus Zürich collection will be inaugurated in the Vaulted Cellar. Also inaugurated in this stage is the Dada Showcase in the Vaulted Cellar with original documents from the Dada collection of the Kunsthaus Zürich. They enter into a dialogue with the exhibition.
The vernissage of the exhibition by Ilaria Vinci in the new Artists' Bar (Künstler*innenkneipe) and the inauguration of the Dada Library with works by Stefan Burger mark the start of the opening weeks after the renovation.
Evening program 30.04.2022:
––From 18:00: Opening exhibition «Phoenix Philosophy Café» by Ilaria Vinci and inauguration of the Dada Library with the works «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) by Stefan Burger
––20:00: Welcome by Sandro Zanetti (President of the Association Cabaret Voltaire) and Salome Hohl (Director Cabaret Voltaire)
––20:15: Performance «When Darkness» by Ilaria Vinci with a live sound piece by Rafal Skoczek and Jamira Estrada, which will remain as a soundtrack to the exhibition «Phoenix Philosophy Café» by Ilaria Vinci, and a dance performance by the group Stay Kids with costumes by Ronja Varonier
––22:00–03:00: Belia Winnewisser (DJ set), Lateena Plummer (performance and DJ set), and TVBXS (DJ set)
In the entrance area there is now a bar, which is occupied by an artistic position with an exhibition for one year at a time. The artist Ilaria Vinci starts with the show «Phoenix Philosophy Café». More about the exhibition
The Dada library is now located on the upper floor. In the room you can see works by Stefan Burger. More about the Library and the works by Stefan Burger»
The performance «When Darkness», which is to be understood as part of Ilaria Vinci's exhibition, consists of a live music piece by Rafal Skoczek and Jamira Estrada, which will remain as a soundtrack to the exhibition «Phoenix Philosophy Café», and a dance performance by the group Stay Kids (with Ave, Sunny, Tiny, Mary, Anaïs, Arun and Milo) and costumes by Ronja Varonier.
Afterwards we look forward to Belia Winnewisser (DJ set, 22:00–23:30), Lateena Plummer (performance and DJ set, 24:00–01:00) and TVBXS(DJ set, 01:00–02:30). They will play in the Vaulted Cellar and the Historical Hall.
Dada Tour in Zurich's District 1
Between 1916 and 1919, the Dadaists in Zurich set impulses that were to have a lasting influence on the arts worldwide. Zurich is not only home to the Cabaret Voltaire, the place where Dada originated, but also to one of the most important Dada collections in the Kunsthaus Zürich.
This guided tour with Cabaret Voltaire director Salome Hohl and Kunsthaus curator Cathérine Hug connects the two houses and takes you to other Dada venues, revealing the milieu and places where the Dada movement was born and developed. The meeting point is in front of the Cabaret Voltaire. The tour ends at the Kunsthaus Zürich: in the Dada cabinet and finally in front of the Max Ernst painting in the Kunsthaus bar. The price includes the guided tour and the Dada Pocket Guide.
- Meeting point: 18:00 in front of Cabaret Voltaire
- Cost: CHF 30.- / 25.- (students) / 20.- (members), incl. Dada Pocket Guide
- Limited number of participants. Registration required.
Tickets can be purchased via the ticket store of the Kunsthaus.
The tour is in German.
Cover of the Pocket Guide Dada City Zurich, Design: Vela Arbutina und Samuel Bànziger
We look back on «Songs to the Suns» – our guest performance on Monte Verità and are happy to talk with Izidora L. LETHE on October 26 about the work WE ( and to show the staged video documentation of the choreography / intervention in the Löwenbräu-Areal.
Some of the performers and contributors of the choreography / intervention will also be present.
Performers: Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks, Claudia Barth
Sound: Yantan Ministry
Camera: Diana Pfammatter, Antoine Felix Bürcher
Editing: Izidora L. LETHE
More about the «Songs to the Suns» and Izidora L. LETHE's work you can find here.
Cabaret Voltaire is currently being renovated. That's why we are guests at the Löwenbräu-Areal:
Level A, access Limmatstrasse 270 (by lift) & 268 (by stairs)
Admission: free of charge, registration not required
Bridge: Zurich–Tbilisi, Lecture, Talk & Film screening, with art historians Prof. Dr. Nino Tchogoshvili and Irine Jorjadze. A collaboration between Cabaret Voltaire, Kunsthalle Zürich and the Georgian Cultural Platform Association
As part of the Georgian cultural festival «Brücke: Zurich–Tbilisi», Cabaret Voltaire and Kunsthalle Zürich invite you to the Löwenbräu-Areal. Art historians Nino Tchogoshvili and Irine Jorjadze will explain the development and significance of Modernism, Futurism and Dada in the Georgian art scene. Following the lectures and the talk, the classic film «Chemi bebia» (1929), a satire on the Soviet bureaucracy, will be shown.
–Prof. Dr. Nino Tchogoshvili: Georgian Modernism (lecture)
–Irine Jorjadze: Futurism and Dada in Georgia (lecture) and presentation of the book «H2SO4. Futurism and Dada in Tbilisi».
–Followed by a talk with the two speakers and a film screening of «My Grandmother» (Chemi bebia, 1929) by director Kote Mikaberidze.
More on the Georgian cultural festival:
The interdisciplinary Georgian cultural festival «Brücke: Zurich-Tbilisi» aims to present the current art and cultural scene of Georgia, to deepen the cultural dialogue between the two countries and to create a network of cooperation. The founder and director of the festival is the association's president Elene Chechelashvili, who is planning the programme for autumn 2021 in cooperation with the Zurich cultural institutions Filmpodium, Literaturhaus Zürich, Cabaret Voltaire, ZAZ Zentrum Architektur Zürich and Kunstraum Walcheturm. The partner organisations on the Georgian side are the National Film Centre, the Writers' House of Georgia and the Georgian Embassy in Bern.
In the future, a mirrored programme «Bridge: Tbilisi-Zurich» will be organised and the Swiss art and culture scene will be brought to Georgia.
Registration (not mandatory) at info@cabaretvoltaire.ch.
Location: Level A, Löwenbräukunst, access Limmatstrasse 270 (by lift) & 268 (by stairs)
Admission: free of charge
«Salon der Republik» – Wie viel Patriarchat steckt in der Literatur?
The authors Nicole Seifert and Ivna Zic will be guests at the next – and for the time being last – Literature Salon on 28 September in Zurich.
Nicole Seifert had enough at some point. Because the literary world is still decidedly male-dominated, she decided a good three years ago to read only books by female authors for the time being. On her blog and in German-language media, she wrote about her readings and about misogyny in the literary scene – and has now bundled all the debates on the topic into a nonfiction book that has just been published:
Nicole Seifert: Frauen Literatur: Abgewertet, vergessen, wiederentdeckt. Kiepenheuer & Witsch, Cologne 2021. 224 pages, approx. 26 francs.
At the upcoming «Salon der Republik» this book will be discussed – together with the author as well as with the writer and director Ivna Žic, who was nominated for both the Swiss and the Austrian Book Prize in 2019 with her debut novel Die Nachkommende. Both guests will discuss Nicole Seifert's book with the salon team (Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger, Daniel Graf) and also take a look at the literary sociological study Schreiben by Basel scholar Carolin Amlinger.
Please note: Because the Cabaret Voltaire is being renovated, Cabaret Voltaire will be guesting the «Salon der Republik» at the Zurich Literaturhaus, on Tuesday, 28 September, at 19:30.
The ticket price is 14 CHF, for Republic subscribers and members of Cabaret Voltaire 8 CHF. Tickets can be purchased directly from the Literaturhaus website.
Please note the current safety concept of the Literaturhaus Zürich.
Important: This time, the event will not be available as a podcast, as in the past. In general, there will be some changes at the «Salon der Republik». The event in September will be the last in this form, after which we will take a break – and conceptualize a new approach.
The third act is on display from 20.04–30.04.2021. Opening hours: Tuesday, 14:00–21:00 (opening); Wednesday–Saturday: 14:00–18:00; Sunday and Monday: on request.
Originally planned as soirées, the exhibition series «Cracking Up and Staging Down» sees itself as a possibility to work out functionings of humor and its sceneries. During four weeks, the extent to which the cross-border, social and critical potential of laughter and comedies (still) work will be examined at Cabaret Voltaire. Every Tuesday for one week, participants from different arts will contribute props, traces, works, their insights and documentations to the historic hall.
