Veranstaltungsagenda

April

5. April 2023, 19:00–22:00

«Phoenix Philosophy Café Tbilissi» im CCA, Center of Contemporary Art, Tbilissi

13. April 2023, 18:00

«The Psychedelic Salon»

18. April 2023, 20:00

Texte zum Nachdenken – Lyriknacht mit Tim Holland, Ricarda Kiel und Simone Lappert

21. April 2023, 18:00

Discussing Commons, Contact Zones, Infrastructures, in Light of Documenta Fifteen – mit Nora Sternfeld, Dorothee Richter, Ronald Kolb

25. April 2023, 20:00

«Analytisches Kabarett» – Nr. 1: Faschismus und Männlichkeit. Platon und Arendt, griechischer Wein und Campari Spritz

Mai

11. Mai 2023, 18:00

«The Psychedelic Salon»

23. Mai 2023, 20:00

«Analytisches Kabarett» – Nr. 2: Betrunkene Träume im rationalistischen Kloster. René Descartes, Mary Astell und Klosterschnaps

Juni

Juli

August

September

Oktober

November

Dezember

Programm

Ausstellungen

Gewölbekeller

Aktuell

14. Oktober 2022 bis 30. April 2023

«Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend», Sophie Taeuber-Arp und Mai-Thu Perret

Ausstellungsansicht Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend», Cabaret Voltaire 2022. Photo: Cedric Mussano

Ausstellungsansicht Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend», Mai-Thu Perret, Untitled (for S.T.),2022 und Untitled (Green Oval), 2018, Cabaret Voltaire 2022. Photo: Cedric Mussano

Eröffnung: 13. Oktober 2022, ab 18:00

Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.

Obwohl auf der alten 50-Franken-Note abgebildet, blieb Sophie Taeuber-Arp, wie so vielen Frauen* im Dadakreis, die Anerkennung lange verwehrt. In den letzten Jahren wurde viel unternommen, ihr Oeuvre zu würdigen, unter anderem mit der Retrospektive «Gelebte Abstraktion», die 2021 von Basel (Kunstmuseum) nach London (Tate) und New York (MoMa) wanderte. Trotzdem gilt es das komplexe Werk der Künstlerin zwischen angewandter, bildender und darstellender Kunst weiter zu ergründen. Es stellen sich viele kunsthistorische und kulturanalytische Fragen, die auch heute noch aktuell sind: beispielsweise zu Abstraktionsverfahren oder Konzepten von Künstler*innenschaft im Kontext von Gattungshierarchien, Geschlechterzuschreibung oder Demokratie. Besonders aufschlussreich sind hierfür die von der Zentralbibliothek Zürich angekauften Briefe Sophie Taeuber-Arps, die jüngst in einem Editionsprojekt von Medea Hoch, Walburga Krupp und Sigrid Schade untersucht wurden. Bisher bezog sich die kunsthistorische Rezeption auf Erinnerungen von Hans Arp und Weggefährt*innen. Mit den Briefen kann erstmals die «eigene» Sicht der Künstlerin und ihr Referenzsystem rekonstruiert werden.

Im Cabaret Voltaire treten Sophie Taeuber-Arps Briefe, vereinzelte Arbeiten, (beispielsweise eine noch nie gezeigte Kette im Besitz von Johanna Lohse) sowie Zeugnisse ihrer Tätigkeit als Lehrerin für textilen Entwurf in der Kunstgewerbschule Zürich in den Dialog mit Werken der Genfer Künstlerin Mai-Thu Perret (*1976, Genf). In Perrets multidisziplinärem Schaffen verbinden sich feministische Anliegen, literarische Referenzen und Fragen zu Kunsthandwerk mit den Avantgarde-Bewegungen des 20. Jahrhunderts. Dabei stehen sowohl politische als auch formale Fragen zu Materialität im Vordergrund. Dada und speziell Sophie Taeuber-Arp stellen eine wichtige Inspirationsquelle für Perret dar. Neben älteren Werken, die Taeuber-Arp zitieren, zeigt die Ausstellung im Cabaret Voltaire neue Arbeiten der Künstlerin. Unter anderem übersetzt Perret ein von Taeuber-Arp entworfenes Übungsblatt aus dem Unterricht für textile Berufe in eine Neonarbeit. Damit überführt die Künstlerin eine weiblich konnotierte Formsprache sowie Muster aus dem Textilhandwerk in ein Medium, das der männlich dominierten Minimal-Art-Tradition folgt. Dem genealogische Interesse Perrets für «Fiber Art» folgend, sind in der Ausstellung auch Arbeiten von Schüler*innen Taeuber-Arps zu sehen, wie Elsi Giauque und Gertrud Sonderegger.

Das Cabaret Voltaire sowie die ehemalige Galerie Dada im Zürcher Sprünglihaus müssen als wichtige Station Sophie Taeuber-Arps gelesen werden. Im Dada-Haus entsteht eine Diskussion zwischen den Werken von Frauen* unterschiedlicher Generationen und Regionen. Taeuber-Arps Jahre im Dadakreis stehen an der Schnittstelle zwischen den Lehrjahren in der Ostschweiz und dem Weg in die Avantgarde, die sie später als Pionierin der abstrakten Kunst unter anderem nach Paris führten. Der Ausstellungstitel «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» ist einem Zitat aus einem Brief Taeuber-Arps an Hans Arp aus Arosa vom 4. Mai 1919 entnommen, in dem sie sich über einige ihrer Meinung nach effekthascherischen männlichen Dadaisten als «radikale Künstler» echauffierte. Der Brief gibt eine zusätzliche Perspektive auf Taeuber-Arp und Dada, «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» steht in der Ausstellung aber auch stellvertretend für die Ablehnung von Hierarchien und verengenden künstlerischen Methoden.

Die Ausstellung wird unterstützt von:
Pro Helvetia, Kulturförderung Kanton Appenzell Ausserrhoden, Susanne und Martin Knechtli-Kradolfer Stiftung, Steinegg Stiftung

Vorschau

Archiv

2022

20. Mai bis 25. September 2022

ektor garcia, «nudos de tiempo»

Eröffnung: 20. Mai 2022, 18:00

Die kunsthandwerklichen Objektlandschaften von ektor garcia (*1985) sind eingefrorene Momente eines andauernden Prozesses. Der Künstler schafft mithilfe unterschiedlicher Materialien und Techniken ein temporäres Gefüge, das jederzeit weiterverarbeitet werden kann. Im Nebeneinander funktionieren die gehäkelten Textilien, Kupferdrahtverbindungen, Keramikformen oder Metallgüsse wie Freiform-Gedichte, die immer neue Resonanzen erzeugen. Für jede Ausstellung produziert garcia neue Konstellationen, die sich dem Drang, Kategorien und Hierarchien herzustellen, widersetzen. Sie sind punk und queer. Die sinnlichen Installationen brechen mit Erzählformen, die ein bestimmtes Narrativ transportieren wollen, ohne geschichtsvergessen zu sein. Durch die Materialien und Symbole lassen sich vielschichtige inhaltliche Fährten aufnehmen, die sich jedoch nicht aufzwingen.

Das Werk des Künstlers ist mit intensiver körperlicher Handarbeit verbunden. Unzählige Schlaufen, Knoten und Fingerabdrücke sind Zeugnisse seines täglichen Schaffens, in dem Chaos und Logik, Verbindung und Loslösung parallel bestehen. garcia strebt nach dem Unvollkommenen, nach der Schönheit des Handgemachten, das mit seinen «Fehlern» einzigartig ist. Die Fragmente der Installation im Gewölbekeller produzierte er in Mexiko-Stadt, seinem aktuellen Lebensmittelpunkt, sowie in Zürich, Berlin, Paris und Venedig. An diesen Orten knotete, strickte, modellierte und häkelte der Künstler in den letzten Wochen täglich für die Ausstellung «nudos de tiempo». Durch seine nomadische Praxis ist sein Werk immer wieder neuen Einflüssen ausgesetzt. Diese schreiben sich allerdings nicht fest. Zu dieser Offenheit trägt bei, dass die Objekte aufgrund der teilweise ungewöhnlichen Verbindungen von Materialien und Techniken aus kunsthandwerklichen Traditionen herausgelöst werden. So häkelt er beispielsweise mit Kupferdraht, formt widerstandsfähige Objekte wie Ketten aus zerbrechlicher Terrakotta oder überträgt weiche Materialien im Wachsausschmelzverfahren in Bronze. Beim Giessprozess schmilzt das in Wachs getauchte Original. Um das Werkfragment herauszulösen, muss die Gipsform zerstört werden, wodurch der Guss nur einmalig durchgeführt werden kann und zum Unikat (verlorene Form) mit unkontrollierbaren, überraschenden Formbildungen wird.

Einige ausgestellten Häkelarbeiten erinnern an Werke der US-Fiber-Art-Bewegung der 1960er Jahre, welche die Geschlechterteilung anhand der weiblich geprägten Heimarbeit thematisierten. garcia nutzt die emanzipatorische Kraft des Häkelns, erweitert das feministische Materialvokabular allerdings anhand irritierender Verbindungen von Material und Technik. Im Kontext feministischer Bewegungen kann auch der Schmetterling als Symbol für Transformation und Freiheit gelesen werden. Im Cabaret Voltaire sind Schmetterlinge aus geschnittenem Leder, gehäkeltem Kupfer, Garn oder Keramik zu sehen. Den Schmetterling verbindet garcia des weiteren mit weiteren Erfahrungen. Er besuchte mehrmals das Biosphärenreservat Mariposa Monarca, in der Nähe von Mexiko-Stadt, welches als Winterquartier für den Monarchfalter dient. Unzählige Falter fliegen im Winter bis zu 4000 Kilometer von Kanada nach Mexiko und im Frühling wieder zurück. Die Schmetterlinge passieren Grenzen, die für viele Menschen, die von Mexiko in die USA einreisen wollen, nicht möglich sind. Das transnationale Freiheitssymbol «Schmetterling», auf spanisch Mariposa, zirkuliert in Mexiko hingegen auch als abschätzige Bezeichnung homosexueller Männer. garcia eignet sich den Begriff «Mariposa» neu an. Sein auf dem Boden ausgestellter kleiner schwarzer Schmetterling aus Leder erinnert in seiner abstrahierten Form an die Rüstungen der toltekischen Krieger von Tula, über deren Brust der Schmetterling als Schutzschild prangerte.

Diese historischen Intersektionen aus Natur, kultureller Produktion und Gesellschaft widerspiegeln sich auch in garcias Materialverwendung. Keramik- und Textilhandwerk gehören zu den ältesten und bedeutendsten Kultur- techniken. So wurden Textilerzeugnisse von Hochkulturen als Kommunikationssysteme eingesetzt. Die Quipu, eine Knotenschrift aus dem Inkareich, diente ab dem 7. Jahrhundert als ausgeklügeltes Zählsystem und als einfache Form der Korrespondenz. Textilien waren auch in der jüngeren Vergangenheit ein wichtiges gesellschaftspolitisches Sprachrohr. Dies bringen beispielsweise die Patchworkbilder «Arpilleras» zum Ausdruck, welche die Unterdrückung während der Pinochet-Diktatur in Chile in Textbildern transportieren oder das AIDS Memorial Quilt in den USA, bei dem den sozial ausgegrenzten Opfern gedacht wird. Im Werk von garcia gibt es keine offensichtlichen Analogien dazu. Es bleibt unklar, ob die Muster und Formen einer spezifischen Tradition folgen, der Imagination des Künstlers entspringen oder als beliebige Mustervorlage aus dem Internet stammen. Knoten, Patchwork, Materialcollagen und Banner erinnern jedoch an die Koexistenz der Geschichte indigener Bevölkerung, Folkart, Protestbewegungen und Popkulturen.

Alle Objekte von garcia werden mit natürlich gewonnen Stoffen und Naturfarben produziert. Die bräunliche Farbe des Garns stammt von Walnussschalen. Die karminrote Arbeit auf dem Boden wurde von zentral- und südamerikanischen Cochenille-Insekten gewonnen, deren Farbstoffe an europäische Königshäuser und in den Vatikan geliefert wurden, um die Intensität des Farbstoffes für wertvolle Textilien zu benutzen. Kakteenfasern und die Spitzen von Samen der Wasserkastanie benutzt garcia um Widerhaken an einer Kette anzubringen. Dadurch erinnern einige Objekte an landwirtschaftliche Werk-, Jagd- und Zaumzeuge. Unterstützt wird diese Leseweise durch die Beleuchtung, die für kurze Momente an ethnografische Displays erinnert, dafür aber zu zerstreut ist.

garcia schreibt seinen Namen immer klein. Dadurch erinnert er an die US-amerikanische Autorin bell hooks und den Gedanken, dass der Inhalt der Arbeit vor der Autorenschaft stehen soll. Dieses Verhandeln von Subjekt-Objekt-Beziehungen und das Brechen von Hierarchien zieht sich durch das gesamte Werk. garcias Ausstellungen bespielen Böden, Wände, Decken und Zwischenräume gleichermassen. Die Objekte sind in ihrer fragmentarisch hervorgerufenen Geschichte transnational, transkulturell, und hierarchisch vertikal. Nach der US-amerikanischen Theoretikerin Eve Sedgwick ergibt sich im Nebeneinander eine breite Palette von sich begehrenden, identifizierenden, repräsentierenden, abstossenden, rivalisierenden, nachahmenden, zurückziehenden, angreifenden, verzerrenden und anderen Beziehungen.

Bei garcia entsteht im Produktionsprozess als auch in jeder Präsentation eine literarische Qualität. Wie Textpassagen reihen sich die Maschen der Häkelarbeiten und die einzelnen Fragmente einer gesamten Objektlandschaft aneinander. Aus Wiederholung, Rhythmus und Überlagerung ergeben sich neue Bedeutungen, die sich verknoten und jederzeit wieder auflösen können, wie der Ausstellungstitel «nudos de tiempo» (Knoten der Zeit) impliziert. garcia mag hier der US-amerikanischen Bildhauerin Barbara Chase-Riboud folgen, die im Gedichtband «Everytime a Knot Is Undone, a God Is Released» ausführt, dass jede Auflösung eines Knoten einen neuen Sinn kreiert.

Gerade in diesem Spiel mit Normen und der Gleichzeitigkeit von Offenheit und Sinnsuche, findet garcias Praxis Anschluss an das Dada-Erbe. Die Dadaist*innen bewegten sich im Wunsch, Konventionen zu überwinden und neue Ausdruckformen zwischen Kunst und Nicht-Kunst, Planung und Zufall, Sinn und Unsinn, Chaos und Ordnung, Prozess und Manifestation zu finden. Dazu bedienten sie sich Materialien, die zuvor nicht der Kunst zugeordnet wurden, verschrieben sich dem Prozess, dem Mit- und Nebeneinander und griffen auf Kulturerzeugnisse nicht-europäischer Kulturen zurück. Trotz damaliger progressiver Haltung, weist ihr Tun blinde Flecken auf. Sie vereinnahmten «das Andere» für eigene Zwecke und ignorierten, dass ihre Referenzobjekte durch Kolonialisierung verfügbar wurden.

Der Auftritt im Cabaret Voltaire ist die erste institutionelle Einzelausstellung von ektor garcia in der Schweiz, kuratiert von Fabian Flückiger und Salome Hohl in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler.

ektor garcia erwarb einen BFA am Art Institute of Chicago und einen MFA an der Columbia University. Einzelausstellungen wurden ihm von Henry Art Gallery (Seattle), Empty Gallery (Hongkong), Progetto (Lecce), Sculpture Center (New York) und Museum Folkwang (Essen) gewidmet. Seine Arbeiten waren in zahlreichen Gruppenausstellungen zu sehen, unter anderem bei der Hangzhou Triennial of Fiber Art (China), im New Museum (New York), im El Museo del Barrio (New York) und im Prospect New Orleans.

Ausstellungsansicht ektor garcia «nudos de tiempo», Cabaret Voltaire 2022. Photo: Cedric Mussano

2021

2. Oktober 2020 bis 30. April 2021

Agnes Scherer, «The Teacher»

Eine didaktische Operette von Agnes Scherer
Puppenspiel: Soya Arakawa
Musik: Tobias Textor
Vokalistin: Claudia Barth

Aufführung der Operette «The Teacher» im Cabaret Voltaire. Photo: Gunnar Meier

Ausstellung «The Teacher»

Im Werk Agnes Scherers (*1985) nehmen die Operetten, die sie seit 2015 entwickelt, eine besondere Stellung ein. Die ungewöhnlichen Performanceformate schöpfen Inspiration aus basalen Theaterformen wie Prozessionen, den mechanischen Theatern des Barocks oder auch der Power-Point-Präsentation. Dabei interessiert sich Scherer für Möglichkeiten, das Kunstwerk aus dem Status des passiven Objekts zu befreien und ihm eine gesteigerte Handlungsmacht zu verleihen. Im Zentrum von «The Teacher» steht eine Lehrerfigur, die von einem auf dem Boden liegenden Schüler – performt von Soya Arakawa – unter enormer Anstrengung mit den Füssen gesteuert wird. Der Lehrer wird so in eine didaktische Rage versetzt, eine Art hektischen Tanz, der manchmal monströs, manchmal fast verführerisch wirkt. Seine Lektionen werden von grossen Schaubildern illustriert, die nach kurzer Zeit zu Boden fallen, um immer wieder ein dahinterliegendes, neues freizugeben. Was der Lehrer vorträgt, klingt eindrucksvoll und wahr, widerspricht sich aber. Der mit Tobias Textors rasanter Perkussion eng verwobene Text besteht aus Sentenzen, die Scherer teils von Autoritäten zu hören bekam, teils selbst verfasste. Zusammen analysieren und demonstrieren sie den rhetorischen Bauplan sogenannter Weisheiten und deren manipulatives Potenzial.

