Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.

Im Gewölbekeller des Cabaret Voltaire, den man durch einen offenen Schlund betritt und der die Gäste in andere Welten entführt, steht einer der monströsen Köpfe von Monster Chetwynd. Im Inneren dieses Kopfes befindet sich eine kleine Ausstellung, die den Auftakt zu Chetwynds künstlerischer Besetzung der Künstler*innenkneipe vom 25. August 2023 bis Ende Juli 2024 bildet. Chetwynds Werke, seien es überschwängliche Performances oder malerische Installationen, strotzen vor optimistischer Absurdität und hintergründiger Komik, sind für jeden verständlich und doch reich an kulturellen Bezügen. Mit dem Do-it-yourself-Charakter, der Prozesshaftigkeit und dem Humor knüpft Chetwynd mit ihrer Kunst an das Erbe von Dada an.

Im Zentrum der Ausstellung «Profusion Protrusion» steht Il Tetto, der von der Frankfurter SCHIRN ins Cabaret Voltaire, dem Ursprungsort von Dada, reiste. Die gigantische Maske wurde erstmals 2017 in Bergen gezeigt, wo sie von Performer*innen getragen wurde, die ökologische Lieder sing-schrien. Solche Neuinszenierungen sind in Chetwynds Werk programmatisch. Viele ihrer aus einfachen Materialien wie Pappe und Stoff gefertigten Arbeiten werden recycelt, modifiziert und vor Ort in veränderte Kontexte eingebunden. Stets geht es um kollektive Entwicklung, sei es im Prozess der Herstellung oder bei den performativen Aktionen, die sowohl am 9. Juni (mit einer ein- stündigen Disco) als auch am 25. August sowie am 2. September im Cabaret Voltaire stattfinden.

Chetwynd schöpft ihre Inspiration aus einer Vielzahl von Quellen, darunter Film und Fernsehen, Literatur, Musik, Antike, Kunstgeschichte und Philosophie. Il Tetto bezieht sich auf verschiedene Kulturepochen und deren Genres und erinnert gleichermassen an die steinernen Masken des alten Roms wie auch an das christliche Motiv des «Höllenmauls». Das «Tor zur Hölle» fand sich als Durchgang oder Eingang zum Beispiel schon im italienischen Skulpturengarten «Sacro Bosco» aus dem 16. Jahrhundert. Il Tetto zeugt aber auch von einer jahrelangen Auseinandersetzung mit der Ikonographie von Gesichtern und Masken, die sich in absurden Überschneidungen zeigt, etwa im Film Zardoz (1974) von John Boormann, in dem Antike und Science-Fiction aufeinandertreffen. Oder im Film Satyricon von Federico Fellini (1969), der seine Wurzeln in dem skurrilen Text aus der Zeit Neros hat. Die Skulptur ist auch eine Hommage an die frühchristlichen Theaterstücke, als das Theater noch nicht existierte, Kulissen gebaut wurden und Geschichten ausserhalb von Kirchen nachgespielt wurden. Es wird angenommen, dass die Gemälde von Giotto die Szenerie darstellen. Darüber hinaus sind auf Holz gemalte «Höllenschlünde» aus dieser Zeit erhalten geblieben und dienen als wichtige Inspirationsquelle für Monster Chetwynd.

Sowohl in der Ausstellung im Gewölbekeller als auch in der Künstler*innenkneipe interessiert sich Monster Chetwynd für das Maskenhafte und das Karnevaleske. In Chetwynds Werk werden Humor und das Groteske als bewusstseinserweiternde Mittel eingesetzt. Insbesondere die Masken im Innern von Il Tetto zeugen von dieser Auseinandersetzung und sind Momentaufnahmen des Arbeitsprozesses für die bevorstehende Schau in der Bar.

Monster Chetwynd (*1973, London) lebt und arbeitet in Zürich. Sie erhielt 1994 einen Bachelor-Abschluss in Sozialanthropologie und Geschichte vom University College London und 2004 einen Master-Abschluss in Malerei vom Royal College of Art. Sie hat international performt und ausgestellt, u.a. in der SCHIRN KUNSTHALLE FRANK- FURT (2023); Konsthall C, Stockholm (2021); De Pont, Tilburg, Niederlande (2019); Villa Arson, Nizza (2019); Tate Britain, London (2018); CCA Centre for Contemporary Arts, Glasgow (2016); Bergen Kunsthall, Bergen (2016); und Bonner Kunstverein (2016). Im Jahr 2012 wurde sie als erste Performance-Künstlerin für den Turner Prize nominiert. Das Spiel mit Erwartungen und Normen in der Kunst spiegelt sich auch im Namen der Künstlerin wider: Früher als Spartacus und Marvin Gaye Chetwynd bekannt, nennt sie sich seit 2018 «Monster».

Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.

Eröffnung: 20. Mai 2022, 18:00

Die kunsthandwerklichen Objektlandschaften von ektor garcia (*1985) sind eingefrorene Momente eines andauernden Prozesses. Der Künstler schafft mithilfe unterschiedlicher Materialien und Techniken ein temporäres Gefüge, das jederzeit weiterverarbeitet werden kann. Im Nebeneinander funktionieren die gehäkelten Textilien, Kupferdrahtverbindungen, Keramikformen oder Metallgüsse wie Freiform-Gedichte, die immer neue Resonanzen erzeugen. Für jede Ausstellung produziert garcia neue Konstellationen, die sich dem Drang, Kategorien und Hierarchien herzustellen, widersetzen. Sie sind punk und queer. Die sinnlichen Installationen brechen mit Erzählformen, die ein bestimmtes Narrativ transportieren wollen, ohne geschichtsvergessen zu sein. Durch die Materialien und Symbole lassen sich vielschichtige inhaltliche Fährten aufnehmen, die sich jedoch nicht aufzwingen.

Das Werk des Künstlers ist mit intensiver körperlicher Handarbeit verbunden. Unzählige Schlaufen, Knoten und Fingerabdrücke sind Zeugnisse seines täglichen Schaffens, in dem Chaos und Logik, Verbindung und Loslösung parallel bestehen. garcia strebt nach dem Unvollkommenen, nach der Schönheit des Handgemachten, das mit seinen «Fehlern» einzigartig ist. Die Fragmente der Installation im Gewölbekeller produzierte er in Mexiko-Stadt, seinem aktuellen Lebensmittelpunkt, sowie in Zürich, Berlin, Paris und Venedig. An diesen Orten knotete, strickte, modellierte und häkelte der Künstler in den letzten Wochen täglich für die Ausstellung «nudos de tiempo». Durch seine nomadische Praxis ist sein Werk immer wieder neuen Einflüssen ausgesetzt. Diese schreiben sich allerdings nicht fest. Zu dieser Offenheit trägt bei, dass die Objekte aufgrund der teilweise ungewöhnlichen Verbindungen von Materialien und Techniken aus kunsthandwerklichen Traditionen herausgelöst werden. So häkelt er beispielsweise mit Kupferdraht, formt widerstandsfähige Objekte wie Ketten aus zerbrechlicher Terrakotta oder überträgt weiche Materialien im Wachsausschmelzverfahren in Bronze. Beim Giessprozess schmilzt das in Wachs getauchte Original. Um das Werkfragment herauszulösen, muss die Gipsform zerstört werden, wodurch der Guss nur einmalig durchgeführt werden kann und zum Unikat (verlorene Form) mit unkontrollierbaren, überraschenden Formbildungen wird.

Einige ausgestellten Häkelarbeiten erinnern an Werke der US-Fiber-Art-Bewegung der 1960er Jahre, welche die Geschlechterteilung anhand der weiblich geprägten Heimarbeit thematisierten. garcia nutzt die emanzipatorische Kraft des Häkelns, erweitert das feministische Materialvokabular allerdings anhand irritierender Verbindungen von Material und Technik. Im Kontext feministischer Bewegungen kann auch der Schmetterling als Symbol für Transformation und Freiheit gelesen werden. Im Cabaret Voltaire sind Schmetterlinge aus geschnittenem Leder, gehäkeltem Kupfer, Garn oder Keramik zu sehen. Den Schmetterling verbindet garcia des weiteren mit weiteren Erfahrungen. Er besuchte mehrmals das Biosphärenreservat Mariposa Monarca, in der Nähe von Mexiko-Stadt, welches als Winterquartier für den Monarchfalter dient. Unzählige Falter fliegen im Winter bis zu 4000 Kilometer von Kanada nach Mexiko und im Frühling wieder zurück. Die Schmetterlinge passieren Grenzen, die für viele Menschen, die von Mexiko in die USA einreisen wollen, nicht möglich sind. Das transnationale Freiheitssymbol «Schmetterling», auf spanisch Mariposa, zirkuliert in Mexiko hingegen auch als abschätzige Bezeichnung homosexueller Männer. garcia eignet sich den Begriff «Mariposa» neu an. Sein auf dem Boden ausgestellter kleiner schwarzer Schmetterling aus Leder erinnert in seiner abstrahierten Form an die Rüstungen der toltekischen Krieger von Tula, über deren Brust der Schmetterling als Schutzschild prangerte.

Diese historischen Intersektionen aus Natur, kultureller Produktion und Gesellschaft widerspiegeln sich auch in garcias Materialverwendung. Keramik- und Textilhandwerk gehören zu den ältesten und bedeutendsten Kultur- techniken. So wurden Textilerzeugnisse von Hochkulturen als Kommunikationssysteme eingesetzt. Die Quipu, eine Knotenschrift aus dem Inkareich, diente ab dem 7. Jahrhundert als ausgeklügeltes Zählsystem und als einfache Form der Korrespondenz. Textilien waren auch in der jüngeren Vergangenheit ein wichtiges gesellschaftspolitisches Sprachrohr. Dies bringen beispielsweise die Patchworkbilder «Arpilleras» zum Ausdruck, welche die Unterdrückung während der Pinochet-Diktatur in Chile in Textbildern transportieren oder das AIDS Memorial Quilt in den USA, bei dem den sozial ausgegrenzten Opfern gedacht wird. Im Werk von garcia gibt es keine offensichtlichen Analogien dazu. Es bleibt unklar, ob die Muster und Formen einer spezifischen Tradition folgen, der Imagination des Künstlers entspringen oder als beliebige Mustervorlage aus dem Internet stammen. Knoten, Patchwork, Materialcollagen und Banner erinnern jedoch an die Koexistenz der Geschichte indigener Bevölkerung, Folkart, Protestbewegungen und Popkulturen.

Alle Objekte von garcia werden mit natürlich gewonnen Stoffen und Naturfarben produziert. Die bräunliche Farbe des Garns stammt von Walnussschalen. Die karminrote Arbeit auf dem Boden wurde von zentral- und südamerikanischen Cochenille-Insekten gewonnen, deren Farbstoffe an europäische Königshäuser und in den Vatikan geliefert wurden, um die Intensität des Farbstoffes für wertvolle Textilien zu benutzen. Kakteenfasern und die Spitzen von Samen der Wasserkastanie benutzt garcia um Widerhaken an einer Kette anzubringen. Dadurch erinnern einige Objekte an landwirtschaftliche Werk-, Jagd- und Zaumzeuge. Unterstützt wird diese Leseweise durch die Beleuchtung, die für kurze Momente an ethnografische Displays erinnert, dafür aber zu zerstreut ist.

garcia schreibt seinen Namen immer klein. Dadurch erinnert er an die US-amerikanische Autorin bell hooks und den Gedanken, dass der Inhalt der Arbeit vor der Autorenschaft stehen soll. Dieses Verhandeln von Subjekt-Objekt-Beziehungen und das Brechen von Hierarchien zieht sich durch das gesamte Werk. garcias Ausstellungen bespielen Böden, Wände, Decken und Zwischenräume gleichermassen. Die Objekte sind in ihrer fragmentarisch hervorgerufenen Geschichte transnational, transkulturell, und hierarchisch vertikal. Nach der US-amerikanischen Theoretikerin Eve Sedgwick ergibt sich im Nebeneinander eine breite Palette von sich begehrenden, identifizierenden, repräsentierenden, abstossenden, rivalisierenden, nachahmenden, zurückziehenden, angreifenden, verzerrenden und anderen Beziehungen.

Bei garcia entsteht im Produktionsprozess als auch in jeder Präsentation eine literarische Qualität. Wie Textpassagen reihen sich die Maschen der Häkelarbeiten und die einzelnen Fragmente einer gesamten Objektlandschaft aneinander. Aus Wiederholung, Rhythmus und Überlagerung ergeben sich neue Bedeutungen, die sich verknoten und jederzeit wieder auflösen können, wie der Ausstellungstitel «nudos de tiempo» (Knoten der Zeit) impliziert. garcia mag hier der US-amerikanischen Bildhauerin Barbara Chase-Riboud folgen, die im Gedichtband «Everytime a Knot Is Undone, a God Is Released» ausführt, dass jede Auflösung eines Knoten einen neuen Sinn kreiert.

Gerade in diesem Spiel mit Normen und der Gleichzeitigkeit von Offenheit und Sinnsuche, findet garcias Praxis Anschluss an das Dada-Erbe. Die Dadaist*innen bewegten sich im Wunsch, Konventionen zu überwinden und neue Ausdruckformen zwischen Kunst und Nicht-Kunst, Planung und Zufall, Sinn und Unsinn, Chaos und Ordnung, Prozess und Manifestation zu finden. Dazu bedienten sie sich Materialien, die zuvor nicht der Kunst zugeordnet wurden, verschrieben sich dem Prozess, dem Mit- und Nebeneinander und griffen auf Kulturerzeugnisse nicht-europäischer Kulturen zurück. Trotz damaliger progressiver Haltung, weist ihr Tun blinde Flecken auf. Sie vereinnahmten «das Andere» für eigene Zwecke und ignorierten, dass ihre Referenzobjekte durch Kolonialisierung verfügbar wurden.

Der Auftritt im Cabaret Voltaire ist die erste institutionelle Einzelausstellung von ektor garcia in der Schweiz, kuratiert von Fabian Flückiger und Salome Hohl in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler.

ektor garcia erwarb einen BFA am Art Institute of Chicago und einen MFA an der Columbia University. Einzelausstellungen wurden ihm von Henry Art Gallery (Seattle), Empty Gallery (Hongkong), Progetto (Lecce), Sculpture Center (New York) und Museum Folkwang (Essen) gewidmet. Seine Arbeiten waren in zahlreichen Gruppenausstellungen zu sehen, unter anderem bei der Hangzhou Triennial of Fiber Art (China), im New Museum (New York), im El Museo del Barrio (New York) und im Prospect New Orleans.

Eine didaktische Operette von Agnes Scherer
Puppenspiel: Soya Arakawa
Musik: Tobias Textor
Vokalistin: Claudia Barth

Eröffnung: 30. April 2022, 18:00–03:00
Ausstellungsdauer: 30.04.2022–13.08.2023

Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.

In Zürich steht mit dem Cabaret Voltaire nicht nur der Ursprungsort von Dada, im Kunsthaus Zürich befindet sich auch eine der wichtigsten Dada-Sammlungen weltweit. Die Zürcher Dadaist*innen drückten sich zum einen in intensiven Live-Momenten aus, zum anderen produzierten sie bleibende Kunst oder Ephemera wie Texte und Einladungskarten. Neben dem Dada-Kabinett im Kunsthaus Zürich ist die Dada-Vitrine im Cabaret Voltaire ein weiterer Präsentationsort dieser Erzeugnisse und macht sich die Besonderheiten des Hauses zu eigen. Die Institution bewegt sich zwischen Erinnerungsort für Dada (ohne eigene Sammlung), Projektraum zeitgenössischer Kunst und Gastronomie, wodurch sich zeitspezifische und zeitübergreifende Fragen begegnen. So sind die Dada-Vitrine und die Wechselausstellung im selben Raum, dem Gewölbekeller, als eigenständige Formate zu verstehen, treten jedoch in ein Spannungsverhältnis. Im Gegenüber von historischen Dokumenten und zeitgenössischen Beiträgen zeigen sich erstens Kontinuitäten von dadaistischen Gedanken und Techniken. Zweitens eröffnet sich ein Raum, um darüber nachzudenken, welche Zugänge neue Perspektiven verlangen. Die Exponate wechseln alle drei Monate zu unterschiedlichen Schwerpunkten.

Zur aktuellen Auswahl:

«Das Cabaret Voltaire (…) wurde ein Karneval phantastischer Experimente, wir tanzten, schrien und überkugelten uns», hielt Richard Huelsenbeck 1920 fest. Das Groteske, Monströse, Karnevaleske und Exzessive bargen für die Dadaist*innen einerseits das Potenzial, das Weltgeschehen als das eigentlich Absurde vorzuführen. Andererseits versuchten sie damit, die Grenzen des europäischen Kulturkanons und westlicher Normen zu sprengen. Insbesondere Masken waren bei Dada eine beliebte Ausdrucksform, um mit Konventionen und Identitäten zu spielen. Sie boten gemäss Cabaret-Voltaire-Mitgründerin Emmy Hennings inmitten des Ersten Weltkriegs auch einen «Schutz vor der Verzweiflung an der Zeit». So wurde die Maske zur performativen Agentin, um sich vor dem Grauen zu distanzieren und bürgerliche Rollenbilder aufzubrechen. Gleichermassen blieben die Dadaist*innen selbst in Machtstrukturen verfangen und bedienten sich auf der Suche nach einer neuen Formsprache bei nicht-europäischen Kulturen, ohne den kolonialen Kontext zu reflektieren.

Slot 5 und Slot 6 widmen sich diesem Themenfeld. Momentan in der Dada-Vitrine zu sehen sind:

–Hans Arp, On my way. poetry and essays 1912–1947, 1948, 25.5 x 19 cm, Kunsthaus Zürich, Bibliothek

Hans Arp gehörte zur Kerngruppe der Dadaist*innen und gilt als einer der Hauptvertreter*innen der organisch-abstrakten Formsprache. Der Bildhauer, Maler und Dichter widmete sich in früheren Jahren vor allem Reliefs, Collagen und Zeichnungen, ab 1930 galt sein Schwerpunkt der Plastik. Beim abgebildeten Relief handelt es sich um die «Vogelmaske» von 1918. Der Vogel ist ein wiederkehrendes Symbol bei Arp, der sich für die Übergänge zwischen Dingwelt, Mensch und Natur interessiert. «On my way» erschien 1948 nach einer längeren Schaffenskrise, ausgelöst durch den Tod seiner Frau Sophie Taeuber-Arp 1943. Die Textsammlung in englischer Sprache erschien anlässlich seiner Ausstellung bei Curt Valentin in New York.

–Man Ray, André Breton mit Maske, (Foto, Faksimile), 1930, 28.8 x 21.7 cm/65 x 50 cm, Kunsthaus Zürich, Fotosammlung, 1988

Man Ray war ein Dada-Künstler, der in New York und Paris wirkte. Sein medienübergreifendes Werk zeugt von einem Interesse an neuen Technologien und deren plastischem Potenzial. Auf seinen Fotografien tauchen immer wieder Masken auf, die in Bezug auf den Umgang mit Kolonialgütern, der Gegenüberstellung von westlichen und nicht-westlichen Kulturen sowie der Ästhetisierung von Hautfarbe und Geschlecht vielschichtig diskutiert werden. In der Dada-Vitrine befindet sich ein von Man Ray fotografiertes Porträt des Surrealisten André Breton.

«Das Cabaret Voltaire (...) wurde ein Karneval phantastischer Experimente, wir tanzten, schrien und überkugelten uns», hielt Richard Huelsenbeck 1920 fest. Das Groteske, Monströse, Karnevaleske und Exzessive bargen für die Dadaist*innen einerseits das Potenzial, das Weltgeschehen als das eigentlich Absurde vorzuführen. Andererseits versuchten sie damit, die Grenzen des europäischen Kulturkanons und westlicher Normen zu sprengen. Insbesondere Masken waren bei Dada eine beliebte Ausdrucksform, um mit Konventionen und Identitäten zu spielen. Sie boten gemäss Cabaret-Voltaire-Mitgründerin Emmy Hennings inmitten des Ersten Weltkriegs auch einen «Schutz vor der Verzweiflung an der Zeit». So wurde die Maske zur performativen Agentin, um sich vor dem Grauen zu distanzieren und bürgerliche Rollenbilder aufzubrechen. Gleichermassen blieben die Dadaist*innen selbst in Machtstrukturen verfangen und bedienten sich auf der Suche nach einer neuen Formsprache bei nicht-europäischen Kulturen, ohne den kolonialen Kontext zu reflektieren.

Die aktuelle Auswahl von Exponaten aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich in der Dada-Vitrine nimmt sich diesem Themenfeld an.

–Richard Huelsenbeck, En Avant Dada. Eine Geschichte des Dadaismus, 1920, 23.5 x 15 cm, Kunsthaus Zürich

Richard Huelsenbeck, Schriftsteller, Dichter, später auch Psychiater und Psychoanalytiker, emigrierte als Kriegs- dienstverweigerer von Berlin nach Zürich und gehörte sowohl der Zürcher als auch der Berliner Dada-Gruppe an. 1920 veröffentlichte er die ausgestellte Publikation En Avant Dada. Eine Geschichte des Dadaismus, worin er u.a. «Herren, die Wert darauf legen, in einer Literaturgeschichte genannt zu werden», fragte, wo «lachende und weinende Augen über dem ungeheuren Hintern und Karneval dieser Welt» seien.

–Man Ray, André Breton mit Maske, (Foto, Faksimile), 1930, 28.8 x 21.7 cm/65 x 50 cm, Kunsthaus Zürich, Fotosammlung, 1988

Man Ray war ein Dada-Künstler, der in New York und Paris wirkte. Sein medienübergreifendes Werk zeugt von einem Interesse an neuen Technologien und deren plastischem Potenzial. Auf seinen Fotografien tauchen immer wieder Masken auf, die in Bezug auf den Umgang mit Kolonialgütern, der Gegenüberstellung von westlichen und nicht-westlichen Kulturen sowie der Ästhetisierung von Hautfarbe und Geschlecht vielschichtig diskutiert werden. In der Dada-Vitrine befindet sich ein von Man Ray fotografiertes Porträt des Surrealisten André Breton.

–Francis Picabia, Choix de poèmes, 1947, 16.7 x 10.8 cm, Kunsthaus Zürich, Bibliothek

Der französische Maler, Zeichner und Schriftsteller Francis Picabia fühlte sich früh von neuen Formen der maleri- schen Abstraktion angezogen und beteiligte sich an den aufkommenden europäischen Avantgarde-Bewegungen wie dem Kubismus, Dada oder dem Surrealismus. In New York verkehrte er unter anderem mit Marcel Duchamp und Man Ray, 1918 lernte er die Dada-Gruppe in Zürich kennen. Im hier gezeigten Gedicht beschreibt sich der Ich- Erzähler als narzisstisches, grandios und überlegenes «schönes Monster». Der Begriff «Monster» wurde später benutzt, um eine Reihe seiner Gemälden und Collagen zu betiteln, die den ästhetischen Kanon des Porträt-Genres mit deformierten Figuren dekonstruieren.

Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller

Im Gewölbekeller befindet sich neu eine klimasichere Vitrine, in der jeweils für zwei bis drei Monate ausgewählte Originaldokumente aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich ausgestellt sind. Gemeinsam mit dem Kunsthaus Zürich werden die Exponate ausgewählt. Dass nur wenige Dokumente gezeigt werden, ermöglicht einerseits eine konzentrierte inhaltliche Auseinandersetzung mit den Objekten. Andererseits können durch die Isolierung präzise Fragen zur Rezeptions- und Sammlungsgeschichte von Dada gestellt werden. Des Weiteren treten die Exponate so in einen Dialog mit den Ausstellungen im Gewölbekeller. Historische Dokumente und dadaistische Strategien treffen auf zeitgenössische Themen und Fragestellungen.