Hosts and mimes, tricksters and ghosts were invited and supposed to travel amongst collective and individual bodies. «Initiated was a nice performance in a physical space with clothes inhabited by bodies, obviously. Unfortunately, it was not supposed to happen, maybe». Instead, shells are insisting on potentiality. The third soirée of «Cracking Up and Staging Down» has also become an exhibition, with «Didi da da da», «current parroting» and «ein weiblicher Humorist genannt Kobold» [female humorist called goblin]. Karolin Braegger, Johan Ahlkvist, Hedda Bauer and Anastasia McCammon use parroting and imitation as everyday comedy to get closer to people and disclose mechanisms determining the body. Repetition and appropriation always create a distance from the original use and shift the meaning.
Johan Ahlkvist and Hedda Bauer show costumes that depict the most basic of Cabaret Voltaire, often perceived as random or given, maybe overseen, which will be activated by bodies performing a queer powerplay in June as Dynamic Resistance. Karolin Braegger thinks from the concept of appropriation, going over to becoming. «Ah, they have to come here», she says as host and participant, inviting Bauer and Ahlkvist as well as showing «Didi da da da», a series of new works, all made from toile, a fabric most often used in try outs (clothing) or as a possible background (painting) and hinting onto something yet to become. Anastasia McCammon must first imagine the person she addresses. The artist displays traces and letters from her communications with Emmy Hennings, co-founder of Cabaret Voltaire, who was employed as a «weiblicher Humorist genannt Kobold».
The series «Cracking Up and Staging Down» is organized with Martina Mächler and Anastasia McCammon.
Johan Ahlkvist, Hedda Bauer and Karolin Braegger
The complete poem, manifested, 2021
The complete poem, manifested:
Current parroting is an exhibition darling. Live, a little.
The tricksters were supposed to be here, dealing with the neverending rearrangements of __serious__ non-performed initiations.
Where are they darling?
puh..
Left a mark and boarded flights.
Birds in the back.
(Birds in the back.)
Over-rehearsing until the nasty habit of repetition becomes an exhibition.
re-re
aww
In the midst of the __elitist intimacy__, this actually totally made sense.
What are you talk talking about?
___________
or maybe at least or at least maybe, for them -
but we can't entirely figure
mrr
brrr
Initiated was a nice performance in a physical space with clothes inhabited by bodies obviously. Unfortunately, it was not supposed to happen maybe.
The extended version made it almost accessible possible
Exhibition view «current parroting, Didi da da da and 'ein weiblicher Humorist genannt Kobold'», Johan Ahlkvist and Hedda Bauer, costumes for the performance Dynamic Resistance for Cabaret Voltaire (bells, various cloths, PVC, gloves, tassels, old clothes), 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
The second act is on show from 13.04.–17.04.2021. Opening hours: Tuesday, 14:00–21:00 (opening); Wednesday–Saturday: 14:00–18:00; Sunday and Monday: on request.
Originally planned as soirées, the exhibition series «Cracking Up and Staging Down» sees itself as a possibility to work out functionings of humor and its sceneries. During four weeks, the extent to which the cross-border, social and critical potential of laughter and comedies (still) work will be examined at Cabaret Voltaire. Every Tuesday for one week, participants from different arts will contribute props, traces, works, their insights and documentations to the historic hall.
In the second act, «Slapstick and Laughters», of the series «Cracking Up and Staging Down», Dimitris Chimonas and Shinichi Iova-Koga address tipping forms and displays of human emotion beyond the verbal. «Slapstick» also references its cinematic origins in silent film and humor as a tool to depict pain and vulnerability.
The dancer Shinichi Iova-Koga explores slapstick humor, the body-based, mostly wordless and, in Iova-Koga's case, tactile form of comedy. Entitled Collapsible Voltaire, the piece interacts with space, surfaces and furnishings to perform – sometimes quickly, sometimes in slow motion – a body attempting to find stability with a collapsing structure.
Dimitris Chimonas' two films deal with the ridiculousness of the human performativity of emotions. In the nuances of current situations crying often crosses into the thresholds of laughter. In Globus Sensation, the artist elaborates on the function of the lump in the throat; a sensation we feel when we have to cry, but which we cannot fake. As a stepping stone for the second film Chimonas shows at Cabaret Voltaire, the testimony «everything is a lie» is paradoxically revealed as a lie, in a ceremony where tissues celebrate, laugh and cry over their ability to be teared apart and re-appear as whole through magic tricks.
The documentation of Iova-Koga's intervention in the historical hall is called Collapsible Voltaire and can be seen alongside Dimitris Chimonas' films Globus Sensation and Everything Is a Lie, Is a Lie! at Cabaret Voltaire until Saturday, 17.04.2021.
The series «Cracking Up and Staging Down» is organized with Martina Mächler and Anastasia McCammon.
Exhibition view, Dimitris Chimonas, Everything Is a Lie, Is a Lie!, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
You can find the link for the one-time streaming here on April 15, available from 19:00 to 22:00.
On 23.03.2021 and 24.03.2021 the personal and touching reading Geteilte Zeit - Briefe an meinen Sohn [Divided Time – Letters to My Son] by Armen Avanessian took place. The recording from the Cabaret Voltaire will be streamed in cooperation with the Volksbühne Berlin on 12.04.21 (part 1) as well as on 15.04.21 (part 2), both from 19:00. You can find the link to the video from April 15 here.
Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn was written during the first year of his son's life and may be published as a book in 2035.
In it, the philosopher describes their everyday life together, their shared present, and addresses a reader in the future who will be once twenty, once forty, and at the end of the century eighty years old. From concrete experiences and descriptions of everyday life, reflections on general ethical, social and philosophical questions develop.
What is a start, birth, beginning, and why has male-dominated philosophy been able to grasp these only inadequately? What are the constrictions of classical conceptions of love, and to what extent does intimacy point us in a different direction? What does it mean today to be a father, to have a family, and to pass on or take on an inheritance (or, conversely, to renounce, strike back, and settle accounts with one's family)? And to what extent, if nothing else, do we need to rethink death and learning to die – as perhaps the classic topoi of philosophical self-reflection – not only with an eye to future generations, but from their future threat to the entire species? Even today, Divided Time is a message in a bottle from a present that has already passed.
«What I write to you, what I have written, wants to embrace you, wants to sum up your time and my time. For writing always comes too late, lags behind, but then, at the same time, I write it all for you, my future reader, far too soon. That's why I tried to write towards you.
I wrote to you to remind me of the future.
I wrote to you to prepare you for the past.
I wrote to you because you have already changed it for me.
I wrote to you so you could read all this again.
I wrote to you because I couldn't help it.
From our shared time I wrote to you.
And who would have thought that there are wishes and dreams that come true.»
Armen Avanessian reads his book Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, March 23, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
You can find the link for today's one-time streaming here on April 12, 19:00.
On 23.03.2021 and 24.03.2021 the personal and touching reading Geteilte Zeit - Briefe an meinen Sohn [Divided Time – Letters to My Son] by Armen Avanessian took place. The recordings from the Cabaret Voltaire will be streamed in cooperation with the Volksbühne Berlin on 12.04.21 (part 1) as well as on 15.04.21 (part 2), both from 19:00 and only once.
Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn was written during the first year of his son's life and may be published as a book in 2035.
In it, the philosopher describes their everyday life together, their shared present, and addresses a reader in the future who will be once twenty, once forty, and at the end of the century eighty years old. From concrete experiences and descriptions of everyday life, reflections on general ethical, social and philosophical questions develop.
What is a start, birth, beginning, and why has male-dominated philosophy been able to grasp these only inadequately? What are the constrictions of classical conceptions of love, and to what extent does intimacy point us in a different direction? What does it mean today to be a father, to have a family, and to pass on or take on an inheritance (or, conversely, to renounce, strike back, and settle accounts with one's family)? And to what extent, if nothing else, do we need to rethink death and learning to die – as perhaps the classic topoi of philosophical self-reflection – not only with an eye to future generations, but from their future threat to the entire species? Even today, Divided Time is a message in a bottle from a present that has already passed.