Die Abschlusslektion «Das Grössere ist das Kleinere und das Kleinere ist das Grössere» scheint zu behaupten, dass in Wirklichkeit gegenteilige Verhältnisse zu den sichtbaren (Macht-)Verhältnissen vorliegen: Folgerichtig, wenn man bedenkt, dass der Lehrer ohne die stützende Funktion des Schülers handlungsunfähig wäre. Oder handelt es sich um ein heimtückisch konstruiertes Paradoxon, dessen verführerische Anti-Logik den Zögling davon überzeugen will, sich mit seiner machtlosen Lage zufriedenzugeben? Nach dieser Abschlusslektion verschwindet der Lehrer und lässt den Schüler orientierungslos zurück, die Rückkehr seines Meisters herbeisehnend. Ein kolossaler Brief öffnet sich. Heraus kommt, statt des ersehnten Machtworts aus der Ferne, ein Bild des vergeblichen Wartens – der Schüler als im Warten zu Stein gewordene Liegefigur auf einem Sarkophag. Der Briefinhalt deutet an, dass in Wahrheit nie ein Brief eingetroffen ist. Indessen ersetzt das steinerne Abbild den wartend liegenden Schüler, der durch eine seitliche Klappe im Sarkophag entwischen kann. In diesem Schlussbild eröffnet sich die Ambiguität zwischen dem Bedürfnis nach geistiger Anleitung und dem fortwährenden Wunsch, sich davon zu emanzipieren. Die Meister-Schüler-Beziehung, die in «The Teacher» von Männern verkörpert wird, rekurriert auf die Autoritätsgeschichte, die als gesellschaftliches Ordnungsprinzip und Beziehungsmuster männlich geprägt ist. Dass eine Frau den patriarchalen Sprechakt – den Logos – übermittelt, bewirkt eine Brechung, durch die eine kritische Distanz entsteht.

Die zwölf grossen Gemälde, welche die Lektionen begleiten, spielen mit dem Genre des Schaubildes. Die dargestellten Arrangements von Gegenständen und Bildpersonal scheinen Kausalitäten und Bedingungsverhältnisse zu veranschaulichen. Diesem Mitteilungscharakter, der einlädt, zu verstehen, wirkt jedoch eine kompositorische Geschlossenheit mit phantastischen Landschaften entgegen. Analog zu den Texten, mit denen sie korrespondieren, erzeugen sie ein Gefühl des Beinahe-Begreifens. Die Bildfindungen gehen aus einer langjährigen Praxis der elaborierten Bleistiftzeichnung hervor, die eine im Obergeschoss des Cabaret Voltaire ausgestellte Serie veranschaulicht. Stilistisch verbinden sowohl die Gemälde als auch die Zeichnungen u. a. Elemente des Mittelalters mit solchen des Surrealismus der 1960er- und 70er-Jahre und zeugen von dem breiten Spektrum an Bezugsquellen, mit denen die auch als Kunsthistorikerin ausgebildete Künstlerin arbeitet. Eine Referenz ist beispielsweise das psychedelische Künstlerbuch Codex Seraphinianus (1981, Luigi Serafini), das in seiner enzyklopädischen Herangehensweise die mittelalterliche Diagrammatik zum Vorbild hat.

Im Hinblick auf das historische Erbe des Cabaret Voltaire findet Scherers Werk vielschichtig Anschluss. Mit der Zusammenführung von Gemälden, Puppenspiel, Skulptur, Bühnentechnik, Musik und Text führt die Künstlerin die Tradition des Gesamtkunstwerks fort. Scherer berührt aber auch weitere Kernthemen von Dada Zürich: Sie veranschaulicht und verdreht autoritäre Beziehungen, sei es in der Sprache, den Gesten oder der visuellen Vermittlung. Die Didaktik erkennt sich irrwitzig.

Im Cabaret Voltaire wird die Installation zur Operette während der gesamten Ausstellungsdauer zu sehen sein. Zur Eröffnnung am 2. Oktober, zur Matinée am 3. Oktober sowie wenn möglich am Ende der Ausstellung belebt Agnes Scherer die Inszenierung gemeinsam mit Tobias Textor (Musiker/Berlin), Soya Arakawa (Performer/Düsseldorf) und Claudia Barth (Performerin und Aktivistin/Zürich). Ergänzend zur Ausstellung im Erdgeschoss ist zudem eine Serie grosser Bleistiftzeichnungen der Künstlerin aus den Jahren 2017–2019 im Obergeschoss zu sehen.

«The Teacher» wurde erstmals im April und Mai 2019 im Berliner Projektraum Kinderhook & Caracas, kuratiert von Sol Calero und Christopher Kline, gezeigt.

Biografien

Agnes Scherer (*1985 in Lohr am Main, Deutschland) lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Kunstgeschichte in Tübingen und Wien sowie Freie Kunst an der Kunstakademie Düsseldorf. 2019 gewann sie den Berlin Art Prize. Zuletzt war ihre Arbeit in Gruppenausstellungen zu sehen, u. a. in der Galerie ChertLüdde (Berlin, 2019) und dem Kunstverein Düsseldorf (Düsseldorf, 2019) sowie in den Einzelausstellungen «Coeurs Simples», Galerie Sans Titre (Paris, 2020); «Orlando Tussaud», Philipp Haverkampf Galerie (Berlin, 2019/20); «The Very Hungry», Horse & Pony (Berlin, Berlin Art Prize Finalist*innenausstellung 2019); «The Teacher», Kinderhook & Caracas (Berlin, 2019) und «Cupid and the Animals», Tramps (New York, 2018 und London, 2017). «The Teacher» wurde erstmals im April und Mai 2019 im Berliner Projektraum Kinderhook & Caracas, kuratiert von Sol Calero und Christopher Kline, gezeigt. www.agnesscherer.de

Die Karriere des multidisziplinären Künstlers Soya Arakawa (* 1984 in Hamamatsu, Japan) umfasst langjährige Aktivität im Bereich Performance – darunter Soloperformances in Eigenregie sowie immer wieder Kollaborationen, in denen er als Sänger, Tänzer sowie als Instrumentalist agiert. Sein Beitrag zu «The Teacher» schöpft aus tiefgreifenden Kenntnissen der Puppenspielkunst, mit denen er sich auch in seiner eigenen jüngeren Arbeit intensiv beschäftigt. Zu seinen letzten Projekten gehört die Performance Crystals in der Market Gallery, Glasgow (Februar 2020) und Passacaglia della Vita, gemeinsam mit der Gruppe SPINE (zu der auch Claudia Barth gehört), in der Simultanhalle Köln (September 2020). Soya Arakawa lebt in Krefeld, Deutschland. www.tacolv.org

Die Musik für «The Teacher» wurde von Tobias Textor (* 1986 in Siegen, Deutschland) komponiert. Der in Berlin lebende Musiker kultiviert eine experimentelle Haltung und schafft Musik als spontane Reaktion auf soziale und materielle Umwelten. Seine jüngeren Arbeiten umfassen neben «The Teacher» die Vertonung einer Malperformance von Gregor Hildebrandt, gemeinsam mit Christopher Schmidt (2018), sowie gemeinsam mit Ornella Balhi Kompositionen für die zurzeit entstehende Operette The Salty Testament. 2020 entwickelte er im Rahmen der Künstlerresidenz im Freiraum der Tanzkompanie Ben J. Riepe in Düsseldorf Musik im Zusammenhang mit Zeichnung. Für «The Teacher» hat Textor ein Perkussion-Set aus Gongs und Holzschlaginstrumenten zusammengestellt, die grösstenteils Theaterkontexten entstammen. Durch seine unkonventionelle Herangehensweise an diese Instrumente entlockt er ihnen neue und spannende Soundqualitäten. https://www.instagram.com/tobi...

Im Mittelpunkt der Arbeit Claudia Barths (* 1987 in Herrliberg, Schweiz) steht eine auf Bewegung und Sprechakte konzentrierte Performancepraxis. Aus ihrer gesellschaftlich und politisch engagierten künstlerischen Aktivität gehen ausserdem Videoarbeiten, bildhauerische Werke und grosse Scherenschnitte hervor. 2019 brachte Barth am EinTanzhaus Mannheim das Langzeitprojekt Eu-você, eine Zusammenarbeit mit ihrer Schwester Isabelle Barth und brasilianischen Künstler*innen, zum Abschluss. Teil dieses Projekts sind auch die Videoarbeiten every smell a thousand memories, die ebenfalls 2019 in der Raum*station Zürich gezeigt wurden, sowie die Performance Eu não falo português – Ich spreche kein Portugiesisch, die dieses Jahr als Abschlussarbeit an der HKB Bern online zu sehen ist. Ende Oktober 2020 wurde Claudia Barth ausserdem im Rahmen des Performancepreises Schweiz in Genf nominiert. Für «The Teacher» performt sie als Rezitatorin. www.barthclaudia.com, https://cap-common-ground.ch/a...

Angespannte Latenz

Bis zum 30. April sind im Cabaret Voltaire drei grosse Zeichnungen zu sehen. Eine von ihnen, Gegenstände, ist Agnes Scherer zugeschrieben. Die beiden anderen stellen ihre Entstehung durch Scherers Hand – durch jegliche Hand – in Abrede: Inaktiver Zeichenarm und Inaktiver Zeichenarm mit Motiven, die ohne dessen Zutun entstanden zeigen untätige Arme neben verloren wirkender Figurationen. Zusammenhangslose Motive schwirren unerlöst in einem beschädigten Rahmenwerk aus Zaumzeug, dem es offensichtlich misslang, sich zu einem Foulard à la Hermès zu entfalten. Sechs gestrandete Robben versuchen durch Nachahmung der Silhouette des in einer Barke vorbeiziehenden Zeichenarmes zu diesem einen zumindest formalen Bezug aufzubauen. Vergleichbar dem herrenlosen Theaterstückpersonal in Pirandellos «Sechs Personen suchen einen Autor» befindet dieser Motivreigen sich in einer Art Fegefeuer der nur partiell anerkannten Existenz. Zugleich reflektieren die 2017 in schleppender Genesung nach einer Lungenentzündung entstandenen Zeichnungen merkwürdig treffend den heute durch das Pandemiegeschehen herrschenden Zustand angespannter Latenz. Die rätselhafte Bildsprache ihrer Bleistiftzeichnungen, die in Scherers Arbeit eine Kernpraxis darstellen, offenbart sich als Quelle der verwirrenden Schaubilder ihrer Operette/Ausstellung «The Teacher», die derzeit im Ausstellungsraum zu sehen ist. Vor der Kameralinse ziehen die sacht ausgeführten Papierarbeiten sich meist in einen nebulösen Schleier zurück, der die fotografische Reproduktion einer unscharfen Erinnerung angleicht. So zirkulieren sie hauptsächlich in einer Cloud der inneren Bilder, der sie entstiegen sind.

Die Aufführung zur Finissage im Mai 2021 kann aufgrund von Covid-19 nicht stattfinden.

2020

13. März bis 22. September 2020

Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi

Ausstellungsansicht «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi», mit Werken von Emmy Hennings und Sitara Abuzar Ghaznawi. Photo: Cabaret Voltaire, Gunnar Meier

Emmy Hennings (1885–1948) war mit Hugo Ball Mitbegründerin der Künstlerkneipe und wohl die präsenteste Figur im Cabaret Voltaire. Dass sie als Schriftstellerin und Künstlerin wenig Beachtung bekam, hat unterschiedliche Gründe. Vielleicht wegen ihrer eigenständigen Sprache, des Unbehagens im Umgang mit ihrem Katholizismus; zudem fehlt ihre Spur in der männlich geprägten Dada-Historisierung. Erst in jüngster Zeit bekommt Hennings Anerkennung, und zwar über die Rolle des Kabarett-Sterns hinaus. Wer ihre Romane, Gedichte und Artikel liest, begegnet einer Frau, für die das Schreiben Überlebensstrategie war. Scharfsinnig analysiert sie die Existenz und inszeniert sich als «Vielfaches». Die Ausstellung nimmt ihr Oeuvre ernst und zeigt, dass Kontinuitäten im Gesamtwerk zu erkennen sind. So liegen Ekstase und Glaube nahe beieinander, Gefangenschaft und Freiheit ziehen sich durch ihr Schaffen. Motive wie die Rose sind im Werk wiederkehrend. Erstmals können unter anderem die Glasmalereien aus den letzten Lebensjahren in einer Ausstellung betrachtet werden. Ihnen wurde in der bisherigen Rezeption wenig Anspruch auf Kunst zugeschrieben.

Hennings' Schriften und Malereien treten im Cabaret Voltaire in einen assoziativen Dialog mit den Arbeiten von Sitara Abuzar Ghaznawi (*1995). Die junge Künstlerin inszeniert die literarischen und künstlerischen Werke Hennings in Vitrinen, die zugleich als Skulpturen zu verstehen sind. Das Ausstellungsdisplay als Ort der Begegnung und als Brennpunkt normierter Vorstellungen ist Teil ihrer künstlerischen Fragestellungen. Ghaznawi legt ihr Augenmerk auf Machstrukturen, Möglichkeiten der Teilhabe, Formen von Ästhetik, Handwerk und Wissen. Sie befragt ihre Umwelt aus einer Position zwischen Autonomie und Abhängigkeit, Privatsphäre und Öffentlichkeit, Kollektivität und Individualität. Charakteristisch an ihrer formalen Sprache ist das Selbstgemachte und die Verwendung alltäglicher, oft als wertlos taxierter Materialien. Die Werke wirken fragil und poetisch zugleich. Auch die Wiederholung teilt Ghaznawi mit Hennings; so kehren bestimmte Sujets wie Blumen, Materialien und Muster wieder. Sie resultieren aus ihrer Auseinandersetzung mit sozialisiertem Geschmack und zirkulierenden Motiven.

Die Ausstellung partizipiert am aufflackernden Interesse an Emmy Hennings' Schaffen. Am 7. Februar 2020 eröffnete eine Ausstellung in Pirmasens. Des Weiteren läuft unter anderem an der Universität Basel das Forschungsprojekt Aura und Effizienz in Emmy Hennings Werk.

Emmy Hennings, 1885 in Flensburg/D geboren, 1948 in Soregno bei Lugano gestorben, war Schriftstellerin, Schauspielerin, Kabarettistin und Mitgründerin des Cabaret Voltaire sowie der Galerie Dada. Zu Lebzeiten wurden u.a. folgende Schriften publiziert: Die letzte Freude (1913), Gefängnis (1919), Das Brandmal. Ein Tagebuch, (1920), Helle Nacht (1922), Die Geburt Jesu (1932), Der Kranz (1939). Sie schrieb aber auch für Magazine sowie Zeitungen (u.a. Revoluzzer) und malte.

Sitara Abuzar Ghaznawi, 1995 in Ghazni/ Afghanistan geboren, lebt und arbeitet in Obwalden und Zürich. Sie erlangte 2019 ihren Bachelor an der Zürcher Hochschule der Künste und stellte unter anderem in folgenden Gruppenausstellungen aus: Galerie Maria Bernheim (Zürich, 2019), Fri Art (Fribourg, 2019), Museum im Bellpark (Kriens, 2019), Édouard Montassut (Paris, 2019), Material Art Fair (New Mexico City, 2019). Einzelausstellung: Luma Westbau|schwarzescafé (Zürich, 2019).

Courtesy Werke Sitara Abuzar Ghaznawi: Die Künstlerin
Courtesy Objekte Emmy Hennings: Schweizerisches Literaturarchiv, Universitätsbibliothek Basel, Schweizerisches Bundesarchiv und Zentralbibliothek Zürich

Wir danken dem Schweizerischen Landesmuseum für das Materialsponsoring.

Künstler*innenkneipe

Aktuell

30. April 2022 bis 30. Juli 2023

Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café»

Eröffnung: 30. April 2022, 18:00–03:00
Ausstellungsdauer: 30.04.2022–09.30.2023

Den vollständigen Ausstellungstext finden Sie hier.

Im Eingangsbereich befindet sich neu eine Bar, die jeweils für ein Jahr von einer künstlerischen Position bespielt wird und das Haus zur Münstergasse hin öffnet. In ihrer Bezeichnung «Künstler*innenkneipe» referiert die Bar auf den ursprünglichen Namen des Cabaret Voltaire: Die Dadaist*innen eröffneten ihren Kunstraum 1916 ursprünglich als «Künstlerkneipe Voltaire». Mit dem Genderstern wird die Setzung aktualisiert, die Verschränkung von Kunst und Gastronomie aber weitergetragen. Das Cabaret Voltaire lädt Menschen ein, sich ohne museale Absperrungen inmitten von Kunst zu begegnen.

Den Anfang macht Ilaria Vinci (*1991) mit ihrer Ausstellung «Phoenix Philosophy Café». Vinci erforscht in ihrer Praxis das, was sie als «Zone der Fantasie» bezeichnet: Der Bereich in der menschlichen Psyche, in dem sich Selbst- und Weltwahrnehmung treffen und verschwimmen. Die Künstlerin geht der Frage nach, was Realität ausmacht und wie Menschen kommunizieren und imaginieren. Dazu schafft sie Installationen, kreiert Requisiten und Schriftzüge, die sich visuellem und sprachlichem Vokabular bedienen, beim Alltäglichen ansetzen, immer aber ins Phantastische kippen.

Für «Phoenix Philosophy Café» ging Ilaria Vinci von einer besonderen Form von Feuerstelle aus, die ihren Ursprung in Süditalien um 1900 hat: Eine Art Wohnnische, in der sich Menschen versammeln, Geschichten austauschen, debattieren, essen, trinken oder zusammen spielen. Die teilweise leicht angebrannten Möbel, die die Künstlerin für die Ausstellung durch gekonnte malerische Effekte schuf, unterstreichen diese Referenz. In Grautönen gehalten, wirken die Tische und Stühle allerdings leicht entrückt, wie aus einem alten Schwarzweiss-Film. Ganz im Kontrast dazu erinnern die buntflackernden Flammen im Hintergrund an Tiffany-Leuchten, eine spezielle Technik der Glasverarbeitung im Jugendstil. Die Feuerstelleästhetik – dazu gehören auch die von Vinci designten Ziegelsteinkissen in digitaler Ästhetik – kippen mit den Lampen in eine avantgardistische Grand-Café-Atmosphäre. Sowohl die Feuerstelle als auch das Café sind Orte der Begegnung und des Austausches, wobei dem Feuer eine spezielle ästhetische und soziale Kraft zukommt.

Um das Lagerfeuer herum zeigen sich individuelle Gesichter und Gedanken besonders nuanciert, dann verschwinden sie in einem kollektiven Schattenspiel. Flammen fesseln, sie beruhigen, sie wühlen auf. Im lodernden Feuer finden oder verlieren sich Blicke. Die Feuerstelle (und auch das Café) scheint ein Ort zu ein, an dem sich existentialistische Fragen besonders offenbaren: also Auseinandersetzungen mit gelebten Erfahrungen und die Sicht auf ein Individuum als etwas, das in seinem Wesen nicht vorbestimmt ist, sondern erst zu dem wird, was es ist, indem es sich selbst schafft – abhängig von den Situationen, in welchen sie sich wiederfinden. Die grosse gestische Acrylmalerei, teilweise in Airbrush-Technik, in der Nische an der hinteren Wand deutet auf solche Gedankenspiele an.