Für die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» werden neben Originaldokumenten aus der Sammlung des Kunsthauses auch Exponate aus den Sammlungen des ZHdK-Archiv und des Museums für Gestaltung gezeigt.

Exponate Slot 4 (24.01.2023–30.04.2023)

–Sophie Taeuber-Arp, König Hisch: Entwurf für ein Bühnenbild, 1918, Wachsstift und Bleistift auf Papier, auf Karton, 9,5
x 16,5 cm, Sammlung Museum für Gestaltung/ Zürcher Hochschule der Künste, Grafiksammlung
–Ausstellungskatalog, 12. Jan. bis 5. Febr. 1919, 1919, 19,3 x 12,8 cm, Kunsthaus Zürich, Bibliothek
–Hans Arp, Der Zeltweg, 1919, 30,9 x 22,3 cm, Kunsthaus Zürich, Bibliothek
–Sophie Taeuber-Arp, Blanche Gauchat Unterrichtsdokumentation Zeichnen für textile Berufe. Anleitung zum Unterricht im Zeichnen für textile Berufe, 1927, Print, Broschüre, 25 x 20.5 cm, 19 Seiten, 33 Blätter (19 Seiten Text und 33 Bilder), ZHdK-Archiv

Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller

Im Gewölbekeller befindet sich neu eine klimasichere Vitrine, in der jeweils für zwei bis drei Monate ausgewählte Originaldokumente aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich ausgestellt sind. Gemeinsam mit dem Kunsthaus Zürich werden die Exponate ausgewählt. Dass nur wenige Dokumente gezeigt werden, ermöglicht einerseits eine konzentrierte inhaltliche Auseinandersetzung mit den Objekten. Andererseits können durch die Isolierung präzise Fragen zur Rezeptions- und Sammlungsgeschichte von Dada gestellt werden. Des Weiteren treten die Exponate so in einen Dialog mit den Ausstellungen im Gewölbekeller. Historische Dokumente und dadaistische Strategien treffen auf zeitgenössische Themen und Fragestellungen.

Für die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» werden neben Originaldokumenten aus der Sammlung des Kunsthauses auch Exponate aus den Sammlungen des ZHdK-Archiv und des Museums für Gestaltung gezeigt.

Exponate Slot 3 (14.10.2022–17.01.2023)

–Sophie Taeuber-Arp, Composition, Blatt aus der «Allianz- Mappe» 5 constructionen + 5 compositionen, herausgegeben von Max Bill im allianz-verlag, Zürich, 1941 Farblithografie auf Papier, Blattmass: 31.9 x 30.5 cm, Passepartout: 65 x50 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 1942)
–Sophie Taeuber-Arp, Baumcollage, 1918, Papier, Collage: 16 x 10 cm, Passepartout: 50 x 35 cm, Sammlung Museum für Gestaltung
–Sophie Taeuber-Arp, Unbekannte*r Fotograf*in, Fotografie von Sophie Taeuber-Arps Fresco aus dem Zürcher Dada Pantheon, um 1920, Silbergelatineabzug, Blattmass: 11,6 x 15.8 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 2017)
–Sophie Taeuber-Arp, Blanche Gauchat, Unterrichtsdokumentation Zeichnen für textile Berufe. Anleitung zum Unterricht im Zeichnen für textile Berufe, 1927, Print, Broschüre, 25 x 20.5 cm, 19 Seiten, 33 Blätter (19 Seiten Text und 33 Bilder), ZHdK-Archiv

Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller

Im Gewölbekeller befindet sich neu eine klimasichere Vitrine, in der jeweils für zwei bis drei Monate ausgewählte Originaldokumente aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich ausgestellt sind. Gemeinsam mit dem Kunsthaus Zürich werden die Exponate ausgewählt. Dass nur wenige Dokumente gezeigt werden, ermöglicht einerseits eine konzentrierte inhaltliche Auseinandersetzung mit den Objekten. Andererseits können durch die Isolierung präzise Fragen zur Rezeptions- und Sammlungsgeschichte von Dada gestellt werden. Des Weiteren treten die Exponate so in einen Dialog mit den Ausstellungen im Gewölbekeller. Historische Dokumente und dadaistische Strategien treffen auf zeitgenössische Themen und Fragestellungen.

Exponate Slot 2 (19.07.2022–25.09.2022)

–Fotografie Han Corray, um 1928, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, Geschenk Hans Bollinger
–Katalog Eröffnungsausstellung Galerie Corray, Basel, Zürich, 1916/1917, 1916, Kunsthaus Zürich, Bibliothek
–Der Ararat. Glossen, Skizzen und Notizen zur Neuen Kunst, 1921, Ausgabe 7, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, (seit 2018)
–Der Ararat. Glossen, Skizzen und Notizen zur Neuen Kunst, 1921, Ausgabe 1, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, (seit 2018)

Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller

Im Gewölbekeller befindet sich neu eine klimasichere Vitrine, in der jeweils für zwei bis drei Monate ausgewählte Originaldokumente aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich ausgestellt sind. Gemeinsam mit dem Kunsthaus Zürich werden die Exponate ausgewählt. Dass nur wenige Dokumente gezeigt werden, ermöglicht einerseits eine konzentrierte inhaltliche Auseinandersetzung mit den Objekten. Andererseits können durch die Isolierung präzise Fragen zur Rezeptions- und Sammlungsgeschichte von Dada gestellt werden. Des Weiteren treten die Exponate so in einen Dialog mit den Ausstellungen im Gewölbekeller. Historische Dokumente und dadaistische Strategien treffen auf zeitgenössische Themen und Fragestellungen.

Exponate Slot 1 (20.05.2022–18.07.2022)

–Das Neue Leben. Erste Ausstellung, Kunsthaus Zürich, 1919, Zürich Ausstellungsheft, 16 Seiten, Kunsthaus Zürich, Bibliothek (seit 1919)
–Hans Richter, Portrait Heinrich Coray (Han Corray), 1917, Grafitstift auf kariertem Papier, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 1980)
–Tristan Tzara, Vortrag, Januar 1917, Galerie Corray, Zürich, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, (seit 1980)

1982 kuratierten Laura Mulvey und Peter Wollen die Ausstellung «Frida Kahlo and Tina Modotti» in der Whitechapel Gallery in London, die anschließend nach Berlin, Hannover, Hamburg, Stockholm, New York und Mexiko-Stadt reiste. In den Galerieräumen wurden die Werke der damals noch recht unbekannten mexikanischen Malerin Frida Kahlo und der italienischen Fotografin Tina Modotti einander gegenübergestellt und als frühe Beispiele eines politischen Modernismus zweier kraftvoller Künstlerinnen gezeigt, die im Gefolge der mexikanischen Revolution arbeiteten. Begleitend zur Ausstellung drehten Wollen und Mulvey einen essayistischen Dokumentarfilm. Vierzig Jahre nach der Whitechapel-Ausstellung zeigt das Cabaret Voltaire ausgewähltes Material aus diesem Kontext. Fotografien, Texte, Tonaufnahmen und der Dokumentarfilm von Mulvey und Wollen beleuchten den kulturellen Kontext der 1980er Jahre. Die kleine Ausstellung ist vom 1. November bis zum 13. November im Historischen Saal zu sehen.

Am 8. November wird die Filmwissenschaftlerin Laura Mulvey anlässlich ihres ersten Besuchs in Zürich auf die Ausstellung zurückblicken, um die Ziele und ästhetischen Entscheidungen der kuratorischen Arbeit zu reflektieren; sie wird auch über die praktischen und theoretischen Prozesse sprechen, die zur Umsetzung der Ausstellung in den filmischen Raum führten.

Die Ausstellung ist Teil der Veranstaltung «Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zürich» organisiert durch das Seminar für Filmwissenschaft. Mehr Infos

«[not] here» – eine Ausstellung und Soireen von Sarah Burger und Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22

Veranstaltungen:
03.09.22, 18:00–02:00: LANGE NACHT der Zürcher Museen
06.09.22: Soiree «[not] here», Ausstellungseröffnung (ab 18:00) und Dialogue (20:00) zwischen Sarah Burger und Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», musikalische Vertonung der ausgestellten Werke mit Dimitri Howald

Sarah Burger (Zürich) und Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) lernten sich während eines Workshops kennen, bei dem Ribeiro Dinge sammelte, die von verschiedenen Personen mitgebracht wurden, um die Objekte zu Erde zu verarbeiten und eine «gemeinsame Basis» zu schaffen. Burger und Ribeiro entdeckten ein geteiltes Interesse an Tektonik, Erd- und Steinformationen sowie an Landschaften und Geografien, die neue Zugänge zu Geschichte und Zeit ermöglichen. Die Idee, dass ein künstlerischer Austausch für beide fruchtbar sein könnte, entstand. Das Cabaret Voltaire war schon immer ein Ort des künstlerischen Austauschs, der internationalen Zusammenarbeit und des Experimentierens mit neuen Formen der Begegnung. Dieses historische Versprechen bot einen passenden Rahmen für den Dialog zwischen Burger und Ribeiro, der sich entlang von Reflexionen und Aneignungen von Materialeigenschaften, Erzählungen und Geschichten entfaltet. Schnell wurde deutlich, dass ihre Zusammenarbeit nicht nur aus dem Austausch von gemeinsam vereinbarten Vorschlägen bestand, sondern auch aus dem Kennenlernen des jeweils anderen als jemand, der anders arbeitet, reflektiert, assoziiert und artikuliert. Der gemeinsame Fokus liegt – wie vielleicht immer in der Kunst – auf der Frage, was sich im Dazwischen eröffnet: Jeder Blick auf Bildwelten und Objekte offenbart unterschiedliche Wertesysteme, jede Gegenüberstellung von Objekten wirft ein neues Licht auf Texturen, Formen, deren Erzählungen und Symbolik. Im Cabaret Voltaire teilen Burger und Ribeiro Überlegungen und Beobachtungen zu Fragen der Visualität, der Sprache und der Körperlichkeit, wobei sie Präsenz als eine lebendige, nicht fixierte Qualität wahrnehmen, die auch im Verschwinden stattfindet.

Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Die einzige Vorgabe, die Burger kommunizierte, war, dass die Objekte 1:1 geformt werden können und in den Brennofen passen müssen. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen?

Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands ist eine digitale Collage, die auf einem gefundenen Bild von Händen und einer Fotografie einer schnell hergestellten, nicht figurativen Skulptur aus Plastilin basiert. Die Hände scheinen die Skulptur zu evozieren und sie auf magische Weise zu formen, ohne sie zu berühren.

Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
Das Video-Gedicht ist eine Reflexion über die An- und Abwesenheit verschiedener Orte, über erinnerte Räume, die nie zuvor physisch besucht wurden. Burger produzierte das Werk während einer Residenz in Sofia, Bulgarien.

Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize ist Teil einer grösseren Serie mit dem Titel Revolving Actions und experimentiert mit Momenten der Abstraktion der menschlichen Figur, in der Hoffnung, dass die visuelle Destabilisierung andere Beziehungsformen ermöglicht. In beiden Arbeiten ist das Gesicht von einem goldenen Metallgewebe bedeckt, das den Gesichtsausdruck verschleiert, den Kopf als Form aber dennoch in den Vordergrund rücken lässt, während der Körper einer verschwimmenden Unbestimmtheit unterworfen ist. Dematerialize i – dawn ist eine Aktion, die sich mit der Ambivalenz des Verschwindens durch das Sichtbarwerden auseinandersetzt. Die in einer bestimmten Raum-Zeit-Koordinate stattfindende Performance findet im Morgengrauen des St.-Georgs-Tages statt, einer Feier, die in Rio de Janeiro den katholischen Heiligen mit der afrikanischen Gottheit Ogun verbindet. Als Symbol für Schutz und Resistenz predigen die Gläubigen, die Kleidung des Heiligen Georg zu tragen, damit der Feind «Augen hat, aber sie nicht sieht». Die Performance materialisiert dieses Gelübde als eine Mischung aus Anonymität und Überschwang. In Dematerialize ii – dusk, sind lang belichtete Aufnahmen eines zitternden Körpers in der Dunkelheit zu sehen, der seine Konturen verlieren soll. Die lang andauernde Aktion begann in Rio de Janeiro um 17:27 Uhr, bei Vollmondaufgang, dauerte über Nacht und endete am nächsten Tag.

Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Die Besucher*innen sind eingeladen, die auf die Wände des Cabaret Voltaire gerichtete Klanginstallation zu hören. Fragmentierte Erzählungen, Textauszüge, imaginative Logiken und Träume werden laut ausgesprochen, so dass die Wände sie hören und speichern können. Die Wand wird als konkrete Materie verdichteter Geschichten wahrgenommen, daher die Notwendigkeit, das Aufgenommene und Gehörte anzuerkennen und sie gezielt mit weiteren Klängen und Erzählungen zu versehen.

Die in Zürich lebende Künstlerin Sarah Burger studierte Bildende Kunst, Philosophie, Vergleichende Literaturwissenschaft und Linguistik. Ihre Praxis umfasst auch künstlerische Recherche (PhD, ZHdK Zürich und Kunstuniversität Linz). Der Künstler Felipe Ribeiro lebt in Rio de Janeiro und ist Professor für Tanz- und Filmstudien an der Federal University of Rio de Janeiro. Er studierte Film (MA) und besitzt ein PhD in Bildender Kunst.

Die Ausstellung wird von der Annemarie Schindler-Stiftung unterstützt.

«Songs to the Suns»
Das Cabaret Voltaire auf dem Monte Verità, Ascona

Ausstellung Izidora L. LETHE und Installation Paul Maheke:
14.08.2021–02.10.2021

Das Booklet mit Informationen zum Projekt, den Arbeiten von LETHE und Maheke sowie zum Dialog zwischen dem Cabaret Voltaire und dem Monte Verità finden Sie hier.

Das Audio-File zur Installation von Paul Maheke können Sie hier anhören.
Izidora L. LETHES inszenierte Video-Dokumentation der Performance finden Sie hier oder unten als eingebettetes Video.

Programm Eröffnung mit Performances und Gespräch, 14.08.2021:
16:00 Eröffnung Ausstellung Izidora L. LETHE, Paul Maheke
17:00 Gespräch mit Christa Baumberger, Sophie Doutreligne, Minna Salami
18:00 Apero
18:45 Performance Paul Maheke
19:45 Choreographie / Intervention Izidora L. LETHE, aufgeführt von Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks, Claudia Barth
20:30 DJ-Set Yantan Ministry
21:30 Late Dinner, bitte reservieren unter info@cabaretvoltaire.ch

Öffnungszeiten Ausstellung Izidora L. LETHE, Casa dei Russi
15.08.2021–02.10.2021
Sa: 14:00–18:00
So: 10:00–13:00/14:00–18:00
oder auf Anfrage

Öffnungszeiten Installation Paul Maheke, Spazio Piscina
15.08.2021–02.10.2021
täglich, 24 Stunden

Der Monte Verità gilt – wie das Cabaret Voltaire – als einer der wichtigsten Orte der Avantgarde, sei es in Kunst, Theorie oder Lebensführung. Es erstaunt daher nicht, dass Künstler*innen um den Zürcher Dada-Kreis ihre Sommer auf dem Hügel in Ascona verbrachten, der als Zentrum der Lebensreform-Bewegung galt. Sophie Taeuber-Arp, Emmy Hennings, Hans Arp oder Hugo Ball besuchten Rudolf von Labans Kurse, tanzten, veranstalteten Ausstellungen und Feste. Sowohl im Cabaret Voltaire als auch auf dem Monte Verità war die Befreiung von körperlichen und sprachlichen Konventionen zentral. Die Lebensreform strebte danach, die Gesellschaft durch Vegetarismus, Ausdruckstanz, Naturheilkunde, Licht- und Luftbäder, Freikörperkultur und Reformkleidung aus dem steifen Korsett bürgerlicher Zwänge zu befreien. Im Fokus ihres «dritten Weges» zwischen Kapitalismus und Kommunismus stand das Individuum, der Körper und eine möglichst «naturnahe» Lebensweise. Die Kritik der Lebensreform am Fortschritt und ihr Interesse an der mythischen Vergangenheit fanden später auch Eingang in faschistoides Gedankengut. Zahlreiche lebensreformerische Ideen leben in heutigen Industrien um Selbstoptimierung und Gesundheit weiter. Sie treten aber auch dort auf, wo das Denken durch den Körper und seine Bewegungen gesellschaftliche Kategorien weiter herausfordern will – und sicherlich auf der Suche nach alternativen und gemeinschaftlich organisierten Lebensmodellen. Die Parameter um Bürgerlichkeit, Identität und Wissen haben sich allerdings geändert und müssen aus einer neuen Perspektive betrachtet werden. Diese Rückkehr ist kein nostalgischer Akt, sondern Ausgangslage, um Anliegen und Ausdrucksformen aus der Perspektive der Gegenwart zu begegnen. «Songs to the Suns» vereint holistische und fragmentierte Ansätze, sucht eine Mehrstimmigkeit, die binäre Denkweisen im Hinblick auf Natur und Kultur, Geschlecht und Herkunft beanstandet. Im Zentrum steht der Körper als Archiv und Ort der Emanzipation.

Mit Izidora L. LETHE und Paul Maheke lädt das Cabaret Voltaire zwei zeitgenössische Künstler*innen für die Kooperation mit dem Kulturzentrum Monte Verità ein. Am Eröffnungswochenende wirken als Performer*innen Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks und Claudia Barth. Yantan Ministry trägt einen Audio-Teil bei. Am Gespräch beteiligt sind Christa Baumberger, Sophie Doutreligne und Minna Salami.

«Laube zur schiefen Lage»
Das Cabaret Voltaire auf dem Münsterhof, Zürich
27.08.2021–04.09.2021

Eine Zusammenarbeit zwischen dem Cabaret Voltaire und Benedikt Bock. Eingeladene Künstler*innen und Autor*innen: Johan Ahlkvist & Hedda Bauer, Karolin Braegger, Anne Fellner, Kasia Fudakowski, Marius Goldhorn, Johanna Kotlaris, Miriam Stoney, Claudia Stöckli & Raphael Stucky

Programm

Freitag, 27. August 2021:
20:00 Johan Ahlkvist & Hedda Bauer/Karolin Braegger
20:30 Johanna Kotlaris
21:00 Marius Goldhorn
21:30 Raphael Stucky & Claudia Stöckli

Samstag, 28. August 2021:
20:00 Miriam Stoney
20:30 Johan Ahlkvist & Hedda Bauer/Karolin Braegger
21:00 Benedikt Bock
21:30 Anne Fellner

Samstag, 4. September 2021 (Lange Nacht der Zürcher Museen):
20:00 Kasia Fudakowski
20:30 Benedikt Bock
21:00 Johanna Kotlaris
21:30 Claudia Stöckli & Raphael Stucky

Die Installation «Laube zur schiefen Lage» steht vom 27. August bis zum 4. September auf dem Münsterhof. Täglich zwischen 17:00 und 22:00 sind alle Arbeiten und Spuren der Beteiligten zu sehen.

Keine Anmeldung nötig.

Etwas verquer auf dem Münsterhof steht die «Laube zur schiefen Lage» – ein zusammengezimmertes Kunstobjekt, das zugleich als Ausstellungsfläche und Bühne dient. Es befindet sich in unmittelbarer Nähe zum Zunfthaus zur Waag, in dessen grossem Saal am 16. Juli 1916 die erste Dada-Soirée nach der Schliessung des Cabaret Voltaire stattfand. Damals erläuterten die Dadaist*innen ihre Zeichnungen, trugen Manifeste vor oder tanzten in Masken. Über 100 Jahre später bespielt das Cabaret Voltaire das Zunfthaus aus naher Distanz mit einer eigenen Bühne. Für den Zeitraum von knapp zwei Wochen wird die «Laube zur schiefen Lage» zu einem öffentlichen Ort im Spannungsfeld von antibürgerlichen Gesten und bürgerlicher Kultur, Weltbezug und Weltflucht, Gemeinschaftlichkeit und Individualität, dem Kleinen und dem Grossen.

Das Grundgerüst der «Laube zur schiefen Lage» stammt vom Künstler Benedikt Bock, der das Projekt gemeinsam mit dem Cabaret Voltaire konzipierte. An drei Abenden (27.08., 28.08. und 04.09.) zeigen eingeladene Künstler*innen, Autor*innen und Musiker*innen Kurzbeiträge. Es entsteht ein buntes Geflecht aus zeitgenössischen Narrativen, die direkt oder subtil, kritisch oder humorvoll das Menschsein in diesen allgemein schrägen Zeiten reflektieren. Im Fokus steht aber auch die Reflexion über das «Contemporary» als enge, normative ästhetische Praxis in der zeitgenössischen Kunst. Die «Laube zur schiefen Lage» spielt dabei besonders mit dem Genre der «Kleinkunst», worauf schon die Dadaist*innen mit dem «Cabaret» Bezug nahmen: Das Cabaret als ein gesellschaftskritischer (linker) Ort, der über die Unterhaltung hinaus- geht, und dabei die Grenzen der Hochkunst mitbefragt. Ausserhalb des White Cube zeigen sich gewisse Auseinandersetzung in einem anderen Licht und treffen auf ein breiteres Publikum. Die «Laube zur schiefen Lage» artikuliert sich in dieser Verschiebung und ermöglicht Raum für Zweifel. Kunstschaffen ist stets eng verbunden mit Verletzlichkeit und der Frage, was mitgeteilt wird oder verborgen bleibt.

Zu den Beiträgen und Spuren vom Freitag, 27. August:

Karolin Braegger fragt inmitten der Zunfthäuser und der effizienten Geschäftigkeit, was es heisst, zu «performen». Sie denkt in ihrer künstlerischen Praxis vom Begriff der Aneignung aus darüber nach, was es (noch) zu sagen gibt: sei es als Gastgeberin oder mit Malereien und Stoffobjekten, beispielweise der Arbeit Soso (2021) aus Toile, einem Textil, das meist zur Anprobe (Kleidung) oder als möglicher Hintergrund (Malerei) verwendet wird und sich während den Öffnungszeiten in der Laube entäussert. Als Host lädt Braegger Positionen ein, die ihre Interessen repräsentieren und ihre Arbeiten oder erweitern, wie das queere Powerplay Dynamic Resistance von Hedda Bauer und Johan Ahlkvist. In der Arbeit untersuchen die Künstler*innen mithilfe der Performer*innen Hilma Bäckström, Charlotta Öberg, Luca Büchler, Jessica Comis und Alexandra Paya Themen wie Unsichtbarkeit, inklusive Unterhaltung und exklusive Teilhabe. Die Kostüme, wovon eines in der Laube hängt, sind so gestaltet, dass sie den Raum widerspiegeln, zu dem sie Bezug nehmen – in diesem Fall das Cabaret Voltaire und den Münsterhof.