«What I write to you, what I have written, wants to embrace you, wants to sum up your time and my time. For writing always comes too late, lags behind, but then, at the same time, I write it all for you, my future reader, far too soon. That's why I tried to write towards you.
I wrote to you to remind me of the future.
I wrote to you to prepare you for the past.
I wrote to you because you have already changed it for me.
I wrote to you so you could read all this again.
I wrote to you because I couldn't help it.
From our shared time I wrote to you.
And who would have thought that there are wishes and dreams that come true.»
Armen Avanessian reads his book Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, March 23, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
The first act is on display for one week.Opening hours: Tuesday, 14:00–21:00 (opening);Wednesday–Saturday, 14:00–18:00; Sunday / Monday, on request.
Originally planned as soirées, the exhibition series «Cracking Up and Staging Down» sees itself as a possibility to work out functionings of humor and its sceneries. During four weeks, the extent to which the cross-border, social and critical potential of laughter and comedies (still) work will be examined at Cabaret Voltaire. Every Tuesday for one week, participants from different arts will contribute props, traces, works, their insights and documentations to the historic hall.
In the first act, Tickle and Tackle Stand Up, Kasia Fudakowski and Francesca Hawker gaze backstage and expose rituals and rules. Fudakowski focuses on the «Joke Gap» through the life and roles of comedian and actress Elisabeth Wellano, aka Liesl Karlstadt (1892–1960). «A joke can be seen as expendable social capital. Historically, a woman had to establish herself as respectable before she could invest in a joke.» At Cabaret Voltaire, Fudakowski will display research materials and props that will be activated as a performance in June. Francesca Hawker’s desire to «delight the undelighted face» (Anne Boyer) is thwarted by the empty bar that awaits her. She will therefore turn her attention to the making and breaking of alternative vessels of enjoyment. Hawker shows her Spaghetti Film, bar sculptures in the space, and a poetry menu that she activates on site on Tuesday between 14:00 and 21:00.
The series «Cracking Up and Staging Down» is organized with Martina Mächler and Anastasia McCammon.
Online Collective Reading by «Slow Reading Club»
You can register for the following dates and times here. Price: Pay what you want.
04 March: 19:00, 20:00, 21:30
11 March: 19:00, 20:00, 21:30
18 March: 19:00, 20:00, 21:30
25 March: 19:00, 20:00, 21:30
After registration you will receive a Zoom link via email. Number of participants: 8 tickets per session. 6 tickets on 25 March at 21:30.
The «Slow Reading Club» (SRC) is a semi-fictional reading group initiated in 2016 by Bryana Fritz and Henry Andersen. They engage with constructed situations for collective reading. SRC seeks to occupy and eroticise the space of transmission between text and reader, reader and reader, text and text; it does so to dwell in the unstable space of reading itself, to intensify what Spivak calls "the possible threat of a space outside language" that opens up in reading and in love.
In Future Perfect Continuous Tense, strategies from their practice are translated into the digital space and Zoom is used as a space for collective reading and intimate gathering. Each evening is staged as a rehearsal or experiment in digital, collective reading. Texts are used that break up the tenses to reimagine bodies, devices and spaces that surround reading.
Each session is independent of the others. Participants may attend one or several sessions. Participants who register on the Sunday before each session will receive a gift in the post to accompany the reading.
A cooperation between Cabaret Voltaire (Salome Hohl and Adam Jasper) and Theater Neumarkt
Image: Slow Reading Club (Henry Andersen and Bryana Fritz)
Part 1 takes place on 23.03.2021, 18:00–22:00. Part 2 takes place on 24.03.2021, 18:00–22:00.
Armen Avanessian will read his latest book, Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn [Divided Time – Letters to My Son], on two evenings. Written in the first year of his son's life, the book may be published in 2035.
In it, the philosopher describes their everyday life together, their shared present, and addresses a reader in the future who will be once twenty, once forty, and at the end of the century eighty years old. From concrete experiences and descriptions of everyday life, reflections on general ethical, social and philosophical questions develop.
What is a start, birth, beginning, and why has male-dominated philosophy been able to grasp these only inadequately? What are the constrictions of classical conceptions of love, and to what extent does intimacy point us in a different direction? What does it mean today to be a father, to have a family, and to pass on or take on an inheritance (or, conversely, to renounce, strike back, and settle accounts with one's family)? And to what extent, if nothing else, do we need to rethink death and learning to die – as perhaps the classic topoi of philosophical self-reflection – not only with an eye to future generations, but from their future threat to the entire species? Even today, Divided Time is a message in a bottle from a present that has already passed.
«What I write to you, what I have written, wants to embrace you, wants to sum up your time and my time. For writing always comes too late, lags behind, but then, at the same time, I write it all for you, my future reader, far too soon. That's why I tried to write towards you.
I wrote to you to remind me of the future.
I wrote to you to prepare you for the past.
I wrote to you because you have already changed it for me.
I wrote to you so you could read all this again.
I wrote to you because I couldn't help it.
From our shared time I wrote to you.
And who would have thought that there are wishes and dreams that come true.»
Walk past Cabaret Voltaire between 18:00 and 22:00. The reading will be broadcast on Spiegelgasse and Münstergasse. In addition, you will receive a page of a book that may be published in the distant future – but like this exists distributed across Zurich.
No registration required.
Armen Avanessian reads his book Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, March 23, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Armen Avanessian reads his book Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, March 23, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Part 1 takes place on 23.03.2021, 18:00–22:00. Part 2 takes place on 24.03.2021, 18:00–22:00.
Armen Avanessian will read his latest book, Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn [Divided Time – Letters to My Son], on two evenings. Written in the first year of his son's life, the book may be published in 2035.
In it, the philosopher describes their everyday life together, their shared present, and addresses a reader in the future who will be once twenty, once forty, and at the end of the century eighty years old. From concrete experiences and descriptions of everyday life, reflections on general ethical, social and philosophical questions develop.
What is a start, birth, beginning, and why has male-dominated philosophy been able to grasp these only inadequately? What are the constrictions of classical conceptions of love, and to what extent does intimacy point us in a different direction? What does it mean today to be a father, to have a family, and to pass on or take on an inheritance (or, conversely, to renounce, strike back, and settle accounts with one's family)? And to what extent, if nothing else, do we need to rethink death and learning to die – as perhaps the classic topoi of philosophical self-reflection – not only with an eye to future generations, but from their future threat to the entire species? Even today, Divided Time is a message in a bottle from a present that has already passed.
«What I write to you, what I have written, wants to embrace you, wants to sum up your time and my time. For writing always comes too late, lags behind, but then, at the same time, I write it all for you, my future reader, far too soon. That's why I tried to write towards you.
I wrote to you to remind me of the future.
I wrote to you to prepare you for the past.
I wrote to you because you have already changed it for me.
I wrote to you so you could read all this again.
I wrote to you because I couldn't help it.
From our shared time I wrote to you.
And who would have thought that there are wishes and dreams that come true.»
Walk past Cabaret Voltaire between 18:00 and 22:00. The reading will be broadcast on Spiegelgasse and Münstergasse. In addition, you will receive a page of a book that may be published in the distant future – but like this exists distributed across Zurich.
No registration required.
Armen Avanessian reads his book Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, March 23, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Armen Avanessian reads his book Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, March 23, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
Samuel Haitz with Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge and Moritz Müller (DJ-Set)
Soirée 2 (After) took place on the 09.03.2021, Soirée 1 (Before) took place on the 02.03.2021. You can re-listen to both soirées here (via radio-bollwerk.ch). The simultaneously running exhibition «Memorabilia» takes place from 02.03.2021 until 27.03.2021.
«When I look back on my life it’s not that I don’t want to see things exactly as they happened, it’s just that I prefer to remember them in an artistic way. And truthfully the lie of it all is much more honest because I invented it. Clinical psychology tells us arguably that trauma is the ultimate killer. Memories are not recycled like atoms and particles in quantum physics. They can be lost forever. It’s sort of like my past is an unfinished painting and as the artist of that painting I must fill in all the ugly holes, and make it beautiful again. It’s not that I have been dishonest; it’s just that I loathe reality.»
– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – First Part, Marry the Night
Samuel Haitz (*1997) invites to two consecutive soirées and the simultaneously running exhibition «Memorabilia» at Cabaret Voltaire. Haitz recently moved from Zurich to Berlin. An occasion to take stored souvenirs in hand, to arrange, preserve and transfigure memories. At Cabaret Voltaire, he brings together his own works, works by friends and idols, and other objects that reflect codes of desire and belonging. For the soirées, he invites his artistic companions Milena Langer, Stella and Ian Wooldridge to read texts together. To round off, DJ Moritz Müller, a friend, interprets the events musically. Soirée 1 (Before) is dedicated to hope and romantic utopia; Soirée 2 (After) focuses on nostalgic reflection of the past. The events will be broadcast online in collaboration with the Bernese Radio Bollwerk. In this stagnant time of social distance and absence, a space is thus created to reflect on which personal and collective culture of memory should shape one's future.
From left to right at Cabaret Voltaire: Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Moritz Müller and Ian Wooldridge. Photo: Philipp Hänger
Samuel Haitz with Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge and Moritz Müller (DJ-Set)
Soirée 1 (Before) took place on the 02.03.2021, Soirée 2 (After) took place on the 09.03.2021. You can re-listen to both soirées here (via radio-bollwerk.ch). The simultaneously running exhibition «Memorabilia» takes place from 02.03.2021 until 27.03.2021.
«When I look back on my life it’s not that I don’t want to see things exactly as they happened, it’s just that I prefer to remember them in an artistic way. And truthfully the lie of it all is much more honest because I invented it. Clinical psychology tells us arguably that trauma is the ultimate killer. Memories are not recycled like atoms and particles in quantum physics. They can be lost forever. It’s sort of like my past is an unfinished painting and as the artist of that painting I must fill in all the ugly holes, and make it beautiful again. It’s not that I have been dishonest; it’s just that I loathe reality.»
– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – First Part, Marry the Night
Samuel Haitz (*1997) invites to two consecutive soirées and the simultaneously running exhibition «Memorabilia» at Cabaret Voltaire. Haitz recently moved from Zurich to Berlin. An occasion to take stored souvenirs in hand, to arrange, preserve and transfigure memories. At Cabaret Voltaire, he brings together his own works, works by friends and idols, and other objects that reflect codes of desire and belonging. For the soirées, he invites his artistic companions Milena Langer, Stella and Ian Wooldridge to read texts together. To round off, DJ Moritz Müller, a friend, interprets the events musically. Soirée 1 (Before) is dedicated to hope and romantic utopia; Soirée 2 (After) focuses on nostalgic reflection of the past. The events will be broadcast online in collaboration with the Bernese Radio Bollwerk. In this stagnant time of social distance and absence, a space is thus created to reflect on which personal and collective culture of memory should shape one's future.
From left to right at Cabaret Voltaire: Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Moritz Müller and Ian Wooldridge, Photo: Philipp Hänger
Collective Online Reading with the «Slow Reading Club»
This event on February 25 is a free get-to-know-each-other session and takes about 15 minutes.
Find the Zoom link here.
The «Slow Reading Club» (SRC) is a semi-fictional reading group initiated in 2016 by Bryana Fritz and Henry Andersen. They engage with constructed situations for collective reading. SRC seeks to occupy and eroticise the space of transmission between text and reader, reader and reader, text and text; it does so to dwell in the unstable space of reading itself, to intensify what Spivak calls "the possible threat of a space outside language" that opens up in reading and in love.
In Future Perfect Continuous Tense, strategies from their practice are translated into the digital space and Zoom is used as a space for collective reading and intimate gathering. Each evening is staged as a rehearsal or experiment in digital, collective reading. Texts are used that break up the tenses to reimagine bodies, devices and spaces that surround reading.
Each session is independent of the others. Participants may attend one or several sessions. Participants who register on the Sunday before each session will receive a gift in the post to accompany the reading.
A cooperation between Cabaret Voltaire (Salome Hohl and Adam Jasper) and Theater Neumarkt
The «Slow Reading Club» (SRC) is a semi-fictional reading group that was founded by Bryana Fritz and Henry Andersen in late 2016. The group deals with constructed situations for collective reading. The SRC regards, explores and interrupts the «readership» as a way to stimulate the contact zones between reader and text, text and text, reader and reader. Organised with Adam Jasper and Jan Steinbach.
Masks are mandatory. The number of seats is limited and registration with name, postal code and telephone number is obligatory. Thanks for your solidarity.
Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
Slow Reading Club at Louise Dany, 2019, Credit: Ignas Krunglevičius
Slow Reading Club at Bâtard Festival 2017, Credit: Cillian O’Neill
Here you can listen to the «Salon der Republik» of November 24.
Noble prizes
The next «Salon der Republik» on November 24 at Cabaret Voltaire will be about the poems of Nobel Prize winner Louise Glück. And the winning text of the Swiss Book Prize.
When the decision on the Nobel Prize for Literature 2020 was announced on October 8 and Louise Glück was chosen, the astonishment in the literary world and in the feature pages in this country was enormous. Despite all the speculation in the run-up to the award, the name Louise Glück had not played a role; indeed, very few people knew her name at that time.
But that says little about Louise Glück and much about the gaps in reception here. In the USA, Louise Glück has won just about everything in terms of honours and prizes in recent decades that an author can win, from the Pulitzer Prize to the National Book Award. Of her twelve poetry collections, two of her most acclaimed poems have been published in German: Averno (2007) and Wilde Iris (2008), both translated by Ulrike Draesner. However, both books have been out of print for a long time – and will be available again from mid November.
The author and columnist Nina Kunz will our guest on this evening. She will discuss the poetry of Louise Glück with Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger and Daniel Graf – and the winning text of the Swiss Book Prize 2020.
The Swiss Book Prize was awarded on November 8. It went to Anna Stern for the novel das alles hier, jetzt (Elster & Salis). Other nominees were Dorothee Elmiger, Aus der Zuckerfabrik (Hanser); Tom Kummer, Von schlechten Eltern (Klett-Cotta); Charles Lewinsky, Der Halbbart (Diogenes); Karl Rühmann, Der Held (Rüffer & Rub).
Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office. Masks are mandatory.
Contagion (Steven Soderbergh, 2011) is seen by many as a prophetic film for the events surrounding Corona this year. But with the second wave of the pandemic at the latest, we are also seeing what has changed and shifted in the decade since the film was made, in our biological and virological knowledge, on the (social)media level, and above all in the geopolitical conditions. Made less than a decade ago, the film still shows an intact globalisation, including undisputed international organisations. Excerpts from the film are shown, and after a short impulse Armen Avanessian discusses with Elisabeth Bronfen. In September 2020 her publication Angesteckt. Zeitgemässes über Pandemie und Kultur was published by Echtzeit-Verlag. The cultural and literary scholar is Professor of English Studies at the University of Zurich and Global Distinguished Professor at New York University.
«Cabaret Avanessian» is a series with the philosopher and cultural theorist Armen Avanessian at Cabaret Voltaire. He currently holds a guest professorship for philosophy at the HFBK Hamburg.
Masks are mandatory. The number of seats is limited and registration with name, postal code and telephone number is obligatory. Thanks for your solidarity.
Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
Filmstill, Steven Soderbergh, Contagion, 2011
Postponed to 2021 due to quarantine regulations
Kasia Fudakowski and Francesca Hawker. Organised with Martina Mächler und Anastasia McCammon
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration.
Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
Attention: The soirée is postponed to 17 November 2020.
17.11.20, 20:00
«Cabaret Avanessian #2 Updating Contagion»
Contagion (Steven Soderberghs, 2011) is seen by many as a prophetic film for the events surrounding Corona this year. But with the second wave of the pandemic at the latest, we are also seeing what has changed and shifted in the decade since the film was made, in our biological and virological knowledge, on the (social)media level, and above all in the geopolitical conditions. Made less than a decade ago, the film still shows an intact globalisation, including undisputed international organisations. Excerpts from the film are shown, and after a short impulse Armen Avanessian discusses with Elisabeth Bronfen. In September 2020 her publication Angesteckt. Zeitgemässes über Pandemie und Kultur was published by Echtzeit-Verlag. The cultural and literary scholar is Professor of English Studies at the University of Zurich and Global Distinguished Professor at New York University.
«Cabaret Avanessian» is a series with the philosopher and cultural theorist Armen Avanessian at Cabaret Voltaire. He currently holds a guest professorship for philosophy at the HFBK Hamburg.