An der linken unteren Bildhälfte befinden sich drei brennende Kerzen, die mal klarer, mal abstrakter als «I» (deutsch «Ich») gelesen werden können. Spätestens ausgelöst wird diese Assoziation, wenn der Blick auf die vielen Buchstaben «I» schweift, die an ein konkretes oder dadaistisches Gedicht erinnern. Die Wiederholungen von «I» als «Ich» lösen unterschiedliche Gedankenketten aus. Beispielsweise zur gegenseitigen Abhängigkeit der vielen einzelnen Ichs, wodurch die Frage aufkommt, wo das kollektive «Wir» stehen soll. Als deutschsprechende Person führt die Aussprache des englischen «I» absurderweise zum «Ei» (engl. «egg»), das den Schwerpunkt des Gemäldes bildet. Im Gegenüber des in Flammen stehenden Eies und der Kerzen liegt die Überlegung nahe, dass weniger Vergänglichkeit, sondern die Auseinandersetzung mit Lebens- und Gedankenzyklen dem Bild zugrunde liegen. Vinci schafft eine Bildsituation, die sich jeden Moment ändert, ein Transformationsprozess, bei dem nicht klar ist, ob bald etwas Neues aus dem Ei schlüpft oder ausgebrannte Schalen zurückbleiben.

Das brennende Ei auf dem Nest ist eine Referenz an die mythologische Figur des Phönix, die sich in der Ausstellung immer wieder erkennen lässt, etwa auf beiden flankierenden Säulen der Kaminkonsole. Phönix ist die Geschichte eines fabelhaften Vogels, angeblich gross wie ein Adler, mit scharlachrotem und goldenem Gefieder, der sich mit wohlklingenden Schreien mitteilte. Als sich das Leben des Vogels dem Ende zuneigte, baute er sich in der Sonnenstadt Heliopolis ein Nistplatz aus duftenden Zweigen und Gewürzen, zündete das Nest an und verbrannte in den Flammen. Aus dem Scheiterhaufen stieg ein junger Phönix hervor, weshalb die Geschichte zur Metapher für Wiedergeburt und Resilienz wurde. Die Redewendung «wie Phönix aus der Asche» steht aber auch für den Zusammenbruch eines alten Systems und das Aufkommen alter Werte im neuen Gewand – im Dada-Haus und dem Kontext damaliger und aktueller Ereignisse eine bemerkenswerte Referenz.

Eine weitere Bezugnahme ist die Sage des Prometheus, eine der bekanntesten literarischen Figuren. Auch in dieser Geschichte kommt dem Feuer eine wichtige Rolle zu, wenn es um die Handlungsmacht der Menschen geht. Prometheus gilt als Feuerbringer und Kulturbringer, als Begründer menschlicher Zivilisation. Je nach Interpretation gilt er als mutiger Rebell gegen unterdrückende Narrative oder als fortschrittsgläubige Übersteigerung des Menschen.

Die Ausstellung von Vinci ist kein Ort traditioneller Kontemplation von Kunstwerken, sondern auch eine Sitzecke, in der Menschen mit unterschiedlichen Geschichten zusammenfinden und miteinander interagieren; sich selber und andere entdecken. Es geht um den Prozess der Gedankenbildung, der Mitteilungsform und (existentialistisch gedacht) um Momente der Entscheidungen. Vielleicht kann auch der Kunstraum als ein solcher Brutkasten verstanden werden: In der Auseinandersetzung mit grossen, existentiellen und zeitübergreifenden Fragen reifen Impulse für Veränderungen.

Neben der Tatsache, dass die Ausstellung auch Bar ist, ziehen sich Vincis Eingriffe in weitere Bereiche des Betriebs: Zur Ausstellung gehört beispielsweise der Cocktail «Smoky Tear», ein rauchiges Getränk mit Smoke Bubbles, und immer wieder sollen Soireen und diverse Aktivierungen stattfinden: Lesungen, ein gemeinsames Schachspielen oder ein Filmabend sind geplant. In «Phoenix Philosophy Café» verschwimmen Kunsterfahrung und Gastronomie, Ausstellung und Veranstaltungen.

Zur Eröffnung am 30. April 2022 findet die erste Rahmenveranstaltung statt, die auch den Gewölbekeller und den Historischen Saal einnimmt, den Blick auf die neuen architektonischen Eingriffe aber trotzdem zulässt. Phönix zieht von Raum zu Raum, entfacht Feuer, das wieder erlischt und an einem anderen Ort entzündet. Den ewigen Kreislauf weiterdenkend, widmen sich die Beiträge unter anderem dem Sampling und der Wiederholung mit Differenz als künstlerische Praxis. Entsprechend dem verbindenden und zerstreuenden Gedanken des Feuers – und dem dadaistischen Erbe folgend – versammeln sich im Haus unterschiedliche Klänge und Bewegungen. Die Performance «When Darkness», die als Teil der Ausstellung zu verstehen ist, setzt sich zusammen aus einem Live-Soundpiece von Rafal Skoczek und Jamira Estrada, das als Soundtrack zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» bestehen bleibt, und einer Tanzperformance der Gruppe Stay Kids (mit Ave, Sunny, Tiny, Mary, Anaïs, Arun und Milo) mit Kostümen von Ronja Varonier.

Wir danken Serena Scozzafava für die Hilfestellung bei der Produktion der Textilien, die als Kissenbezüge benutzt werden.

Diese Ausstellung und das Begleitprogramm werden von der Fondation Jan Michalski, der Else v. Sick Stiftung, der Stadt Zürich und dem Kanton Zürich unterstützt.

Ilaria Vinci, Miss Phoenix, 2022

Vorschau

Archiv

Dada-Vitrine

Aktuell

24. Januar bis 30. April 2023

Dada-Vitrine: Slot 4

Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller

Im Gewölbekeller befindet sich neu eine klimasichere Vitrine, in der jeweils für zwei bis drei Monate ausgewählte Originaldokumente aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich ausgestellt sind. Gemeinsam mit dem Kunsthaus Zürich werden die Exponate ausgewählt. Dass nur wenige Dokumente gezeigt werden, ermöglicht einerseits eine konzentrierte inhaltliche Auseinandersetzung mit den Objekten. Andererseits können durch die Isolierung präzise Fragen zur Rezeptions- und Sammlungsgeschichte von Dada gestellt werden. Des Weiteren treten die Exponate so in einen Dialog mit den Ausstellungen im Gewölbekeller. Historische Dokumente und dadaistische Strategien treffen auf zeitgenössische Themen und Fragestellungen.

Für die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» werden neben Originaldokumenten aus der Sammlung des Kunsthauses auch Exponate aus den Sammlungen des ZHdK-Archiv und des Museums für Gestaltung gezeigt.

Exponate Slot 4 (24.01.2023–30.04.2023)

–Sophie Taeuber-Arp, König Hisch: Entwurf für ein Bühnenbild, 1918, Wachsstift und Bleistift auf Papier, auf Karton, 9,5
x 16,5 cm, Sammlung Museum für Gestaltung/ Zürcher Hochschule der Künste, Grafiksammlung
–Ausstellungskatalog, 12. Jan. bis 5. Febr. 1919, 1919, 19,3 x 12,8 cm, Kunsthaus Zürich, Bibliothek
–Hans Arp, Der Zeltweg, 1919, 30,9 x 22,3 cm, Kunsthaus Zürich, Bibliothek
–Sophie Taeuber-Arp, Blanche Gauchat Unterrichtsdokumentation Zeichnen für textile Berufe. Anleitung zum Unterricht im Zeichnen für textile Berufe, 1927, Print, Broschüre, 25 x 20.5 cm, 19 Seiten, 33 Blätter (19 Seiten Text und 33 Bilder), ZHdK-Archiv

Vorschau

Archiv

2023

14. Oktober 2022 bis 17. Januar 2023

Dada-Vitrine: Slot 3

Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller

Exponate Slot 3 (14.10.2022–17.01.2023)

–Sophie Taeuber-Arp, Composition, Blatt aus der «Allianz- Mappe» 5 constructionen + 5 compositionen, herausgegeben von Max Bill im allianz-verlag, Zürich, 1941 Farblithografie auf Papier, Blattmass: 31.9 x 30.5 cm, Passepartout: 65 x50 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 1942)
–Sophie Taeuber-Arp, Baumcollage, 1918, Papier, Collage: 16 x 10 cm, Passepartout: 50 x 35 cm, Sammlung Museum für Gestaltung
–Sophie Taeuber-Arp, Unbekannte*r Fotograf*in, Fotografie von Sophie Taeuber-Arps Fresco aus dem Zürcher Dada Pantheon, um 1920, Silbergelatineabzug, Blattmass: 11,6 x 15.8 cm, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 2017)
–Sophie Taeuber-Arp, Blanche Gauchat, Unterrichtsdokumentation Zeichnen für textile Berufe. Anleitung zum Unterricht im Zeichnen für textile Berufe, 1927, Print, Broschüre, 25 x 20.5 cm, 19 Seiten, 33 Blätter (19 Seiten Text und 33 Bilder), ZHdK-Archiv

2022

19. Juli bis 25. September 2022

Dada-Vitrine: Slot 2

Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller

Exponate Slot 2 (19.07.2022–25.09.2022)

–Fotografie Han Corray, um 1928, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, Geschenk Hans Bollinger
–Katalog Eröffnungsausstellung Galerie Corray, Basel, Zürich, 1916/1917, 1916, Kunsthaus Zürich, Bibliothek
–Der Ararat. Glossen, Skizzen und Notizen zur Neuen Kunst, 1921, Ausgabe 7, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, (seit 2018)
–Der Ararat. Glossen, Skizzen und Notizen zur Neuen Kunst, 1921, Ausgabe 1, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, (seit 2018)

20. Mai bis 18. Juli 2022

Dada-Vitrine: Slot 1

Dada-Vitrine mit Exponaten aus der Sammlung des Kunsthaus Zürich im Gewölbekeller

Exponate Slot 1 (20.05.2022–18.07.2022)

–Das Neue Leben. Erste Ausstellung, Kunsthaus Zürich, 1919, Zürich Ausstellungsheft, 16 Seiten, Kunsthaus Zürich, Bibliothek (seit 1919)
–Hans Richter, Portrait Heinrich Coray (Han Corray), 1917, Grafitstift auf kariertem Papier, Kunsthaus Zürich, Grafische Sammlung (seit 1980)
–Tristan Tzara, Vortrag, Januar 1917, Galerie Corray, Zürich, Kunsthaus Zürich, Bibliothek, (seit 1980)

Spezialausstellungen

Aktuell

30. April 2022 bis 30. April 2025

Stefan Burger, «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II)

In der Dada-Bibliothek wird eine Arbeit des Künstlers Stefan Burger (*1977) gezeigt. Burger präsentiert zwei den Raum und bestenfalls die Gemüter erhellende Leuchtenobjekte. Die Skulpturen aus gegossenem Glas und Aluminium setzen Burgers 2020 im Cabaret Voltaire begonnene Auseinandersetzung mit Kunst als Gebrauchsgegenstand fort. Die Begrifflichkeiten, mit welchen sich die Skulpturen attributieren lassen, schwanken munter zwischen hübsch und hässlich, pedantisch und rotzig, dekorativ und nützlich, ekelhaft und erotisch. Es sind hybride Anlagen oder Kippfiguren, die je nach Betrachtung zu einer unterschiedlichen Qualität oder Deutung neigen und mit Zierrat und Funktion umgehen. Einige Formreferenzen ergeben sich aus dem Arbeitsvorgang: Wenn flüssiges Glas miteinander verbunden wird, hängt es stets zu Boden. Brezel und Böppel (ganz in der Tradition von Bollen und Bölleli) dienen als ornamentale Wiederholungen, entspannt bedeutungsarm und dennoch entfernt mit eklektischen Zierstrategien wie der barocken Rocaille verwandt. Die Trägerstruktur der Leuchte wiederum, eine ehemalige Leiter, entstammt dem Zürcher Kanalisationssystem und wurde ursprünglich gewaltsam aus einem dort hinunterführenden Schacht entrissen. Eigentlich als Ein- und Ausstiegshilfe angelegt, erfreut sich der Schachttritt nun neuen Aufgaben als Leselampe und Ambiente prägendes Objekt. Die Arbeit mit flüssigem Glas involviert Farben von intensiver Leuchtkraft, welche dank ihrer keramischen Natur unverwüstlich heiter weiter leuchten. Auch die Namen der benutzten Farbpalette «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) denkt der Künstler als Fröhlichkeitsverstärker: eine Einladung also zum guten Mute.

Den vollständigen Text über die Bibliothek und die Werke von Stefan Burger finden Sie hier.

Vorschau

Archiv

2022

1. November bis 13. November 2022

«Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zürich» – Revisiting Kahlo/Modotti 40 years later

1982 kuratierten Laura Mulvey und Peter Wollen die Ausstellung «Frida Kahlo and Tina Modotti» in der Whitechapel Gallery in London, die anschließend nach Berlin, Hannover, Hamburg, Stockholm, New York und Mexiko-Stadt reiste. In den Galerieräumen wurden die Werke der damals noch recht unbekannten mexikanischen Malerin Frida Kahlo und der italienischen Fotografin Tina Modotti einander gegenübergestellt und als frühe Beispiele eines politischen Modernismus zweier kraftvoller Künstlerinnen gezeigt, die im Gefolge der mexikanischen Revolution arbeiteten. Begleitend zur Ausstellung drehten Wollen und Mulvey einen essayistischen Dokumentarfilm. Vierzig Jahre nach der Whitechapel-Ausstellung zeigt das Cabaret Voltaire ausgewähltes Material aus diesem Kontext. Fotografien, Texte, Tonaufnahmen und der Dokumentarfilm von Mulvey und Wollen beleuchten den kulturellen Kontext der 1980er Jahre. Die kleine Ausstellung ist vom 1. November bis zum 13. November im Historischen Saal zu sehen.

Am 8. November wird die Filmwissenschaftlerin Laura Mulvey anlässlich ihres ersten Besuchs in Zürich auf die Ausstellung zurückblicken, um die Ziele und ästhetischen Entscheidungen der kuratorischen Arbeit zu reflektieren; sie wird auch über die praktischen und theoretischen Prozesse sprechen, die zur Umsetzung der Ausstellung in den filmischen Raum führten.

Die Ausstellung ist Teil der Veranstaltung «Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zürich» organisiert durch das Seminar für Filmwissenschaft. Mehr Infos

Laura Mulvey und Peter Wollen, «Frida Kahlo & Tina Modotti», 1982, Filmstill

3. September 2022, 18:00 bis 18. September 2022, 18:00

[not] here – Sarah Burger und Felipe Ribeiro

«[not] here» – eine Ausstellung und Soireen von Sarah Burger und Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22

Veranstaltungen:
03.09.22, 18:00–02:00: LANGE NACHT der Zürcher Museen
06.09.22: Soiree «[not] here», Ausstellungseröffnung (ab 18:00) und Dialogue (20:00) zwischen Sarah Burger und Felipe Ribeiro
13.09.22, 20:00: Soiree «[not] here», musikalische Vertonung der ausgestellten Werke mit Dimitri Howald

Sarah Burger (Zürich) und Felipe Ribeiro (Rio de Janeiro) lernten sich während eines Workshops kennen, bei dem Ribeiro Dinge sammelte, die von verschiedenen Personen mitgebracht wurden, um die Objekte zu Erde zu verarbeiten und eine «gemeinsame Basis» zu schaffen. Burger und Ribeiro entdeckten ein geteiltes Interesse an Tektonik, Erd- und Steinformationen sowie an Landschaften und Geografien, die neue Zugänge zu Geschichte und Zeit ermöglichen. Die Idee, dass ein künstlerischer Austausch für beide fruchtbar sein könnte, entstand. Das Cabaret Voltaire war schon immer ein Ort des künstlerischen Austauschs, der internationalen Zusammenarbeit und des Experimentierens mit neuen Formen der Begegnung. Dieses historische Versprechen bot einen passenden Rahmen für den Dialog zwischen Burger und Ribeiro, der sich entlang von Reflexionen und Aneignungen von Materialeigenschaften, Erzählungen und Geschichten entfaltet. Schnell wurde deutlich, dass ihre Zusammenarbeit nicht nur aus dem Austausch von gemeinsam vereinbarten Vorschlägen bestand, sondern auch aus dem Kennenlernen des jeweils anderen als jemand, der anders arbeitet, reflektiert, assoziiert und artikuliert. Der gemeinsame Fokus liegt – wie vielleicht immer in der Kunst – auf der Frage, was sich im Dazwischen eröffnet: Jeder Blick auf Bildwelten und Objekte offenbart unterschiedliche Wertesysteme, jede Gegenüberstellung von Objekten wirft ein neues Licht auf Texturen, Formen, deren Erzählungen und Symbolik. Im Cabaret Voltaire teilen Burger und Ribeiro Überlegungen und Beobachtungen zu Fragen der Visualität, der Sprache und der Körperlichkeit, wobei sie Präsenz als eine lebendige, nicht fixierte Qualität wahrnehmen, die auch im Verschwinden stattfindet.

Sarah Burger, Dinge, 2021
Sarah Burger bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Die einzige Vorgabe, die Burger kommunizierte, war, dass die Objekte 1:1 geformt werden können und in den Brennofen passen müssen. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen?

Sarah Burger, Hands, Magic, Hands, 2021
Hands, Magic, Hands ist eine digitale Collage, die auf einem gefundenen Bild von Händen und einer Fotografie einer schnell hergestellten, nicht figurativen Skulptur aus Plastilin basiert. Die Hände scheinen die Skulptur zu evozieren und sie auf magische Weise zu formen, ohne sie zu berühren.

Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022
Das Video-Gedicht ist eine Reflexion über die An- und Abwesenheit verschiedener Orte, über erinnerte Räume, die nie zuvor physisch besucht wurden. Burger produzierte das Werk während einer Residenz in Sofia, Bulgarien.