Die Zürcher Künstlerin Johanna Kotlaris zeigt Aware-Wolf, eine Weiterführung ihrer Performance-Serie The Fool: the Original Form of Things. In der Performance untersucht sie als tragisch komische Närrin, wie wir uns in der Begegnung mit der Welt, mit uns selbst und anderen definieren. Dabei teilt sie – durch Bewegung, Sprache und begleitet von Stefan Kägi am Piano – grosse Fragen: Inwiefern spiegelt sich das Selbst in unserer Begegnung mit dem Gegenüber? Welche Rolle spielen Scham und Schuld in der Definition des Ichs? Während der Öffnungszeiten hängen an der Hinterseite der Laube schwarzweisse Kleidungsstücke, die auf Fragen der Identität verweisen.

Marius Goldhorn, Autor des vielbesprochenen Romans Park, schrieb für die Laube den Vortrag Über den Aussterbenstrieb (August 2021). Themen des Textes sind das Aussterben, der Aussterbenstrieb und der Aussterbesinn. Er hinterlässt eine Keramik-Leber als Spur. Claudia Stöckli und Raphael Stucky ziehen in ihrem «Totentanz» die Auseinandersetzung mit Auflösung und Neuanfang weiter. Die Künstler*innen beginnen mit einem Knochenorakel, das eine Situation schafft, um über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu reflektieren. Dabei geht es auch um eine spielerische Bildfindung als Ausgangslage für klangliche Interpretationen: Die Künstler*innen schaffen einen fein gewobenen Soundteppich, teilweise verdichtet, dann wieder lose, Samples und Drones, mit kurz aufflammenden sphärischen MIDI-Keyboard–Klängen, Synthesizer-Rhythmen, Schritten im Kies, einem Krähendialog und E-Bass-Sound gestrichen mit einem Bogen. Das Orakel, das Stirnband-Klangspiel von Stöckli und die collagierten Lichtobjekte von Stucky bleiben für die Ausstellung zurück.

Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon wurden Karolin Braegger, Hedda Bauer, Johan Ahlkvist und Kasia Fudakowski bereits im Rahmen von «Cracking Up and Staging Down» im April 2021 ins Cabaret Voltaire eingeladen. Aufgrund der Pandemie konnten die Performances damals nicht stattfinden.

Zu den Beitragen und Spuren vom Samstag, 28. August:

Miriam Stoney untersucht in ihrer Lesung verschiedene Ebenen des Spracherwerbs und geht der damit verbundenen Frage nach, inwiefern eine Sprache das Selbst aktiv prägt. «Deutschlernen ist anscheinend kein neutrales Unternehmen. So oft wurde ich in Deutschland darüber ausgefragt, warum ich diese historisch so problematische Sprache überhaupt sprechen wollte, dass ich irgendwann eine eigene politische Absicht für meine Bemühungen konstruieren musste». Das Plakat an der rechten Aussenseite der «Laube zur schiefen Lage» zeugt von ihrem Lernprozess.

Karolin Braegger, Johan Ahlkvist und Hedda Bauer setzen die Auseinandersetzung um Aneignung, Teilhabe und Exklusion fort (siehe Text vom Freitag, 27. August). So auch der Künstler Benedikt Bock, der gerade sein zweites Buch Vögel/ Birds bei Texte zum Nachdenken veröffentlicht hat. Der Text Sabine zeichnet die Geschichte um den fiktiven Zürcher Zeitungsverkäufer Urban Lenti, der von seiner Familie als Spezialfall bezeichnet wird, weil er für alles zu langsam ist. Lenti entwickelt sich zu einer Figur am Rand der Gesellschaft, die tagein tagaus das abstrakte Treiben an der Bahnhofstrasse beobachtet und zum Ende durch den Sturm «Sabine» mit einem antikapitalistischen Schauspiel belohnt wird.

Während den Lesungen und Performances hängt Anne Fellners Malerei im Hintergrund. Zwei Detektiv*innen sind schematisch abgebildet und verschmelzen mit den expressiven Spuren der Künstlerin. Das Gemälde korrespondiert mit der präsentierten nullten Episode TBH – a mysterious hypnotist on the loose aus der Ausstellungs- und Hörstückreihe The Bellermann Hypnotist, die im Projektraum Sangt Hipolyt in Berlin stattfindet. Die Protagonistin des Stückes ist eine nicht näher benannte Ermittlerin oder Detektivin; die Perspektive ist dem literarischen Subgenre des hard-boiled feminism sowie dem gothic thriller nachempfunden. Das fragmentarische Hörstück setzt sich aus verschiedenen literarischen Zitaten (u.a. von Charlotte Perkins Gilman oder Vladimir Nabokov) und Aussagen von Künstler*innen, Autor*innen und Psycholog*innen zusammen, die als Versatzstücke einer kriminologisch-künstlerischen Erzählung dienen.

Zu den Beiträgen und Spuren vom Samstag, 4. September:

Kasia Fudakowski fokussiert in ihrer Performance den «Joke Gap» anhand des Lebens und der Rollen der Komikerin und Schauspielerin Elisabeth Wellano alias Liesl Karlstadt (1892–1960). «Ein Witz kann als entbehrliches soziales Kapital gesehen werden. Historisch gesehen musste sich eine Frau erst als seriös etablieren, bevor sie in einen Witz investieren konnte». Der «Joke Gap» kann auch im weiteren Sinne verstanden werden: Das, was als lustig wahrgenommen wird, verändert sich je nach historischem Kontext, Lebensalter oder Kulturkreis. Fudakowskis Performance changiert zwischen Leichtigkeit und schmerzhaften Momenten, unterstützt von gemalten Kostümen, welche Liesl Karlstadt und Karl Valentin zum Leben erwecken.

Im Anschluss folgen Benedikt Bock (siehe Text zum 28. August), Johanna Kotlaris (siehe Text vom 27. August) sowie Claudia Stöckli und Raphael Stucky (siehe Text zum 27. August). Der «Totentanz» von Stöckli und Stucky spielt auch mit der Information, dass der Münsterhof im Hochmittelalter als Friedhof genutzt wurde.

«When I look back on my life it’s not that I don’t want to see things exactly as they happened, it’s just that I prefer to remember them in an artistic way. And truthfully the lie of it all is much more honest because I invented it. Clinical psychology tells us arguably that trauma is the ultimate killer. Memories are not recycled like atoms and particles in quantum physics. They can be lost forever. It’s sort of like my past is an unfinished painting and as the artist of that painting I must fill in all the ugly holes, and make it beautiful again. It’s not that I have been dishonest; it’s just that I loathe reality.»

– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – Erster Teil, Marry the Night

Samuel Haitz (*1997) lädt zu zwei aufeinanderfolgenden Soireen und zur parallellaufenden Ausstellung «Memorabilia» ins Cabaret Voltaire ein. Haitz zog erst kürzlich von Zürich nach Berlin. Ein Anlass, gelagerte Andenken in die Hand zu nehmen, Erinnerungen zu ordnen, zu bewahren und zu verklären. Im Cabaret Voltaire versammelt er eigene Arbeiten, Werke von Freund*innen und Idolen sowie weitere Objekte, die Codes des Begehrens und der Zugehörigkeit widerspiegeln. Für die Soireen lädt er seine künstlerischen Weggefährt*innen Milena Langer, Stella und Ian Wooldridge zum gemeinschaftlichen Lesen von Texten ein. Zum Abschluss interpretiert der befreundete DJ Moritz Müller die Veranstaltungen musikalisch. Soirée 1 (Before) widmet sich der Hoffnung und der romantischen Utopie; Soirée 2 (After) fokussiert die nostalgische Reflexion von Vergangenem. Die Veranstaltungen werden in Zusammenarbeit mit dem Berner Radio Bollwerk online übertragen. In dieser stillstehenden, kontaktarmen Zeit entsteht so ein Raum, um darüber nachzudenken, welche persönliche und gemeinsame Gedächtniskultur den Werdegang prägen soll.

Soirée 1 (Before) fand am 02.03.2021 statt und Soirée 2 (After) fand am 09.03.2021 statt. Beide Soireen können Sie hier nachhören. Mit Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge und Moritz Müller (DJ-Set) via radio-bollwerk.ch.

Adresse: Schule Hirslanden Sek, Freiestrasse 191, 8032 Zürich
Kunst-am-Bau Projekt von Florian Graf

Performance-Programm kuratiert von Elise Lammer in Zusammenarbeit mit Florian Graf und Salome Hohl.
Das Eröffnungsfest ist eine Kooperation zwischen dem Amt für Hochbauten, Fachstelle Kunst und Bau, dem Cabaret Voltaire und der Schule Hirslanden Sek.

Im Rahmen des Neubaus und der Sanierungen der denkmalgeschützten Bauten der Schulanlage Hofacker wurde in einem Studienauftrag auf Einladung das Kunst-und-Bau-Projekt «School Models» des Künstlers Florian Graf (*Basel, lebt und arbeitet in Basel) ausgewählt. Florian Graf realisierte eine Skulpturengruppe, die sich aus Steinmodellen der drei aus drei Jahrhunderten stammenden Schulhäuser zusammensetzt. Statt nun die Schulhäuser auf Sockeln zu platzieren, liess er die Modelle auf überdimensionierte Spielklötze setzen. Die Bausteine aus eingefärbtem Terrazzo und die Schulhäuser aus Kalkstein können von den Schüler*innen auch als Sitzgelegenheit benutzt werden. Sie können also ihr Schulhaus beklettern, sich drauf setzen oder auch mal von oben herab auf die Schule schauen. Die Gebäude werden so (an-)fassbar. Florian Grafs Skulpturenensemble ist ein augenzwinkerndes Spiel mit Grössenverhältnissen und mit unserer Wahrnehmung: Es regt dazu an, unsere Betrachter*innen-Positionen zu wechseln, andere Blickwinkel einzunehmen und uns zwischen Modell und Wirklichkeit zu bewegen.

Florian Graf hatte die Idee, die «School Models» mit einem Fest für die Schule und das Quartier einzuweihen und die Skulpturen durch verschiedene Künstler*innen bespielen zu lassen. Sieben Künstler*innen haben die Einladung von Florian Graf, Elise Lammer und Salome Hohl angenommen und werden die «School Models» heute auf unterschiedliche Weise in Beschlag nehmen. Wir freuen uns sehr, gemeinsam mit Ihnen, den Schüler*innen und Lehrpersonen der Schule Hirslanden Sek die «School Models» mit einem überraschenden Performance-Programm einzuweihen.

Programm:
–16.00-17.00 Uhr: Schüler*innen führen durch die Schulhäuser (Besammlung jeweils um 16.00 und 16.30 Uhr beim Eingang Neubau)
–17.00 Uhr: Begrüssung und Einführung von Christiane Rekade (Amt für Hochbauten, Fachstelle Kunst und Bau), Florian Graf (Künstler), Christoph Widmer und Astrid Hänggi (Schule Hirslanden Sek), Roger Curchod (Präsident der Kreisschulbehörde Zürichberg), Salome Hohl (Cabaret Voltaire), Elise Lammer (Kuratorin)
–17.30 Uhr: Yogos Sapountzis: «little school memory», 2023
–18.00 Uhr: Zwischenspiel: Nina Emge und Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–18.15 Uhr: Monster Chetwynd mit Schüler*innen der Schule Hirslanden Sek: «Puppets and Autoreflexive-representations», 2023
–18.30 Uhr: Apéro
–18.45 Uhr Julie Monot: «Hang Out III», 2023
–19.15 Uhr: Zwischenspiel: Nina Emge und Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–19.30 Uhr: Raffaela Boss und Charlotte Horn: «delicate balance», 2023
–19.45 Uhr: Zwischenspiel: Nina Emge und Nils Amadeus Lange: «School Bell 1», 2023
–20.00 Uhr: Schluss

Yorgos Sapountzis(*Athen, lebt und arbeitet in Berlin) beschäftigt sich oft mit der Rolle von Kunst und Denkmälern im öffentlichen Raum sowie der Beziehung zwischen Körper, Vision und Raum. Gemeinsam mit einer Gruppe von Studierenden des Institute Art Gender Nature (IAGN) der FHNW Basel und der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) hat er eine Performance um die Arbeit von Florian Graf entwickelt. In «little school memory», 2023 zelebrieren die Performer*innen die Enthüllung der Skulpturengruppe, machen sie einerseits öffentlich zugänglich, zeigen aber auch Alternativen und unerwartete Wege der Annäherung an die Skulpturen auf.

Nina Emge und Nils Amadeus Lange (*Zürich, lebt und arbeitet in Zürich / *Köln, DE, lebt und arbeitet in Zürich) präsentieren «School Bell 1», 2023: eine neue Performance, die sie gemeinsam für die Einweihung des Kunst-und-Bau-Werkes der Schule Hofacker entwickelt haben. «Zwischenspiel» ist die erste Zusammenarbeit der beiden Künstler*innen: Über den Abend verteilt, lassen sie eine Person mit einer Art tragbarem Instrument auftreten, das durch deren Bewegung Geräusche und Klänge erzeugt. Wie eine Schulglocke begleitet die Performance uns durch das Fest. Nils Amadeus Lange und Nina Emge inspirierten sich für diese Performance an der Resonanztheorie des deutschen Philosophen Hartmut Rosa, der die Beziehung zwischen Individuum und Welt mit Hilfe der Resonanz – also des Widerhalls oder der Schwingungen zwischen Dingen und Menschen und ihrer Umgebung zu erklären versucht.

Seit dem letzten Frühling leitet Monster Chetwynd (*London, UK, lebt und arbeitet in Zürich) einen Workshop für Schüler*innen der Schule Hofacker. Unter dem Titel «Puppets and Autoreflexive-representations», 2023 haben sie gemeinsam Puppen aus Materialien wie Pappe, Stoff oder gefundenen Elementen entwickelt, die nun die Modell-Schulhäuser von Florian Graf bevölkern können. Denn eine Schule funktioniert nur mit Schüler*innen. Im Workshop lernten die Schüler*innen, wie man Figuren erschaffen und mit Puppenspieltechniken zum Leben erwecken kann. Monster Chetwynd ist international bekannt für ihre überschwänglichen und humorvollen Performances mit handgefertigten Kostümen, Requisiten und Bühnenbildern.

Das künstlerische Schaffen von Julie Monot (*Lausanne, lebt in und arbeitet in Lausanne) bewegt sich zwischen verschiedenen Medien wie Performance, Installation, Skulptur und Video. Ihre Forschung konzentriert sich unter anderem auf die Grenzbereiche der körperlichen Äusserlichkeit und ihre Darstellungsformen. Dabei spielen Fantasiefiguren, die die Künstlerin «aktiviert», sozusagen ins Leben ruft, eine zentrale Rolle. In ihrer Performance- Serie «Hang Out» beschwört sie die Idee einer langen Zeit oder eines Raumes, den Menschen miteinander teilen, herauf. So tauchen auch in «Hang Out III», 2023 drei spukhafte Figuren auf, bewegen sich über den Pausenhof, um die Skulpturengruppe, interagieren mit dem Publikum und sorgen für überraschende Überschneidungen mit den anderen Performances.

Raffaela Boss und Charlotte Horn (*Interlaken, lebt und arbeitet in Basel / *Darmstadt, lebt und arbeitet in Basel) haben gerade ihr Kunststudium am Institute Art Gender Nature (IAGN) der FHNW Basel abgeschlossen. Mit «delicate balance», 2023, haben die beiden Künstlerinnen eine neue Performance entwickelt, die zwischenmenschliche Grenzen und Kommunikation erforscht. Sie verbindet Songwriting und Gesang, Bewegung und Field Recording und wird mit elektronischen Instrumenten umgesetzt. Die Performerinnen konzentrieren sich dabei auf ihre persönliche Beziehung, in der sie sich in einem konstanten Balanceakt zwischen angenehmen und unangenehmen Emotionen befinden.
Raffaela Boss verwendet in ihrer Arbeit Tanz und alltägliche Bewegungen, die auf repetitiven Grenzen und Kommunikation erforscht. Sie verbindet Songwriting und Gesang, Bewegung und Field Recording und wird mit elektronischen Instrumenten umgesetzt.
Charlotte Horns Schaffen basiert auf Performance, Musik und Installationen, aber auch auf Ölmalerei, Keramikskulptur, Klang und Zeichnen. Dabei interessiert sie sich für die Grundlagen der Abstraktion, wobei sie oft Nuancen von Nähe und Distanz miteinander verflechtet.

Am Donnerstag, den 14. September, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet zwei Kurzfilme und drei «Magical Passes» von Gabriel Mestre Arrioja und einen Vortrag und Präsentation von Susanne G. Seiler unter dem Titel «The Life and Work of Terence McKenna».

Gabriel Mestre Arrioja ist ein mexikanischer Künstler. Er wird zwei Kurzfilme zeigen, «Hunting One's Self» und «Psychedelic Transfer of Knowledge», und drei «Magical Passes» leiten – körperliche Übungen in der toltekischen schamanischen Tradition. Susanne G. Seiler ist die Initiatorin von «The Psychedelic Salon» und beschäftigt sich seit den sechziger Jahren mit Psychedelik. Die deutsche Version ihres Buches «My Psychedelic Life» wird im Oktober 2023 veröffentlicht.

An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.

Eine Zusammenarbeit mit dem SNF-Projekt «Conflict and Cooperation. Episteme and Methods between Art History, Art and Ethnology in the Performative Pictorial Practices of Vodun».

Wie wurde Ayiti, das «Enfant terrible» der Karibik, das erste Land, das die Sklaverei endgültig verbot, zum «Bête Noir» der Welt? Die Künstlerin und Wissenschaftlerin Gina Athena Ulysse schwenkt zwischen Vergangenheit und Gegenwart hin und her, um dystopische Zukunftsvisionen zu erörtern und abzuwehren, und bietet eine etwas andere Erzählweisen als Fiktionen. Unter Verzicht auf «zivilisierte» akademische Gewohnheiten spickt sie geopolitische Geschichte, persönliche Erzählungen und Statistiken mit Vodou-Gesängen zu einer lyrischen Meditation über Zwang und Zustimmung. Als Zeugin des Spektakels dieser vier gefährlichen kleinen Os und unserer vulgären menschlichen Besessenheit von Kategorisierung und Hierarchie fleht sie zu «Gede», dem lwa der Ahnentoten und der sexuellen Regeneration: Gad sa vivan yo fe mwen! Sieh, was die Sterblichen getan haben! Und sie tun es auch weiterhin... Der Ausweg ist der Abgrund mit der Marasa-Logik, wo 1+1=3 ist.

Gina Athena Ulysse ist Künstlerin, Wissenschaftlerin und Professorin für Feministische Studien in Santa Cruz, Kalifornien. Ihre Performance- und Kreativprojekte sind das Ergebnis ständiger Überschneidungen und Dialoge in den Bereichen Kunst, Geistes- und Sozialwissenschaften. Als Kulturanthropologin, Fotografin, Dichterin und Sängerin widmet sich Gina Athena der Praxis des Rasanblaj - dem Zusammentragen von Ideen, Dingen, Menschen und Geistern (nicht unbedingt in dieser Reihenfolge!) - um das Viszerale im Strukturellen zu konfrontieren. Mit multimedialen Ansätzen verfolgt sie das Ziel, verborgene Aspekte der menschlichen Existenz zu erforschen, um eine gerechtere Welt zu schaffen. Sie hat ihre verschiedenen Arbeiten an Colleges und Universitäten im In- und Ausland präsentiert und ist auch an künstlerischen Orten aufgetreten, darunter: The Bowery, Brecht Forum, The British Museum, Brooklyn Museum, Court Theatre, Gorki Theatre, Haus der Kulturen der Welt in Berlin, LaMaMa, Lyric Stage Theatre, Marcus Garvey Liberty Hall, MoMA und das Museum of Contemporary Art in Sydney, Australien. Im Jahr 2020 wurde sie zur Biennale von Sydney eingeladen. ginaathenaulysse.com

Hanne Lippard (*1984, Milton Keynes/UK) arbeitet mit Formen des Schreibens, mit Performances und Lesungen sowie mit Tonaufnahmen und Installationen. Innerhalb der Variation dieser Formate ist die Stimme ihr Hauptmedium. Hanne Lippard ist eine der vier Preisträgerinnen des Preises der Nationalgalerie 2024. Mehr Informationen; https://hannelippard.com

Ingo Niermann (*1969, in Bielefeld, DE) ist Autor, Herausgeber der spekulativen Buchreihe Solution und doziert an der Hochschule für Gestaltung und Kunst Basel. Basierend auf seinem Roman Solution 257: Complete Love (2016) initiierte Niermann die Army of Love (thearmyoflove.net), ein Projekt, das eine bedarfsorientierte Umverteilung der sinnlichen Liebe erprobt und fördert. Mehr Informationen: www.ingoniermann.com

Texte zum Nachdenken ist eine unabhängige Veranstaltungsreihe mit Lesungen aus Bildender Kunst und Literatur. Die Reihe ist ein Projekt des Künstlers Benedikt Bock. http://www.textezumnachdenken.com/

Während der LANGEN NACHT sind die beiden Ausstellungen von Monster Chetwynd zu sehen: «Profusion Protrusion» im Gewölbekeller und «Head-Less-Ness» in der Künstler*innenkneipe. Darüber hinaus lädt Monster Chetwynd zu einem speziellen Programm in unterschiedlichen Räumen ein. Der Historische Saal im oberen Stock verwandelt sich in eine Schmuckwerkstatt mit gefärbten und gebackenen Nudeln, die knorrig und uralt aussehen. Die Besucher*innen können Ketten basteln, begleitet von einem Orakel und den Helfer*innen auf einem grossen hölzernen Thron. Wie in den Ausstellungen geht es dabei um Themen wie Karneval, Do-it-yourself, Geschmacksspielerei und Komik. In Chetwynds Werk werden Humor, das Absurde und Groteske als bewusstseinserweiternde Mittel eingesetzt.

Ab 20 Uhr findet Monster Chetwynds «Heterotopian Shake Down» dreimal im Gewölbekeller statt. Ein «Heterotopian Shake Down» ist das, was es sein soll: ein Raum, in dem Normen und Gewohnheiten für einmal ausser Kraft gesetzt werden, kleine Schritte in die äussersten Bereiche des Ausdruckstanzes – alles in einer Stunde mit Monster Chetwynd, DJ Gianfranco Rossetti und dem Cabaret-Voltaire-Team.

Den ganzen Abend über können Sie den speziellen Cocktail «Never drink alone» an der unteren und oberen Bar beziehen, den die Künstlerin Monster Chetwynd entwickelte.

Programm:
18:00–02:00, Ausstellungen von Monster Chetwynd in der Künstler*innenkneipe und im Gewölbekeller, Barbetrieb in der Künstler*innenkneipe und im Historischen Saal
18:00–19:30, «Iron Age Pasta Necklace Workshop» im Historischen Saal
20:00–21:00, «Heterotopian Shake Down» im Gewölbekeller
22:00–23:00, «Heterotopian Shake Down» im Gewölbekeller
00:00–01:00, «Heterotopian Shake Down» im Gewölbekeller

Besucher*innen können kommen und gehen.

Vom 25. August 2023 bis Ende Juli 2024 besetzt Monster Chetwynd die Künstler*innenkneipe mit der Ausstellung «Head-Less-Ness».

Eröffnung: 25.08.2023, 18:00.
Programm: «Iron Age Pasta Necklace Workshop» und Performances (18:30–20:00), anschliessendes DJ-Set von Jack Brennan.
Mitwirkende: Monster Chetwynd, Dragan Chetwynd, Mariuccia Casadio, Jack Brennan, Lucy Soni, Ella Soni, Mette Sterre, Luca Süss, Dudu, Lukas Ryffel und Levin Stettler Brogli.