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration. Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
Film still, Steven Soderberg, Contagion, 2011
Postponed to 2021 due to quarantine regulations
Shinichi Iova-Koga and Dimitris Chimonas. Organised with Anastasia McCammon and Martina Mächler
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration.
Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
Photo: Sheila Bosco/inkBoat
Photo: Dimitris Chimonas
Postponed to 2021 due to quarantine regulations.
Karolin Brägger (costume in collaboration with Janek Ackermann), Anastasia McCammon / Emmy Hennings, Dynamic Resistance by Hedda Bauer and Johan Ahlkvist with Charlotte Gash, Charlotta Öberg, Sigrid Mau, Rogine Moradi. Organised with Martina Mächler and Anastasia McCammon.
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration.
Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
delirium is a Zürich literature platform. The first texts for magazine N°12 arrived in early 2020. Meanwhile, corona, an economic crisis and another record-breaking heatwave have fallen on the world. Shouldn't we be rethinking the world and literature given this situation? For the release of N°12, the philosopher and cultural theorist Armen Avanessian asks the authors of the magazine for an adequate update.
Participants:
Armen Avanessian
Patrizia Huber
Fabian Schwitter
Gerhild Perl
Samuel Prenner
Rahel Hochstrasser
Samuel Eberenz
Niki Grieser
Kim de l'Horizon
Salomé Meier
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration.
Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
Image: Passage from the new delirium edition N°12
Rory Pilgrim shows elements of the multidisciplinary project Software Garden as part of the Fleshy Interface festival.
In times of increasing nationalism and isolationism, the artist seeks spaces where the human, ecological and technological meet the basic principles of empathy, care and kindness. For this purpose, Rory Pilgrim combines bodies and voices inside and outside the screen through live performances, music videos, poems and interactive workshops. The event will open on September 22 with an artist talk at Cabaret Voltaire with Pilgrim, accompanied by a selection of songs from the back catalogue with singer Robyn Haddon and poems by the poet and disability rights activist Carol R. Kallend joining via Skype. In the following days Rory Pilgrim and choreographer and artist Cassie-Augusta Jørgensen will host a workshop where interested people can become part of the performance Software Garden, which will then be performed with the participants at Neumarkt on Saturday, September 26.
The cross-institutional festival Fleshy Interface combines performances and workshops and has the rediscovery of physicality as its central theme. The body as a medium and as an instrument in the performing arts, the digital body, immateriality and the longing for touching and being touched occupy us in this special time of physical distance. Initiated by Neumarkt, in collaboration with Cabaret Voltaire, Schauspielhaus Zürich, Literaturhaus, Tanzhaus, Fabriktheater, Winkelwiese, Shedhalle, ZHdK and Helferei. Rory Pilgrim participates at the invitation of Cabaret Voltaire, in close collaboration with Neumarkt. The complete programme of the festival including e-booklet can be found here.
Registration Tuesday Soirée:
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration. Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
Registration Workshop/Showing:
Workshop: 23.09.–25.09.20, 14:00–17:00, registration via fleshyinterface@theaterneumarkt.ch. Showing of the workshop (Performance Software Garden): Saturday, 26.09.20, 16:00 at Neumarkt. You can find more information here.
Rory Pilgrim (*1988 in Bristol, UK) lives and works in Rotterdam and Isle of Portland. The exhibitions include: Stedelijk Museum Amsterdam (Amsterdam, 2019), Between Bridges (Berlin, 2019), South London Gallery (London, 2018); andriesse eyck galerie (Amsterdam, 2018); Rowing Gallery (London, 2017), Plymouth Art Centre (Plymouth, 2017), Flat Time House (London, 2016), Site Gallery (Sheffield, 2016), sic! Raum für Kunst (Lucerne, 2014), Rongwrong (Amsterdam, 2014), Kunsthuis SYB (Beetsterzwaag, 2011). In 2019 Pilgrim was awarded the Prix de Rome.
«Software Garden» Live Concert, Transmediale 2019, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2019. Photo: Laura Fiorio
Here you can listen to the «Salon der Republik» of September 15. The next Salon will take place on November 24.
The «Salon der Republik» is a forum for literature and debate. Discussions take place about current books and relevant topics: the culture section of the online magazine Republik, selected guests – and you, if you like. On September 15 the keyword will be «power issues» and «gender issues». The focus will be on the novels Breasts and Eggs by Mieko Kawakami and Milkman by Anna Burns; the new publications Der Defekt [the defect] by Leona Stahlmann and Hexen [witches] by Mona Chollet will also be presented. Franziska Schutzbach will be our guest. She will discuss with Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger and Daniel Graf.
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration.
Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
«Salon der Republik», September 15 2020. Guest was Franziska Schutzbach. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
«Salon der Republik», September 15 2020, with Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger, Franziska Schutzbach and Daniel Graf. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA
During the Zurich Art Weekend 2020, two short guided tours will take place through our institution and the exhibition «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi». The first tour is at 6 p.m., the second at 8 p.m.
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration.
A guided tour of Cabaret Voltaire and the internationalist neighbourhood
Meeting point: Cabaret Voltaire, Historical Hall, 20:00
Cabaret Voltaire opened on February 5, 1916, with the participation of a group of deserters, students, and intellectuals, and from then on provided a framework for dissent and artistic experiments. In addition to a general introduction to Dada and its protagonists, this tour will explore some aspects of the historical context around 1916. We will start at Cabaret Voltaire and then continue up to Spiegelgasse, where Lenin lived with his wife Nadezhda Krupskaya, to the international labor union hostel Eintracht, the Schwänlianer-Treff and the apartment of Ball and Hennings on Predigerplatz, via Cabaret Hirschen on Hirschenplatz to Stüssihof, where the «Kegelklub» met for its weekly debate. «Despair regarding the time paired with unbroken, youthful strength» was found both in the artistic activities at Cabaret Voltaire and in the debates of the internationalist socialists and exiles in the neighbourhood restaurants. The goals were basically the same: Peace, freedom and a new world order. This, and consequently topics such as socialism, pacifism, revolution and the role of labor unions, offer a stimulating basis for discussion even in today's context.
The exhibition «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» can be viewed before or after the tour. Henning's memories are also of interest for the tour:
«Viele Schweizer Familien hatten Ferienkinder aus den Kriegsländern eingeladen. Die kleinen Gäste kamen an, schmal, bleich, hohläugig, um hier aufzublühen wie junge Rosen. Wie viele, die inzwischen herangewachsen sind, werden sich dankbar zurückerinnern! 'Wer ein Kind aufnimmt in meinem Namen, der nimmt mich auf.' Ferner war eine unzählige Anzahl Fremder freiwillig gekommen, für die Zürich die hohe Warte war, von der aus man das Weltgeschehen ruhig oder entsetzt beurteilen konnte. Die Stadt war damals das Internationalste, das man sich denken kann. Am Quai hörte man in allen Zungen sprechen.»
– Emmy Hennings, in: Neue Zürcher Zeitung, Erste Sonntagsausgabe, 27.05.1934
«Es war im Kriegsjahr 1917 in Zürich. Im Cabaret Voltaire war soeben der Dadaismus geboren worden. Der Dadaist kämpfte gegen die Agonie, gegen den Todestaumel der Zeit. Im Widerspruch behauptete sich das Leben. Jede Art von Maske war dem Dadaisten recht. Die Maske jedoch diente als notwendiger Unterschlupf, das wahre, zu tief erschütterte Gesicht zu verbergen. Beim Dadaismus war viel Verzweiflung an der Zeit mit ungebrochener, jugendlicher Kraft gepaart, die oftmals wie Übermut und Spottlust anmutete.»
– Emmy Hennings, Erinnerungen an Sophie Taeuber, in: Sophie Taeuber-Arp, hg. von Georg Schmidt, Basel, Holbein-Verlag, 1948
The tour is led by Elena Grignoli and Salome Hohl.
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration.
Anny Klawa-Morf. Photo: freiberthoud.ch
Marcel Janco's Cabaret Voltaire, picture from the catalogue Dada in Zurich, Arche Verlag
Historical Hall 2020. Photo: Gunnar Meier
Emmy Hennings, read by Heidi Maria Glössner, in dialogue with Ariane von Graffenried. Followed by a discussion with Jael Bollag, Carla Jörg and all participants. A collaboration with the Swiss Literary Archives.