Felipe Ribeiro, Dematerialize i & ii, 2021-2022
Dematerialize ist Teil einer grösseren Serie mit dem Titel Revolving Actions und experimentiert mit Momenten der Abstraktion der menschlichen Figur, in der Hoffnung, dass die visuelle Destabilisierung andere Beziehungsformen ermöglicht. In beiden Arbeiten ist das Gesicht von einem goldenen Metallgewebe bedeckt, das den Gesichtsausdruck verschleiert, den Kopf als Form aber dennoch in den Vordergrund rücken lässt, während der Körper einer verschwimmenden Unbestimmtheit unterworfen ist. Dematerialize i – dawn ist eine Aktion, die sich mit der Ambivalenz des Verschwindens durch das Sichtbarwerden auseinandersetzt. Die in einer bestimmten Raum-Zeit-Koordinate stattfindende Performance findet im Morgengrauen des St.-Georgs-Tages statt, einer Feier, die in Rio de Janeiro den katholischen Heiligen mit der afrikanischen Gottheit Ogun verbindet. Als Symbol für Schutz und Resistenz predigen die Gläubigen, die Kleidung des Heiligen Georg zu tragen, damit der Feind «Augen hat, aber sie nicht sieht». Die Performance materialisiert dieses Gelübde als eine Mischung aus Anonymität und Überschwang. In Dematerialize ii – dusk, sind lang belichtete Aufnahmen eines zitternden Körpers in der Dunkelheit zu sehen, der seine Konturen verlieren soll. Die lang andauernde Aktion begann in Rio de Janeiro um 17:27 Uhr, bei Vollmondaufgang, dauerte über Nacht und endete am nächsten Tag.

Felipe Ribeiro, Whispers, 2022
Die Besucher*innen sind eingeladen, die auf die Wände des Cabaret Voltaire gerichtete Klanginstallation zu hören. Fragmentierte Erzählungen, Textauszüge, imaginative Logiken und Träume werden laut ausgesprochen, so dass die Wände sie hören und speichern können. Die Wand wird als konkrete Materie verdichteter Geschichten wahrgenommen, daher die Notwendigkeit, das Aufgenommene und Gehörte anzuerkennen und sie gezielt mit weiteren Klängen und Erzählungen zu versehen.

Die in Zürich lebende Künstlerin Sarah Burger studierte Bildende Kunst, Philosophie, Vergleichende Literaturwissenschaft und Linguistik. Ihre Praxis umfasst auch künstlerische Recherche (PhD, ZHdK Zürich und Kunstuniversität Linz). Der Künstler Felipe Ribeiro lebt in Rio de Janeiro und ist Professor für Tanz- und Filmstudien an der Federal University of Rio de Janeiro. Er studierte Film (MA) und besitzt ein PhD in Bildender Kunst.

Die Ausstellung wird von der Annemarie Schindler-Stiftung unterstützt.

2021

14. August bis 2. Oktober 2021

Monte Verità, «Songs to the Suns»

«Songs to the Suns»
Das Cabaret Voltaire auf dem Monte Verità, Ascona

Ausstellung Izidora L. LETHE und Installation Paul Maheke:
14.08.2021–02.10.2021

Das Booklet mit Informationen zum Projekt, den Arbeiten von LETHE und Maheke sowie zum Dialog zwischen dem Cabaret Voltaire und dem Monte Verità finden Sie hier.

Das Audio-File zur Installation von Paul Maheke können Sie hier anhören.
Izidora L. LETHES inszenierte Video-Dokumentation der Performance finden Sie hier oder unten als eingebettetes Video.

Programm Eröffnung mit Performances und Gespräch, 14.08.2021:
16:00 Eröffnung Ausstellung Izidora L. LETHE, Paul Maheke
17:00 Gespräch mit Christa Baumberger, Sophie Doutreligne, Minna Salami
18:00 Apero
18:45 Performance Paul Maheke
19:45 Choreographie / Intervention Izidora L. LETHE, aufgeführt von Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks, Claudia Barth
20:30 DJ-Set Yantan Ministry
21:30 Late Dinner, bitte reservieren unter info@cabaretvoltaire.ch

Öffnungszeiten Ausstellung Izidora L. LETHE, Casa dei Russi
15.08.2021–02.10.2021
Sa: 14:00–18:00
So: 10:00–13:00/14:00–18:00
oder auf Anfrage

Öffnungszeiten Installation Paul Maheke, Spazio Piscina
15.08.2021–02.10.2021
täglich, 24 Stunden

Der Monte Verità gilt – wie das Cabaret Voltaire – als einer der wichtigsten Orte der Avantgarde, sei es in Kunst, Theorie oder Lebensführung. Es erstaunt daher nicht, dass Künstler*innen um den Zürcher Dada-Kreis ihre Sommer auf dem Hügel in Ascona verbrachten, der als Zentrum der Lebensreform-Bewegung galt. Sophie Taeuber-Arp, Emmy Hennings, Hans Arp oder Hugo Ball besuchten Rudolf von Labans Kurse, tanzten, veranstalteten Ausstellungen und Feste. Sowohl im Cabaret Voltaire als auch auf dem Monte Verità war die Befreiung von körperlichen und sprachlichen Konventionen zentral. Die Lebensreform strebte danach, die Gesellschaft durch Vegetarismus, Ausdruckstanz, Naturheilkunde, Licht- und Luftbäder, Freikörperkultur und Reformkleidung aus dem steifen Korsett bürgerlicher Zwänge zu befreien. Im Fokus ihres «dritten Weges» zwischen Kapitalismus und Kommunismus stand das Individuum, der Körper und eine möglichst «naturnahe» Lebensweise. Die Kritik der Lebensreform am Fortschritt und ihr Interesse an der mythischen Vergangenheit fanden später auch Eingang in faschistoides Gedankengut. Zahlreiche lebensreformerische Ideen leben in heutigen Industrien um Selbstoptimierung und Gesundheit weiter. Sie treten aber auch dort auf, wo das Denken durch den Körper und seine Bewegungen gesellschaftliche Kategorien weiter herausfordern will – und sicherlich auf der Suche nach alternativen und gemeinschaftlich organisierten Lebensmodellen. Die Parameter um Bürgerlichkeit, Identität und Wissen haben sich allerdings geändert und müssen aus einer neuen Perspektive betrachtet werden. Diese Rückkehr ist kein nostalgischer Akt, sondern Ausgangslage, um Anliegen und Ausdrucksformen aus der Perspektive der Gegenwart zu begegnen. «Songs to the Suns» vereint holistische und fragmentierte Ansätze, sucht eine Mehrstimmigkeit, die binäre Denkweisen im Hinblick auf Natur und Kultur, Geschlecht und Herkunft beanstandet. Im Zentrum steht der Körper als Archiv und Ort der Emanzipation.

Mit Izidora L. LETHE und Paul Maheke lädt das Cabaret Voltaire zwei zeitgenössische Künstler*innen für die Kooperation mit dem Kulturzentrum Monte Verità ein. Am Eröffnungswochenende wirken als Performer*innen Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks und Claudia Barth. Yantan Ministry trägt einen Audio-Teil bei. Am Gespräch beteiligt sind Christa Baumberger, Sophie Doutreligne und Minna Salami.

Izidora L. LETHE, Choreographie/Intervention, 14.08.2021, WE ( , Cabaret Voltaire, Monte Verità, Photo: Diana Pfammatter

Exhibition view, Paul Maheke, «As Saturn and Jupiter Conjunct», 2021 - ongoing series, Cabaret Voltaire, Monte Verità, photo: Diana Pfammatter

Paul Maheke, Taboo Durag, 14.08.2021, Cabaret Voltaire, Monte Verità, Photo: Diana Pfammatter

Gespräch zwischen Christa Baumberger, Sophie Doutreligne, Salome Hohl und Minna Salami (von links nach rechts) auf dem Monte Verità, 14.08.2021, Photo: Diana Pfammatter

Ausstellungsansicht, Izidora L. LETHE, WE ( , Cabaret Voltaire, Monte Verità, Photo: Diana Pfammatter

27. August bis 4. September 2021

Münsterhof, «Laube zur schiefen Lage»

«Laube zur schiefen Lage»
Das Cabaret Voltaire auf dem Münsterhof, Zürich
27.08.2021–04.09.2021

Eine Zusammenarbeit zwischen dem Cabaret Voltaire und Benedikt Bock. Eingeladene Künstler*innen und Autor*innen: Johan Ahlkvist & Hedda Bauer, Karolin Braegger, Anne Fellner, Kasia Fudakowski, Marius Goldhorn, Johanna Kotlaris, Miriam Stoney, Claudia Stöckli & Raphael Stucky

Programm

Freitag, 27. August 2021:
20:00 Johan Ahlkvist & Hedda Bauer/Karolin Braegger
20:30 Johanna Kotlaris
21:00 Marius Goldhorn
21:30 Raphael Stucky & Claudia Stöckli

Samstag, 28. August 2021:
20:00 Miriam Stoney
20:30 Johan Ahlkvist & Hedda Bauer/Karolin Braegger
21:00 Benedikt Bock
21:30 Anne Fellner

Samstag, 4. September 2021 (Lange Nacht der Zürcher Museen):
20:00 Kasia Fudakowski
20:30 Benedikt Bock
21:00 Johanna Kotlaris
21:30 Claudia Stöckli & Raphael Stucky

Die Installation «Laube zur schiefen Lage» steht vom 27. August bis zum 4. September auf dem Münsterhof. Täglich zwischen 17:00 und 22:00 sind alle Arbeiten und Spuren der Beteiligten zu sehen.

Keine Anmeldung nötig.

Etwas verquer auf dem Münsterhof steht die «Laube zur schiefen Lage» – ein zusammengezimmertes Kunstobjekt, das zugleich als Ausstellungsfläche und Bühne dient. Es befindet sich in unmittelbarer Nähe zum Zunfthaus zur Waag, in dessen grossem Saal am 16. Juli 1916 die erste Dada-Soirée nach der Schliessung des Cabaret Voltaire stattfand. Damals erläuterten die Dadaist*innen ihre Zeichnungen, trugen Manifeste vor oder tanzten in Masken. Über 100 Jahre später bespielt das Cabaret Voltaire das Zunfthaus aus naher Distanz mit einer eigenen Bühne. Für den Zeitraum von knapp zwei Wochen wird die «Laube zur schiefen Lage» zu einem öffentlichen Ort im Spannungsfeld von antibürgerlichen Gesten und bürgerlicher Kultur, Weltbezug und Weltflucht, Gemeinschaftlichkeit und Individualität, dem Kleinen und dem Grossen.

Das Grundgerüst der «Laube zur schiefen Lage» stammt vom Künstler Benedikt Bock, der das Projekt gemeinsam mit dem Cabaret Voltaire konzipierte. An drei Abenden (27.08., 28.08. und 04.09.) zeigen eingeladene Künstler*innen, Autor*innen und Musiker*innen Kurzbeiträge. Es entsteht ein buntes Geflecht aus zeitgenössischen Narrativen, die direkt oder subtil, kritisch oder humorvoll das Menschsein in diesen allgemein schrägen Zeiten reflektieren. Im Fokus steht aber auch die Reflexion über das «Contemporary» als enge, normative ästhetische Praxis in der zeitgenössischen Kunst. Die «Laube zur schiefen Lage» spielt dabei besonders mit dem Genre der «Kleinkunst», worauf schon die Dadaist*innen mit dem «Cabaret» Bezug nahmen: Das Cabaret als ein gesellschaftskritischer (linker) Ort, der über die Unterhaltung hinaus- geht, und dabei die Grenzen der Hochkunst mitbefragt. Ausserhalb des White Cube zeigen sich gewisse Auseinandersetzung in einem anderen Licht und treffen auf ein breiteres Publikum. Die «Laube zur schiefen Lage» artikuliert sich in dieser Verschiebung und ermöglicht Raum für Zweifel. Kunstschaffen ist stets eng verbunden mit Verletzlichkeit und der Frage, was mitgeteilt wird oder verborgen bleibt.

Zu den Beiträgen und Spuren vom Freitag, 27. August:

Karolin Braegger fragt inmitten der Zunfthäuser und der effizienten Geschäftigkeit, was es heisst, zu «performen». Sie denkt in ihrer künstlerischen Praxis vom Begriff der Aneignung aus darüber nach, was es (noch) zu sagen gibt: sei es als Gastgeberin oder mit Malereien und Stoffobjekten, beispielweise der Arbeit Soso (2021) aus Toile, einem Textil, das meist zur Anprobe (Kleidung) oder als möglicher Hintergrund (Malerei) verwendet wird und sich während den Öffnungszeiten in der Laube entäussert. Als Host lädt Braegger Positionen ein, die ihre Interessen repräsentieren und ihre Arbeiten oder erweitern, wie das queere Powerplay Dynamic Resistance von Hedda Bauer und Johan Ahlkvist. In der Arbeit untersuchen die Künstler*innen mithilfe der Performer*innen Hilma Bäckström, Charlotta Öberg, Luca Büchler, Jessica Comis und Alexandra Paya Themen wie Unsichtbarkeit, inklusive Unterhaltung und exklusive Teilhabe. Die Kostüme, wovon eines in der Laube hängt, sind so gestaltet, dass sie den Raum widerspiegeln, zu dem sie Bezug nehmen – in diesem Fall das Cabaret Voltaire und den Münsterhof.

Die Zürcher Künstlerin Johanna Kotlaris zeigt Aware-Wolf, eine Weiterführung ihrer Performance-Serie The Fool: the Original Form of Things. In der Performance untersucht sie als tragisch komische Närrin, wie wir uns in der Begegnung mit der Welt, mit uns selbst und anderen definieren. Dabei teilt sie – durch Bewegung, Sprache und begleitet von Stefan Kägi am Piano – grosse Fragen: Inwiefern spiegelt sich das Selbst in unserer Begegnung mit dem Gegenüber? Welche Rolle spielen Scham und Schuld in der Definition des Ichs? Während der Öffnungszeiten hängen an der Hinterseite der Laube schwarzweisse Kleidungsstücke, die auf Fragen der Identität verweisen.

Marius Goldhorn, Autor des vielbesprochenen Romans Park, schrieb für die Laube den Vortrag Über den Aussterbenstrieb (August 2021). Themen des Textes sind das Aussterben, der Aussterbenstrieb und der Aussterbesinn. Er hinterlässt eine Keramik-Leber als Spur. Claudia Stöckli und Raphael Stucky ziehen in ihrem «Totentanz» die Auseinandersetzung mit Auflösung und Neuanfang weiter. Die Künstler*innen beginnen mit einem Knochenorakel, das eine Situation schafft, um über Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft zu reflektieren. Dabei geht es auch um eine spielerische Bildfindung als Ausgangslage für klangliche Interpretationen: Die Künstler*innen schaffen einen fein gewobenen Soundteppich, teilweise verdichtet, dann wieder lose, Samples und Drones, mit kurz aufflammenden sphärischen MIDI-Keyboard–Klängen, Synthesizer-Rhythmen, Schritten im Kies, einem Krähendialog und E-Bass-Sound gestrichen mit einem Bogen. Das Orakel, das Stirnband-Klangspiel von Stöckli und die collagierten Lichtobjekte von Stucky bleiben für die Ausstellung zurück.

Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon wurden Karolin Braegger, Hedda Bauer, Johan Ahlkvist und Kasia Fudakowski bereits im Rahmen von «Cracking Up and Staging Down» im April 2021 ins Cabaret Voltaire eingeladen. Aufgrund der Pandemie konnten die Performances damals nicht stattfinden.

Zu den Beitragen und Spuren vom Samstag, 28. August:

Miriam Stoney untersucht in ihrer Lesung verschiedene Ebenen des Spracherwerbs und geht der damit verbundenen Frage nach, inwiefern eine Sprache das Selbst aktiv prägt. «Deutschlernen ist anscheinend kein neutrales Unternehmen. So oft wurde ich in Deutschland darüber ausgefragt, warum ich diese historisch so problematische Sprache überhaupt sprechen wollte, dass ich irgendwann eine eigene politische Absicht für meine Bemühungen konstruieren musste». Das Plakat an der rechten Aussenseite der «Laube zur schiefen Lage» zeugt von ihrem Lernprozess.

Karolin Braegger, Johan Ahlkvist und Hedda Bauer setzen die Auseinandersetzung um Aneignung, Teilhabe und Exklusion fort (siehe Text vom Freitag, 27. August). So auch der Künstler Benedikt Bock, der gerade sein zweites Buch Vögel/ Birds bei Texte zum Nachdenken veröffentlicht hat. Der Text Sabine zeichnet die Geschichte um den fiktiven Zürcher Zeitungsverkäufer Urban Lenti, der von seiner Familie als Spezialfall bezeichnet wird, weil er für alles zu langsam ist. Lenti entwickelt sich zu einer Figur am Rand der Gesellschaft, die tagein tagaus das abstrakte Treiben an der Bahnhofstrasse beobachtet und zum Ende durch den Sturm «Sabine» mit einem antikapitalistischen Schauspiel belohnt wird.

Während den Lesungen und Performances hängt Anne Fellners Malerei im Hintergrund. Zwei Detektiv*innen sind schematisch abgebildet und verschmelzen mit den expressiven Spuren der Künstlerin. Das Gemälde korrespondiert mit der präsentierten nullten Episode TBH – a mysterious hypnotist on the loose aus der Ausstellungs- und Hörstückreihe The Bellermann Hypnotist, die im Projektraum Sangt Hipolyt in Berlin stattfindet. Die Protagonistin des Stückes ist eine nicht näher benannte Ermittlerin oder Detektivin; die Perspektive ist dem literarischen Subgenre des hard-boiled feminism sowie dem gothic thriller nachempfunden. Das fragmentarische Hörstück setzt sich aus verschiedenen literarischen Zitaten (u.a. von Charlotte Perkins Gilman oder Vladimir Nabokov) und Aussagen von Künstler*innen, Autor*innen und Psycholog*innen zusammen, die als Versatzstücke einer kriminologisch-künstlerischen Erzählung dienen.

Zu den Beiträgen und Spuren vom Samstag, 4. September:

Kasia Fudakowski fokussiert in ihrer Performance den «Joke Gap» anhand des Lebens und der Rollen der Komikerin und Schauspielerin Elisabeth Wellano alias Liesl Karlstadt (1892–1960). «Ein Witz kann als entbehrliches soziales Kapital gesehen werden. Historisch gesehen musste sich eine Frau erst als seriös etablieren, bevor sie in einen Witz investieren konnte». Der «Joke Gap» kann auch im weiteren Sinne verstanden werden: Das, was als lustig wahrgenommen wird, verändert sich je nach historischem Kontext, Lebensalter oder Kulturkreis. Fudakowskis Performance changiert zwischen Leichtigkeit und schmerzhaften Momenten, unterstützt von gemalten Kostümen, welche Liesl Karlstadt und Karl Valentin zum Leben erwecken.