In einer Gesellschaft, die einerseits von Regeln, andererseits von Konventionen geprägt ist, verlangt es Orte, die alltägliche Normen aushebeln. Monster Chetwynd schafft solche Räume durch ihre Performances, Bilder und Installationen. Sie spielt mit Maskeraden, verdreht soziale Rituale, leitet Energien um, kreiert hybride Wesen und jongliert mit Bildkulturen vom Mittelalter bis zur Science-Fiction. Das Monströse, Karnevaleske und Groteske ist in ihren Welten immer mit dabei und stets mit Übertreibung, Absurdität, Schrecken und Humor verbunden. Immer aber sind sie dem Positiven verpflichtet. Monster Chetwynds Kunst strahlt den Mut aus, ehrliches Engagement im kreativen Akt zu finden und Proberäume für inklusive Alternativwelten zu inszenieren.

Die Ausstellung «Head-Less-Ness» versammelt Masken, körperhafte Fragmente, bricolierte Möbel, Textildrucke und Malereien in der Künstler*innenkneipe des Cabaret Voltaire. Ursprünglich 1916 als «Künstlerkneipe Voltaire» eröffnet, sollten hier Kunst und Leben Hand in Hand gehen und den Kunstbegriff erweitern. In diesem Sinne kann die Ausstellung als eine Assemblage von Theaterrequisiten betrachtet werden, die es juckt, benutzt zu werden, und die Vorstellungen des Gewohnten und Schönen herausfordern: eine überdimensionale Bank, zu tiefe Stühle, Gemälde als unbequem platzierte Tapeten, freistehende Skulpturen auf Tischen, Motten, Fratzen und Masken.
Beim Grotesk-Karnevalesken ist es immer unklar, wo der Körper aufhört und wo die Welt beginnt. Das passt zum Soziotop «Bar», das als geschlossener Gemeinschaftsraum gesellschaftliche Beziehungen besonders nivellieren und zugleich umkehren kann. Sowohl der Karneval als auch die Bar sind mit Ritualen verbunden, in denen sich das Individuum in der Gruppe und im Drumherum auflöst oder als Selbst wiederfindet. «Never drink alone» heisst dann auch das Getränk, das die Ausstellung begleitet und inmitten der unzähligen Köpfe und Körper zum «Puppet Slam» getrunken werden kann.

Ende 2022 wurde die Online-Kunstpublikation PW-Magazine auch in der Schweiz lanciert. In Zusammenarbeit mit PW-Magazine, Body Archive sowie Spectres feiern wir einen Abend mit Performances, Klängen, Interventionen, Vorführungen und anregenden Gesprächen von Künstler*innen, Leser*innen, Autor*innen und Unterstützer*innen. Alle sind herzlich eingeladen, an diesem sommerlichen Treffen teilzunehmen, um in die Magie der Nacht einzutauchen.

Wir freuen uns auf die Beiträge von:
Axel Kolb
Azur Sabic
DIVAS / Rafał Pierzyński, Aga Pędziwiatr
Deborah Macauley
Jamira Estrada
Jiajia Zhang
Margaretha Jüngling with Luc Häfliger
Modulaw
Nadia Hauri
Sam Fuentes
Rashiyah Elanga
Tereza Glazova
Valentina Demicheli Jitsattayakul
Young Boy Dancing Group

Freier Eintritt

Mehr Informationen: https://pw-magazine.com/2023/blue-moon-rising

Anlässlich der Finissage wird es möglich sein, alle Werke der Ausstellung (Möbel, Kissen, Lampen, Gemälde) zu kaufen. Die Werke können nach dem Abbau der Ausstellung im August abgeholt werden. Während der Nacht wird der Cocktail «Smoky Tear» zu einem reduzierten Preis serviert.

Mehr über die Ausstellung hier.

Open-Air-Gartenveranstaltung mit Beiträgen von Romane Chabrol, Julian Göthe, Sadie Plant und Alex Scrimgeour
Rotbuchstrasse 18, 8037 Zurich

18:00 Meet and Greet
19:00 Programmstart
Eintritt: CHF 15

«The Psychedelic Salon» ist eine monatliche Veranstaltungsreihe in Zusammenarbeit mit Susanne G. Seiler im Cabaret Voltaire, Zürich. Frei von Substanzkonsum dient die Reihe als Diskussionsplattform über den aktuellen Stand der psychedelischen Forschung, die von Subkultur, neuen Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis hin zur Ökologie reicht.

suns.works von Lorenzo Bernet ist als zyklisches Ausstellungsprogramm über das ganze Jahr hinweg konzipiert, an dem aufstrebende, musikorientierte und autodidaktische Künstler*innen teilnehmen. Der Salon Solaire findet jedes Jahr im Juni statt und bringt eine Bildwolke aus Sonnenmotiven und sonnenbezogenen Kunstwerken zusammen, die zu einem gemeinsamen Erlebnis für die teilnehmenden Künstler*innen, Unterstützer*innen und Besucher*innen wird.

Romane Chabrol ist eine Künstlerin, die mit einer Kombination aus elektronischen und akustischen Instrumenten musikalische Kompositionen und Umgebungen schafft. Die musikalische Struktur ihrer Werke ähnelt den raumgreifenden, kontemplativen und mitreissenden Elementen von Filmmusik. Sie stellte kürzlich bei suns.works, Zürich, und im Kunsthaus Glarus aus und trat am Grand V Festival in Virieu, FR, auf.

Julian Göthe ist Künstler, DJ und langjähriger Bühnenbildner für Animations- und Spielfilme. Seine Arbeiten, die Zeichnungen, Skulpturen und Installationen umfassen, wurden im Kunstverein München, in den KW Institute for Contemporary Art, Berlin, im Migros Museum, Zürich, und in der Kunsthalle Basel ausgestellt.

Sadie Plant ist eine britische Theoretikerin und Autorin des Buches Writing on Drugs, in dem sie die These vertritt, dass der enorme Einfluss psychoaktiver Substanzen auf die westliche Mainstream-Kultur den so genannten War on Drugs ad absurdum führt. Derzeit unterrichtet sie im Rahmen des MA-Studiengangs Contemporary Arts Practice an der Hochschule der Künste Bern.

Susanne G. Seiler, Gründerin des «Psychedelic Salon» und Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters gaiamedia goodnews, ist eine Zeitzeugin der frühen Drogenkultur der 1960er und 1970er Jahre. Sie lernte viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann und Terence McKenna kennen. Luisa Trujillo ist eine Politikwissenschaftlerin aus Kolumbien. Sie unterstützt Susanne bei den Psychedelischen Salons.

Alex Scrimgeour ist Redakteur, Übersetzer und Autor mit einem breiten Interesse an kulturellen Phänomenen. Er arbeitete als Redakteur bei der Kunstzeitschrift Artforum in New York und beim Spike Art Magazine in Berlin. Heute arbeitet er für den Verlag Hauser & Wirth in Zürich.

Eine Konzert- und Sound-Performance von Saba Alizadeh (Kamancheh), Yunah Proost (Cello und Elektroakustik), Mostafa Taleb (Kamancheh) und Claudia Stöckli (Elektroakustik und Experimental).

leben und lieben sind gleichbedeutend. um in einer Welt zu sein, die erstickt
müssen wir vibrieren, lieben, mitschwingen,
mit einander kommunizieren.
mit dem lebendigen Ganzen.

für eine neue Art, in der Welt zu sein, indem wir mit dem lebendigen Ganzen schwingen.
Nicht nur im Einklang mit dem Kosmos, sondern vor allem wach, lauschend, aufmerksam. Lebendig werden. Durch Vibration.

IInspiriert von Séverine Kodjo-Grandvaux's Buch «devenir vivant», starteten Mostafa Kaleb (Musiker, Kamancheh) und Claudia Stöckli (Elektroakustik & Experimentelles) ihr Projekt im Juni 2022 inmitten des Pan-Café-Gartens auf der Insel L'ile de Saint-Denis in Paris. In diesem Garten wurden verschiedene Lebensrhythmen von unterschiedlichen Wesen und Stimmen mit den Resonanzen der beiden Musiker und Künstler*innen Mostafa Taleb (Kamanche, Stimme) und Claudia Stöckli (Korg Minilogue, Stimme, Fieldrecordings, Orgelaufnahmen) kombiniert.

Analoge und synthetische Klänge, Fieldrecordings mischen sich, hallen nach und resonieren zu neuen Klängen. Die Klänge schaffen eine imaginäre, neuartige Umgebung, um über eine mögliche zukünftige Koexistenz zwischen menschlichen und nicht-menschlichen Wesen zu spekulieren.
In diesem Jahr erweitern sie ihre Kapitel mit den virtuosen Musikern Saba Alizadeh (Kamanche, Elektroakustik) und Yunah Proost (Cello), um noch mehr Resonanz zwischen den menschlichen und nicht-menschlichen Wesen und untereinander zu schaffen.

Start: 20:00
Dauer: 1 Stunde

Das Buch der Künstlerin erscheint anlässlich ihrer Ausstellung im Istituto Svizzero (Rom). Gespräch mit Klodin Erb, Gioia Dal Molin (Chefkuratorin Istituto Svizzero), Teo Schifferli (Grafiker) und Salome Hohl (Direktorin Cabaret Voltaire).

Diese Veranstaltung wird im Rahmen des Zurich Art Weekend in Zusammenarbeit mit dem Istituto Svizzero (Rom) organisiert.

Am 9. Juni eröffnen wir die Ausstellung im Gewölbekeller im Rahmen des Zurich Art Weekend 2023 – inklusive einer einstündigen Disco von 19 bis 20 Uhr.

Anlässlich der Eröffnung von Monster Chetwynds «Profusion Protrusion» veranstalten wir eine einstündige Disco mit DJ Gianfranco Rossetti, der Künstlerin und dem Team des Cabaret Voltaire. Ein «heterotopischer Shake Down» soll es sein: ein Raum, in dem Normen und Gewohnheiten für einen Moment ausser Kraft gesetzt werden, kleine Schritte in die äußersten Bereiche des Ausdruckstanzes des Körpers – alles in einer Stunde.

«Profusion Protrusion» ist bis September 2023 im Gewölbekeller zu sehen.

Im Gewölbekeller des Cabaret Voltaire, den man durch einen offenen Schlund betritt und der die Gäste in andere Welten entführt, steht ab dem 9. Juni einer der monströsen Köpfe von Monster Chetwynd. Im Inneren dieses Kopfes befindet sich eine kleine Ausstellung, die den Auftakt zu Chetwynds künstlerischer Besetzung der Künstler*innenkneipe vom 25. August 2023 bis Ende Juli 2024 bildet. Chetwynds Werke, seien es überschwängliche Performances oder malerische Installationen, strotzen vor optimistischer Absurdität und hintergründiger Komik, sind für jeden verständlich und doch reich an kulturellen Bezügen. Mit dem Do-it-yourself-Charakter, der Prozesshaftigkeit und dem Humor knüpft Chetwynd mit ihrer Kunst an das Erbe von Dada an.

Am 9. Juni eröffnen wir die Ausstellung im Gewölbekeller im Rahmen des Zurich Art Weekend 2023 – inklusive einer einstündigen Disco von 19 bis 20 Uhr!

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Bild: Ausstellungsansicht Monster Chetwynd, The Owl with the Laser Eyes, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, 2018

Am Donnerstag, den 8. Juni, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Luisa Trujillo unter dem Titel «Psychedelic Politics».

Luisa Trujillo erforscht die politischen Auswirkungen des Konsums psychedelischer Substanzen. Der potenzielle Einfluss, den diese Substanzen auf einzelne politische Handlungen haben, hat sich als stark genug erwiesen, um strenge Vorschriften wie Verbote und Kriminalisierung auszulösen. Psychedelische Substanzen haben eine große soziale Bewegung inspiriert, und sie stehen an der Schwelle zu dem, was wir heute als Transhumanismus kennen. Diese Bewegung ist politischer als wir erwarten und kehrt zum eigentlichen Konzept der Politik zurück: der Fähigkeit, unsere Realität auf der Grundlage der addierten individuellen Macht zu verändern.

Luisa Trujillo ist eine Politikwissenschaftlerin aus Kolumbien, MA in Development Studies IHEID, Genf. Ihre Erfahrung als Programmmanagerin, Dozentin und Forscherin umfasst verschiedene Aspekte der menschlichen Entwicklung: Friedenserziehung, Konflikttransformation, nachhaltige Landwirtschaft, ziviler Widerstand und in jüngster Zeit die Verwendung von Entheogenen für die psychische Gesundheit. Luisa ist eine veröffentlichte Autorin, Mutter, Migrantin, unabhängige Forscherin und Pädagogin.

An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.

Der Anlass findet in englischer Sprache statt.

Eine Soiree von Theater Neumarkt und Cabaret Voltaire

Die Serie «BRUCH varieté» erkundet historische Cabaret- und Varieté-Formen als prekäre Laboratorien für individualisierte und ephemere Fluchtversuche aus einer als katastrophisch wahrgenommenen Welt, bei denen sich kommerzielle Unterhaltung, ästhetisierte Revolte und esoterisches Experiment vermischten. Für das Cabaret Voltaire adaptiert BRUCH Carl Einsteins Lehrstück «Die schlimme Botschaft» (1921) als Agitprop Varieté-Show. Der längst vergessene dramatische Text des anarchistischen Kunsttheoretikers, der bei seiner Veröffentlichung wegen «Blasphemie» verboten wurde, erzählt die Passion Christi neu, indem er sie in die heutige Zeit verlegt. Ausgehend von der Fiktion, Einstein habe das Stück zusammen mit Genoss*innen fünfzehn Jahre später in Zürich uraufgeführt, um Kämpfer für den Spanischen Bürgerkrieg zu mobilisieren, wird seine Meditation über Kunst, Politik und Religion in Form von performativen Entwürfen inszeniert, die mit dem Ensemble des Theaters Neumarkt entwickelt wurden.

Von BRUCH mit David Attenberger, Sofia Borsani, Challenge Gumbodete, Stanislav Iordanov, Yara Bau Nassar, Melina Pyschny.

Ort: Die Performance beginnt um 20 Uhr mit einem Prolog vor dem Theater Neumarkt und zieht anschliessend ins Cabaret Voltaire. Dauer: ca. 60 Minuten. Sprache: Englisch und Deutsch.

BRUCH ist ein kollaborativer Rahmen für künstlerische Forschung und Produktion zwischen Theater und bildender Kunst. Zu ihren vergangenen zählen u. a. EROS (encore), 2023 Tanzcafé Maratonga/NS-Dokumentationszentrum München; KLITTERN (aesopica), 2022, Münchner Kammerspiele/Thalia Theater/Ballhaus Ost, ausgezeichnet mit dem Preis des Körber Studio Junge Regie; COLD LOVE (seelenstahlbaden), 2021, Münchner Kammerspiele; tanikō (cold love), 2021 Brechtfestival Augsburg; ERMITAGE, Lothringer 13 Halle München.

Eintritt: pay what you want
Vorverkauf via Theater Neumarkt
Abendkasse: Im Cabaret Voltaire

Die Veranstaltung findet im Kunstraum Walcheturm statt und wird in Zusammenarbeit mit IOIC – Institute of Incoherent Cinematography und Videoex Festival organisiert.

«Der Kopf ist rund, damit das Denken die Richtung wechseln kann.» Mit diesem Satz prägte Francis Picabia eine Zeit, als die Welt in Trümmern lag und eine junge Künstler*innenbewegung auch die Kunst zertrümmert sah. Also dachte sie alles neu, machte alles anders, natürlich auch im neuen Medium Film. Die absoluten Filme Hans Richters, Viking Eggelings und Walter Ruttmanns, die sich von der Welt der Gegenstände loslösen, die Versuche Marcel Duchamps, Poesie und Film zu verbinden, die onirische Bildsprache Hans Richters in «Vormittagsspuk» und die überwältigenden Bildkaskaden von Fernand Légers «Ballet mécanique» haben alle eines gemeinsam, nämlich die unbändige Lust, die neue Kunst wie einen Phoenix aus der Asche steigen zu lassen.
Vertont werden diese Kostproben dadaistischer Filmkunst vom internationalen elektroakustischen Šalter Ensemble, das sich an der Grenze zwischen freier Improvisation und Komposition bewegt und kollektive Prozesse in den Mittelpunkt seiner Praxis setzt. Die Hintergründe der schweizerischen, slowenischen und österreichischen Mitglieder des Ensembles reichen vom Jazz über die traditionelle und populäre Musik bis hin zur zeitgenössischen und elektronischen Improvisationsmusik.

Ciné Dada I – 22:15 Uhr
Rhythmus 21 (DE 1921, 3 min, HD), Hans Richter
Symphonie diagonale (DE 1921, 7 min, HD), Viking Eggeling & Olga Neuwirth
Le Retour à la raison (FR 1923, 2 min, HD), Man Ray
Lichtspiel Opus I, II, III & IV (DE 1921-25, 21 min, HD), Walter Ruttmann

Ciné Dada II – 23:00 Uhr
Ballet mécanique (FR 1924, 17 min, HD), Fernand Léger & Dudley Murphy
Anémic cinéma (FR 1926, 7 min, HD), Rrose Sélavy AKA Marcel Duchamp
Vormittagsspuk (DE 1928, 7 min, HD), Hans Richter

Šalter Ensemble
Irena Z. Tomažin (voc), Alfred Lang (tr), Ilia Belorukov (as), Estelle Beiner (vl), Tomaž Grom (b, elec), Samo Kutin (hurdy gurdy), Jonas Kocher (acc), Elisabeth Harnik (p), Josef Klammer (dr, elec) & Gaudenz Badrutt (elec)

Videoex - International Experimental Film & Video Festival, 25. Ausgabe, 25. Mai – 4. Juni 2023
Videoex, das grösste Festival für Experimentalfilm und Video in der Schweiz feiert dieses Jahr seine 25. Ausgabe. Während elf Tagen präsentiert das Festival mehr als 150 Werke an der Grenze zwischen bildender Kunst und Film.

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In der Soiree-Reihe «Analytisches Kabarett» wird das analytische Handwerk der Philosophie offengelegt und durch Beiträge aus anderen Perspektiven und Disziplinen herausgefordert oder verdichtet. Zu jeder Soiree gibt es eine Einführung zur Denkrichtung durch den Philosophen Dominique Kuenzle, eine präsentierte Textanalyse, eine These oder Frage von angehenden Philosoph*innen der Universität Zürich, einen künstlerischen sowie einen gastronomischen Beitrag. Gäste sind eingeladen, aktiv mitzudiskutieren oder zuzuhören.

Nr. 2: Betrunkene Träume im rationalistischen Kloster. René Descartes, Mary Astell und Klosterschnaps

Im Gegensatz zur heutigen Manosphere zieht die englische Philosophin Mary Astell 1694, inspiriert von Descartes, nicht-misogyne Schlüsse aus seinem träumerischen Redpilling: Mit geeigneten Methoden und Institutionen sollen Frauen rationalistisch werden, was nicht nur für irdische Gerechtigkeit, sondern auch für die Autonomie der Seele beim Eintritt in den Himmel zentral sei. Anhand ihrer und Descartes’ Texten diskutieren wir Rationalitätsauffassungen der frühen Neuzeit zwischen maskulinen Idealen und feministisch-emanzipatorischem Potential. Elodie Pong trägt mit einem künstlerischen Hauch zur Soiree bei. Sie interessiert sich für die Frage, inwiefern olfaktorische Erlebnisse Kategorien des Denkens prägen.

Die ausgewählten Textstellen können via info@cabaretvoltaire.ch bezogen werden.

Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt.
Eintritt: pay what you want.

Am Donnerstag, den 11. Mai, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Mackenzie Amara unter dem Titel «Psychedelic Archetypes in Jungian Psychology» und einen künstlerischen Beitrag von Mountain River Jump.

Psychedelika bieten nicht nur Heilung für diejenigen, die mentalen und emotionalen Schmerz erfahren, sondern ermöglichen es uns auch, mit Realitäten in Kontakt zu treten, die außerhalb des persönlichen Bewusstseins angesiedelt sind. Mit einem Wort, Psychedelika sind transpersonal. Dem Schweizer Psychiater C. G. Jung zufolge ist die transpersonale Dimension des Seins nicht nur real, sondern wird von Mustern und Geschichten bestimmt. Diese Muster und Geschichten sind die sogenannten Archetypen. Archetypen gehen über die Persönlichkeit, die Kultur und die Zeit hinaus. Sie gehen der Gesellschaft voraus. Nach Jung bewegt die archetypische Realität jeden von uns dazu, eine schicksalhafte persönliche Erzählung zu leben, ähnlich wie ein Mythos, und sich dieses Musters in uns bewusst zu werden, ist der Schlüssel zur Selbstverwirklichung. In diesem Vortrag werden wir Beispiele für gängige Archetypen untersuchen, wie sie sich individuell und kollektiv zeigen und was das Verständnis von Archetypen mit psychedelischen Erfahrungen zu tun hat.

Von Beruf ist Mackenzie Amara, alias The Inked Shrink, Autorin, Coach und 5Rhythms®-Lehrerin. Sie ist Jungsche Analytikerin in Ausbildung und Doktorandin der klinischen Psychologie. Ihr Lebenswerk ist die Heilung von Traumata.

Mountain River Jump! ist ein Künstlerinnenduo, das 2016 von den Zwillingsschwestern Huang Shan und Huang He (alias yellow mountain und yellow river) gegründet wurde. Mountain River Jump! beschäftigt sich mit der Verkörperung mythologischer Anhaltspunkte im Alltagskontext und reflektiert die materialistische Kultur und deren psychologischen Status im modernen China. Die Konzepte, die ihre künstlerische Praxis bestimmen, sind massgeblich von der analytischen Psychologie des Zürcher Psychotherapeuten Carl Gustav Jung beeinflusst. Sie interessieren sich auch für psychedelische Ästhetik, was in ihrer filmischen Arbeit «Cards of Chinese Animal Idioms» (3min17sec) zum Ausdruck kommt. Der Film wird im Cabaret Voltaire zusammen mit einem künstlerischen Statement gezeigt.

An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch möglich.

Der Anlass findet in englischer Sprache statt.

Erotica! Eskapistisch, luxuriös, provokativ: In ihrem autobiografischen Debüt «A Year on Earth with Mr. Hell» erzählt Young Kim von den ersten zehn Monaten ihrer Beziehung zu Richard Hell, dem legendären Punk-Musiker und Autor. Erst diese Begegnung ermöglicht ihr, den Verlust ihres langjährigen Lebenspartners Malcolm McLaren, der 2010 gestorben ist, zu verarbeiten. Grenzüberschreitung mit den Mitteln des expliziten Schreibens über Sex ist dabei Programm: Das von Marie Lusa gestaltete Buch sucht nach dem, was in der Literatur gesagt und erlebt werden kann. Young Kim selbst nennt es «daybook-cum-docudrama». Wie passend, dass die Lesung und das Gespräch im Cabaret Voltaire stattfindet, Richard Hell war Fan von Dada, Dada ist Punk, Punk ist McLaren, so schliesst sich der Kreis!

In Kollaboration mit Literaturhaus Zürich.

Moderation: Gesa Schneider

Tickets und Informationen hier.