Not only is Emmy Hennings' eventful biography extraordinary, her artistic work also exerts a great attraction. She is remembered as one of the most powerful stage artists of Dadaism. Her poems still have a fresh effect, and as a performance artist and avant-garde author she was ahead of her time and continues to influence writers today.
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration. Regular admission: 10 CHF, reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office. The exhibition «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» is open before the soiree until 20:00.
Photo Emmy Hennings: Estate of Hennings, SLA Bern; Photo Ariane von Graffenried: Alexander Jaquemet; Collage: Gerhard Blättler
Lara Dâmaso, Photo: Flavio Karrer
A performance by Lara Dâmaso, afterwards DJ set by Asian Eyez
The dancing body and the singing body are one and the same. The same mode of communication: vibration. The dancing body and the singing body speak to, but needn’t answer each other. This isn’t call-and-response, it’s faster than that. A skip ahead. Immediate presence. The dancing-singing body is an open channel – not an empty chamber. Because it is a conduit, and not a chamber, it can harmonise with what passes through it. This in turn reveals what it carries and how it’s constructed. It isn’t an echo, it’s more melodic than that. The dancing-singing body is a reflective surface. It details acutely the time and space, form and movement that surround it. It is implicated by these agents and simultaneously implicates them. But this isn’t representation, it’s more immersive than that. And it doesn’t need more than what’s already here. (Text: Lara Dâmaso/Matthew Hanson)
Please put on masks! Number of participants limited. We therefore ask for registration.
Regular admission: 10 CHF; reduced admission: 5 CHF. You can pay at the box office.
Here is the audio version of the first «Salon der Republik» as podcast for listening. The next «Salon der Republik» will take place on September 15th.
The «Salon der Republik» is a forum for literature and debate. The feuilleton team selected guests – and you, if you like, as listening is also allowed – discuss current books and relevant topics at Cabaret Voltaire.
All over the world, anger about racism and police violence is being unleashed on the streets. For the first literary «Salon der Republik» we will discuss three new publications, which are all the more urgent. Our guest is the spoken word poet Fatima Moumouni. The selected works: The Water Dancer by Ta-Nehisi Coates, 1000 Serpentine Fear by Olivia Wenzel and the volume of poetry Night Sky with Exit Wounds by Ocean Vuong.
All three books deal with the persistence of racist violence. All three describe exclusion and misanthropy in their own way. And they deal with the centuries-old ideology of white supremacy, on both sides of the Atlantic, the consequences of which have not only been clear since George Floyd was killed by brutal police violence.
With Fatima Moumouni, Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger and Daniel Graf from the online magazine Republik debate. And you, if you like. Please note: the event will be held in accordance with Corona security regulations. We will keep sufficient distance between the seats and ask for registration at info@cabaretvoltaire.ch. Please also let us know if you want to come in pairs or more. The entrance fee is 10 CHF regular, 5 CHF reduced. Republik publishers pay the reduced rate.
The event will be recorded as an audio podcast to relisten.
More about the books:
Der Wassertänzer (The Water Dancer), the first novel by Ta-Nehisi Coates, whose non-fiction books on racism in the USA have long been standard international works; 1000 Serpentinen Angst [1000 Coils of Fear] by Olivia Wenzel, a debut novel that tells of life as a Person of Colour in German-Germany;
the book of poetry Nachthimmel mit Austrittswunden [Night Sky with Exit Wounds], for which Ocean Vuong is internationally celebrated as a new literary sensation.
Here you can find short reviews of the books by Daniel Graf.
On 8 June, the three Zurich cultural institutions Theater Neumarkt, Literaturhaus Zürich and Cabaret Voltaire will jointly launch into the period after the shutdown. Under the motto «Nach dem langen Sonntag» [after the long Sunday], the houses and the Niederdorf will be given cultural life again.
Detailed program Cabaret Voltaire:
Monday, June 8, 2020
19:00 to 23:00:
Reopening and extension of the exhibition «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi», 8 June to 22 September 2020.
19:00 to 23:00:
Ongoing performance of the dancer Anastasia McCammon about Emmy Hennings. Cognac, Hennings' favourite brandy, will also be served. McCammon is the part of the series Cracking Up and Staging Down, planned with Martina Mächler, which will be shown in the autumn as part of the Tuesday Soirées at Cabaret Voltaire.
19:30, 20:30, 21:30:
The author Simone Lappert enters into a lyrical dialogue with Emmy Hennings. Reservations for the three readings can be made via info@cabaretvoltaire.ch. Only half of the places can be reserved.
Program overview Cabaret Voltaire, Theater Neumarkt and Literaturhaus:
Between 19:00 and 23:00 there will be theatre, music, performances, literature, art and cognac. The Neumarkt will inaugurate the ten-day 7/11 Performance Supermarket, which plays with peepshow aesthetics, voyeurism and the longing for closeness. A little further up Spiegelgasse at Cabaret Voltaire, the exhibition «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» reopens. Author Simone Lappert exercises the human condition through her own and Hennings' lyrical texts, while dancer Anastasia McCammon performs Hennings' favorite schnapps. And the Literaturhaus opens its three-week literary pharmacy with the collective «Literature for what happens», which writes texts on commission or prescription. Visitors are invited to walk freely from house to house and be surprised.
«We have been exchanging ideas over and over again in recent weeks, focusing on the big questions: What will become of culture in times of social distancing? How can culture and art continue to be experienced in the new normality? It was important to us to take up proximity and distance in terms of content, but also to set an example. We tense together because we are confronted with similar problems and prefer to solve them together.» Salome Hohl (Cabaret Voltaire), Tine Milz (Theater Neumarkt) and Gesa Schneider (Literaturhaus Zurich).
The two-metre rule is adhered to, forms for Contact Tracing are available, as are disinfectants. We follow the «Pay what you want»-principle. Please take your leftover coin with you. We are looking forward to it!
Anastasia McCammon. Photo: Nikos Doulos
The event is cancelled due to the coronavirus.
In the series «Wissen in Gesellschaft» of the Center «Geschichte des Wissens» (ETH & University of Zurich) Prof. Adrian Daub (Stanford) speaks on Silicon Valley and takes a critical look at its self-created myth of innovation.
This event takes place in cooperation with the Chair of Science Studies at ETH Zurich.
Reduced program and limitation of the number of guests due to the current situation. We ask people with flu symptoms to stay at home and observe the measures provided by the Swiss Confederation. We also recommend that all participants wash their hands regularly, keep physical contact to a minimum and refrain from conventional welcome rituals. Cabaret Voltaire provides disinfection facilities and takes care of the circulation.
13.03.20–15.03.20
«Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi»
13.03.20, 18:00–04:00
– Stefan Burger, sculpture Traverse, from 18:00
– Welcoming, 19:00
– Martina and Nicolas Buzzi with Li Tavor, Franziska Koch, Monika Stalder and Miao Shuyue Zhao, performance Suspended Gestures, 21:00
– CANCELLED: Crystallmess, performance Poison/Paradise, followed by a DJ set, 23:15–02:00
14.03.20, 11:30–02:00
– An Occasion Hosted by Isabel Lewis on the Topic of Love in the Time of Corona, from 17:00
15.03.20, 11:30–23:00
– CANCELLED: Soya Arakawa, performance JIJII DOKOROKA, 17:00
– CANCELLED: Simone Lappert, lyrical dialogue with Emmy Hennings, 18:00
Suspended Gestures by Martina and Nicolas Buzzi. Performers: Li Tavor, Monika Stalder, Martina Buzzi and Franziska Koch.
In the performance Suspended Gestures the performers interact through gestures that control synthetic sounds. Their bodies are expanded by motion sensors. The score of the movements, the choreography, is determined by the means of the sounds through which the performers communicate with each other.
The first ever volumes focus sound art book fair is happening on the last sunday of march at the birthplace of dada – get ready to find twelve exhibitors presenting sound related books, zines, sound art, music, vinyls, tapes and other media, and discover new sounds in listening sessions, live streamed on Furka Radio.