Im Anschluss folgen Benedikt Bock (siehe Text zum 28. August), Johanna Kotlaris (siehe Text vom 27. August) sowie Claudia Stöckli und Raphael Stucky (siehe Text zum 27. August). Der «Totentanz» von Stöckli und Stucky spielt auch mit der Information, dass der Münsterhof im Hochmittelalter als Friedhof genutzt wurde.

«Laube zur schiefen Lage», 27.08.2021, Cabaret Voltaire, Münsterhof, Photo: IIDA

2. März bis 27. März 2021

Samuel Haitz, «Memorabilia»

«When I look back on my life it’s not that I don’t want to see things exactly as they happened, it’s just that I prefer to remember them in an artistic way. And truthfully the lie of it all is much more honest because I invented it. Clinical psychology tells us arguably that trauma is the ultimate killer. Memories are not recycled like atoms and particles in quantum physics. They can be lost forever. It’s sort of like my past is an unfinished painting and as the artist of that painting I must fill in all the ugly holes, and make it beautiful again. It’s not that I have been dishonest; it’s just that I loathe reality.»

– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – Erster Teil, Marry the Night

Samuel Haitz (*1997) lädt zu zwei aufeinanderfolgenden Soireen und zur parallellaufenden Ausstellung «Memorabilia» ins Cabaret Voltaire ein. Haitz zog erst kürzlich von Zürich nach Berlin. Ein Anlass, gelagerte Andenken in die Hand zu nehmen, Erinnerungen zu ordnen, zu bewahren und zu verklären. Im Cabaret Voltaire versammelt er eigene Arbeiten, Werke von Freund*innen und Idolen sowie weitere Objekte, die Codes des Begehrens und der Zugehörigkeit widerspiegeln. Für die Soireen lädt er seine künstlerischen Weggefährt*innen Milena Langer, Stella und Ian Wooldridge zum gemeinschaftlichen Lesen von Texten ein. Zum Abschluss interpretiert der befreundete DJ Moritz Müller die Veranstaltungen musikalisch. Soirée 1 (Before) widmet sich der Hoffnung und der romantischen Utopie; Soirée 2 (After) fokussiert die nostalgische Reflexion von Vergangenem. Die Veranstaltungen werden in Zusammenarbeit mit dem Berner Radio Bollwerk online übertragen. In dieser stillstehenden, kontaktarmen Zeit entsteht so ein Raum, um darüber nachzudenken, welche persönliche und gemeinsame Gedächtniskultur den Werdegang prägen soll.

Soirée 1 (Before) fand am 02.03.2021 statt und Soirée 2 (After) fand am 09.03.2021 statt. Beide Soireen können Sie hier nachhören. Mit Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge und Moritz Müller (DJ-Set) via radio-bollwerk.ch.

Ausstellungsansicht, Samuel Haitz, Sale (After Lutz Bacher), «Memorabilia», 2021. Photo: Cabaret Voltaire, Philipp Hänger

Soireen

Soireen Cabaret Voltaire

Aktuell

28. März 2023, 20:00

Le Foyer – Gespräch mit Mai-Thu Perret und Ida Soulard

Le Foyer in Zusammenarbeit mit dem Cabaret Voltaire. Moderiert von Yasmin Afschar.

Mai-Thu Perret, Künstlerin, und Ida Soulard, Kunsthistorikerin und Kuratorin, stehen in einem regelmässigen Dialog – ein Austausch, der derzeit vertieft wird und in einem Text gipfelt, der in Perrets kommendem Buchprojekt veröffentlicht wird. Im Rahmen der Diskussion über gemeinsame Interessen, feministische Anliegen und die Rolle von Kunst und Kunsthandwerk in den Avantgardebewegungen des 20. Jahrhunderts erhalten wir einen Einblick in diesen Prozess. Insbesondere Soulards kunsthistorische Forschungen zu Anni Albers und textilen Praktiken in der Kunst der 1920er- bis 1960er-Jahre bieten zahlreiche Anknüpfungspunkte zu Perrets Werk, einschliesslich der derzeit im Cabaret Voltaire gezeigten Arbeiten, die sich auf das Erbe von Sophie Taeuber-Arp bezieht.

Literatur, Kunst- und Kulturgeschichte, aber auch spirituelle Traditionen und feministische Theorie bilden das intellektuelle Fundament, aus dem die Genfer Künstlerin Mai-Thu Perret schöpft. Sie beschäftigt sich mit den künstlerischen Avantgarden des frühen 20. Jahrhunderts, insbesondere mit der Geschichte der Abstraktion, hinterfragt die kapitalistischen und patriarchalischen Konventionen der Kunst und schafft Gegennarrative dazu. Die Werke von Perret wurden in Einzelausstellungen gezeigt, unter anderem im Istituto Svizzero, Rom (2022); Le Portique - centre régional d'art contemporain du Havre, Frankreich (2020); MAMCO Genf (Musée d'art moderne et contemporain), Genf (2019); Badischer Kunstverein, Karlsruhe, Deutschland (2019); Spike Island, Bristol, England (2019); Nasher Sculpture Center, Dallas (2016); Le Magasin, Grenoble, Frankreich (2012); Haus Konstruktiv, Zürich (2011); University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor (2010); San Francisco Museum of Modern Art (2008); und die Renaissance Society an der University of Chicago (2006).

Ida Soulard ist Doktorandin in Kunstgeschichte (ENS / Université PSL) und unabhängige Kuratorin. Sie ist Co-Direktorin von Glass Bead, einer zweisprachigen Online-Forschungsplattform und Kunstzeitschrift. Von 2013 bis 2020 war sie künstlerische Leiterin von Fieldwork: Marfa, ein internationales Forschungs- und Residency-Programm, das gemeinsam von der Hochschule für Bildende Künste in Nantes und HEAD-Genf geleitet wurde. 2021 war sie künstlerische Leiterin und Beraterin für eine private Stiftung und ein Kunstprogramm in Armenien. Zusammen mit Jennifer Burris war sie Ko-Kuratorin von Marfa Sounding (2016-2018), einem Festival mit Performances, Klanginstallationen und Gesprächen in Marfa, Texas. Kürzlich kuratierte sie Transmeare, eine Ausstellung in Zusammenarbeit mit der Künstlerin Ulla von Brandenburg im FRAC Amiens und 1833: Une jeune fille, une machine et leur amitié bei Image/Imatge, Orthez (2022-2023). Außerdem ist sie Herausgeberin von Du Tissage (Les Presses du Réel, 2021), der französischen Ausgabe von Anni Albers' legendärem Buch aus dem Jahr 1965, und von Manual for a future desert (Mousse Publishing, 2022). Derzeit unterrichtet sie an der ENSA-Bourges (Frankreich).

Ausstellungsansicht Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend», Mai-Thu Perret, Untitled (Different Ways), 2022. Photo: Cedric Mussano

Vorschau

5. April 2023, 19:00–22:00

«Phoenix Philosophy Café Tbilissi» im CCA, Center of Contemporary Art, Tbilissi

Präsentation, Vortrag und Talk organisiert von Brücke Zürich-Tbilissi. Die Veranstaltung findet statt im CCA, Center of Contemporary Art, Tbilissi.

Die in Zürich lebende Künstlerin llaria Vinci präsentiert im CCA, Tbilissi, einen abgewandelten Ableger der Ausstellung «Phoenix Philosophy Café», die bis im Sommer 2023 im Cabaret Voltaire zu sehen ist. Die Ausstellung wird durch verschiedene Veranstaltungen aktiviert. Neben Kunstwerken stehen die «Chronicles of the Phoenix Fireplace» im Zentrum: Kurzgeschichten zu Vincis Schau, verfasst von den Schweizer Autorinnen Judith Keller und Maya Olah, Allison Grimaldi Donahue sowie der georgischen Autorin Anna Kordsaia-Samadaschwili. Salome Hohl, Direktorin des Cabaret Voltaire, lässt sich von der Ausstellung von llaria Vinci inspirieren und hält den Vortrag «Dada Phoenix, oder was wir mit Dada lernen können». Sie zieht Parallelen von der Vergangenheit in die heutige Zeit und analysiert, welche Probleme und Chancen wiederkehren und welche künstlerischen Antworten zu beobachten sind. Im Anschluss findet ein Gespräch zwischen llaria Vinci, Salome Hohl und jungen georgischen Künstler:innen statt.

19:00–20:00
Präsentation llaria Vinci und Lesung der Kurzgeschichte von Anna Kordsaia-Samadaschwili

20:00–21:00
Vortrag von Salome Hohl «Dada Phoenix, oder wie wir mit Dada lernen können»

21:00–22:00
Interaktion mit den georgischen Künstler:innen und Schriftsteller:innen

Eintritt frei
www.zuerich-tbilissi.ch

13. April 2023, 18:00

«The Psychedelic Salon»

Am Donnerstag, den 13. April, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Soirée umfasst einen Vortrag von Jason K. Day mit dem Titel «Psychedelic Attention: On the Phenomenology of Psychedelic Experiences» und eine VJing- und Sound-Performance von Antoine Félix Bürcher und Caroline Ann Baur.

An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Psychedelische Erfahrungen, die durch die Einnahme von LSD, Psilocybin, Meskalin oder DMT ausgelöst werden, werden von denjenigen, die diese Substanzen einnehmen, im Allgemeinen als eine radikal gesteigerte Detailgenauigkeit und Komplexität der Phänomene, eine tiefe Fokussierung von normalerweise unbemerkten Phänomenen und einen allgemein erhöhten Grad und Umfang des Bewusstseins beschrieben, was im Volksmund als «Bewusstseinserweiterung» bezeichnet wird. Häufig wird jedoch auch von einem verminderten Bewusstsein für die grundlegenden Merkmale der Erfahrung berichtet - für Realität, Zeit, Raum, Verkörperung und Selbstsein. In diesem Vortrag wird Jason K. Day zeigen, wie häufig Menschen ihre psychedelischen Erfahrungen in Bezug auf die Aufmerksamkeit beschreiben, und wie die Betrachtung psychedelischer Erfahrungen in Bezug auf die Aufmerksamkeit uns helfen kann, die Frage zu beantworten, ob Menschen ähnliche Erfahrungen machen, wenn sie Psychedelika einnehmen.

Jason K. Day ist Doktorand der Philosophie an der Universität Fribourg und Forscher im SNF-Projekt Ästhetik und Ethik der Aufmerksamkeit. In seiner Dissertation führt er eine phänomenologische Studie über psychedelische Erfahrungen in Bezug auf die Aufmerksamkeit durch. Day hat seinen Forschungs-MA in Philosophie an der Radboud Universität Nijmegen abgeschlossen, wo er sich auf die Husserlsche Phänomenologie und die frühe buddhistische Philosophie spezialisiert hat. Er schreibt auch über das Thema anarchistische Philosophie und ist ansonsten für seine Collagen bekannt.

Informationen zum genauen Programm folgen. Der Anlass findet in englischer Sprache statt.

18. April 2023, 20:00

Texte zum Nachdenken – Lyriknacht mit Tim Holland, Ricarda Kiel und Simone Lappert

Gemeinsam mit der freien Lesereihe Texte zum Nachdenken organisiert das Cabaret Voltaire in diesem Jahr drei Veranstaltungen. Am 18. April beginnen wir mit einer Lyriknacht, zu der wir Tim Holland, Ricarda Kiel und Simone Lappert begrüssen dürfen. Im lyrischen Schaffen der drei Schriftsteller*innen zeigt sich der Versuch, alles in ein Ganzes zu setzen, die Abhängigkeit der menschlichen und nicht-menschlichen Natur voneinander aufzuzeigen; emotionale, ökologische oder gesellschaftliche Krisen poetisch freizulegen und zu verästeln.

–Simone Lappert (*1985, Aarau, CH) lebt in Zürich und gehört seit ihrem Debütroman «Wurfschatten» 2020 fest zur Landschaft der jungen Literatur in der Schweiz. Ihr Lyrikband «Längst fällige Verwilderung» erschien 2022 im Diogenes Verlag. simonelappert.com

–Tim Holland (*1987, in Tübingen) studierte nach einer Ausbildung zum Buchhändler am Deutschen Literaturinstitut Leipzig. Er lebt in Berlin. Seine Science-Fiction-Lyrik «wir zaudern wir brennen» erschien im September 2022 bei Mathes und Seitz.

–Ricarda Kiel lebt in Leipzig, schreibt Texte, schnitzt Löffel und führt ein antikapitalistisches Unternehmen. „Kommt her ihr Heinis ich will euch trösten“ erschien 2019 bei hochroth München, „Outfits“ 2020 bei MATERIALIEN, „Tante Alles“ 2022 ebenfalls bei hochroth München. ricardakiel.de

Benedikt Bock (*1987) und Arnaud Wohlhauser (*1992) tragen mit einer Skulptur zur Soiree bei.

Benedikt Bock und Arnaud Wohlhauser, Poem, 2022, Neon (rot und blau), 50 x 35 x 15 cm

25. April 2023, 20:00

«Analytisches Kabarett» – Nr. 1: Faschismus und Männlichkeit. Platon und Arendt, griechischer Wein und Campari Spritz

In der Soiree-Reihe «Analytisches Kabarett» wird das analytische Handwerk der Philosophie offengelegt und durch Beiträge aus anderen Perspektiven und Disziplinen herausgefordert oder verdichtet. Zu jeder Soiree gibt es eine Einführung zur Denkrichtung durch den Philosophen Dominique Kuenzle, eine präsentierte Textanalyse, eine These oder Frage von angehenden Philosoph*innen der Universität Zürich, einen künstlerischen sowie einen gastronomischen Beitrag. Gäste sind eingeladen, aktiv mitzudiskutieren oder zuzuhören.

Nr. 1: Faschismus und Männlichkeit. Platon und Arendt, griechischer Wein und Campari Spritz

Platons Politeia enthält eine faszinierende Analogie: Genau so, wie ein gerechter Mensch Ordnung in seiner Seele trägt, wird ein gerechter Staat von einer Stormtrooper-ähnlichen Krieger*innenkaste kontrolliert. Auf der Grundlage von Auszügen aus der Politeia und einem Text von Hannah Arendt diskutieren wir, ob die hier vorgeschlagene Abschaffung von Familie und Privatbesitz nun feministisch, proto-faschistisch oder beides ist.

Miriam Laura Leonardi trägt mit einem künstlerischen Beitrag zur Soiree bei.

Die ausgewählten Textstellen können via info@cabaretvoltaire.ch bezogen werden.

11. Mai 2023, 18:00

«The Psychedelic Salon»

Am Donnerstag, den 11. Mai, findet im Cabaret Voltaire erneut der mit Susanne G. Seiler organisierte «Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Mackenzie Amara unter dem Titel «Psychedelic Archetypes in Jungian Psychology».

Psychedelika bieten nicht nur Heilung für diejenigen, die mentalen und emotionalen Schmerz erfahren, sondern ermöglichen es uns auch, mit Realitäten in Kontakt zu treten, die außerhalb des persönlichen Bewusstseins angesiedelt sind. Mit einem Wort, Psychedelika sind transpersonal. Dem Schweizer Psychiater C. G. Jung zufolge ist die transpersonale Dimension des Seins nicht nur real, sondern wird von Mustern und Geschichten bestimmt. Diese Muster und Geschichten sind die so genannten Archetypen. Archetypen gehen über die Persönlichkeit, die Kultur und die Zeit hinaus. Sie gehen der Gesellschaft voraus. Nach Jung bewegt die archetypische Realität jeden von uns dazu, eine schicksalhafte persönliche Erzählung zu leben, ähnlich wie ein Mythos, und sich dieses Musters in uns bewusst zu werden, ist der Schlüssel zur Selbstverwirklichung. In diesem Vortrag werden wir Beispiele für gängige Archetypen untersuchen, wie sie sich individuell und kollektiv zeigen und was das Verständnis von Archetypen mit psychedelischen Erfahrungen zu tun hat.

Von Beruf ist Mackenzie Amara, alias The Inked Shrink, Autorin, Coach und 5Rhythms®-Lehrerin. Sie ist Jungsche Analytikerin in Ausbildung und Doktorandin der klinischen Psychologie. Ihr Lebenswerk ist die Heilung von Traumata.

Informationen zum genauen Programm folgen. Der Anlass findet in englischer Sprache statt.

23. Mai 2023, 20:00

«Analytisches Kabarett» – Nr. 2: Betrunkene Träume im rationalistischen Kloster. René Descartes, Mary Astell und Klosterschnaps

Nr. 2: Betrunkene Träume im rationalistischen Kloster. René Descartes, Mary Astell und Klosterschnaps

Im Gegensatz zur heutigen Manosphere zieht die englische Philosophin Mary Astell 1694 inspirierte und nicht-misogyne Schlüsse aus Descartes’ träumerischem Redpilling: Mit geeigneten Methoden und Institutionen sollen Frauen rationalistisch werden, was nicht nur für irdische Gerechtigkeit, sondern auch für die Autonomie der Seele beim Eintritt in den Himmel zentral sei. Anhand ihrer und Descartes’ Texten diskutieren wir Rationalitätsauffassungen der frühen Neuzeit zwischen maskulinen Idealen und feministisch-emanzipatorischem Potential.

Die ausgewählten Textstellen können via info@cabaretvoltaire.ch bezogen werden.

Archiv

2023

21. März 2023, 20:00

«Chronicles of the Phoenix Fireplace» – mit Allison Grimaldi Donahue, Judith Keller und Maya Olah

Eine Literatursoiree zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci mit Allison Grimaldi Donahue, Judith Keller und Maya Olah.

Die Autor*innen schreiben eine Kurzgeschichte zur Ausstellung zu den Stichworten, welche die Künstlerin Ilaria Vinci ihnen zuvor vorgegeben hat: Rebellion (rebellion), heilende Tränen (curative tears), Ei (egg), Kreis (circle) und Miss Phönix. An der Soiree werden die Kurzgeschichten in Feuerstelle-Atmosphäre vorgelesen.

Allison Grimaldi Donahue (*1984) ist Schriftstellerin und Künstlerin. Sie ist die Autorin von «Body to Mineral» (Publication Studio Vancouver 2016) und «On Endings» (Delere Press 2019) und hat Carla Lonzis «Self-portrait» (Divided, 2021) übersetzt. Sie lebt in Bologna.

Judith Keller (*1985) studierte Literarisches Schreiben in Leipzig und Biel sowie Deutsch als Fremdsprache in Berlin und Bogotá. Für ihr Debüt «Die Fragwürdigen» (Der gesunde Menschenverstand) wurde Judith Keller mit Anerkennungspreisen von Stadt und Kanton Zürich ausgezeichnet. Sie lebt in Zürich.