Was andere über das Buch sagen:

A fabulous escapist fantasy involving two cool people in amazing clothes having a fine time taking them off in glamorous hotel rooms.
– Helen Rumbelow, The Times

I found the book so engrossing; I really did read it in one sitting. That’s kind of unheard of from me. It all takes place in a beautiful bubble of privilege, and thank god. It’s glorious to be allowed to enter into it because fuck the rest of our rotten, barren world in this moment.
– Bret Easton Ellis

The most graphically effective sex writing I've read in a long time.
– Greil Marcus

The spirit of Anais Nin and Georges Bataille is reborn in this wonderful book. Young Kim has written something that is much more than a memoir—a truly modern work of art.
– Matthew D’Ancona

Taken as a whole the book left me thinking more profoundly about desire, humanity and loss, than anything I’d read in a long time.
– Sarah Bailey, Vogue Greece

In der Soiree-Reihe «Analytisches Kabarett» wird das analytische Handwerk der Philosophie offengelegt und durch Beiträge aus anderen Perspektiven und Disziplinen herausgefordert oder verdichtet. Zu jeder Soiree gibt es eine Einführung zur Denkrichtung durch den Philosophen Dominique Kuenzle, eine präsentierte Textanalyse, eine These oder Frage von angehenden Philosoph*innen der Universität Zürich, einen künstlerischen sowie einen gastronomischen Beitrag. Gäste sind eingeladen, aktiv mitzudiskutieren oder zuzuhören.

Nr. 1: Faschismus und Männlichkeit. Platon und Arendt, griechischer Wein und Campari Spritz

Platons Politeia enthält eine faszinierende Analogie: Genau so, wie ein gerechter Mensch Ordnung in seiner Seele trägt, wird ein gerechter Staat von einer Stormtrooper-ähnlichen Krieger*innenkaste kontrolliert. Auf der Grundlage von Auszügen aus der Politeia und einem Text von Hannah Arendt diskutieren wir, ob die hier vorgeschlagene Abschaffung von Familie und Privatbesitz nun feministisch, proto-faschistisch oder beides ist.

Miriam Laura Leonardi trägt mit einem künstlerischen Beitrag zur Soiree bei. Sie unterbricht das Analytische Kabinett mit einer Modeschau aus mehr oder weniger tragbaren Textilcollagen, die beim genaueren Hinsehen aufgrund von Texten, Motiven, des Schnitts oder Materials auf gesellschaftlich konnotierte Kleidungsstücke verweisen: Schürzen, Morgenmäntel, Zirkushosen, Partykleider, Bademode, Arbeitshosen oder Trainingsanzüge. Alle getragenen Stücke wurden von Leonardi als Unikate oder als Editionen mit Prints hergestellt und in Anlehnung an die Popkultur der 80er- und frühen 90er-Jahre mit einer neu interpretierte Version des Ghetto Blasters auf den Laufsteg des Cabaret Voltaire geschickt. Gewollt oder ungewollt verweist Leonardi dabei auf Themen, die in dieser philosophischen Soiree zur Sprache kommen. Individualisierte Kleidungsstücke, die auf massenpsychologische Phänomene verweisen, sind sowohl im Hinblick auf Hannah Arendt als auch Platon interessant. Beispielsweise wenn mit Arendt über Gleichheit und Individualität im Kontext von Autorität gesprochen wird oder ihre Beobachtung ins Blickfeld gerät, dass Kunst und das Tun «um die Sache selbst willen» Herrschaftssysteme bedrohen. Mit Platon kann über Mode im Zusammenhang von Besitz, Geschlechterrollen oder Hierarchien nachgedacht werden.

Die ausgewählten Textstellen können via info@cabaretvoltaire.ch bezogen werden.

Die Veranstaltung findet in deutscher Sprache statt.
Eintritt: pay what you want.

Gemeinsam mit der freien Lesereihe Texte zum Nachdenken organisiert das Cabaret Voltaire in diesem Jahr drei Veranstaltungen. Am 18. April beginnen wir mit einer Lyriknacht, zu der wir Tim Holland, Ricarda Kiel und Simone Lappert begrüssen dürfen. Im lyrischen Schaffen der drei Schriftsteller*innen zeigt sich der Versuch, alles in ein Ganzes zu setzen, die Abhängigkeit der menschlichen und nicht-menschlichen Natur voneinander aufzuzeigen; emotionale, ökologische oder gesellschaftliche Krisen poetisch freizulegen und zu verästeln.

–Simone Lappert (*1985, Aarau, CH) lebt in Zürich und gehört seit ihrem Debütroman «Wurfschatten» 2020 fest zur Landschaft der jungen Literatur in der Schweiz. Ihr Lyrikband «Längst fällige Verwilderung» erschien 2022 im Diogenes Verlag. simonelappert.com

–Tim Holland (*1987, in Tübingen) studierte nach einer Ausbildung zum Buchhändler am Deutschen Literaturinstitut Leipzig. Er lebt in Berlin. Seine Science-Fiction-Lyrik «wir zaudern wir brennen» erschien im September 2022 bei Mathes und Seitz.

–Ricarda Kiel lebt in Leipzig, schreibt Texte, schnitzt Löffel und führt ein antikapitalistisches Unternehmen. „Kommt her ihr Heinis ich will euch trösten“ erschien 2019 bei hochroth München, „Outfits“ 2020 bei MATERIALIEN, „Tante Alles“ 2022 ebenfalls bei hochroth München. ricardakiel.de

Benedikt Bock (*1987) und Arnaud Wohlhauser (*1992) tragen mit einer Skulptur zur Soiree bei.

Am Donnerstag, den 13. April, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Soirée umfasst einen Vortrag von Jason K. Day mit dem Titel «Psychedelic Attention: On the Phenomenology of Psychedelic Experiences» und eine VJing- und Sound-Performance von Antoine Félix Bürcher und Caroline Ann Baur.

Psychedelische Erfahrungen, die durch die Einnahme von LSD, Psilocybin, Meskalin oder DMT ausgelöst werden, werden im Allgemeinen als eine radikal gesteigerte Detailgenauigkeit und Komplexität der Phänomene, eine tiefe Fokussierung von normalerweise unbemerkten Phänomenen und einen allgemein erhöhten Bewusstseinsgrad beschrieben. Im Volksmund wird dies als «Bewusstseinserweiterung» bezeichnet. Häufig wird jedoch auch von einem eingeschränkten Bewusstsein von Realität, Zeit, Raum, Verkörperung und Selbstsein berichtet. In seinem Vortrag zeigt Jason K. Day auf, wie häufig Menschen ihre psychedelischen Erfahrungen in Bezug auf die Aufmerksamkeit beschreiben und er geht der Frage nach, ob Menschen, die Psychedelika einnehmen, ähnliche Erfahrungen machen.

Die Performance von Antoine Félix Bürcher und Caroline Ann Baur entfaltet sich als eine atmosphärische Erkundung des «Psychedelic-Salon»-Raums. Sie richten ihre Aufmerksamkeit auf Details der klanglichen und visuellen Umgebung, um in Echtzeit die Grenzen des Bekannten zu explorieren. Sich im Raum befindende Snacks regen sie dazu an, sich auf den Moment der Verdauung einzulassen. Dabei konzentrieren sie sich auf hörbare und visuelle Aspekte wie Essens- und Verpackungsreste, Risse in den Wänden, fliessende Bewegungen des Wassers und der Umgebung. In seiner Praxis des analogen VJing spielt Antoine Félix Bürcher mit Materialien: Er beobachtet gefilmte Bilder, überlagert diese, zoomt sie heran und verzerrt ihre Frequenzen. Dies visuellen Störungen werden auf die Wände des Historischen Saals projiziert während Caroline Ann Baur die Klangumgebung des Cabaret Voltaire genau abhört. Sie sammelt bestimmte Elemente und entwickelt Klänge, die mit dem Raum in Resonanz stehen. Diese In-Situ-Intervention ist ein kollaboratives Experimentieren mit den Materialien, die den Raum durch Beobachten und Entdecken bewohnen. Die Künstler*innen werden den gegenwärtigen Moment erforschen, indem sie fliessend hinein- und herauszoomen und hinterfragen, inwiefern die Aufmerksamkeit für die Umgebung der visuellen und akustischen Materie einen anderen Zugang zur Gegenwart ermöglicht - ähnlich wie die psychedelische Erfahrung.

Ablauf:
–18:00: Meet & Greet
–19:00: Start Programm

Anmeldung möglich via info@cabaretvoltaire.ch oder früh erscheinen (oft ausgebucht).
Eintritt: CHF 15

Der Anlass findet in englischer Sprache statt.

Jason K. Day (*1996) ist Doktorand der Philosophie an der Universität Fribourg und Forscher im SNF-Projekt Ästhetik und Ethik der Aufmerksamkeit. In seiner Doktorarbeit führt er eine phänomenologische Studie über psychedelische Erfahrungen in Bezug auf die Aufmerksamkeit durch. Day hat seinen Forschungs-MA in Philosophie an der Radboud Universität Nijmegen abgeschlossen, wo er sich auf die Husserlsche Phänomenologie und die frühe buddhistische Philosophie spezialisiert hat. Ebenso schreibt er über das Thema anarchistische Philosophie und ist für seine Collagen bekannt.

Caroline Ann Baur (*1986) lebt und arbeitet in Zürich. Ihre künstlerische Tätigkeit bewegt sich zwischen Sound Arts, Installationen und kollaborativen Experimenten. Ihr Hauptaugenmerk liegt auf dem Schaffen von sozialen Räumen. Sie experimentiert mit der Praxis des aktiven Zuhörens und ist von der Frage nach der gegenderten Auf- und Abwertung von Arbeit und Symbolik geleitet. Um Erfahrungen des Gemeinsamen ging es insbesondere auch im Zürcher Offspace «Raum*Station», den sie mitbegründet und während vier Jahren mit einer Gruppe von acht Personen geleitet hat. Ihre Arbeiten waren bereits zu sehen u.a. in der Kunst Halle Sankt Gallen, Gessnerallee Zürich, uni Offspace Zürich, Ausstellungsraum Klingental sowie mayday in Basel, Marrakech Biennale. 2019 gewann sie das Artist-in-Residence Programm sowie 2021 den Werkbeitrag der Ausserrhodischen Kulturstiftung. Als Autorin schreibt sie unter anderem für die WOZ Wochenzeitung und für künstlerische Publikationen. Sie lehrt als Unterrichtsassistentin im MA Transdisziplinarität an der ZHdK – Zürcher Hochschule der Künste und gab Seminare an der F+F Schule für Kunst und Design Zürich sowie am Hyperwerk Basel. Baur hat an der Humboldt Universität Berlin Kulturwissenschaft und Philosophie studiert sowie Fine Arts an der ZHdK.

Antoine Félix Bürcher (*1999) ist ein in Zürich lebender Künstler und Kurator. Seine künstlerische Arbeit ist interdisziplinär und konzeptuell und materialisiert sich in Skulpturen, Installationen, Texten, Videos und Performances mit einem Fokus auf das Skulpturale. Antoine Félix Bürcher imaginiert eine nicht-lineare Ästhetik der Zeit durch die Erfahrung der Materie, mit der er in einer symbiotischen Beziehung mit dem Ausdruck zusammenarbeitet. Er hat 2020 den Online-off-space sabl.live mitbegründet. Seine Arbeiten wurden in mehreren Gruppen- und Einzelausstellungen in der Schweiz und Europa gezeigt: BIG Biennale (Genf) mit One Gee in Fog, B74 Raum für Kunst (Luzern), Mock Jungle (Bologna), Danuser & Ramirez gallery (London), OnCurating (Zürich). Seine Glasskulpturen werden im Rahmen von PLATTFORM23 im Espace Arlaud in Lausanne ausgestellt.

Die Reihe «The Psychedelic Salon» in Zusammenarbeit mit Susanne G. Seiler findet regelmässig im Cabaret Voltaire statt. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über breite Themen gesprochen, die von Subkultur, Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis zu Ökologie reichen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austauschüber die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Präsentation, Vortrag und Talk organisiert von Brücke Zürich-Tbilissi. Die Veranstaltung findet statt im CCA, Center of Contemporary Art, Tbilissi.

Die in Zürich lebende Künstlerin llaria Vinci präsentiert im CCA, Tbilissi, einen abgewandelten Ableger der Ausstellung «Phoenix Philosophy Café», die bis im Sommer 2023 im Cabaret Voltaire zu sehen ist. Die Ausstellung wird durch verschiedene Veranstaltungen aktiviert. Neben Kunstwerken stehen die «Chronicles of the Phoenix Fireplace» im Zentrum: Kurzgeschichten zu Vincis Schau, verfasst von den Schweizer Autorinnen Judith Keller und Maya Olah, Allison Grimaldi Donahue sowie der georgischen Autorin Anna Kordsaia-Samadaschwili. Salome Hohl, Direktorin des Cabaret Voltaire, lässt sich von der Ausstellung von llaria Vinci inspirieren und hält den Vortrag «Dada Phoenix, oder was wir mit Dada lernen können». Sie zieht Parallelen von der Vergangenheit in die heutige Zeit und analysiert, welche Probleme und Chancen wiederkehren und welche künstlerischen Antworten zu beobachten sind. Im Anschluss findet ein Gespräch zwischen llaria Vinci, Salome Hohl und jungen georgischen Künstler:innen statt.

19:00–20:00
Präsentation llaria Vinci und Lesung der Kurzgeschichte von Anna Kordsaia-Samadaschwili

20:00–21:00
Vortrag von Salome Hohl «Dada Phoenix, oder wie wir mit Dada lernen können»

21:00–22:00
Interaktion mit den georgischen Künstler:innen und Schriftsteller:innen

Eintritt frei
www.zuerich-tbilissi.ch

Le Foyer in Zusammenarbeit mit dem Cabaret Voltaire. Moderiert von Yasmin Afschar.

Mai-Thu Perret, Künstlerin, und Ida Soulard, Kunsthistorikerin und Kuratorin, stehen in einem regelmässigen Dialog – ein Austausch, der derzeit vertieft wird und in einem Text gipfelt, der in Perrets kommendem Buchprojekt veröffentlicht wird. Im Rahmen der Diskussion über gemeinsame Interessen, feministische Anliegen und die Rolle von Kunst und Kunsthandwerk in den Avantgardebewegungen des 20. Jahrhunderts erhalten wir einen Einblick in diesen Prozess. Insbesondere Soulards kunsthistorische Forschungen zu Anni Albers und textilen Praktiken in der Kunst der 1920er- bis 1960er-Jahre bieten zahlreiche Anknüpfungspunkte zu Perrets Werk, einschliesslich der derzeit im Cabaret Voltaire gezeigten Arbeiten, die sich auf das Erbe von Sophie Taeuber-Arp bezieht.

Literatur, Kunst- und Kulturgeschichte, aber auch spirituelle Traditionen und feministische Theorie bilden das intellektuelle Fundament, aus dem die Genfer Künstlerin Mai-Thu Perret schöpft. Sie beschäftigt sich mit den künstlerischen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts, insbesondere mit der Geschichte der Abstraktion, hinterfragt die kapitalistischen und patriarchalischen Konventionen der Kunst und schafft Gegennarrative dazu. Die Werke von Perret wurden in Einzelausstellungen gezeigt, unter anderem im Istituto Svizzero, Rom (2022); Le Portique - centre régional d'art contemporain du Havre, Frankreich (2020); MAMCO Genf (Musée d'art moderne et contemporain), Genf (2019); Badischer Kunstverein, Karlsruhe, Deutschland (2019); Spike Island, Bristol, England (2019); Nasher Sculpture Center, Dallas (2016); Le Magasin, Grenoble, Frankreich (2012); Haus Konstruktiv, Zürich (2011); University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor (2010); San Francisco Museum of Modern Art (2008); und die Renaissance Society an der University of Chicago (2006).

Ida Soulard ist Doktorandin in Kunstgeschichte (ENS / Université PSL) und unabhängige Kuratorin. Sie ist Co-Direktorin von Glass Bead, einer zweisprachigen Online-Forschungsplattform und Kunstzeitschrift. Von 2013 bis 2020 war sie künstlerische Leiterin von Fieldwork: Marfa, ein internationales Forschungs- und Residency-Programm, das gemeinsam von der Hochschule für Bildende Künste in Nantes und HEAD-Genf geleitet wurde. 2021 war sie künstlerische Leiterin und Beraterin für eine private Stiftung und ein Kunstprogramm in Armenien. Zusammen mit Jennifer Burris war sie Ko-Kuratorin von Marfa Sounding (2016-2018), einem Festival mit Performances, Klanginstallationen und Gesprächen in Marfa, Texas. Kürzlich kuratierte sie Transmeare, eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Ulla von Brandenburg im FRAC Amiens und 1833: Une jeune fille, une machine et leur amitié bei Image/Imatge, Orthez (2022-2023). Außerdem ist sie Herausgeberin von Du Tissage (Les Presses du Réel, 2021), der französischen Ausgabe von Anni Albers' legendärem Buch aus dem Jahr 1965, und von Manual for a future desert (Mousse Publishing, 2022). Derzeit unterrichtet sie an der ENSA-Bourges (Frankreich).

Eine Literatursoiree zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci mit Allison Grimaldi Donahue, Judith Keller und Maya Olah.

Die Autor*innen schreiben eine Kurzgeschichte zur Ausstellung zu den Stichworten, welche die Künstlerin Ilaria Vinci ihnen zuvor vorgegeben hat: Rebellion (rebellion), heilende Tränen (curative tears), Ei (egg), Kreis (circle) und Miss Phönix. An der Soiree werden die Kurzgeschichten in Feuerstelle-Atmosphäre vorgelesen.

Allison Grimaldi Donahue (*1984) ist Schriftstellerin und Künstlerin. Sie ist die Autorin von «Body to Mineral» (Publication Studio Vancouver 2016) und «On Endings» (Delere Press 2019) und hat Carla Lonzis «Self-portrait» (Divided, 2021) übersetzt. Sie lebt in Bologna.

Judith Keller (*1985) studierte Literarisches Schreiben in Leipzig und Biel sowie Deutsch als Fremdsprache in Berlin und Bogotá. Für ihr Debüt «Die Fragwürdigen» (Der gesunde Menschenverstand) wurde Judith Keller mit Anerkennungspreisen von Stadt und Kanton Zürich ausgezeichnet. Sie lebt in Zürich.

Maya Olah (*1990) studierte Germanistik und Ethnologie in Zürich und Wien. Ihre Hörspiele und Kurzgeschichten wurden im Radio ausgestrahlt, in Literaturzeitschriften veröffentlicht und sie hat zahlreiche Lesungen im In- und Ausland gegeben. Sie lebt in Zürich.

Ilaria Vinci (*1991) hat in Mailand und Lausanne Kunst studiert. In ihrer Praxis erforscht sie das, was sie die "Zone der Fantasie" nennt: Der Bereich in der menschlichen Psyche, in dem sich Selbst- und Weltwahrnehmung treffen und verschwimmen. Sie lebt in Zürich.

Diese Soiree wird von der Fondation Jan Michalski unterstützt.

Kaum einen Verweis gibt es im Dorf Trogen in Appenzell Ausserrhoden auf Sophie Taeuber-Arp, wo die Pionierin der abstrakten Kunst aufgewachsen ist. Nur ein kleines Schild am roten Familienhaus erinnert an ihre Kindheit in einem Dorf, das sichtbar reich geworden ist durch den transatlantischen Dreieckshandel mit Textilien aus der Region. Das Haus, das die Mutter Sophie Taeuber-Arps eigenhändig entworfen hatte, steht unweit vom Zellweger Palast, mit denen die Taeubers verwandt waren. Um sich dem multimedialen Werk Sophie Taeuber-Arps anzunähern und Spuren ihrer Biografie zu finden, begab sich eine Gruppe des Masters Transdizsiplinarität der Zürcher Hochschule der Künste auf eine 6-Tägige Exkursion nach Trogen. Konzepte der transdisziplinären Künstler*innenschaft standen im Zentrum der Auseinandersetzung, woraus die Studierenden Fragen nach gegenderten, kunsthistorischen Narrationen stellten, nach dem Verhältnis zwischen Kunsthandwerk und freier Kunst, sowie dem historischen Kontext von dem aus sich das Schaffen und das Selbstverständnis dieser gewichtigen Künstlerin der Moderne entwickeln konnte. Durch die Linse der Exkursion betrachten die Studierenden die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» von Sophie Taeuber-Arp und Mai-Thu Perret im Cabaret Voltaire. Mit einem alternativen Saalblatt reagieren die Studierende auf die Ausstellung und laden zu einer Vernissage ihrer Lesart mit Performances im Historischen Saal des Cabaret Voltaire ein.

Von und mit: Paula Thomaka, Nistiman Erdede, Amanda Hunt, Hans-Jakob Mühlethaler, Caroline Ann Baur, Nicole Frei.

Am Donnerstag, den 9. März, geht die Reihe «The Psychedelic Salon» weiter. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über breite Themen gesprochen, die von Subkultur, Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis zu Ökologie reichen.
Wir zeigen The Mushroom Speaks (2021), ein Dokumentarfilm von Marion Neumann, der die heilenden Qualitäten von Pilzen und ihre Fähigkeit zur Regeneration erforscht. In ihrem Film würdigt die Regisseurin nicht nur die Magie der Pilze, sondern stellt die These auf, Pilze könnten die Menschheit vor der kommenden Klimaapokalypse retten.

The Mushroom Speaks wurde kürzlich im The Guardian besprochen:
«Considering that the cultivation of fungal cultures has allowed us to ease our physical ailments as well as repair damaged ecosystems, the film posits that, beyond a transactional relationship, humans can also model our behaviours after the virtues of the mushroom.» (Phuong Le, 21 February 2023)

18:00 – Meet und Greet
19:00 – Neuigkeiten und Einführung mit Marion Neumann
19:15 – Screening: The Mushroom Speaks
20:45 – Diskussion

Aufgrund von organisatorischen Verzögerungen kann der mexikanische Künstler Gabriel Mestre Arrioja leider nicht wie angekündigt erscheinen. Sein Besuch wird auf einen anderen Salon verschoben.

Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch bis zum Abend vom 8. März möglich.

Die Reihe «The Psychedelic Salon» in Zusammenarbeit mit Susanne G. Seiler findet regelmässig im Cabaret Voltaire statt. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über breite Themen gesprochen, die von Subkultur, Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis zu Ökologie reichen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austauschüber die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Am 21. Februar findet wieder die Soiree «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» im Rahmen der Ausstellung von Ilaria Vinci statt. Im Historischen Saal des Cabaret Voltaire laden die Künstlerin Ilaria Vinci und CZARNAGORA (Rafal Skoczek) zum Schachturnier ein. Die Partien werden live mit Sound-Interventionen von ALY-X und Axel Kolb begleitet, die den Fokus der Spielenden herausfordern. Der Anlass steht auch Zuschauer*innen offen. Der Eintritt ist frei.

BLITZ CHESS TOURNAMENT
Die Gegner*innen spielen BLITZ CHESS mit einer Gesamtzeit von zehn Minuten pro Partie (ohne Bonuszeit). Das Turnier besteht aus acht Spieler*innen, die im direkten Ausschlussverfahren gegeneinander antreten. Der*die endgültige Gewinner*in der drei Partien erhält eine Goldmedaille und ein von der Künstlerin entworfenes T-Shirt in limitierter Auflage. Es können mehrere Turniere gleichzeitig stattfinden. Wenn Sie am BLITZ CHESS teilnehmen möchten, melden Sie sich bitte via info@cabaretvoltaire.ch an (mit Angabe zum Schach-Level).