Featuring:
-OUS (Zurich, CH)
CVBOOKS (Zurich, CH)
Fair Enough (Zurich/Saint Gallen/Geneva/Beijing)
FLEE (Neuchâtel, CH / Paris, FR)
E.G.G. EditionGoraGora/czarnagora (Zurich, CH)
Music Sounds Better with Books (Lausanne, CH)
Präsens Editionen/Zweikommasieben (Lucerne, CH)
Union Editions (Rome, IT)
Soundohm (Milan, IT)
Ecart Books (Geneva, CH)
Furka Radio (Zurich, CH)
Costumed travelers, inspired by Italo Calvino's «The Castle of Crossed Destinies,» will promenade from Galerie Gregor Staiger at 3 pm, stopping at Kunsthaus at 3.30 pm and Helmhaus at 4pm, before concluding their journey at Cabaret Voltaire at 5 pm. There, they explore Monster Chetwynd's exhibition «Head-Less-Ness.» Guests are welcome to join the «Journey to a Sacred Place» from a stop of their choice.
Performers: Monster Chetwynd, Lukas Ryffel, Ladina Whitehead, Lian Staehelin, Luka Ostrež, Mariana Morales Tomaz, Jack Brennan, Lucca Süss, Myriam Uzor, Chiara Salmini.
Film Crew: Oscar Oldershaw, Joe Campbell, Ruby Cedar, Dragon Chetwynd.
Free admission.
Agnes Scherer invites to a concert with the London band «Gentle Stranger».
Tom Hardwick-Allan, Alex McKenzie and Joshua Barfoot perform as a wedding band and commit themselves to their self-defined genre of post-clown. The performance with small and big surprises starts at Cabaret Voltaire, continues with a crescendo on the train and ends as part of Agnes Scherer's exhibition at the Kunst Halle Sankt Gallen. The event takes place on the last weekend of Scherer's St.Gallen show «Ein seltsames Spiel» [Love is a strange game].
We look back on Agnes Scherer's performance «The Teacher», which took place at Cabaret Voltaire in 2020. You can find the video of the performance below.
Doors open: from 13:30 (café and exhibitions open)
Start: punctually at 14:45 at Cabaret Voltaire
Train: 15:39 from Zurich HB
Arrival: 16:52 in St.Gallen
Concert walk from St.Gallen main station to Kunst Halle
Closing and drinks at Kunst Halle Sankt Gallen (the exhibition is open)
The event is free of charge. You can join at any time. Train tickets must be organized by yourself.
There are 10 SOLI tickets available. Please register with your name and a possible discount at info@cabaretvoltaire.ch.
«Quo Vadis, Gentle Stranger», preview image by Agnes Scherer and Tom Hardwick-Allan for the performance of «Gentle Stranger», 2023.
Opening of the exhibition «Puppet Slam» by Monster Chetwynd and students of Schule Hirslanden Sek at Cabaret Voltaire.
Last semester, in a workshop with Monster Chetwynd, students from the Hirslanden secondary school developed a series of colourful puppets made of various materials that can inhabit Florian Graf's model school buildings. The puppets and a filmic staging of these figures, together with a documentation of the process of creating Florian Graf's «School Models», will be exhibited at Cabaret Voltaire from 18 September to 1 October 2023. At the same time, the exhibition «Head-Less-Ness» (until summer 2024) by Monster Chetwynd can be seen at the Cabaret Voltaire.
Florian Graf realized a sculpture group composed of stone models of the three school buildings dating from different eras. Instead of placing the school buildings on pedestals where they can be admired from a distance, Graf has the models placed on oversized play blocks. The building blocks made of colored terrazzo and the schoolhouses made of limestone can also be used by the students as seats. So you can lean against your schoolhouse or look down on the school from above. Florian Graf's sculpture ensemble is a tongue-in-cheek game with proportions and with our perception: it encourages us to change our viewer positions, to take other perspectives and to move between model and reality.
Since last spring, Monster Chetwynd (*London, UK, lives and works in Zurich) has been leading a workshop for students at Schule Hofacker. Under the title "Puppets and Autoreflexive-representations" (2023), they have jointly developed a series of colorful puppets made of various materials such as cardboard, fabric or found elements, which can now populate Florian Graf's model school buildings. Because a school only works with students. The puppets will also be exhibited at Cabaret Voltaire from September 17 as part of "Head-Less-Ness", Monster Chetwynd's current solo exhibition. In the workshop, students* learned how to create characters and bring them to life using puppetry techniques. The artist, who is known for her exuberant and humorous performances with handmade costumes, props and sets, explains that her objects are "born out of an impatience." She often recycles materials that can be easily processed and used by the many people she invites to participate: an approach that underscores the collective development that significantly informs the artist's work.
The works from the student workshop with Monster Chetwynd will be on view at Cabaret Voltaire from September 18 to October 1.
This event is a cooperation with Zurich Art Weekend.
The beginning of the Russian war against Ukraine and the annexation of Crimea in 2014 deeply affected Maria Kulikovska. The artist started to look for ways to cope with the radical violence and injustice. During her performance, Maria Kulikovska is bathing with her sculpture clone, cast from ballistic soap. In weaponry, this soap is used because its density is similar to the human body. In this ritual, the artist lustrates herself. Hoping to heal the trauma through care, Maria says: — «I wash my face with my own hands, I brush my hair, I peel off my soap skin, I wipe myself and scrub.»
Maria Kulikovska is a international working Ukrainian artist, actionist-performer and researcher, working internationally. Maria was born in Kerch, Autonomous Republic of Crimea, Ukraine. After the annexation of Crimea by Russia, the artist lived and worked in exile in Kyiv, Donetsk, Malmo, Liverpool, London, Munich and Stockholm. At the end of 2019, Maria Kulikovska and Uleg Vinnichenko created the international non-binary art space GARAGE 33 in Kyiv.
Admission: Free
Maria Kulikovska, Lustration/Ablution, 2018
Dada Tour in Zurich's District 1
Between 1916 and 1919, the Dadaists in Zurich set impulses that were to have a lasting influence on the arts worldwide. Zurich is not only home to the Cabaret Voltaire, the place where Dada originated, but also to one of the most important Dada collections in the Kunsthaus Zürich.
This guided tour with Cabaret Voltaire director Salome Hohl and Kunsthaus curator Cathérine Hug connects the two houses and takes you to other Dada venues, revealing the milieu and places where the Dada movement was born and developed. The meeting point is in front of the Cabaret Voltaire. The tour ends at the Kunsthaus Zürich: in the Dada cabinet and finally in front of the Max Ernst painting in the Kunsthaus bar. The price includes the guided tour and the Dada Pocket Guide.
–Meeting point: 16:00 in front of Cabaret Voltaire
–Cost: CHF 30.- / 25.- (students) / 20.- (members), incl. Dada Pocket Guide
–Limited number of participants. Registration required.
Tickets can be purchased via the ticket store of the Kunsthaus.
The tour is in English.
Reading and talk with the author.
15:00–16:30 book launch
16:30–18:00 apéro
Silvia Boadella is the grandniece of Sophie Taeuber-Arp and grew up with her life's work. Taeuber-Arp is a pioneer of modern art, was at the center of Zurich Dada and is considered the most important female Swiss artist at the beginning of the twentieth century.
On the occasion of the book vernissage, Silvia Boadella will share her family's memories in a conversation with Salome Hohl (Director Cabaret Voltaire) and read passages from her publication «Sophie Taeuber-Arp - Ein Leben für die Kunst | A Life through Art». In it, Boadella draws with a personal approach from her family's stories and documents and from previously unpublished sources. She succeeds in creating a narrative with powerful words and images, which for the first time connects stages of Sophie's life with her works.
The Zurich book vernissage will take place in conjunction with the exhibition «Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret», which will be on view at the Cabaret Voltaire from October 14, 2022 to April 30, 2023.
Book cover, Skira Editore, Milan
Portrait Silvia Boadella, author
What happened in the walls of the Cabaret Voltaire over 100 years ago? How and why did Dada emerge in Zurich? These and other questions are explored in the Cabaret Voltaire Audio Guide presented on 23 October.
The Audio Guide not only takes us back to Zurich around 1916, but also expands and questions the historical view of Dada with contemporary, critical perspectives in relation to discourses on topics such as Dada Queer, Dada Postcolonial, Dada Avantgarde and Dada Propaganda.
On the occasion of the launch, the actress Alicia Aumüller will read, among others, the feminist manifesto of the American poet and artist Mina Loy (1882–1966), who was active in the Dada circle. Afterwards, we invite you to test the Audio Guide for yourself.