Maya Olah (*1990) studierte Germanistik und Ethnologie in Zürich und Wien. Ihre Hörspiele und Kurzgeschichten wurden im Radio ausgestrahlt, in Literaturzeitschriften veröffentlicht und sie hat zahlreiche Lesungen im In- und Ausland gegeben. Sie lebt in Zürich.

Ilaria Vinci (*1991) hat in Mailand und Lausanne Kunst studiert. In ihrer Praxis erforscht sie das, was sie die "Zone der Fantasie" nennt: Der Bereich in der menschlichen Psyche, in dem sich Selbst- und Weltwahrnehmung treffen und verschwimmen. Sie lebt in Zürich.

Diese Soiree wird von der Fondation Jan Michalski unterstützt.

Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café», Cabaret Voltaire, 2022, Photo: Philipp Hänger

14. März 2023, 20:00

«Wut ist eine komplizierte Kraft» – Eine Soiree mit den Studierenden des Masters Transdisziplinarität der Zürcher Hochschule der Künste

Kaum einen Verweis gibt es im Dorf Trogen in Appenzell Ausserrhoden auf Sophie Taeuber-Arp, wo die Pionierin der abstrakten Kunst aufgewachsen ist. Nur ein kleines Schild am roten Familienhaus erinnert an ihre Kindheit in einem Dorf, das sichtbar reich geworden ist durch den transatlantischen Dreieckshandel mit Textilien aus der Region. Das Haus, das die Mutter Sophie Taeuber-Arps eigenhändig entworfen hatte, steht unweit vom Zellweger Palast, mit denen die Taeubers verwandt waren. Um sich dem multimedialen Werk Sophie Taeuber-Arps anzunähern und Spuren ihrer Biografie zu finden, begab sich eine Gruppe des Masters Transdizsiplinarität der Zürcher Hochschule der Künste auf eine 6-Tägige Exkursion nach Trogen. Konzepte der transdisziplinären Künstler*innenschaft standen im Zentrum der Auseinandersetzung, woraus die Studierenden Fragen nach gegenderten, kunsthistorischen Narrationen stellten, nach dem Verhältnis zwischen Kunsthandwerk und freier Kunst, sowie dem historischen Kontext von dem aus sich das Schaffen und das Selbstverständnis dieser gewichtigen Künstlerin der Moderne entwickeln konnte. Durch die Linse der Exkursion betrachten die Studierenden die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend» von Sophie Taeuber-Arp und Mai-Thu Perret im Cabaret Voltaire. Mit einem alternativen Saalblatt reagieren die Studierende auf die Ausstellung und laden zu einer Vernissage ihrer Lesart mit Performances im Historischen Saal des Cabaret Voltaire ein.

Von und mit: Paula Thomaka, Nistiman Erdede, Amanda Hunt, Hans-Jakob Mühlethaler, Caroline Ann Baur, Nicole Frei.

9. März 2023, 18:00

«The Psychedelic Salon»

Am Donnerstag, den 9. März, geht die Reihe «The Psychedelic Salon» weiter. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über breite Themen gesprochen, die von Subkultur, Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis zu Ökologie reichen.
Wir zeigen The Mushroom Speaks (2021), ein Dokumentarfilm von Marion Neumann, der die heilenden Qualitäten von Pilzen und ihre Fähigkeit zur Regeneration erforscht. In ihrem Film würdigt die Regisseurin nicht nur die Magie der Pilze, sondern stellt die These auf, Pilze könnten die Menschheit vor der kommenden Klimaapokalypse retten.

The Mushroom Speaks wurde kürzlich im The Guardian besprochen:
«Considering that the cultivation of fungal cultures has allowed us to ease our physical ailments as well as repair damaged ecosystems, the film posits that, beyond a transactional relationship, humans can also model our behaviours after the virtues of the mushroom.» (Phuong Le, 21 February 2023)

18:00 – Meet und Greet
19:00 – Neuigkeiten und Einführung mit Marion Neumann
19:15 – Screening: The Mushroom Speaks
20:45 – Diskussion

Aufgrund von organisatorischen Verzögerungen kann der mexikanische Künstler Gabriel Mestre Arrioja leider nicht wie angekündigt erscheinen. Sein Besuch wird auf einen anderen Salon verschoben.

Eintritt – CHF 15
Platzreservation ist via info@cabaretvoltaire.ch bis zum Abend vom 8. März möglich.

Die Reihe «The Psychedelic Salon» in Zusammenarbeit mit Susanne G. Seiler findet regelmässig im Cabaret Voltaire statt. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über breite Themen gesprochen, die von Subkultur, Therapieformen, Phänomenologie und Kunst bis zu Ökologie reichen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austauschüber die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Filmstill «The Mushroom Speaks», 2021, Sister Distribution.

21. Februar 2023, 20:00

«SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge»

Am 21. Februar findet wieder die Soiree «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» im Rahmen der Ausstellung von Ilaria Vinci statt. Im Historischen Saal des Cabaret Voltaire laden die Künstlerin Ilaria Vinci und CZARNAGORA (Rafal Skoczek) zum Schachturnier ein. Die Partien werden live mit Sound-Interventionen von ALY-X und Axel Kolb begleitet, die den Fokus der Spielenden herausfordern. Der Anlass steht auch Zuschauer*innen offen. Der Eintritt ist frei.

BLITZ CHESS TOURNAMENT
Die Gegner*innen spielen BLITZ CHESS mit einer Gesamtzeit von zehn Minuten pro Partie (ohne Bonuszeit). Das Turnier besteht aus acht Spieler*innen, die im direkten Ausschlussverfahren gegeneinander antreten. Der*die endgültige Gewinner*in der drei Partien erhält eine Goldmedaille und ein von der Künstlerin entworfenes T-Shirt in limitierter Auflage. Es können mehrere Turniere gleichzeitig stattfinden. Wenn Sie am BLITZ CHESS teilnehmen möchten, melden Sie sich bitte via info@cabaretvoltaire.ch an (mit Angabe zum Schach-Level).

FREE PLAY
Hier können sich Partien freier bilden. Sie können zum Spass spielen oder einfach üben und Ihre Fähigkeiten perfektionieren – das ist ganz Ihnen überlassen. Schachbretter stehen zur Verfügung, gerne können eigene Bretter mitgebracht werden. Eine Anmeldung ist nicht nötig, es hilft uns jedoch trotzdem, damit wir die Anzahl der Schachbretter abschätzen können.

THE NOISE
Klang und Schach haben eine dadaistische Tradition. Marcel Duchamp und John Cage entwickelten kurz vor Duchamps Tod 1968 das Projekt «Reunion», bei dem Schachspiele in Musikstücke verwandelt wurden. Diesmal werden die Schachpartien von Noise-Sets von ALY-X und Axel Kolb begleitet.

«Klänge zu hören ist für mich so, als würde ich mich irgendwo zwischen dem auditorischen Kortex und dem Bewusstsein aufhalten.»
Aleyna Günay auch bekannt als ALY-X (geb. 1995) Künstlerin und elektronische Musikerin aus Istanbul. Sie begann als Pianistin, als sie sechs Jahre alt war, und komponierte weiter. Nach vielen Jahren wurde ihr Stil härter und diese Erkundung kombiniert Dronescapes, harsche Lärmwände und Doom. Sie hat ihr Projekt ALY-X im Jahr 2018 in Paris gestartet. Sie ist weithin bekannt mit Speedcore, Splittercore und Terror-Genres.
Günay lebt und arbeitet in Zürich. www.aleynagunay.com

Der Musiker und Komponist Axel Kolb studiert Komposition an der ZHdK und lebt in Zürich. Neben seiner Praxis in Spatial Audio und Solo-Posaunen-Performances organisiert und co-kuratiert er «Spectres», eine Reihe für elektroakustische Musik: www.spectres.ch

Marcel Duchamp und John Cage «Reunion», 1968

17. Februar 2023, 20:00

«Chaostage» – offene Bühne

Am Freitag, 17. Februar, findet im Cabaret Voltaire wieder die «Chaostage» von Ajana Dracula & friends statt.

Wir laden dazu ein, auf der offenen Bühne aufzutreten: Reden halten, Lieder singen, Instrumente spielen, Tänze oder Performances vorführen, rappen, Gedichte rezitieren, einen Film zeigen – alle Beiträge sind willkommen.
Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, Klavier, Verstärker, Computer, Beamer sowie je max.10 Minuten zur Verfügung.

In allen Sprachen. Verkleidung erwünscht!

Türöffnung: 20:00
Freier Eintritt.
Anmeldung an ajanadracula239@gmail.com

Wir freuen uns auf zahlreiches Erscheinen und Mitmachen!

14. Februar 2023, 20:00

Luca Büchler, «The Way I Are»

In seiner neuen Performance «The Way I Are» arbeitet Luca Büchler mit Tanz und den verschiedenen Aspekten der passiven und aktiven Teilnahme, die sich aus dem Cruising ergeben. Büchler nutzt Cruising – die Praxis des Beobachtens und Begegnens von potentiellen Partner*innen in einem alltäglichen Kontext – um Bewegungen zu hinterfragen. Der Künstler begegnet damit seiner eingeschriebenen Körpersprache und bewegt sich dabei zwischen Fakt, der erkennbaren Form, und Fiktion, dem Interpretationsspielraum. Jede Geste, jeder Blick ist dabei dem Gegenüber und dessen subjektiven und kulturellen Lesearten ausgeliefert. Büchler möchte soziale Protokolle jedoch nicht einfach offenlegen. Durch die Wiederholung hinterfragt er diese und flirtet damit, Formen der Repräsentation sowie Interpretation zu vervielfachen, um individuelle Fantasien zu kreieren.

Besucher*innen sind eingeladen, sich während der gesamten Dauer der von Musik und Licht begleiteten Performance frei im Raum zu bewegen. Die Bar im Historischen Saal ist während der 90-minütigen-Performance geöffnet.

9. Februar 2023, 18:00

«The Psychedelic Salon»

Am Donnerstag, den 9. Februar, findet im Cabaret Voltaire erneut «The Psychedelic Salon» statt. Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Susanne G. Seiler unter dem Titel «The Love you Take is Equal to the Love you Make. LSD in the Sixties». Danach psychedelisches DJ-Set von Kalabrese.

«The love you make is equal to the love you take» ist ein Zitat der Beatles, das die Philosophie der Peace-and-Love-Ära zusammenfasst, in der die Hippies mit alternativen Therapien experimentierten. Die LSD-Therapie zum Beispiel, die damals in Nordamerika noch legal war, war weit verbreitet. An dieser Veranstaltung werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

Susanne G. Seiler studierte Soziologie und Linguistik in Toronto und Ottawa, Kanada. Sie ist Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters «gaiamedia goodnews» und organisiert und moderiert den monatlichen «The Psychedelic Salon». Als Zeitzeugin der Anfänge der Drogenkultur in den sechziger und siebziger Jahren lernte sie viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann, die Psychologin und Theologin Jean Houston, Terence McKenna oder den Delphin- und Bewusstseinsforscher John C. Lilly kennen. Susanne lebt in Zürich und arbeitet an einem Buch über ihre Erfahrungen, das im Herbst unter dem Titel «Mein psychelisches Leben» im Nachtschatten Verlag, Solothurn, erscheinen wird.

Kalabrese (Sacha Winkler) ist ein Zürcher Musiker, DJ, Musikproduzent und Co-Inhaber des Club Zukunft, der uns mit einem psychedelischen Set erfreut. Mehr Informationen: http://kalabrese.com

Eintritt: CHF 15 – der Anlass findet in englischer Sprache statt.

18:00 – Meet & Greet
19:00 – Vortrag Susanne G. Seiler
20:15 – Diskussion
21:00 – DJ Kalabrese

Die Veranstaltung kann auch online über diesen Link verfolgt werden: https://us02web.zoom.us/j/85085741374?pwd=TzNTU1VZdG1SRXRzU3pxWkZSM1RCQT09
Meeting-ID: 850 8574 1374
Kenncode: 579840

Weitere Daten: 9. März, 13. April, 11. Mai 2023.

Timothy Leary For Governor Of California, Poster by Joe Roberts Jr., 1969

31. Januar 2023, 20:00

David Horvitz: Წვიმა Rain

Editionsvorstellung mit dem Künstler David Horvitz, eine Lesung in Georgisch mit Elene Abashidze, in Englisch mit David Horvitz und einleitende Gedanken zum Wetter von Nina Kunz.

In der georgischen Sprache existieren 64 verschiedene Bezeichnungen für Regen. Der Künstler David Horvitz arbeitete mit der in Tiflis lebenden Kuratorin Elene Abashidze zusammen, um diese Wörter zu sammeln. Das Ergebnis ist ein Glossar, welches die subtilen Unterschiede beschreibt, wie Wasser vom Himmel fallen kann. Der Reichtum an Ausdrücken für ein einziges Naturphänomen macht auch sichtbar, was wir durch die Auswirkungen der Klimakrise verlieren werden, wenn die Vielfalt an Begriffen für Regen keine Anwendung mehr finden.

Die Arbeit entstand anlässlich der Ausstellung «The Palace of Concrete Poetry» im Writers' House of Georgia in Tiflis (9. September – 9. Oktober 2022). Das Künstlerbuch «Წვიმა Rain» enthält das gesamte Glossar und ist verlegt bei Edition Taube in einer Auflage von 1000 Unikaten, und einer mit georgischem Regenwasser gedruckten Sonderedition.

Design: Jan Steinbach.

David Horvitz wird auch am nächsten Tag, den 01.02.2023, in Zürich im MATERIAL eine weitere neue Arbeit vorstellen und Bücher signieren.

David Horvitz «Წვიმა Rain», Design: Jan Steinbach.

24. Januar 2023, 20:00

«Sophie Taeuber-Arp. Briefe 1905–1942». Soiree zum Erscheinen der Edition

Mit Sigrid Adorf, Medea Hoch, Salome Hohl, Hubertus Design, Walburga Krupp, Nimbus. Kunst und Bücher, Petra Ronner

Während das Werk der Pionierin konstruktiver Kunst aus der Schweiz international immer bekannter wurde, hat sich die kunsthistorische Rezeption weiterhin auf Erinnerungstexte von Hans Arp und weiterer Weggefährt*innen verlassen, die nach dem frühen Unfalltod Sophie Taeuber-Arps aufgezeichnet wurden. In der neu erschienenen dreibändigen Briefausgabe kann die Künstlerin endlich selbst zu Wort kommen. Der Perspektivenwechsel zeigt eine reflektierte, bestimmte und auch einmal aufgebrachte Sophie Taeuber-Arp und relativiert die bisherigen Zuschreibungen seitens der Künstlerkolleg*innen. Die Korrespondenz mit den nächsten Bezugspersonen erstreckt sich beinahe über die gesamte Lebenszeit Sophie Taeuber-Arps und liest sich wie eine Autobiografie in Fragmenten. Sie gibt Einblicke in unbekannte Lebenszusammenhänge und das innovative transdisziplinäre Schaffen der Künstlerin.

Die Briefedition wurde von Medea Hoch, Walburga Krupp und Sigrid Schade am Institut for Cultural Studies in the Arts der Zürcher Hochschule der Künste herausgegebenen und bei Nimbus. Kunst und Bücher in Wädenswil 2021 verlegt. Anlässlich der Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend, Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret» im Cabaret Voltaire soll ihr Erscheinen gefeiert werden mit Beiträgen zu den Briefen und zur prämierten Gestaltung von Hubertus Design, einem Büchertisch sowie einer Ananas-Bowle, roten Lampions und Klavierstücken von Béla Bartók, von denen die Briefe berichten. Die rumänische Weihnachtsmusik (Colinde) von Béla Bartók (1881–1945) besteht aus zwei Serien an zehn Klavierstücken betitelt «Rumänische Weihnachtslieder» (1915).

23. Januar 2023, 19:00

Aussetzung des Hugo-Ball-Preises: Zeichen gegen Antisemitismus und Rassismus (online)

«Zeitgenössischer Antisemitismus im Werk von Hugo Ball und dessen Gegenwartsbezüge»

Seit 1990 verleiht die Stadt Pirmasens alle drei Jahre den Hugo-Ball-Preis. Mit dem Kulturpreis würdigt die Stadt das Wirken des in Pirmasens geborenen Künstlers, Schriftstellers und Kriegsgegners Hugo Ball (1886-1927). Dieser hat – u. a. 1916 im Züricher Cabaret Voltaire – mit Dada eine der einflussreichsten Kunstrichtungen des 20. Jahrhunderts mitbegründet.

Den Hauptpreis des Jahres 2023 sprachen die Jury und die Stadt Pirmasens im Dezember mit Hito Steyerl einer der international bedeutendsten Künstlerinnen der Gegenwart zu, den Förderpreis der Schriftstellerin, Dramaturgin, Musikerin und Performerin Olivia Wenzel.

Auf Anregung von Hito Steyerl hat die Stadt Pirmasens gemeinsam mit den beiden Preisträgerinnen und der Vorschlagskommission entschieden, die Verleihung des Hugo-Ball-Preises im Jahr 2023 auszusetzen zugunsten einer offenen Debatte über antisemitische Klischees in der Zeit Hugo Balls und unserer Gegenwart.

Im frühen 20. Jahrhundert war antisemitisches Gedankengut weit verbreitet, auch viele Künstlerinnen und Künstler beförderten solche Ressentiments. Entsprechende Textpassagen finden sich auch bei Hugo Ball, etwa in seiner 1919 erschienenen Schrift «Zur Kritik der deutschen Intelligenz». Damit haben sich die Fachwissenschaft und vor allem auch die Hugo-Ball-Gesellschaft bereits ausführlich und wiederholt beschäftigt; sie sind jedoch in der breiten öffentlichen Wahrnehmung nicht präsent.

Unter dem Eindruck antisemitischer sowie rassistischer Vorurteile und Vorfälle in der Gegenwart halten die Stadt Pirmasens, die Vorschlagskommission und die beiden Ausgezeichneten eine erweiterte Auseinandersetzung mit Antisemitismus und anderen Formen der Diskriminierung für vordringlich und geboten.

Denn alle Beteiligten möchten mit der Verleihung des Preises künftig auch ein starkes Zeichen gegen Antisemitismus und Rassismus verbinden.

Auftakt der Debatte ist eine öffentliche und zudem auf Youtube unter www.youtube.com/@pirmasenslive1 zugängliche Veranstaltung am 23. Januar 2023, um 19 Uhr, in der Festhalle in Pirmasens.