FREE PLAY
Hier können sich Partien freier bilden. Sie können zum Spass spielen oder einfach üben und Ihre Fähigkeiten perfektionieren – das ist ganz Ihnen überlassen. Schachbretter stehen zur Verfügung, gerne können eigene Bretter mitgebracht werden. Eine Anmeldung ist nicht nötig, es hilft uns jedoch trotzdem, damit wir die Anzahl der Schachbretter abschätzen können.

THE NOISE
Klang und Schach haben eine dadaistische Tradition. Marcel Duchamp und John Cage entwickelten kurz vor Duchamps Tod 1968 das Projekt «Reunion», bei dem Schachspiele in Musikstücke verwandelt wurden. Diesmal werden die Schachpartien von Noise-Sets von ALY-X und Axel Kolb begleitet.

«Klänge zu hören ist für mich so, als würde ich mich irgendwo zwischen dem auditorischen Kortex und dem Bewusstsein aufhalten.»
Aleyna Günay auch bekannt als ALY-X (geb. 1995) Künstlerin und elektronische Musikerin aus Istanbul. Sie begann als Pianistin, als sie sechs Jahre alt war, und komponierte weiter. Nach vielen Jahren wurde ihr Stil härter und diese Erkundung kombiniert Dronescapes, harsche Lärmwände und Doom. Sie hat ihr Projekt ALY-X im Jahr 2018 in Paris gestartet. Sie ist weithin bekannt mit Speedcore, Splittercore und Terror-Genres.
Günay lebt und arbeitet in Zürich. www.aleynagunay.com

Der Musiker und Komponist Axel Kolb studiert Komposition an der ZHdK und lebt in Zürich. Neben seiner Praxis in Spatial Audio und Solo-Posaunen-Performances organisiert und co-kuratiert er «Spectres», eine Reihe für elektroakustische Musik: www.spectres.ch

Am Freitag, 17. Februar, findet im Cabaret Voltaire wieder die «Chaostage» von Ajana Dracula & friends statt.

Wir laden dazu ein, auf der offenen Bühne aufzutreten: Reden halten, Lieder singen, Instrumente spielen, Tänze oder Performances vorführen, rappen, Gedichte rezitieren, einen Film zeigen – alle Beiträge sind willkommen.
Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, Klavier, Verstärker, Computer, Beamer sowie je max.10 Minuten zur Verfügung.

In allen Sprachen. Verkleidung erwünscht!

Türöffnung: 20:00
Freier Eintritt.
Anmeldung an ajanadracula239@gmail.com

Wir freuen uns auf zahlreiches Erscheinen und Mitmachen!

In seiner neuen Performance «The Way I Are» arbeitet Luca Büchler mit Tanz und den verschiedenen Aspekten der passiven und aktiven Teilnahme, die sich aus dem Cruising ergeben. Büchler nutzt Cruising – die Praxis des Beobachtens und Begegnens von potentiellen Partner*innen in einem alltäglichen Kontext – um Bewegungen zu hinterfragen. Der Künstler begegnet damit seiner eingeschriebenen Körpersprache und bewegt sich dabei zwischen Fakt, der erkennbaren Form, und Fiktion, dem Interpretationsspielraum. Jede Geste, jeder Blick ist dabei dem Gegenüber und dessen subjektiven und kulturellen Lesearten ausgeliefert. Büchler möchte soziale Protokolle jedoch nicht einfach offenlegen. Durch die Wiederholung hinterfragt er diese und flirtet damit, Formen der Repräsentation sowie Interpretation zu vervielfachen, um individuelle Fantasien zu kreieren.

Besucher*innen sind eingeladen, sich während der gesamten Dauer der von Musik und Licht begleiteten Performance frei im Raum zu bewegen. Die Bar im Historischen Saal ist während der 90-minütigen-Performance geöffnet.

Am Donnerstag, den 9. Februar, findet im Cabaret Voltaire erneut «The Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Susanne G. Seiler unter dem Titel «The Love you Take is Equal to the Love you Make. LSD in the Sixties». Danach psychedelisches DJ-Set von Kalabrese.

«The love you make is equal to the love you take» ist ein Zitat der Beatles, das die Philosophie der Peace-and-Love-Ära zusammenfasst, in der die Hippies mit alternativen Therapien experimentierten. Die LSD-Therapie zum Beispiel, die damals in Nordamerika noch legal war, war weit verbreitet. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Susanne G. Seiler studierte Soziologie und Linguistik in Toronto und Ottawa, Kanada. Sie ist Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters «gaiamedia goodnews» und organisiert und moderiert den monatlichen «The Psychedelic Salon». Als Zeitzeugin der Anfänge der Drogenkultur in den sechziger und siebziger Jahren lernte sie viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann, die Psychologin und Theologin Jean Houston, Terence McKenna oder den Delphin- und Bewusstseinsforscher John C. Lilly kennen. Susanne lebt in Zürich und arbeitet an einem Buch über ihre Erfahrungen, das im Herbst unter dem Titel «Mein psychelisches Leben» im Nachtschatten Verlag, Solothurn, erscheinen wird.

Kalabrese (Sacha Winkler) ist ein Zürcher Musiker, DJ, Musikproduzent und Co-Inhaber des Club Zukunft, der uns mit einem psychedelischen Set erfreut. Mehr Informationen: http://kalabrese.com

Eintritt: CHF 15 – der Anlass findet in englischer Sprache statt.

18:00 – Meet & Greet
19:00 – Vortrag Susanne G. Seiler
20:15 – Diskussion
21:00 – DJ Kalabrese

Die Veranstaltung kann auch online über diesen Link verfolgt werden: https://us02web.zoom.us/j/85085741374?pwd=TzNTU1VZdG1SRXRzU3pxWkZSM1RCQT09
Meeting-ID: 850 8574 1374
Kenncode: 579840

Weitere Daten: 9. März, 13. April, 11. Mai 2023.

Editionsvorstellung mit dem Künstler David Horvitz, eine Lesung in Georgisch mit Elene Abashidze, in Englisch mit David Horvitz und einleitende Gedanken zum Wetter von Nina Kunz.

In der georgischen Sprache existieren 64 verschiedene Bezeichnungen für Regen. Der Künstler David Horvitz arbeitete mit der in Tiflis lebenden Kuratorin Elene Abashidze zusammen, um diese Wörter zu sammeln. Das Ergebnis ist ein Glossar, welches die subtilen Unterschiede beschreibt, wie Wasser vom Himmel fallen kann. Der Reichtum an Ausdrücken für ein einziges Naturphänomen macht auch sichtbar, was wir durch die Auswirkungen der Klimakrise verlieren werden, wenn die Vielfalt an Begriffen für Regen keine Anwendung mehr finden.

Die Arbeit entstand anlässlich der Ausstellung «The Palace of Concrete Poetry» im Writers' House of Georgia in Tiflis (9. September – 9. Oktober 2022). Das Künstlerbuch «Წვიმა Rain» enthält das gesamte Glossar und ist verlegt bei Edition Taube in einer Auflage von 1000 Unikaten, und einer mit georgischem Regenwasser gedruckten Sonderedition.

Design: Jan Steinbach.

David Horvitz wird auch am nächsten Tag, den 01.02.2023, in Zürich im MATERIAL eine weitere neue Arbeit vorstellen und Bücher signieren.

Mit Sigrid Adorf, Medea Hoch, Salome Hohl, Hubertus Design, Walburga Krupp, Nimbus. Kunst und Bücher, Petra Ronner

Während das Werk der Pionierin konstruktiver Kunst aus der Schweiz international immer bekannter wurde, hat sich die kunsthistorische Rezeption weiterhin auf Erinnerungstexte von Hans Arp und weiterer Weggefährt*innen verlassen, die nach dem frühen Unfalltod Sophie Taeuber-Arps aufgezeichnet wurden. In der neu erschienenen dreibändigen Briefausgabe kann die Künstlerin endlich selbst zu Wort kommen. Der Perspektivenwechsel zeigt eine reflektierte, bestimmte und auch einmal aufgebrachte Sophie Taeuber-Arp und relativiert die bisherigen Zuschreibungen seitens der Künstlerkolleg*innen. Die Korrespondenz mit den nächsten Bezugspersonen erstreckt sich beinahe über die gesamte Lebenszeit Sophie Taeuber-Arps und liest sich wie eine Autobiografie in Fragmenten. Sie gibt Einblicke in unbekannte Lebenszusammenhänge und das innovative transdisziplinäre Schaffen der Künstlerin.

Die Briefedition wurde von Medea Hoch, Walburga Krupp und Sigrid Schade am Institut for Cultural Studies in the Arts der Zürcher Hochschule der Künste herausgegebenen und bei Nimbus. Kunst und Bücher in Wädenswil 2021 verlegt. Anlässlich der Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend, Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret» im Cabaret Voltaire soll ihr Erscheinen gefeiert werden mit Beiträgen zu den Briefen und zur prämierten Gestaltung von Hubertus Design, einem Büchertisch sowie einer Ananas-Bowle, roten Lampions und Klavierstücken von Béla Bartók, von denen die Briefe berichten. Die rumänische Weihnachtsmusik (Colinde) von Béla Bartók (1881–1945) besteht aus zwei Serien an zehn Klavierstücken betitelt «Rumänische Weihnachtslieder» (1915).

«Zeitgenössischer Antisemitismus im Werk von Hugo Ball und dessen Gegenwartsbezüge»

Seit 1990 verleiht die Stadt Pirmasens alle drei Jahre den Hugo-Ball-Preis. Mit dem Kulturpreis würdigt die Stadt das Wirken des in Pirmasens geborenen Künstlers, Schriftstellers und Kriegsgegners Hugo Ball (1886-1927). Dieser hat – u. a. 1916 im Züricher Cabaret Voltaire – mit Dada eine der einflussreichsten Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts mitbegründet.

Den Hauptpreis des Jahres 2023 sprachen die Jury und die Stadt Pirmasens im Dezember mit Hito Steyerl einer der international bedeutendsten Künstlerinnen der Gegenwart zu, den Förderpreis der Schriftstellerin, Dramaturgin, Musikerin und Performerin Olivia Wenzel.

Auf Anregung von Hito Steyerl hat die Stadt Pirmasens gemeinsam mit den beiden Preisträgerinnen und der Vorschlagskommission entschieden, die Verleihung des Hugo-Ball-Preises im Jahr 2023 auszusetzen zugunsten einer offenen Debatte über antisemitische Klischees in der Zeit Hugo Balls und unserer Gegenwart.

Im frühen 20. Jahrhundert war antisemitisches Gedankengut weit verbreitet, auch viele Künstlerinnen und Künstler beförderten solche Ressentiments. Entsprechende Textpassagen finden sich auch bei Hugo Ball, etwa in seiner 1919 erschienenen Schrift «Zur Kritik der deutschen Intelligenz». Damit haben sich die Fachwissenschaft und vor allem auch die Hugo-Ball-Gesellschaft bereits ausführlich und wiederholt beschäftigt; sie sind jedoch in der breiten öffentlichen Wahrnehmung nicht präsent.

Unter dem Eindruck antisemitischer sowie rassistischer Vorurteile und Vorfälle in der Gegenwart halten die Stadt Pirmasens, die Vorschlagskommission und die beiden Ausgezeichneten eine erweiterte Auseinandersetzung mit Antisemitismus und anderen Formen der Diskriminierung für vordringlich und geboten.

Denn alle Beteiligten möchten mit der Verleihung des Preises künftig auch ein starkes Zeichen gegen Antisemitismus und Rassismus verbinden.

Auftakt der Debatte ist eine öffentliche und zudem auf Youtube unter www.youtube.com/@pirmasenslive1 zugängliche Veranstaltung am 23. Januar 2023, um 19 Uhr, in der Festhalle in Pirmasens.

Im Rahmen einer moderierten Podiumsdiskussion beschäftigen sich dort ausgewiesene Fachleute verschiedener Disziplinen mit dem Thema «zeitgenössischer Antisemitismus im Werk von Hugo Ball und dessen Gegenwartsbezüge».

Eine weitere Veranstaltung zu Hugo Balls intellektuellem Umfeld ist im Laufe des Jahres im Cabaret Voltaire in Zürich geplant. Dessen Direktorin Salome Hohl setzt es sich zum Ziel, Ambivalenzen der für die Kultur der Moderne so prägenden Dada-Bewegung weiter auszuleuchten, auch hinsichtlich ihrer antisemitischen, kolonialistischen und rassistischen Spuren.

Bis zum Ende dieses Prozesses soll die Verleihung des Hugo-Ball-Preises ausgesetzt werden, um die wichtige Debatte nicht unter Zeitdruck führen zu müssen. Die für 5. März 2023 vorgesehene Veranstaltung wird abgesagt.

«Ich bin Hito Steyerl sehr dankbar dafür, dass sie mit ihrer Nominierung eine wichtige Debatte zum Thema Antisemitismus angestoßen hat», so der Pirmasenser Oberbürgermeister Markus Zwick. «Denn Pirmasens und der Hugo-Ball-Preis beziehen klar Position gegen Antisemitismus, Rassismus und andere Formen der Diskriminierung!»

Auch Hito Steyerl ist froh über den gemeinsamen Weg, den Pirmasens mit ihr und Olivia Wenzel eingeschlagen hat: «Ich bedanke mich ausdrücklich dafür, dass die Stadt Pirmasens und Oberbürgermeister Zwick einen konstruktiven Weg wählen, um einen Umgang mit unbestreitbar antisemitischen Motiven in Balls Werk zu finden. Dieses Verfahren könnte einen Modellcharakter für den Umgang mit Deutschlands in Teilen antisemitischem und rassistischem kulturellen Erbe bieten und so ein zukunftsweisendes Beispiel darstellen».

Olivia Wenzel begrüßt den anstehenden Prozess ebenfalls sehr: «Es ist gut, dass hier im Idealfall ein konstruktiver wie kritischer Prozess angestoßen wird; ich hoffe, er gelingt.»

Die Vorschlagskommission begrüßt den eingeschlagenen Weg. Ihr gehören der Literaturkritiker Dr. Helmut Böttiger, Salome Hohl vom Cabaret Voltaire in Zürich und die Kunsthistorikerin und Redakteurin der Süddeutschen Zeitung, Dr. Kia Vahland an.

Die Vorschlagskommission teilt mit: «Wir haben uns dafür ausgesprochen, den Preis im Jahr 2023 auszusetzen zugunsten einer aktualisierten kritischen Auseinandersetzung mit Hugo Balls Werk und Umfeld sowie einer Debatte darüber, welche Schlüsse sich für unsere von antisemitischen und rassistischen Vorurteilen und Vorfällen gezeichneten Gegenwart ziehen lassen. Wir danken der Stadt Pirmasens für ihre Bereitschaft, diesen Prozess zu gestalten, Hito Steyerl für ihren Impuls, Olivia Wenzel für ihre Unterstützung.»

Auf einen Blick:

Bei der Diskussion am Montag, 23. Januar 2023, sind folgende Gäste auf dem Podium in der Pirmasenser Festhalle vertreten:

Dr. Bernd Wacker, ist Vorsitzender der Hugo-Ball-Gesellschaft, katholischer Theologe und Hugo-Ball-Forscher. Er ist zudem im christlich-jüdischen Dialog engagiert und hat in diesem Kontext u.a. zu den judenfeindlichen bzw. antisemitischen Bildwerken im Kölner Dom veröffentlicht.

Dr. Susanne Urban, Leiterin der Recherche- und Informationsstelle Antisemitismus Hessen (RIAS); zuvor u.a. in den Arolsen Archives, Yad Vashem und für den SchUM-Städte e.V. tätig.

Prof. Dr. Helmuth Kiesel ist ausgewiesener Literaturwissenschaftler an der Universität Heidelberg mit Schwerpunkt 20. Jahrhundert, dessen Werk, gerade was die Zeit Hugo Balls angeht, längst zum wissenschaftlichen Kanon gehört.

Prof. Dr. Johannes Heil ist Ignatz-Bubis-Stiftungsprofessor für Religion, Geschichte und Kultur des europäischen Judentums an der Hochschule für Jüdische Studien Heidelberg. Die staatlich anerkannte Hochschule wird vom Zentralrat der Juden in Deutschland getragen. Johannes Heil, ein exzellenter Kenner nicht zuletzt auch des mittelalterlichen Judentums, war dort jahrelanger Rektor.

Prof. Dr. Magnus Brechtken ist Historiker, Politikwissenschaftler und Philosoph – ausgewiesener Experte im Thema Antisemitismus der 1910er und 1920er Jahre und Vizedirektor des Instituts für Zeitgeschichte München, eine international renommierte Institution zur historischen Einordnung.

Prof. Dr. Meron Mendel (zugeschaltet), ist Publizist, Historiker, Pädagoge und Direktor der Bildungsstätte Anne Frank mit Sitz in Frankfurt am Main.

Die Moderation übernimmt Angela Gutzeit, freie Redakteurin und Moderatorin beim Deutschlandfunk und Kritikerin für andere Rundfunkanstalten und Medien.

Im Herbst und Winter 2022 laden Cabaret Voltaire und CARAH – Collective for Anti-Racist Art History herzlich zu einer Reading Group ein. Gemeinsam wollen wir uns der Lektüre und Diskussion von Texten zu (Anti-)Rassismus in der Kunstgeschichte und damit im Zusammenhang stehenden Themen widmen.

Die Reading Group trifft sich jeweils um 18.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:

• 27. September, 2022
• 25. Oktober, 2022
• 22. November, 2022
• 13. December, 2022

Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.

Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.cherforderlich.

Lesestoff für den 27.09.2022 – The Gaze:

• Homi Bhaba «Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art», in: Artforum 33 (6), Februar 1995.
• Kobena Mercer «Looking for Trouble», in: Transition 51, 1991.
• McKenzie Wark «The Cis Gaze and Its Others (for Shola)», in: e-flux journal 117, April 2021.

Lesestoff für den 25.10.2022 – Colonial Switzerland:

• Rohit Jain «How to Be Affected in Postcolonial Public Spaces? Ethnographic Remarks on a Multifocal World in the Making...», in: On Curating 35, Dezember 2017, Decolonizing Art Institutions, S. 119–128.
• Patricia Purtschert und Harald Fischer-Tiné «Introduction», in: Colonial Switzerland: Rethinking Colonialism from the Margins, London 2015, S. 1–15.

Fakulktativ können Sie ausserdem zusätzlich folgende Videos schauen (mehrheitlich auf Deutsch):

• Symposium «Die Postkoloniale Schweiz», mit Patricia Purtschert, Noémi Michel, Bernhard C. Schär und Fatima Moumouni, Moderation von Marcy Goldberg, Kunsthaus Zürich, 2020: https://www.youtube.com/watch?v=AHrnyEjjrco
• «M wie Mauritius, N wie Negieren!? Eine Talkshow zu postkolonialen Verwirrungen in Bern & Beyond», mit Izabel Barros, Mardoché Kabengele und Dennis Schwabenland, Moderation von Fatima Moumouni und Bernhard Schär, Festival Fragments & Absences, Grand Palais Bern, 2021: https://www.youtube.com/watch?v=S96Z5cYYfnA

Lesestoff für den 22.11.2022 – Othering:

• Renée Green «Trading on the Margin», in: Transition 52, 1991, S. 124–32.
• Renée Green « I Won’t Play Other to Your Same», in: Meaning 7, Mai 1990, S. 15–16.

Fakultativ können Sie sich zur Vorbereitung über Renée Greens Ausstellung informieren, die momentan im Migros Museum für Gegenwartskunst zu sehen ist oder das Gespräch mit Green anschauen, das im Rahmen der Ausstellung organisiert wurde.

Lesestoff für den 13.12.2022 – Open Letters:

• Black Artists and Cultural Workers in Switzerland, «Open Letter to Swiss Cultural Institutions, Museums, Art Spaces, Galleries and Artist-Run Spaces» (9. Juni 2020) und «To All Art Spaces in Switzerland» (9. Juni 2021)
• Studierende der Freien Universität Berlin, «Dekoloniale Visionen: Zur Neubesetzung der W3-Universitätsprofessur für Kunst und visuelle Kulturen Afrikas am Kunsthistorischen Institut der Freien Universität Berlin» (16. November 2022)
• Lumbung Community, «We Are Angry, We Are Sad, We Are Tired, We Are United» (10. September 2022)

Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.

CARAH ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Dekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.

Am Donnerstag, den 8. Dezember, findet im Cabaret Voltaire der von Susanne G. Seiler organisierte psychedelische Salon statt.
Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Helena Aicher, Doktorandin in Psychologie an der Universität Zürich, unter dem Titel: Ayahuasca and analogues. Psychedelic research at the University of Zurich.

Es werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

– 18:00 Uhr: Meet & Greet
– 19:00 Uhr: News & Einführung
– 19:15 Uhr: Helena Aicher: Ayahuasca & Analogues. Psychedelic Research an der Universität Zürich
– 20:15 Uhr: Diskussion
– 21:00 Uhr: Happy Hour (Öffnung der Türen für die Öffentlichkeit

Eintritt: CHF 15 – der Anlass findet in englischer Sprache statt.

Susanne G. Seiler studierte Soziologie und Linguistik in Toronto und Ottawa, Kanada. Sie ist Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters «gaiamedia goodnews» und organisiert und moderiert den monatlichen PSYCHEDELIC SALON. Als Zeitzeugin der Anfänge der Drogenkultur in den sechziger und siebziger Jahren lernte sie viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann, die Psychologin und Theologin Jean Houston, Terence McKenna oder den Delphin- und Bewusstseinsforscher John C. Lilly kennen. Susanne lebt in Zürich und arbeitet an einem Buch über ihre Erfahrungen, das im Herbst unter dem Titel «Mein psychelisches Leben» im Nachtschatten Verlag, Solothurn, erscheinen wird.

Weitere Daten: 9. Februar, 9. März, 13. April, 11. Mai 2023.

Im Herbst und Winter 2022 laden Cabaret Voltaire und CARAH – Collective for Anti-Racist Art History herzlich zu einer Reading Group ein. Gemeinsam wollen wir uns der Lektüre und Diskussion von Texten zu (Anti-)Rassismus in der Kunstgeschichte und damit im Zusammenhang stehenden Themen widmen.

Die Reading Group trifft sich jeweils um 18.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:

• 27. September, 2022
• 25. Oktober, 2022
• 22. November, 2022
• 13. December, 2022

Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.

Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.cherforderlich.

Lesestoff für den 27.09.2022 – The Gaze:

• Homi Bhaba «Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art», in: Artforum 33 (6), Februar 1995.
• Kobena Mercer «Looking for Trouble», in: Transition 51, 1991.
• McKenzie Wark «The Cis Gaze and Its Others (for Shola)», in: e-flux journal 117, April 2021.

Lesestoff für den 25.10.2022 – Colonial Switzerland:

• Rohit Jain «How to Be Affected in Postcolonial Public Spaces? Ethnographic Remarks on a Multifocal World in the Making...», in: On Curating 35, Dezember 2017, Decolonizing Art Institutions, S. 119–128.
• Patricia Purtschert und Harald Fischer-Tiné «Introduction», in: Colonial Switzerland: Rethinking Colonialism from the Margins, London 2015, S. 1–15.