Imprint:
Concept/texts: Laura Felicitas Sabel
Supervision/editing: Salome Hohl
Translation: Emilia Meier, Sandra Wörz
Narrator: Alicia Aumüller
Recording and sound design: Ernesto Coba-Antequera
Feminist manifest by Mina Loy, 1914.
Cabaret Voltaire, Swiss Institute, and Lenz are happy to launch the artist’s book Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi with a celebration, screenings, and readings at Cabaret Voltaire.
Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi brings together the first translations in English of poems and writing by Emmy Hennings (b. 1885, d. 1948) with the work of Zurich-based artist Sitara Abuzar Ghaznawi (b. 1995). Hennings, co-founder of Cabaret Voltaire, Zurich (with Hugo Ball) was a performer, artist, and writer whose work has received little visibility until relatively recently. Ghaznawi created frames and encounters for Hennings's writing through collages, sculptures, and new writing by members of her artistic community. This afternoon event will feature screenings from the book’s contributors and readings of Hennings’ texts.
Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi
eds. Simon Castets, Salome Hohl, Eva Kenny, Laura McLean-Ferris
Published by Swiss Institute and Cabaret Voltaire, in collaboration with Lenz
With texts and contributions by: Sitara Abuzar Ghaznawi, Timur Akhmetov, Simon Castets, Olamiju Fajemisin, Emmy Hennings, Salome Hohl, Shamiran Istifan, Semuel Lala, Nils Amadeus Lange, Laura McLean-Ferris, Furqat Palvan-Zade, Sophia Rohwetter, Ser Serpas, Ian Wooldridge, Michael Zimmermann.
Graphic design: Dan Solbach
128 pages
48 images (b/w)
ISBN 979-12-80579-36-2
20 EUR / CHF
with Alizee Lenox, Florence Peake, Eve Stainton.
Outfits by Hugo Canoilas, Elise Lammer, Julie Monot, Mia Sanchez.
Scenography and dramaturgy: Cee Füllemann, Elise Lammer.
Music: Alizee Lenox
On the occasion of the Zurich Art Weekend and complementary to the Zurich film premiere on May 31, Alpina Huus perform at 21:00.
In the midst of generational, climate and economic crises, the film «Theodora or The Progress», by the collective Alpina Huus questions the view of reality and the legitimacy of speech. «Theodora or The Progress», is a collective artistic project that includes an installation, music pieces and performances by a group of international artists* such as Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton and Niels Trannois.
The performance addresses the notion of empowerment and explores the potential of the subconscious. Drawing from the work of Virginia Woolf, Adrian Piper and Lisa Simpson, Deleuze and Guattari, as well as Snoop Dogg and Franz Kafka, the film emphasizes the ability of nonverbal communication as a means of employing strategies against different types of discrimination. Taking its cue from the name of possibly the first feminist figure, the Empress Theodora (500 AD), «Theodora or The Progress», depicts the transformation of the narrator and some of his accomplices into a pack of dogs. «Theodora or The Progress», stages a collective takeover that speaks of love, transformation and transcendence.
** For Cabaret Voltaire members, Zurich Art Weekend VIPs and Alpina Huus friends. Please register here.
With this workshop as part of the Fleshy Interface festival, you can become part of Rory Pilgrim's multidisciplinary project Software Garden.
Artist Rory Pilgrim in conjunction with Cabaret Voltaire and Neumarkt as part of Fleshy Interface Festival is looking for eight participants to take part in a live performance of Software Garden. Released in 2018, Software Garden is Rory Pilgrim’s debut music video album which asks how we create systems by uniting the human, robotic and digital with basic principles of empathy, care and kindness. Collaborating with different generations and backgrounds, Software Garden in particular asks how we come together behind our screens.
During a three-day workshop, you will work with Rory Pilgrim and choreographer and artist Cassie Augusta Jørgensen to explore questions of touch, connection and support. Using both digital and in ‘meet space’, the workshops will especially consider the effects of the global pandemic and find ways we can physically connect and a support within the safety restrictions needed.
All time slots of the workshop:
Wednesday, 23.09.20, 14:00–17:00
Thursday, 24.09.20, 14:00–17:00
Friday, 25.09.20, 14:00–17:00
Showing of the workshop (Performance "Software Garden"): Saturday, 26.09.20, 16:00 at Neumarkt. After the performance we eat a soup at Neumarkt at 17:00.
To participate in the workshop, please send an e-mail to fleshyinterface@theaterneumarkt.ch
The workshop costs:
CHF 30.-/60.-/90.- (3 days)
CHF 20.-/40.-/80.- (2 days)
The participants decide which price you can pay.
The cross-institutional festival Fleshy Interface combines performances and workshops and has the rediscovery of physicality as its central theme. The body as a medium and as an instrument in the performing arts, the digital body, immateriality and the longing for touching and being touched occupy us in this special time of physical distance. Initiated by Neumarkt, in collaboration with Cabaret Voltaire, Schauspielhaus Zürich, Literaturhaus, Tanzhaus, Fabriktheater, Winkelwiese, Shedhalle, ZHdK and Helferei. Rory Pilgrim participates at the invitation of Cabaret Voltaire, in close collaboration with Neumarkt. The complete programme of the festival including e-booklet can be found here.
We thank Harfen-Service Daniel Zurlinden for his support.
«Software Garden» Live Concert, Stedelijk Museum, Amsterdam, 2019. Photo: Maarten Nauw
Sexuality in the ecstasy of movement and music
As part of the Zurich Art Weekend: Dialogical guided tour with Cabaret Voltaire director Salome Hohl and Kunsthaus curator Cathérine Hug. Art performance Thirsty by Ivy Monteiro, Talaya Schmid and Angie Walti.
The 1920s were also marked by the first sexual revolution. People such as Josephine Baker, Coco Chanel, Magnus Hirschfeld, Alexandra Kollontai and Victor Margueritte contributed significantly to the fact that sexuality was discussed more openly and that this liberation was also lived in culture. This was only the beginning of a long process that is not yet complete today, but is constantly facing new challenges. This event in three parts is a stroll through the narratives of the body, in which the performance by Ivy Monteiro, Talaya Schmid and Angie Walti catapults us into the middle of the most current discussion, where fetish, fluid identities, queerness and origin are the subject of intense debate.
- Meeting point «Führungen» at the Kunsthaus Zürich.
- 14:00–14:45 in the exhibition «Schall und Rauch», 15:00-15:30 walkabout to the Cabaret Voltaire. End of the performance and guided tour at Cabaret Voltaire.
- Limited number of participants. Registration required.
- Cost: exhibition ticket or 10 CHF.
Buy tickets here. The Covid-19 protection measures are communicated here in time.
Photo: Ivy Monteiro
Due to the current developments in Switzerland concerning the corona virus, we would like to acknowledge and address the risk of gathering while continuing to celebrate sociability and to focus on community. The duration of the occasion has been stretched over several hours to allow visitors to come and go as they please.
Isabel Lewis' occasions can be thought of as a ritual of gathering for the 21st century. They offer a liberalized form of attendance that allows visitors to linger for hours or just pass by. The artist created this format as a way of addressing an idea of composition that embraces rather than represses its lack of autonomy, its porosity, and contingency as a reflection on the nature of reality itself. For the opening weekend of Cabaret Voltaire, the artist responds to the moment by addressing our current fears of proximity and connection and tracing the ways these anxieties are built into a trajectory toward hyper-individualization and social atomization that begins with the rise of the scientific world view, puritanism, and capitalism and persists today in the social and political issues surrounding neoliberalism.
Lewis has since 2014 been developing an idea she calls «radical receptivity» which forms for her an alternative to modes of social interaction rather than conflict, coercion, and competition that seem prominent in the social exchange of capitalist societies. Lewis places a high degree of importance on the rehabilitation of senses beyond the visual as a way to become attuned with our environment and capable of responding to social and ecological crises. Her approach is realistic–there is no denial of the risk involved in making oneself vulnerable to another, to becoming «undone by each other». In the words of Judith Butler, «one does not always stay intact.»
The occasions (2014–today) of the internationally renowned artist, dancer, DJ and theorist are considered celebratory gatherings of things, people, plants, dances and scents where visitors can drift in and out of attention and sociality. Disinfectants and refreshments are part of the hospitality.