Im Rahmen einer moderierten Podiumsdiskussion beschäftigen sich dort ausgewiesene Fachleute verschiedener Disziplinen mit dem Thema «zeitgenössischer Antisemitismus im Werk von Hugo Ball und dessen Gegenwartsbezüge».

Eine weitere Veranstaltung zu Hugo Balls intellektuellem Umfeld ist im Laufe des Jahres im Cabaret Voltaire in Zürich geplant. Dessen Direktorin Salome Hohl setzt es sich zum Ziel, Ambivalenzen der für die Kultur der Moderne so prägenden Dada-Bewegung weiter auszuleuchten, auch hinsichtlich ihrer antisemitischen, kolonialistischen und rassistischen Spuren.

Bis zum Ende dieses Prozesses soll die Verleihung des Hugo-Ball-Preises ausgesetzt werden, um die wichtige Debatte nicht unter Zeitdruck führen zu müssen. Die für 5. März 2023 vorgesehene Veranstaltung wird abgesagt.

«Ich bin Hito Steyerl sehr dankbar dafür, dass sie mit ihrer Nominierung eine wichtige Debatte zum Thema Antisemitismus angestoßen hat», so der Pirmasenser Oberbürgermeister Markus Zwick. «Denn Pirmasens und der Hugo-Ball-Preis beziehen klar Position gegen Antisemitismus, Rassismus und andere Formen der Diskriminierung!»

Auch Hito Steyerl ist froh über den gemeinsamen Weg, den Pirmasens mit ihr und Olivia Wenzel eingeschlagen hat: «Ich bedanke mich ausdrücklich dafür, dass die Stadt Pirmasens und Oberbürgermeister Zwick einen konstruktiven Weg wählen, um einen Umgang mit unbestreitbar antisemitischen Motiven in Balls Werk zu finden. Dieses Verfahren könnte einen Modellcharakter für den Umgang mit Deutschlands in Teilen antisemitischem und rassistischem kulturellen Erbe bieten und so ein zukunftsweisendes Beispiel darstellen».

Olivia Wenzel begrüßt den anstehenden Prozess ebenfalls sehr: «Es ist gut, dass hier im Idealfall ein konstruktiver wie kritischer Prozess angestoßen wird; ich hoffe, er gelingt.»

Die Vorschlagskommission begrüßt den eingeschlagenen Weg. Ihr gehören der Literaturkritiker Dr. Helmut Böttiger, Salome Hohl vom Cabaret Voltaire in Zürich und die Kunsthistorikerin und Redakteurin der Süddeutschen Zeitung, Dr. Kia Vahland an.

Die Vorschlagskommission teilt mit: «Wir haben uns dafür ausgesprochen, den Preis im Jahr 2023 auszusetzen zugunsten einer aktualisierten kritischen Auseinandersetzung mit Hugo Balls Werk und Umfeld sowie einer Debatte darüber, welche Schlüsse sich für unsere von antisemitischen und rassistischen Vorurteilen und Vorfällen gezeichneten Gegenwart ziehen lassen. Wir danken der Stadt Pirmasens für ihre Bereitschaft, diesen Prozess zu gestalten, Hito Steyerl für ihren Impuls, Olivia Wenzel für ihre Unterstützung.»

Auf einen Blick:

Bei der Diskussion am Montag, 23. Januar 2023, sind folgende Gäste auf dem Podium in der Pirmasenser Festhalle vertreten:

Dr. Bernd Wacker, ist Vorsitzender der Hugo-Ball-Gesellschaft, katholischer Theologe und Hugo-Ball-Forscher. Er ist zudem im christlich-jüdischen Dialog engagiert und hat in diesem Kontext u.a. zu den judenfeindlichen bzw. antisemitischen Bildwerken im Kölner Dom veröffentlicht.

Dr. Susanne Urban, Leiterin der Recherche- und Informationsstelle Antisemitismus Hessen (RIAS); zuvor u.a. in den Arolsen Archives, Yad Vashem und für den SchUM-Städte e.V. tätig.

Prof. Dr. Helmuth Kiesel ist ausgewiesener Literaturwissenschaftler an der Universität Heidelberg mit Schwerpunkt 20. Jahrhundert, dessen Werk, gerade was die Zeit Hugo Balls angeht, längst zum wissenschaftlichen Kanon gehört.

Prof. Dr. Johannes Heil ist Ignatz-Bubis-Stiftungsprofessor für Religion, Geschichte und Kultur des europäischen Judentums an der Hochschule für Jüdische Studien Heidelberg. Die staatlich anerkannte Hochschule wird vom Zentralrat der Juden in Deutschland getragen. Johannes Heil, ein exzellenter Kenner nicht zuletzt auch des mittelalterlichen Judentums, war dort jahrelanger Rektor.

Prof. Dr. Magnus Brechtken ist Historiker, Politikwissenschaftler und Philosoph – ausgewiesener Experte im Thema Antisemitismus der 1910er und 1920er Jahre und Vizedirektor des Instituts für Zeitgeschichte München, eine international renommierte Institution zur historischen Einordnung.

Prof. Dr. Meron Mendel (zugeschaltet), ist Publizist, Historiker, Pädagoge und Direktor der Bildungsstätte Anne Frank mit Sitz in Frankfurt am Main.

Die Moderation übernimmt Angela Gutzeit, freie Redakteurin und Moderatorin beim Deutschlandfunk und Kritikerin für andere Rundfunkanstalten und Medien.

2022

13. Dezember 2022, 18:00

CARAH Reading Group

Im Herbst und Winter 2022 laden Cabaret Voltaire und CARAH – Collective for Anti-Racist Art History herzlich zu einer Reading Group ein. Gemeinsam wollen wir uns der Lektüre und Diskussion von Texten zu (Anti-)Rassismus in der Kunstgeschichte und damit im Zusammenhang stehenden Themen widmen.

Die Reading Group trifft sich jeweils um 18.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:

27. September, 2022
25. Oktober, 2022
22. November, 2022
13. December, 2022

Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.

Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.cherforderlich.

Lesestoff für den 27.09.2022 – The Gaze:

Homi Bhaba «Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art», in: Artforum 33 (6), Februar 1995.
Kobena Mercer «Looking for Trouble», in: Transition 51, 1991.
McKenzie Wark «The Cis Gaze and Its Others (for Shola)», in: e-flux journal 117, April 2021.

Lesestoff für den 25.10.2022 – Colonial Switzerland:

Rohit Jain «How to Be Affected in Postcolonial Public Spaces? Ethnographic Remarks on a Multifocal World in the Making...», in: On Curating 35, Dezember 2017, Decolonizing Art Institutions, S. 119–128.
Patricia Purtschert und Harald Fischer-Tiné «Introduction», in: Colonial Switzerland: Rethinking Colonialism from the Margins, London 2015, S. 1–15.

Fakulktativ können Sie ausserdem zusätzlich folgende Videos schauen (mehrheitlich auf Deutsch):

Symposium «Die Postkoloniale Schweiz», mit Patricia Purtschert, Noémi Michel, Bernhard C. Schär und Fatima Moumouni, Moderation von Marcy Goldberg, Kunsthaus Zürich, 2020: https://www.youtube.com/watch?v=AHrnyEjjrco
«M wie Mauritius, N wie Negieren!? Eine Talkshow zu postkolonialen Verwirrungen in Bern & Beyond», mit Izabel Barros, Mardoché Kabengele und Dennis Schwabenland, Moderation von Fatima Moumouni und Bernhard Schär, Festival Fragments & Absences, Grand Palais Bern, 2021: https://www.youtube.com/watch?v=S96Z5cYYfnA

Lesestoff für den 22.11.2022 – Othering:

Renée Green «Trading on the Margin», in: Transition 52, 1991, S. 124–32.
Renée Green « I Won’t Play Other to Your Same», in: Meaning 7, Mai 1990, S. 15–16.

Fakultativ können Sie sich zur Vorbereitung über Renée Greens Ausstellung informieren, die momentan im Migros Museum für Gegenwartskunst zu sehen ist oder das Gespräch mit Green anschauen, das im Rahmen der Ausstellung organisiert wurde.

Lesestoff für den 13.12.2022 – Open Letters:

Black Artists and Cultural Workers in Switzerland, «Open Letter to Swiss Cultural Institutions, Museums, Art Spaces, Galleries and Artist-Run Spaces» (9. Juni 2020) und «To All Art Spaces in Switzerland» (9. Juni 2021)
Studierende der Freien Universität Berlin, «Dekoloniale Visionen: Zur Neubesetzung der W3-Universitätsprofessur für Kunst und visuelle Kulturen Afrikas am Kunsthistorischen Institut der Freien Universität Berlin» (16. November 2022)
Lumbung Community, «We Are Angry, We Are Sad, We Are Tired, We Are United » (10. September 2022)

Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.

CARAH ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Dekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.

8. Dezember 2022, 18:00–21:00

«The Psychedelic Salon»

Am Donnerstag, den 8. Dezember, findet im Cabaret Voltaire der von Susanne G. Seiler organisierte psychedelische Salon statt.
Die Veranstaltung beinhaltet einen Vortrag von Helena Aicher, Doktorandin in Psychologie an der Universität Zürich, unter dem Titel: Ayahuasca and analogues. Psychedelic research at the University of Zurich.

Es werden keine Drogen genommen, sondern über den Stand der psychedelischen Forschung gesprochen. Schon die Dadaist*innen interessierten sich für die Rolle des Unbewussten und bewusstseinserweiternde Substanzen. Das Thema Psychedelika stösst in den letzten Jahren gesellschaftlich, in den Künsten sowie in der Wissenschaft auf grosses Interesse – wir erleben eine psychedelische Renaissance (auch in der Schulmedizin). Die Aufklärung und der Austausch über die menschliche Konstitution und die Wirkung von Substanzen müssen Raum bekommen.

– 18:00 Uhr: Meet & Greet
– 19:00 Uhr: News & Einführung
– 19:15 Uhr: Helena Aicher: Ayahuasca & Analogues. Psychedelic Research an der Universität Zürich
– 20:15 Uhr: Diskussion
– 21:00 Uhr: Happy Hour (Öffnung der Türen für die Öffentlichkeit

Eintritt: CHF 15 – der Anlass findet in englischer Sprache statt.

Susanne G. Seiler studierte Soziologie und Linguistik in Toronto und Ottawa, Kanada. Sie ist Herausgeberin des zweisprachigen Newsletters «gaiamedia goodnews» und organisiert und moderiert den monatlichen PSYCHEDELIC SALON. Als Zeitzeugin der Anfänge der Drogenkultur in den sechziger und siebziger Jahren lernte sie viele ihrer Protagonist*innen wie Timothy Leary, Albert Hofmann, die Psychologin und Theologin Jean Houston, Terence McKenna oder den Delphin- und Bewusstseinsforscher John C. Lilly kennen. Susanne lebt in Zürich und arbeitet an einem Buch über ihre Erfahrungen, das im Herbst unter dem Titel «Mein psychelisches Leben» im Nachtschatten Verlag, Solothurn, erscheinen wird.

Weitere Daten: 9. Februar, 9. März, 13. April, 11. Mai 2023.

Robert Venosa, Ayahuasca Dream, 1996

22. November 2022, 18:00

CARAH Reading Group

Die Reading Group trifft sich jeweils um 18.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:

27. September, 2022
25. Oktober, 2022
22. November, 2022
13. December, 2022

Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.

Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.cherforderlich.

Lesestoff für den 27.09.2022 – The Gaze:

Homi Bhaba «Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art», in: Artforum 33 (6), Februar 1995.
Kobena Mercer «Looking for Trouble», in: Transition 51, 1991.
McKenzie Wark «The Cis Gaze and Its Others (for Shola)», in: e-flux journal 117, April 2021.

Lesestoff für den 25.10.2022 – Colonial Switzerland:

Rohit Jain «How to Be Affected in Postcolonial Public Spaces? Ethnographic Remarks on a Multifocal World in the Making...», in: On Curating 35, Dezember 2017, Decolonizing Art Institutions, S. 119–128.
Patricia Purtschert und Harald Fischer-Tiné «Introduction», in: Colonial Switzerland: Rethinking Colonialism from the Margins, London 2015, S. 1–15.

Fakulktativ können Sie ausserdem zusätzlich folgende Videos schauen (mehrheitlich auf Deutsch):

Symposium «Die Postkoloniale Schweiz», mit Patricia Purtschert, Noémi Michel, Bernhard C. Schär und Fatima Moumouni, Moderation von Marcy Goldberg, Kunsthaus Zürich, 2020: https://www.youtube.com/watch?v=AHrnyEjjrco
«M wie Mauritius, N wie Negieren!? Eine Talkshow zu postkolonialen Verwirrungen in Bern & Beyond», mit Izabel Barros, Mardoché Kabengele und Dennis Schwabenland, Moderation von Fatima Moumouni und Bernhard Schär, Festival Fragments & Absences, Grand Palais Bern, 2021: https://www.youtube.com/watch?v=S96Z5cYYfnA

Lesestoff für den 22.11.2022 – Othering:

Renée Green «Trading on the Margin», in: Transition 52, 1991, S. 124–32.
Renée Green « I Won’t Play Other to Your Same», in: Meaning 7, Mai 1990, S. 15–16.

Lesestoff für den 13.12.2022 – Open Letters:

Black Artists and Cultural Workers in Switzerland, «Open Letter to Swiss Cultural Institutions, Museums, Art Spaces, Galleries and Artist-Run Spaces» (9. Juni 2020) und «To All Art Spaces in Switzerland» (9. Juni 2021)
Studierende der Freien Universität Berlin, «Dekoloniale Visionen: Zur Neubesetzung der W3-Universitätsprofessur für Kunst und visuelle Kulturen Afrikas am Kunsthistorischen Institut der Freien Universität Berlin» (16. November 2022)
Lumbung Community, «We Are Angry, We Are Sad, We Are Tired, We Are United » (10. September 2022)

Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.

15. November 2022, 20:00

Slow Reading Club

Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine halbfiktionale Lesegruppe, die Ende 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen ins Leben gerufen wurde. Die Gruppe beschäftigt sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen. Der SRC betrachtet, erforscht und unterbricht die «Leser*innenschaft» als eine Möglichkeit, die Kontaktzonen zwischen Leser*in und Text, Text und Text, Leser*in und Leser*in zu stimulieren. Wenn Lesen eine Handlung ist, die ausgeführt wird, könnte sie dann auch choreografiert werden? Und könnten solche Choreografien einen Raum des Lesens eröffnen, der über die strenge Definition des Lesens fürs Verständnis hinausgeht?

Die Veranstaltung im Cabaret Voltaire besteht aus einer Reihe von text- und körperbasierten Leseprotokollen und einem Bootleg-Zine mit raubkopierten Texten, die von Festplatten mit experimentellen Texten, Poesie und Theorie stammen. Die Texte sind in englischer Sprache, Teilnehmer*innen von jeglicher Sprachkompetenz sind jedoch willkommen.

In Zusammenarbeit mit der Zürcher Hochschule der Künste und dem Neumarkt.

8. November 2022, 20:00

«Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zürich» – Lecture

Am 8. November wird die Filmwissenschaftlerin Laura Mulvey anlässlich ihres ersten Besuchs in Zürich auf die Ausstellung «Frida Kahlo and Tina Modotti» zurückblicken, um die Ziele und ästhetischen Entscheidungen der kuratorischen Arbeit zu reflektieren; sie wird auch über die praktischen und theoretischen Prozesse sprechen, die zur Umsetzung der Ausstellung in einen Bildschirmraum führten.

Das Gespräch findet in Englisch statt und wird von Linda Waack, Oberassistentin am Seminar für Filmwissenschaft der Universität Zürich, moderiert. Die Veranstaltung wird von einer kleinen Ausstellung begleitet, die vom 1. bis 13. November im Historischen Saal zu sehen ist.

Der Abend mit Laura Mulvey ist Teil der Veranstaltung «Images and Afterimages. Laura Mulvey in Zürich» organisiert durch das Seminar für Filmwissenschaft. Mehr Infos

2. November 2022, 18:30

Michael Stevenson: Disproof Does Not Equal Disbelief

In Kollaboration mit gta invites (Institut für Geschichte und Theorie der Architektur der ETH Zürich):

Vortrag von Michael Stevenson. Die Befragten: Khensani Jurczok-de Klerk und Daniel Tischler. Moderation: Adam Jasper.

Seit den 1980er-Jahren hat der 1964 in Neuseeland geborene und in Berlin lebende Michael Stevenson eine künstlerische Sprache entwickelt, die sich an der Schnittstelle von Wirtschaft, Technologie, Bildung und Glauben bewegt. In seiner Arbeit untersucht er die infrastrukturellen Systeme, die sich auf diese Bereiche beziehen.

In der unkonventionellen Übersichtsausstellung Disproof Does Not Equal Disbelief (KW Berlin 2021) waren frühe Arbeiten neben neueren grossformatigen skulpturalen Installationen zu sehen. Die Navigation in den Galerieräumen wurde zu einer zentralen Frage; sowohl als geplante als auch als unmittelbare Erfahrung. In diesen Räumen reagieren die Kunstwerke als Material und Erzählung aufeinander – eine Art Inszenierung – und ziehen die Architektur weiter in die Kreisbahn der Analogie: In diesem Fall Anatomie und Verdauung. Was bedeutet es, ungläubig zu sein, wenn wir uns in einer Umgebung befinden, die so eingeschlossen und desorientierend ist wie jene, die Jona im Bauch des Wals erlebte?

Michael Stevenson stellt seit den späten 1980er-Jahren aus. Umfassende Ausstellungen fanden 2021 im KW Institute for Contemporary Art in Berlin sowie 2011 im Museum of Contemporary Art Australia in Sydney statt. Michael Stevenson vertrat Neuseeland auf der 50. Biennale von Venedig und seine Arbeiten wurden in gross angelegten thematischen Ausstellungen gezeigt, darunter an der 21. Biennale von Sydney, der 6. und 8. Berlin Biennale, an der Liverpool Biennale in 2014, an der 2. Athens Biennale, die 8. Panama Art Biennale sowie an der 5. Asia-Pacific Triennial.

Michael Stevenson, Disproof Does Not Equal Disbelief, 2021

29. Oktober 2022, 18:00

Verlernen. Postkoloniale Perspektiven – mit María do Mar Castro Varela, Michaela Ott, Marita Tatari und Ines Kleesattel

Eine Panel-Diskussion des Doktoratprogramms Epistemologien ästhetischer Praktiken der Universität Zürich.