Fakulktativ können Sie ausserdem zusätzlich folgende Videos schauen (mehrheitlich auf Deutsch):

• Symposium «Die Postkoloniale Schweiz», mit Patricia Purtschert, Noémi Michel, Bernhard C. Schär und Fatima Moumouni, Moderation von Marcy Goldberg, Kunsthaus Zürich, 2020: https://www.youtube.com/watch?v=AHrnyEjjrco
• «M wie Mauritius, N wie Negieren!? Eine Talkshow zu postkolonialen Verwirrungen in Bern & Beyond», mit Izabel Barros, Mardoché Kabengele und Dennis Schwabenland, Moderation von Fatima Moumouni und Bernhard Schär, Festival Fragments & Absences, Grand Palais Bern, 2021: https://www.youtube.com/watch?v=S96Z5cYYfnA

Lesestoff für den 22.11.2022 – Othering:

• Renée Green «Trading on the Margin», in: Transition 52, 1991, S. 124–32.
• Renée Green « I Won’t Play Other to Your Same», in: Meaning 7, Mai 1990, S. 15–16.

Fakultativ können Sie sich zur Vorbereitung über Renée Greens Ausstellung informieren, die momentan im Migros Museum für Gegenwartskunst zu sehen ist oder das Gespräch mit Green anschauen, das im Rahmen der Ausstellung organisiert wurde.

Lesestoff für den 13.12.2022 – Open Letters:

• Black Artists and Cultural Workers in Switzerland, «Open Letter to Swiss Cultural Institutions, Museums, Art Spaces, Galleries and Artist-Run Spaces» (9. Juni 2020) und «To All Art Spaces in Switzerland» (9. Juni 2021)
• Studierende der Freien Universität Berlin, «Dekoloniale Visionen: Zur Neubesetzung der W3-Universitätsprofessur für Kunst und visuelle Kulturen Afrikas am Kunsthistorischen Institut der Freien Universität Berlin» (16. November 2022)
• Lumbung Community, «We Are Angry, We Are Sad, We Are Tired, We Are United» (10. September 2022)

Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.

CARAH ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Dekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.

Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine halbfiktionale Lesegruppe, die Ende 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen ins Leben gerufen wurde. Die Gruppe beschäftigt sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen. Der SRC betrachtet, erforscht und unterbricht die «Leser*innenschaft» als eine Möglichkeit, die Kontaktzonen zwischen Leser*in und Text, Text und Text, Leser*in und Leser*in zu stimulieren. Wenn Lesen eine Handlung ist, die ausgeführt wird, könnte sie dann auch choreografiert werden? Und könnten solche Choreografien einen Raum des Lesens eröffnen, der über die strenge Definition des Lesens fürs Verständnis hinausgeht?

Die Veranstaltung im Cabaret Voltaire besteht aus einer Reihe von text- und körperbasierten Leseprotokollen und einem Bootleg-Zine mit raubkopierten Texten, die von Festplatten mit experimentellen Texten, Poesie und Theorie stammen. Die Texte sind in englischer Sprache, Teilnehmer*innen von jeglicher Sprachkompetenz sind jedoch willkommen.

In Zusammenarbeit mit der Zürcher Hochschule der Künste und dem Neumarkt.

Am 8. November wird die Filmwissenschaftlerin Laura Mulvey anlässlich ihres ersten Besuchs in Zürich auf die Ausstellung «Frida Kahlo and Tina Modotti» zurückblicken, um die Ziele und ästhetischen Entscheidungen der kuratorischen Arbeit zu reflektieren; sie wird auch über die praktischen und theoretischen Prozesse sprechen, die zur Umsetzung der Ausstellung in einen Bildschirmraum führten.

Das Gespräch findet in Englisch statt und wird von Linda Waack, Oberassistentin am Seminar für Filmwissenschaft der Universität Zürich, moderiert. Die Veranstaltung wird von einer kleinen Ausstellung begleitet, die vom 1. bis 13. November im Historischen Saal zu sehen ist.

Der Abend mit Laura Mulvey ist Teil der Veranstaltung «Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zürich» organisiert durch das Seminar für Filmwissenschaft. Mehr Infos

In Kollaboration mit gta invites (Institut für Geschichte und Theorie der Architektur der ETH Zürich):

Vortrag von Michael Stevenson. Die Befragten: Khensani Jurczok-de Klerk und Daniel Tischler. Moderation: Adam Jasper.

Seit den 1980er-Jahren hat der 1964 in Neuseeland geborene und in Berlin lebende Michael Stevenson eine künstlerische Sprache entwickelt, die sich an der Schnittstelle von Wirtschaft, Technologie, Bildung und Glauben bewegt. In seiner Arbeit untersucht er die infrastrukturellen Systeme, die sich auf diese Bereiche beziehen.

In der unkonventionellen Übersichtsausstellung Disproof Does Not Equal Disbelief (KW Berlin 2021) waren frühe Arbeiten neben neueren grossformatigen skulpturalen Installationen zu sehen. Die Navigation in den Galerieräumen wurde zu einer zentralen Frage; sowohl als geplante als auch als unmittelbare Erfahrung. In diesen Räumen reagieren die Kunstwerke als Material und Erzählung aufeinander – eine Art Inszenierung – und ziehen die Architektur weiter in die Kreisbahn der Analogie: In diesem Fall Anatomie und Verdauung. Was bedeutet es, ungläubig zu sein, wenn wir uns in einer Umgebung befinden, die so eingeschlossen und desorientierend ist wie jene, die Jona im Bauch des Wals erlebte?

Michael Stevenson stellt seit den späten 1980er-Jahren aus. Umfassende Ausstellungen fanden 2021 im KW Institute for Contemporary Art in Berlin sowie 2011 im Museum of Contemporary Art Australia in Sydney statt. Michael Stevenson vertrat Neuseeland auf der 50. Biennale von Venedig und seine Arbeiten wurden in gross angelegten thematischen Ausstellungen gezeigt, darunter an der 21. Biennale von Sydney, der 6. und 8. Berlin Biennale, an der Liverpool Biennale in 2014, an der 2. Athens Biennale, die 8. Panama Art Biennale sowie an der 5. Asia-Pacific Triennial.

Eine Panel-Diskussion des Doktoratprogramms Epistemologien ästhetischer Praktiken der Universität Zürich.

Im Rahmen der Jahrestagung «Verschwörung, Fake und Gewissheiten. Fragen zum Beitrag der Künste und ihrer Theorien in Zeiten gesellschaftlichen Wandels» findet am Samstag 28. Oktober im Cabaret Voltaire den Panel «Verlernen. Postkoloniale Perspektiven», mit María do Mar Castro Varela (Berlin), Michaela Ott (Hamburg), Marita Tatari (Stuttgart/Berlin) statt, moderiert bei Ines Kleesattel (Zürich).

Die Denkfigur Verlernen sowie die Versuche ihrer Realisierung ist in aktuellen Künsten ebenso anwesend wie in anderen Diskursen. Während der Gedanke des Delinking von Walter D. Mignolo darauf abzielt, dass die Subjekte an den Rändern (border) eurozentristischen Denkens ihre eigenen Perspektiven entwickeln sollen, zielt der Begriff des Verlernens darauf, hegemoniales Wissen im Zentrum seiner Produktion zu hinterfragen. Anders gesagt, diejenigen, die versuchen, zu verlernen, beschäftigen sich mit sich selbst. Wie lies- sen sich beide Konzeptionen, die des Delinking und die des Verlernens, überhaupt zusammendenken und welche Gefahren und Selbstverständnisse bringen sie mit sich? Kann ein «unordentliches Denken» (Castro Varela) tatsächlich die Pfade westlichen Denkens verlassen oder ist «unordentliches Denken», das als Erwartung an die Künste herangetragen worden ist, nicht eher Teil des westlichen Denkens selbst.

Die Tagung des Doktoratsprogramms Epistemologien ästhetischer Praktiken findet vom 28. bis 30. Oktober 2022 in der Universität Zürich und im Cabaret Voltaire statt. Sie widmet sich den Künsten und ihren Theorien in Debatten um Verschwörungen, Fake-News und (Un-)Gewissheiten heute und wirft die Frage auf, welche Rolle letzteren bei der Formung aktueller Zustände zukommt. Bereits in den Auseinandersetzungen während der 1980er und 1990er Jahre sind Themen solcher Art intensiv diskutiert worden, etwa wenn es um Fakt und Fiktion, Ambivalenz und Unentscheidbarkeit, (Im-)Materialität und um die Verknotung des Realen, Symbolischen und Imaginären ging. Diese Diskussionen scheinen nun, oftmals unter umgekehrten theoretischen und politischen Vorzeichen, ein unerwartetes Nachleben entwickelt zu haben. Daher stellt sich umso dringlicher die Frage, was der Beitrag der Künste im gesellschaftlichen Wandel heute sein könnte.

Beiträge des Panels im Cabaret Voltaire:

María do Mar Castro Varela (Berlin): «Belohnte Ignoranz verlernen. Ethische Betrachtungen»

María do Mar Castro Varela ist Professorin für Soziale Arbeit und Allgemeine Pädagogik an der Alice Salomon Hochschule Berlin. Sie forscht zu postkolonialer Theorie, Rassismus, Antisemitismus, Migration und Kritischer Theorie. In diesem Jahr erschien ihr Buch Double Bind postkolonial.

Michaela Ott (Hamburg): «Um-Lernen als epistemologisches Dividuationsverfahren»

Michaela Ott ist Professorin für Ästhetische Theorien an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Ihre Forschungsschwerpunkte sind poststrukturalistische Philosophie, Ästhetik und Politik, Ästhetik des Films, Affekttheorie, Theorien des Raums, Kunst-Wissen, (In)Dividuation, postkoloniale Theorie, afrikanische Philosophie und Kunst.

Marita Tatari (Stuttgart/Berlin): «Über die Entscheidung, das westliche Denken zu verlassen»

Marita Tatari vertritt die Professur Gegenwartsästhetik an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart. Ihre Schwerpunkte sind Kontinentalphilosophie, Ästhetik und Kunsttheorie, sowie u. a. räumliche und performative Aspekte der Künste, Epistemologie der Performance, Realität der Kunst und Kunstwerk als Handlung.

Moderierung: Ines Kleesattel

Ines Kleesattel ist Dozentin im Master Art Education der ZHdK und forscht am FSP Kulturanalyse in den Künsten zu situierter Ästhetik, künstlerischer Forschung und experimentellen Theoriepraktiken. 2021/2022 vertrat sie die Professur für Kunstvermittlung und Ästhetik in der Fachgruppe Kunst an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

Im Herbst und Winter 2022 laden Cabaret Voltaire und CARAH – Collective for Anti-Racist Art History herzlich zu einer Reading Group ein. Gemeinsam wollen wir uns der Lektüre und Diskussion von Texten zu (Anti-)Rassismus in der Kunstgeschichte und damit im Zusammenhang stehenden Themen widmen.

Die Reading Group trifft sich jeweils um 18.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:

• 27. September, 2022
• 25. Oktober, 2022
• 22. November, 2022
• 13. December, 2022

Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.

Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.cherforderlich.

Lesestoff für den 27.09.2022 – The Gaze:

• Homi Bhaba «Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art», in: Artforum 33 (6), Februar 1995.
• Kobena Mercer «Looking for Trouble», in: Transition 51, 1991.
• McKenzie Wark «The Cis Gaze and Its Others (for Shola)», in: e-flux journal 117, April 2021.

Lesestoff für den 25.10.2022 – Colonial Switzerland:

• Rohit Jain «How to Be Affected in Postcolonial Public Spaces? Ethnographic Remarks on a Multifocal World in the Making...», in: On Curating 35, Dezember 2017, Decolonizing Art Institutions, S. 119–128.
• Patricia Purtschert und Harald Fischer-Tiné «Introduction», in: Colonial Switzerland: Rethinking Colonialism from the Margins, London 2015, S. 1–15.

Fakulktativ können Sie ausserdem zusätzlich folgende Videos schauen (mehrheitlich auf Deutsch):

• Symposium «Die Postkoloniale Schweiz», mit Patricia Purtschert, Noémi Michel, Bernhard C. Schär und Fatima Moumouni, Moderation von Marcy Goldberg, Kunsthaus Zürich, 2020: https://www.youtube.com/watch?v=AHrnyEjjrco
• «M wie Mauritius, N wie Negieren!? Eine Talkshow zu postkolonialen Verwirrungen in Bern & Beyond», mit Izabel Barros, Mardoché Kabengele und Dennis Schwabenland, Moderation von Fatima Moumouni und Bernhard Schär, Festival Fragments & Absences, Grand Palais Bern, 2021: https://www.youtube.com/watch?v=S96Z5cYYfnA

Lesestoff für den 22.11.2022 – Othering:

• Renée Green «Trading on the Margin», in: Transition 52, 1991, S. 124–32.
• Renée Green « I Won’t Play Other to Your Same», in: Meaning 7, Mai 1990, S. 15–16.

Fakultativ können Sie sich zur Vorbereitung über Renée Greens Ausstellung informieren, die momentan im Migros Museum für Gegenwartskunst zu sehen ist oder das Gespräch mit Green anschauen, das im Rahmen der Ausstellung organisiert wurde.

Lesestoff für den 13.12.2022 – Open Letters:

• Black Artists and Cultural Workers in Switzerland, «Open Letter to Swiss Cultural Institutions, Museums, Art Spaces, Galleries and Artist-Run Spaces» (9. Juni 2020) und «To All Art Spaces in Switzerland» (9. Juni 2021)
• Studierende der Freien Universität Berlin, «Dekoloniale Visionen: Zur Neubesetzung der W3-Universitätsprofessur für Kunst und visuelle Kulturen Afrikas am Kunsthistorischen Institut der Freien Universität Berlin» (16. November 2022)
• Lumbung Community, «We Are Angry, We Are Sad, We Are Tired, We Are United» (10. September 2022)

Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.

CARAH ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Dekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.

Am 13. Oktober 2022, ab 18:00 eröffnet die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend». Im Gewölbekeller treten ältere und neu produzierte Werke von Mai-Thu Perret in den Dialog mit Sophie Taeuber-Arp. Im Dada-Haus entsteht eine Diskussion zwischen den Werken von Frauen unterschiedlicher Generationen und Regionen.

Hier erfahren Sie mehr über die Ausstellung.

Am 4. Oktober findet die Soiree «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» im Rahmen der Ausstellung von Ilaria Vinci statt. Auf beiden Stockwerken des Cabaret Voltaire laden die Künstlerin Ilaria Vinci und CZARNAGORA (Rafal Skoczek) zum Schachturnier ein. Die Partien werden live von Sound-Interventionen von CATATONIC LEISURE ALONE (Anton Ponomarev) und Luis Sanz begleitet, die den Fokus der Spielenden herausfordern. Der Anlass steht auch Zuschauer*innen offen.

THE CHESS GAME
BLITZ CHESS TOURNAMENT in der Künstler*innenkneipe: Die Gegner*innen spielen BLITZ CHESS mit einer Gesamtzeit von zehn Minuten pro Partie (ohne Bonuszeit). Das Turnier besteht aus acht Spieler*innen, die im direkten Ausschlussverfahren gegeneinander antreten. Der*die endgültige Gewinner*in der drei Partien erhält eine Goldmedaille und ein von der Künstlerin entworfenes T-Shirt in limitierter Auflage. Es können mehrere Turniere gleichzeitig stattfinden. Wenn Sie am BLITZ CHESS teilnehmen möchten, melden Sie sich bitte via info@cabaretvoltaire.ch an (mit Angabe zum Schach-Level).

FREE PLAY im Historischen Saal: Hier können sich Partien freier bilden. Sie können zum Spass spielen oder einfach üben und Ihre Fähigkeiten perfektionieren – das ist ganz Ihnen überlassen. Schachbretter stehen zur Verfügung, gerne können eigene Bretter mitgebracht werden. Eine Anmeldung ist nicht nötig, es hilft uns jedoch trotzdem, damit wir die Anzahl der Schachbretter abschätzen können.

THE NOISE
Klang und Schach haben eine dadaistische Tradition. Marcel Duchamp und John Cage entwickelten kurz vor Duchamps Tod 1968 das Projekt «Reunion», bei dem Schachspiele in Musikstücke verwandelt wurden.

Anton Ponomarev (CATATONIC LEISURE ALONE) ist ein Rohrblatt-/Blasinstrumenten- und Elektronikspieler aus Zürich mit einer Leidenschaft für Free Jazz, frei improvisierte Musik, Punk Jazz, Grindcore und experimentelle Musik.

Luis Sanz (*1984, Peru) lebt und arbeitet in Bern. Er ist ein multidisziplinärer Künstler, der sich mit synthetischen Klängen, Computergrafik und physischen audiovisuellen Erfahrungen beschäftigt.

Im Herbst und Winter 2022 laden Cabaret Voltaire und CARAH – Collective for Anti-Racist Art History herzlich zu einer Reading Group ein. Gemeinsam wollen wir uns der Lektüre und Diskussion von Texten zu (Anti-)Rassismus in der Kunstgeschichte und damit im Zusammenhang stehenden Themen widmen.

Die Reading Group trifft sich jeweils um 18.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:

• 27. September, 2022
• 25. Oktober, 2022
• 22. November, 2022
• 13. December, 2022

Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.

Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.cherforderlich.

Lesestoff für den 27.09.2022 – The Gaze:

• Homi Bhaba «Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art», in: Artforum 33 (6), Februar 1995.
• Kobena Mercer «Looking for Trouble», in: Transition 51, 1991.
• McKenzie Wark «The Cis Gaze and Its Others (for Shola)», in: e-flux journal 117, April 2021.

Lesestoff für den 25.10.2022 – Colonial Switzerland:

• Rohit Jain «How to Be Affected in Postcolonial Public Spaces? Ethnographic Remarks on a Multifocal World in the Making...», in: On Curating 35, Dezember 2017, Decolonizing Art Institutions, S. 119–128.
• Patricia Purtschert und Harald Fischer-Tiné «Introduction», in: Colonial Switzerland: Rethinking Colonialism from the Margins, London 2015, S. 1–15.

Fakulktativ können Sie ausserdem zusätzlich folgende Videos schauen (mehrheitlich auf Deutsch):

• Symposium «Die Postkoloniale Schweiz», mit Patricia Purtschert, Noémi Michel, Bernhard C. Schär und Fatima Moumouni, Moderation von Marcy Goldberg, Kunsthaus Zürich, 2020: https://www.youtube.com/watch?v=AHrnyEjjrco
• «M wie Mauritius, N wie Negieren!? Eine Talkshow zu postkolonialen Verwirrungen in Bern & Beyond», mit Izabel Barros, Mardoché Kabengele und Dennis Schwabenland, Moderation von Fatima Moumouni und Bernhard Schär, Festival Fragments & Absences, Grand Palais Bern, 2021: https://www.youtube.com/watch?v=S96Z5cYYfnA

Lesestoff für den 22.11.2022 – Othering:

• Renée Green «Trading on the Margin», in: Transition 52, 1991, S. 124–32.
• Renée Green « I Won’t Play Other to Your Same», in: Meaning 7, Mai 1990, S. 15–16.

Fakultativ können Sie sich zur Vorbereitung über Renée Greens Ausstellung informieren, die momentan im Migros Museum für Gegenwartskunst zu sehen ist oder das Gespräch mit Green anschauen, das im Rahmen der Ausstellung organisiert wurde.

Lesestoff für den 13.12.2022 – Open Letters:

• Black Artists and Cultural Workers in Switzerland, «Open Letter to Swiss Cultural Institutions, Museums, Art Spaces, Galleries and Artist-Run Spaces» (9. Juni 2020) und «To All Art Spaces in Switzerland» (9. Juni 2021)
• Studierende der Freien Universität Berlin, «Dekoloniale Visionen: Zur Neubesetzung der W3-Universitätsprofessur für Kunst und visuelle Kulturen Afrikas am Kunsthistorischen Institut der Freien Universität Berlin» (16. November 2022)
• Lumbung Community, «We Are Angry, We Are Sad, We Are Tired, We Are United» (10. September 2022)

Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.

CARAH ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Dekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.

Dada-Rundgang im Zürcher Kreis 1

Zwischen 1916 und 1919 wurden in Zürich durch die Dadaist*innen Impulse gesetzt, welche die Künste weltweit nachhaltig prägen sollten. In Zürich steht mit dem Cabaret Voltaire nicht nur der Ursprungsort von Dada, im Kunsthaus Zürich befindet sich auch eine der wichtigsten Dada-Sammlungen.

Diese Führung mit der Cabaret Voltaire-Leiterin Salome Hohl und der Kunsthaus-Kuratorin Cathérine Hug verbindet die beiden Häuser und führt Sie zu weiteren Dada-Spielstätten, die das Milieu und die Orte zeigen, in denen Dada enstand und wirkte. Besammlung ist vor dem Cabaret Voltaire. Die Führung endet im Kunsthaus Zürich: im Dada-Kabinett und schliesslich beim Max Ernst-Bild in der Kunsthaus-Bar. Im Preis inbegriffen sind die kommentierte Tour und der Dada Pocket Guide.

–Treffpunkt: 18:00 vor dem Cabaret Voltaire

–Kosten: CHF 30.– / 25.– (Studierende) / 20.– (Mitglieder), inkl. Dada Pocket Guide

–Teilnehmerzahl beschränkt. Anmeldung erforderlich.

Tickets können via Ticket-Shop des Kunsthaus bezogen werden.

Der Rundgang findet auf Deutsch statt.

«[not] here» – eine Ausstellung und Soireen von Sarah Burger und Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22

Veranstaltungen:
03.09.22, 18:00–02:00: LANGE NACHT der Zürcher Museen
06.09.22: Soiree «[not] here», Ausstellungseröffnung (ab 18:00) und Dialogue (20:00) zwischen Sarah Burger und Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», musikalische Vertonung der ausgestellten Werke mit Dimitri Howald

Sarah Burger (Zürich) und Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) lernten sich während eines Workshops kennen, bei dem Ribeiro Dinge sammelte, die von verschiedenen Personen mitgebracht wurden, um die Objekte zu Erde zu verarbeiten und eine «gemeinsame Basis» zu schaffen. Burger und Ribeiro entdeckten ein geteiltes Interesse an Tektonik, Erd- und Steinformationen sowie an Landschaften und Geografien, die neue Zugänge zu Geschichte und Zeit ermöglichen. Die Idee, dass ein künstlerischer Austausch für beide fruchtbar sein könnte, entstand. Das Cabaret Voltaire war schon immer ein Ort des künstlerischen Austauschs, der internationalen Zusammenarbeit und des Experimentierens mit neuen Formen der Begegnung. Dieses historische Versprechen bot einen passenden Rahmen für den Dialog zwischen Burger und Ribeiro, der sich entlang von Reflexionen und Aneignungen von Materialeigenschaften, Erzählungen und Geschichten entfaltet. Schnell wurde deutlich, dass ihre Zusammenarbeit nicht nur aus dem Austausch von gemeinsam vereinbarten Vorschlägen bestand, sondern auch aus dem Kennenlernen des jeweils anderen als jemand, der anders arbeitet, reflektiert, assoziiert und artikuliert. Der gemeinsame Fokus liegt – wie vielleicht immer in der Kunst – auf der Frage, was sich im Dazwischen eröffnet: Jeder Blick auf Bildwelten und Objekte offenbart unterschiedliche Wertesysteme, jede Gegenüberstellung von Objekten wirft ein neues Licht auf Texturen, Formen, deren Erzählungen und Symbolik. Im Cabaret Voltaire teilen Burger und Ribeiro Überlegungen und Beobachtungen zu Fragen der Visualität, der Sprache und der Körperlichkeit, wobei sie Präsenz als eine lebendige, nicht fixierte Qualität wahrnehmen, die auch im Verschwinden stattfindet.

Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Die einzige Vorgabe, die Burger kommunizierte, war, dass die Objekte 1:1 geformt werden können und in den Brennofen passen müssen. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen?

Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands ist eine digitale Collage, die auf einem gefundenen Bild von Händen und einer Fotografie einer schnell hergestellten, nicht figurativen Skulptur aus Plastilin basiert. Die Hände scheinen die Skulptur zu evozieren und sie auf magische Weise zu formen, ohne sie zu berühren.

Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
Das Video-Gedicht ist eine Reflexion über die An- und Abwesenheit verschiedener Orte, über erinnerte Räume, die nie zuvor physisch besucht wurden. Burger produzierte das Werk während einer Residenz in Sofia, Bulgarien.

Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize ist Teil einer grösseren Serie mit dem Titel Revolving Actions und experimentiert mit Momenten der Abstraktion der menschlichen Figur, in der Hoffnung, dass die visuelle Destabilisierung andere Beziehungsformen ermöglicht. In beiden Arbeiten ist das Gesicht von einem goldenen Metallgewebe bedeckt, das den Gesichtsausdruck verschleiert, den Kopf als Form aber dennoch in den Vordergrund rücken lässt, während der Körper einer verschwimmenden Unbestimmtheit unterworfen ist. Dematerialize i – dawn ist eine Aktion, die sich mit der Ambivalenz des Verschwindens durch das Sichtbarwerden auseinandersetzt. Die in einer bestimmten Raum-Zeit-Koordinate stattfindende Performance findet im Morgengrauen des St.-Georgs-Tages statt, einer Feier, die in Rio de Janeiro den katholischen Heiligen mit der afrikanischen Gottheit Ogun verbindet. Als Symbol für Schutz und Resistenz predigen die Gläubigen, die Kleidung des Heiligen Georg zu tragen, damit der Feind «Augen hat, aber sie nicht sieht». Die Performance materialisiert dieses Gelübde als eine Mischung aus Anonymität und Überschwang. In Dematerialize ii – dusk, sind lang belichtete Aufnahmen eines zitternden Körpers in der Dunkelheit zu sehen, der seine Konturen verlieren soll. Die lang andauernde Aktion begann in Rio de Janeiro um 17:27 Uhr, bei Vollmondaufgang, dauerte über Nacht und endete am nächsten Tag.

Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Die Besucher*innen sind eingeladen, die auf die Wände des Cabaret Voltaire gerichtete Klanginstallation zu hören. Fragmentierte Erzählungen, Textauszüge, imaginative Logiken und Träume werden laut ausgesprochen, so dass die Wände sie hören und speichern können. Die Wand wird als konkrete Materie verdichteter Geschichten wahrgenommen, daher die Notwendigkeit, das Aufgenommene und Gehörte anzuerkennen und sie gezielt mit weiteren Klängen und Erzählungen zu versehen.

Die in Zürich lebende Künstlerin Sarah Burger studierte Bildende Kunst, Philosophie, Vergleichende Literaturwissenschaft und Linguistik. Ihre Praxis umfasst auch künstlerische Recherche (PhD, ZHdK Zürich und Kunstuniversität Linz). Der Künstler Felipe Ribeiro lebt in Rio de Janeiro und ist Professor für Tanz- und Filmstudien an der Federal University of Rio de Janeiro. Er studierte Film (MA) und besitzt ein PhD in Bildender Kunst.

Die Ausstellung ist von der Annemarie Schindler-Stiftung unterstützt.

Während der LANGEN NACHT der Zürcher Museen findet das folgende Programm im Cabaret Voltaire statt:

Sarah Burger/Felipe Ribeiro, «Whispers» und «Dinge»

18:00–02:00

Während der LANGEN NACHT der Zürcher Museen präsentiert Felipe Ribeiro «Whispers»: eine körperlose Klanginstallation, die fragmentierte, träumerische Erzählungen und unkonventionelle Logiken in intimen Tönen zum Besten gibt, die sich mit den Besucher*innen vermischen und ein fortlaufendes Gespräch über verschiedene Kontexte und Zeiten schaffen. Sarah Burger zeigt Objekte aus der Serie «Dinge». Sie bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen? Dabei wurden 48 figurative Objekte durch sieben abstrakte Objekte ergänzt, um das Erkennen eines Objektbildes mit dem Prozess der Interpretation zu kontrastieren.

ektor garcia, «nudos de tiempo»

18:00–02:00

«nudos de tiempo» von ektor garcia (*1985) zeigt eine temporäre Konstellation aus bunten Häkelarbeiten sowie Metall- und Keramikskulpturen. In den sinnlich geknoteten Ketten oder Mäander Motiven vermengen sich kunsthandwerkliche Spuren indigener Bevölkerung aus Mittel- und Nordamerika mit Volkskunst, popkulturellen und digitalen Einflüssen. Einige Häkelarbeiten erinnern an Werke der US-Fiber-Art-Bewegung der 1960er Jahre. Der Auftritt im Cabaret Voltaire ist die erste institutionelle Einzelausstellung von ektor garcia in der Schweiz.

Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café»

18:00–02:00

Ilaria Vinci (*1991) erforscht in ihrer Praxis das, was sie als «Zone der Fantasie» bezeichnet: Der Bereich in der menschlichen Psyche, in dem sich Selbst- und Weltwahrnehmung treffen und verschwimmen. Die Künstlerin geht der Frage nach, was Realität ausmacht und wie Menschen kommunizieren und imaginieren. Während einem Jahr bespielt Vinci die Künstler*innen-Kneipe und verwandelt den Eingangsbereich in eine Feuerstelle. Um Feuer versammeln sich Menschen, tauschen Geschichten aus, essen, trinken und spielen zusammen. Teil der Ausstellung sind auch mythologische Figuren, die mit Feuer assoziiert werden, wie Phoenix und Prometheus.

Stefan Burger, «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II)

18:00–02:00

Die Dada-Bibliothek zeigt eine Arbeit des Künstlers Stefan Burger (*1977). Burger präsentiert zwei den Raum und bestenfalls die Gemüter erhellende Leuchtenobjekte. Die Skulpturen aus gegossenem Glas und Aluminium setzen Burgers 2020 im Cabaret Voltaire begonnene Auseinandersetzung mit Kunst als Gebrauchsgegenstand fort. Es sind hybride Anlagen oder Kippfiguren, die je nach Betrachtung zu einer unterschiedlichen Qualität oder Deutung neigen und mit Zierrat und Funktion umgehen. Die Arbeit mit flüssigem Glas involviert Farben von intensiver Leuchtkraft, die dank ihrer keramischen Natur unverwüstlich heiter weiter leuchten.

Party

Smoky Tear, Playlists and Surprises

22:00–02:00

Die Ausstellung von Ilaria Vinci «Phoenix Philosophy Café» wird begleitet von der trinkbaren Skulptur «Smoky Tear», einer eigens für die Ausstellung kuratierten Playlist sowie einer Überraschungsintervention. Die Klanginstallation «Murmur» von Sarah Burger und Felipe Ribeiro im historischen Saal wird ebenfalls mit einer Playlists musikalisch abgerundet und lädt zum Tanzen ein.

Am Freitag spielen endobliss, buffer, 400jasa, tsjmar, diejayvarni und avia ihre Sets für Radio Bollwerk im Cabaret Voltaire. Sie können kommen, wann immer Sie wollen. Die Bar ist offen.

Live-Stream unter www.radio-bollwerk.ch

«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 Jahre seit der Besetzung des Cabaret Voltaire, 24.06.–25.06.2022

Vor 20 Jahren besetzten am 2. Februar 2002 Künstler*innen und Aktivist*innen die Spiegelgasse 1 – den Ursprungsort von Dada. Die Besetzung endete am 2. April 2002 mit einer (je nach Erzählung) Räumung, welcher eine Vereinbarung zwischen der Stadt und den Besetzer*innen vorausging. Erst seit dieser Aktion wurde der Ort wieder als Kulturhaus wahrgenommen. Etwas mehr als 20 Jahres später feiern und reflektieren wir diese wichtige Initiative und haben via Rundschreiben damaligen Akteur*innen eingeladen, das Cabaret Voltaire am 24. und 25. Juni 2022 zu besuchen oder einen Beitrag zu zeigen. Im Zentrum stehen die Fragen «Wie wird Raum geschaffen und was bedeutet es, Raum zu schaffen?». Sowohl 1916, 2002 als auch 2022 galt und gilt es diese Fragen zu stellen, wenn es darum geht, herauszufinden, inwiefern Kulturschaffen ermöglicht wird und welche Voraussetzungen, Erzählweisen und Nachwirkungen mit dem künstlerischen Tun einhergehen. Wir freuen uns über das folgende Rahmenprogramm, das vielleicht durch spontane Ergänzungen erweitert wird.

Samstag, 25.06.2022

–20 Uhr: Lenin Dada und Hausbesetzer*innen (Sprach/Musik/Performance mit Knarf Rellöm und Tillamanda)
–22 Uhr: An der «Chaostage» von Ajana Dracula & friends sind alle dazu eingeladen, auf der offenen Bühne aufzutreten. Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, ein Klavier, Verstärker, Beamer sowie je max. 10 Minuten zur Verfügung. Begrüssung und Anmeldung ab 21 Uhr vor Ort oder unter ajanadracula239@gmail.com.

Open Call «Chaostage» – mach mit!
Am Samstag, 25. Juni, findet im Cabaret Voltaire die «Chaostage» von Ajana Dracula & friends statt. Wir laden dazu ein, auf der offenen Bühne aufzutreten: Reden halten, Lieder singen, Instrumente spielen, Tänze vorführen, Performances machen, rappen, Gedichte rezitieren, einen Film zeigen – alle Beiträge sind willkommen.
Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, ein Klavier, Verstärker, ein Computer, Beamer sowie je max.10 Minuten zur Verfügung.
In allen Sprachen. Verkleidung erwünscht!
Türöffnung: 21:00
Freier Eintritt.
Anmeldung an ajanadracula239@gmail.com
Wir freuen uns auf zahlreiches Erscheinen und Mitmachen!

Hinweis:
Vom 5. Juli bis 16. Juli finden die 10. Dadafestwochen in der Roten Fabrik statt.

«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 Jahre seit der Besetzung des Cabaret Voltaire, 24.06.–25.06.2022

Vor 20 Jahren besetzten am 2. Februar 2002 Künstler*innen und Aktivist*innen die Spiegelgasse 1 – den Ursprungsort von Dada. Die Besetzung endete am 2. April 2002 mit einer (je nach Erzählung) Räumung, welcher eine Vereinbarung zwischen der Stadt und den Besetzer*innen vorausging. Erst seit dieser Aktion wurde der Ort wieder als Kulturhaus wahrgenommen. Etwas mehr als 20 Jahres später feiern und reflektieren wir diese wichtige Initiative und haben via Rundschreiben damaligen Akteur*innen eingeladen, das Cabaret Voltaire am 24. und 25. Juni 2022 zu besuchen oder einen Beitrag zu zeigen. Im Zentrum stehen die Fragen «Wie wird Raum geschaffen und was bedeutet es, Raum zu schaffen?». Sowohl 1916, 2002 als auch 2022 galt und gilt es diese Fragen zu stellen, wenn es darum geht, herauszufinden, inwiefern Kulturschaffen ermöglicht wird und welche Voraussetzungen, Erzählweisen und Nachwirkungen mit dem künstlerischen Tun einhergehen. Wir freuen uns über das folgende Rahmenprogramm, das vielleicht durch spontane Ergänzungen erweitert wird.

Freitag, 24.06.2022

–ab 18 Uhr: Vernissage: «ten pet bottles hanging on the wall» von Mark Divo und Pavel Emelianov. Präsentation ausgewählter Fotografien von damals
–20 Uhr: Podcast «Dada2025»: Letzte Folge live im Cabaret Voltaire
Seit dem 2. Februar 2022 läuft zum Jubiläum eine Podcast-Reihe des «Maison du Futur». Die letzte Folge wird im Cabaret Voltaire ausgestrahlt. Anschliessender Talk mit Jean-Pierre Hoby, Mark Divo, Anja Nora Schulthess und Salome Hohl. Der Podcast heisst absichtlich «Dada2025», weil dieser Podcast sich ein langfristiges Ziel gesetzt hat – nämlich die Geschichtsschreibung des Cabaret Voltaire.
–im Anschluss: DJ Chiri Moya
Hinter Chiri Moya steckt die Künstlerin Maja Hürst, auch bekannt als Tika.

–––Podcast Folge 1: «Dada2025» von «Maison du Futur» – online! Mit Mark Divo, Big Zis, Wanda Wylowa und Jean-Pierre Hoby

Zur Erinnerung an die Besetzung des Cabaret Voltaire im Februar 2002 produziert das «Maison du Futur» einen dreiteiligen Podcast mit Zeitzeug*innen. Wanda Wylowa begrüsst in der ersten Folge im Studio den Künstler und damaligen Besetzer Mark Divo. Mark Divo wünschte sich als zusätzliche Gesprächspartnerin Franziska Schläpfer (Big Zis). In der ersten Folge erzählen Mark Divo und Big Zis über die Ereignisse der Besetzung des Wohlgroth-Areals bis hin zu diesem Februar 2002.

Sie können sich diese Folge auf SoundCloud oder Spotify anhören.

Teil 1.1: «Dada2025»: Labyrinthe der Erinnerung
Teil 1.2: «Dada2025»: Besetzungen

Jeweils ganz am Ende von Folge 1.1 und Folge 1.2 ist bereits kurz die Stimme von Jean-Pierre Hoby zu hören. Jean-Pierre Hoby war von 1983 bis 2010 Kulturdirektor der Stadt Zürich und setzte sich für den Erhalt des Cabaret Voltaire als Kulturinstitution ein. Heute ist er als Vize-Präsident im Trägerverein Cabaret Voltaire aktiv. Jean-Pierre Hobys Perspektive hören Sie im dritten Teil unseres Podcasts. Dieser wird – direkt vor Ort des behandelten Geschehens – aus dem Cabaret Voltaire ausgestrahlt. Wir freuen uns schon auf die Aufnahme-Session mit ihm.

–––Podcast Folge 2: «Dada2025: Besetzung des Cabaret Voltaire» von «Maison du Futur» – online Mit Mark Divo, Big Bis, Wanda Wylowa, Jean-Pierre Hoby und Salome Hohl

Teil 2: «Dada2025»: Besetzung des Cabaret Voltaire

Nachdem in der ersten Folge die Vorgeschichte zur Besetzung des Cabaret Voltaire erzählt wurde, unterhalten sich im zweiten Teil des «Dada2025»-Podcasts Wanda Wylowa, Mark Divo und Big Zis (Franziska Schläpfer) über die Besetzung des Cabaret Voltaire im Februar 2002. Zwischen den Aufnahmen der zweigeteilten Folge 1 und der Folge 2 ist ein Krieg in Europa ausgebrochen. Das hat Auswirkungen auf die Episode 2: Das Wort «Besetzungen» ist anders geprägt. In Folge 2 geht es – nebst diesen Erschütterungen in der Gegenwart – aber auch um die Auswirkungen Besetzung von 2002 und um die nachfolgende Institutionalisierung, die in Zürich unterschiedlich beurteilt wird. Salome Hohl, künstlerische Leiterin des Cabaret Voltaire, und Vizepräsident Jean-Pierre Hoby ergänzen punktuell das Gespräch zwischen Wanda Wylowa, Mark Divo und Big Zis.

Sie können sich diese und die anderen Folgen auf Spotify anhören.

Das Cabaret Voltaire lädt herzlich zum Filmabend mit Arbeiten von Howardena Pindell, Black Audio Film Collective, Aykan Safoğlu und Ivy Monteiro ein.

CARAH (Collective for Anti-Racist Art History) ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Rekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.

mit Alizee Lenox, Florence Peake, Eve Stainton.
Kostüme von Hugo Canoilas, Elise Lammer, Julie Monot, Mia Sanchez.
Szenografie und Dramaturgie: Cee Füllemann, Elise Lammer.
Musik: Alizee Lenox

Anlässlich des Zurich Art Weekend und ergänzend zur Zürcher Filmpremiere vom 31. Mai, performen Alpina Huus um 21:00.

Inmitten von Generations-, Klima- und Wirtschaftskrisen hinterfragt die Performance «Theodora or The Progress» des Kollektivs Alpina Huus die Sicht auf die Realität und die Legitimität des Sprechens. «Theodora or The Progress» ist ein kollektives künstlerisches Projekt, das eine Installation, Musikstücke und Performances von einer Gruppe internationaler Künstler*innen wie Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton und Niels Trannois umfasst.

Die Performance thematisiert den Begriff der Ermächtigung und erforscht das Potenzial des Unterbewussten. Aus dem Werk von Virginia Woolf, Adrian Piper und Lisa Simpson, Deleuze und Guattari, aber auch Snoop Dogg und Franz Kafka schöpfend, betont der Film die die Fähigkeit der nonverbalen Kommunikation als Mittel, Strategien gegen verschiedene Arten von Diskriminierung. In Anlehnung an den Namen der möglicherweise ersten feministischen Figur, der Kaiserin Theodora (500 n. Chr.), schildert «Theodora or The Progress» die Verwandlung der erzählenden Person und einiger seiner Kompliz*innen in ein Rudel von Hunden. «Theodora or The Progress» inszeniert eine kollektive Übernahme, die von Liebe, Verwandlung und Transzendenz spricht.

Während des Zurich Art Weekend hat das Cabaret Voltaire Sonderöffnungszeiten. Die Ausstellungen sind Freitag bis Sonntag jeweils ab 10 Uhr geöffnet.

Passend zu Vincis' Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» wird der Smoked Bubble Cocktail «Smoky Tear» serviert.
Freier Eintritt

Das Cabaret Voltaire hostet am 31. Mai die Zürcher Premiere des Films. Im Anschluss an den Film findet ein Gespräch mit Elise Lammer, Izidora L. LETHE und Salome Hohl statt. Zudem präsentiert Cee Füllemann bereits ein erstes Elemente einer szenischen Landschaft, die auch bei einer Performance des Kollektivs anlässlich des Zurich Art Weekend vom 10. bis zum 12. Juni im Cabaret Voltaire zu sehen sein wird.

Inmitten von Generations-, Klima- und Wirtschaftskrisen hinterfragt der Film «Theodora or The Progress» des Kollektivs Alpina Huus die Sicht auf die Realität und die Legitimität des Sprechens. «Theodora or The Progress» ist ein kollektives künstlerisches Projekt, das eine Installation, Musikstücke und Performances von einer Gruppe internationaler Künstler*innen wie Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton und Niels Trannois umfasst.

Der Film thematisiert den Begriff der Ermächtigung und erforscht das Potenzial des Unterbewussten. Aus dem Werk von Virginia Woolf, Adrian Piper und Lisa Simpson, Deleuze und Guattari, aber auch Snoop Dogg und Franz Kafka schöpfend, betont der Film die die Fähigkeit der nonverbalen Kommunikation als Mittel, Strategien gegen verschiedene gegen verschiedene Arten von Diskriminierung. In Anlehnung an den Namen der möglicherweise ersten feministischen Figur, der Kaiserin Theodora (500 n. Chr.), schildert «Theodora or The Progress» die Verwandlung der erzählenden Person und einiger seiner Kompliz*innen in einen Rudel Hunden. «Theodora or The Progress» inszeniert eine kollektive Übernahme, die von Liebe, Verwandlung und Transzendenz spricht.

Am 28. Mai 2022 findet im Cabaret Voltaire, die multimediale Kunst-Versteigerung KUNSTLICHT GALA zugunsten geflüchteter Menschen statt. Die Veranstaltung richtet sich klar gegen die gewaltvolle, abschottende Grenzpolitik und steht für eine breite Solidaritätsbewegung für alle Menschen auf der Flucht.

Der Gesamterlös der Versteigerung wird den Hilfsorganisationen Sans-Papiers Anlaufstelle Zürich, Brava - gemeinsam gegen Gewalt an Frauen, Sea-Watch – zivile Seenotrettung von Flüchtenden und Médecins Sans Frontières gespendet.

Die Spendengala umfasst die Versteigerung von über 25 künstlerischen Beiträgen verschiedener Zürcher und interna- tionaler Kunstschaffender – unter anderen MANON, Walter Pfeiffer, Mickry3 sowie vielen weiteren Künstler*innen – alle vereint in einer besonderen Verbindung zum Cabaret Voltaire und zur F+F Schule für Kunst und Design.

Die bedeutsame und gleichzeitig unterhaltende Veranstaltung richtet sich an ein breites Publikum möglicher Spender*innen. Umrahmt wird die Spendenaktion von vielseitigen künstlerischen Performances und Live-DJ-Musik.

Wir würden uns sehr freuen, wenn Ihr vorbeikommt und diese Aktion unterstützt!

F+F und Verein Kunstlicht: Kerstin, Karoline, Chiara, Noah, Christoph, Gökçe

Fragen zur Veranstaltung per E-Mail an Kerstin Wittenberg. Kunstlicht ist ein Verein, gegründet von Studierenden der F+F Schule für Kunst und Design.

In informeller Atmosphäre mit Barbetrieb findet ein Workshop mit ektor garcia statt. Während wir über seine Arbeiten und die Ausstellung «nudos de tiempo» im Cabaret Voltaire sprechen, gestalten wir mit dem Künstler Masken: einerseits im Hinblick auf die diesbezügliche Dada-Tradition, andererseits mit Bezug auf garcias frühe Arbeiten. Er häkelte in einem queeren Punkumfeld von San Francisco Masken.

Die Vernissage der Ausstellung «nudos de tiempo» von ektor garcia markiert die zweite Eröffnungsphase. Es wird die erste institutionelle Ausstellung des in Mexiko lebenden Künstlers in der Schweiz, kuratiert von Fabian Flückiger und Salome Hohl in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler. Die kunsthandwerklichen Objektlandschaften von ektor garcia (*1985) brechen mit Erzählformen, die bestimmte Bedeutungen suchen, ohne geschichtsvergessen zu sein. Sie sind punk und queer. Durch veränderte Konstellationenproduziert garcia immer wieder neue, bedeutungsoffene Beziehungen, welche sich dem Drang, Kategorien und Hierarchien herzustellen, widersetzen. Dennoch beruhigen die Arbeiten durch ihre Sinnlichkeit, das feinfühlige Arrangement der Objekte und die vielen inhaltlichen Fährten, die aufgenommen werden können.

Ebenfalls eingeweiht wird in dieser Etappe die Dada-Vitrine im Gewölbekeller mit Original-Dokumenten aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich.

Mit der Vernissage der Ausstellung von Ilaria Vinci in der neuen Künstler*innenkneipe und der Einweihung der Dada-Bibliothek mit Werken von Stefan Burger beginnen die Eröffnungswochen nach der Instandsetzung.

Abendprogramm 30.04.2022:

––Ab 18:00: Eröffnung der Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci und Einweihung der Dada-Bibliothek mit den Werken «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) von Stefan Burger

––20:00: Begrüssung durch Sandro Zanetti (Präsident des Vereins Cabaret Voltaire) und Salome Hohl (Direktorin Cabaret Voltaire)

––20:15: Performance «When Darkness» von Ilaria Vinci mit einem Live-Musikstück von Rafal Skoczek und Jamira Estrada, das als Soundtrack zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci erhalten bleibt, und einer Tanzperformance der Gruppe Stay Kids mit Kostümen von Ronja Varonier

––22:00–03:00: Belia Winnewisser (DJ-Set), Lateena Plummer (Performance und DJ-Set) und TVBXS (DJ-Set)