Im Rahmen der Jahrestagung «Verschwörung, Fake und Gewissheiten. Fragen zum Beitrag der Künste und ihrer Theorien in Zeiten gesellschaftlichen Wandels» findet am Samstag 28. Oktober im Cabaret Voltaire den Panel «Verlernen. Postkoloniale Perspektiven», mit María do Mar Castro Varela (Berlin), Michaela Ott (Hamburg), Marita Tatari (Stuttgart/Berlin) statt, moderiert bei Ines Kleesattel (Zürich).

Die Denkfigur Verlernen sowie die Versuche ihrer Realisierung ist in aktuellen Künsten ebenso anwesend wie in anderen Diskursen. Während der Gedanke des Delinking von Walter D. Mignolo darauf abzielt, dass die Subjekte an den Rändern (border) eurozentristischen Denkens ihre eigenen Perspektiven entwickeln sollen, zielt der Begriff des Verlernens darauf, hegemoniales Wissen im Zentrum seiner Produktion zu hinterfragen. Anders gesagt, diejenigen, die versuchen, zu verlernen, beschäftigen sich mit sich selbst. Wie lies- sen sich beide Konzeptionen, die des Delinking und die des Verlernens, überhaupt zusammendenken und welche Gefahren und Selbstverständnisse bringen sie mit sich? Kann ein «unordentliches Denken» (Castro Varela) tatsächlich die Pfade westlichen Denkens verlassen oder ist «unordentliches Denken», das als Erwartung an die Künste herangetragen worden ist, nicht eher Teil des westlichen Denkens selbst.

Die Tagung des Doktoratsprogramms Epistemologien ästhetischer Praktiken findet vom 28. bis 30. Oktober 2022 in der Universität Zürich und im Cabaret Voltaire statt. Sie widmet sich den Künsten und ihren Theorien in Debatten um Verschwörungen, Fake-News und (Un-)Gewissheiten heute und wirft die Frage auf, welche Rolle letzteren bei der Formung aktueller Zustände zukommt. Bereits in den Auseinandersetzungen während der 1980er und 1990er Jahre sind Themen solcher Art intensiv diskutiert worden, etwa wenn es um Fakt und Fiktion, Ambivalenz und Unentscheidbarkeit, (Im-)Materialität und um die Verknotung des Realen, Symbolischen und Imaginären ging. Diese Diskussionen scheinen nun, oftmals unter umgekehrten theoretischen und politischen Vorzeichen, ein unerwartetes Nachleben entwickelt zu haben. Daher stellt sich umso dringlicher die Frage, was der Beitrag der Künste im gesellschaftlichen Wandel heute sein könnte.

Beiträge des Panels im Cabaret Voltaire:

María do Mar Castro Varela (Berlin): «Belohnte Ignoranz verlernen. Ethische Betrachtungen»

María do Mar Castro Varela ist Professorin für Soziale Arbeit und Allgemeine Pädagogik an der Alice Salomon Hochschule Berlin. Sie forscht zu postkolonialer Theorie, Rassismus, Antisemitismus, Migration und Kritischer Theorie. In diesem Jahr erschien ihr Buch Double Bind postkolonial.

Michaela Ott (Hamburg): «Um-Lernen als epistemologisches Dividuationsverfahren»

Michaela Ott ist Professorin für Ästhetische Theorien an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Ihre Forschungsschwerpunkte sind poststrukturalistische Philosophie, Ästhetik und Politik, Ästhetik des Films, Affekttheorie, Theorien des Raums, Kunst-Wissen, (In)Dividuation, postkoloniale Theorie, afrikanische Philosophie und Kunst.

Marita Tatari (Stuttgart/Berlin): «Über die Entscheidung, das westliche Denken zu verlassen»

Marita Tatari vertritt die Professur Gegenwartsästhetik an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Stuttgart. Ihre Schwerpunkte sind Kontinentalphilosophie, Ästhetik und Kunsttheorie, sowie u. a. räumliche und performative Aspekte der Künste, Epistemologie der Performance, Realität der Kunst und Kunstwerk als Handlung.

Moderierung: Ines Kleesattel

Ines Kleesattel ist Dozentin im Master Art Education der ZHdK und forscht am FSP Kulturanalyse in den Künsten zu situierter Ästhetik, künstlerischer Forschung und experimentellen Theoriepraktiken. 2021/2022 vertrat sie die Professur für Kunstvermittlung und Ästhetik in der Fachgruppe Kunst an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste Stuttgart.

25. Oktober 2022, 18:00

CARAH Reading Group

Die Reading Group trifft sich jeweils um 18.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:

27. September, 2022
25. Oktober, 2022
22. November, 2022
13. December, 2022

Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.

Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.cherforderlich.

Lesestoff für den 27.09.2022 – The Gaze:

Homi Bhaba «Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art», in: Artforum 33 (6), Februar 1995.
Kobena Mercer «Looking for Trouble», in: Transition 51, 1991.
McKenzie Wark «The Cis Gaze and Its Others (for Shola)», in: e-flux journal 117, April 2021.

Lesestoff für den 25.10.2022 – Colonial Switzerland:

Rohit Jain «How to Be Affected in Postcolonial Public Spaces? Ethnographic Remarks on a Multifocal World in the Making...», in: On Curating 35, Dezember 2017, Decolonizing Art Institutions, S. 119–128.
Patricia Purtschert und Harald Fischer-Tiné «Introduction», in: Colonial Switzerland: Rethinking Colonialism from the Margins, London 2015, S. 1–15.

Fakulktativ können Sie ausserdem zusätzlich folgende Videos schauen (mehrheitlich auf Deutsch):

Symposium «Die Postkoloniale Schweiz», mit Patricia Purtschert, Noémi Michel, Bernhard C. Schär und Fatima Moumouni, Moderation von Marcy Goldberg, Kunsthaus Zürich, 2020: https://www.youtube.com/watch?v=AHrnyEjjrco
«M wie Mauritius, N wie Negieren!? Eine Talkshow zu postkolonialen Verwirrungen in Bern & Beyond», mit Izabel Barros, Mardoché Kabengele und Dennis Schwabenland, Moderation von Fatima Moumouni und Bernhard Schär, Festival Fragments & Absences, Grand Palais Bern, 2021: https://www.youtube.com/watch?v=S96Z5cYYfnA

Lesestoff für den 22.11.2022 – Othering:

Renée Green «Trading on the Margin», in: Transition 52, 1991, S. 124–32.
Renée Green « I Won’t Play Other to Your Same», in: Meaning 7, Mai 1990, S. 15–16.

Lesestoff für den 13.12.2022 – Open Letters:

Black Artists and Cultural Workers in Switzerland, «Open Letter to Swiss Cultural Institutions, Museums, Art Spaces, Galleries and Artist-Run Spaces» (9. Juni 2020) und «To All Art Spaces in Switzerland» (9. Juni 2021)
Studierende der Freien Universität Berlin, «Dekoloniale Visionen: Zur Neubesetzung der W3-Universitätsprofessur für Kunst und visuelle Kulturen Afrikas am Kunsthistorischen Institut der Freien Universität Berlin» (16. November 2022)
Lumbung Community, «We Are Angry, We Are Sad, We Are Tired, We Are United » (10. September 2022)

Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.

13. Oktober 2022, 18:00

Opening Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend», Sophie Taeuber-Arp / Mai-Thu Perret

Am 13. Oktober 2022, ab 18:00 eröffnet die Ausstellung «Ich bin wü ü ü ü ü ü ü ü tend». Im Gewölbekeller treten ältere und neu produzierte Werke von Mai-Thu Perret in den Dialog mit Sophie Taeuber-Arp. Im Dada-Haus entsteht eine Diskussion zwischen den Werken von Frauen unterschiedlicher Generationen und Regionen.

Hier erfahren Sie mehr über die Ausstellung.

4. Oktober 2022, 20:00

«SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge»

Am 4. Oktober findet die Soiree «SCACCHI NOISE. The Ultimate NOISE CHESS Challenge» im Rahmen der Ausstellung von Ilaria Vinci statt. Auf beiden Stockwerken des Cabaret Voltaire laden die Künstlerin Ilaria Vinci und CZARNAGORA (Rafal Skoczek) zum Schachturnier ein. Die Partien werden live von Sound-Interventionen von CATATONIC LEISURE ALONE (Anton Ponomarev) und Luis Sanz begleitet, die den Fokus der Spielenden herausfordern. Der Anlass steht auch Zuschauer*innen offen.

THE CHESS GAME
BLITZ CHESS TOURNAMENT in der Künstler*innenkneipe: Die Gegner*innen spielen BLITZ CHESS mit einer Gesamtzeit von zehn Minuten pro Partie (ohne Bonuszeit). Das Turnier besteht aus acht Spieler*innen, die im direkten Ausschlussverfahren gegeneinander antreten. Der*die endgültige Gewinner*in der drei Partien erhält eine Goldmedaille und ein von der Künstlerin entworfenes T-Shirt in limitierter Auflage. Es können mehrere Turniere gleichzeitig stattfinden. Wenn Sie am BLITZ CHESS teilnehmen möchten, melden Sie sich bitte via info@cabaretvoltaire.ch an (mit Angabe zum Schach-Level).

FREE PLAY im Historischen Saal: Hier können sich Partien freier bilden. Sie können zum Spass spielen oder einfach üben und Ihre Fähigkeiten perfektionieren – das ist ganz Ihnen überlassen. Schachbretter stehen zur Verfügung, gerne können eigene Bretter mitgebracht werden. Eine Anmeldung ist nicht nötig, es hilft uns jedoch trotzdem, damit wir die Anzahl der Schachbretter abschätzen können.

Anton Ponomarev (CATATONIC LEISURE ALONE) ist ein Rohrblatt-/Blasinstrumenten- und Elektronikspieler aus Zürich mit einer Leidenschaft für Free Jazz, frei improvisierte Musik, Punk Jazz, Grindcore und experimentelle Musik.

Luis Sanz (*1984, Peru) lebt und arbeitet in Bern. Er ist ein multidisziplinärer Künstler, der sich mit synthetischen Klängen, Computergrafik und physischen audiovisuellen Erfahrungen beschäftigt.

Ilaria Vinci, Flyer Scacchi Noise, 2022

Marcel Duchamp und John Cage «Reunion», 1968. Kurz vor seinem Tod entwickelten der Dadaist Marcel Duchamp und der Komponist und Musiktheoretiker John Cage das Projekt «Reunion», bei dem Schachspiele in Musikstücke verwandelt wurden.

27. September 2022, 18:00

CARAH Reading Group

Die Reading Group trifft sich jeweils um 18.00 in der Dada-Bibliothek des Cabaret Voltaire (Spiegelgasse 1) am:

27. September, 2022
25. Oktober, 2022
22. November, 2022
13. December, 2022

Die Diskussionen finden je nach Zusammensetzung der Gruppe auf Deutsch und/oder Englisch statt.

Die Reading Group ist für alle Interessierten offen. Zur Teilnahme ist lediglich eine Anmeldung via E-Mail an antirassismus@khist.uzh.cherforderlich.

Lesestoff für den 27.09.2022 – The Gaze:

Homi Bhaba «Black Male: Representations of Masculinity in Contemporary American Art», in: Artforum 33 (6), Februar 1995.
Kobena Mercer «Looking for Trouble», in: Transition 51, 1991.
McKenzie Wark «The Cis Gaze and Its Others (for Shola)», in: e-flux journal 117, April 2021.

Lesestoff für den 25.10.2022 – Colonial Switzerland:

Rohit Jain «How to Be Affected in Postcolonial Public Spaces? Ethnographic Remarks on a Multifocal World in the Making...», in: On Curating 35, Dezember 2017, Decolonizing Art Institutions, S. 119–128.
Patricia Purtschert und Harald Fischer-Tiné «Introduction», in: Colonial Switzerland: Rethinking Colonialism from the Margins, London 2015, S. 1–15.

Fakulktativ können Sie ausserdem zusätzlich folgende Videos schauen (mehrheitlich auf Deutsch):

Symposium «Die Postkoloniale Schweiz», mit Patricia Purtschert, Noémi Michel, Bernhard C. Schär und Fatima Moumouni, Moderation von Marcy Goldberg, Kunsthaus Zürich, 2020: https://www.youtube.com/watch?v=AHrnyEjjrco
«M wie Mauritius, N wie Negieren!? Eine Talkshow zu postkolonialen Verwirrungen in Bern & Beyond», mit Izabel Barros, Mardoché Kabengele und Dennis Schwabenland, Moderation von Fatima Moumouni und Bernhard Schär, Festival Fragments & Absences, Grand Palais Bern, 2021: https://www.youtube.com/watch?v=S96Z5cYYfnA

Lesestoff für den 22.11.2022 – Othering:

Renée Green «Trading on the Margin», in: Transition 52, 1991, S. 124–32.
Renée Green « I Won’t Play Other to Your Same», in: Meaning 7, Mai 1990, S. 15–16.

Lesestoff für den 13.12.2022 – Open Letters:

Black Artists and Cultural Workers in Switzerland, «Open Letter to Swiss Cultural Institutions, Museums, Art Spaces, Galleries and Artist-Run Spaces» (9. Juni 2020) und «To All Art Spaces in Switzerland» (9. Juni 2021)
Studierende der Freien Universität Berlin, «Dekoloniale Visionen: Zur Neubesetzung der W3-Universitätsprofessur für Kunst und visuelle Kulturen Afrikas am Kunsthistorischen Institut der Freien Universität Berlin» (16. November 2022)
Lumbung Community, «We Are Angry, We Are Sad, We Are Tired, We Are United » (10. September 2022)

Die Texte werden nach Anmeldung an alle Teilnehmer*innen versandt.

14. September 2022, 18:00

Cabarets, Cafés und die Künste: Dada-Rundgang

Dada-Rundgang im Zürcher Kreis 1

Zwischen 1916 und 1919 wurden in Zürich durch die Dadaist*innen Impulse gesetzt, welche die Künste weltweit nachhaltig prägen sollten. In Zürich steht mit dem Cabaret Voltaire nicht nur der Ursprungsort von Dada, im Kunsthaus Zürich befindet sich auch eine der wichtigsten Dada-Sammlungen.

Diese Führung mit der Cabaret Voltaire-Leiterin Salome Hohl und der Kunsthaus-Kuratorin Cathérine Hug verbindet die beiden Häuser und führt Sie zu weiteren Dada-Spielstätten, die das Milieu und die Orte zeigen, in denen Dada enstand und wirkte. Besammlung ist vor dem Cabaret Voltaire. Die Führung endet im Kunsthaus Zürich: im Dada-Kabinett und schliesslich beim Max Ernst-Bild in der Kunsthaus-Bar. Im Preis inbegriffen sind die kommentierte Tour und der Dada Pocket Guide.

–Treffpunkt: 18:00 vor dem Cabaret Voltaire

–Kosten: CHF 30.– / 25.– (Studierende) / 20.– (Mitglieder), inkl. Dada Pocket Guide

–Teilnehmerzahl beschränkt. Anmeldung erforderlich.

Tickets können via Ticket-Shop des Kunsthaus bezogen werden.

Der Rundgang findet auf Deutsch statt.

13. September 2022, 20:00

Soiree und Ausstellung [not] here: Sarah Burger und Felipe Ribeiro

«[not] here» – eine Ausstellung und Soireen von Sarah Burger und Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22

Die Ausstellung ist von der Annemarie Schindler-Stiftung unterstützt.

6. September 2022, 18:00

Soiree und Ausstellung [not] here: Sarah Burger und Felipe Ribeiro

«[not] here» – eine Ausstellung und Soireen von Sarah Burger und Felipe Ribeiro
03.09.22–18.09.22

Die Ausstellung ist von der Annemarie Schindler-Stiftung unterstützt.

Sarah Burger, All the landscapes I’ve ever seen, 2022, Video-Gedicht HD, 2:43 min im Loop

3. September 2022, 18:00–02:00

LANGE NACHT der Zürcher Museen 2022

Während der LANGEN NACHT der Zürcher Museen findet das folgende Programm im Cabaret Voltaire statt:

Sarah Burger/Felipe Ribeiro, «Whispers» und «Dinge»

18:00–02:00

Während der LANGEN NACHT der Zürcher Museen präsentiert Felipe Ribeiro «Whispers»: eine körperlose Klanginstallation, die fragmentierte, träumerische Erzählungen und unkonventionelle Logiken in intimen Tönen zum Besten gibt, die sich mit den Besucher*innen vermischen und ein fortlaufendes Gespräch über verschiedene Kontexte und Zeiten schaffen. Sarah Burger zeigt Objekte aus der Serie «Dinge». Sie bat mehrere Freund*innen, ihr Listen von Gegenständen zu geben, die sie dann mit verbundenen Augen aus Ton formte. Dieser Prozess führte sie zu vielfältigen Fragen über Dinge, Form und Bedeutung: Welche Gegenstände sind für Menschen wichtig? Wie können sich Hände Dinge einprägen? Was ist die Semantik von Formen? Dabei wurden 48 figurative Objekte durch sieben abstrakte Objekte ergänzt, um das Erkennen eines Objektbildes mit dem Prozess der Interpretation zu kontrastieren.

ektor garcia, «nudos de tiempo»

18:00–02:00

«nudos de tiempo» von ektor garcia (*1985) zeigt eine temporäre Konstellation aus bunten Häkelarbeiten sowie Metall- und Keramikskulpturen. In den sinnlich geknoteten Ketten oder Mäander Motiven vermengen sich kunsthandwerkliche Spuren indigener Bevölkerung aus Mittel- und Nordamerika mit Volkskunst, popkulturellen und digitalen Einflüssen. Einige Häkelarbeiten erinnern an Werke der US-Fiber-Art-Bewegung der 1960er Jahre. Der Auftritt im Cabaret Voltaire ist die erste institutionelle Einzelausstellung von ektor garcia in der Schweiz.

Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café»

18:00–02:00

Ilaria Vinci (*1991) erforscht in ihrer Praxis das, was sie als «Zone der Fantasie» bezeichnet: Der Bereich in der menschlichen Psyche, in dem sich Selbst- und Weltwahrnehmung treffen und verschwimmen. Die Künstlerin geht der Frage nach, was Realität ausmacht und wie Menschen kommunizieren und imaginieren. Während einem Jahr bespielt Vinci die Künstler*innen-Kneipe und verwandelt den Eingangsbereich in eine Feuerstelle. Um Feuer versammeln sich Menschen, tauschen Geschichten aus, essen, trinken und spielen zusammen. Teil der Ausstellung sind auch mythologische Figuren, die mit Feuer assoziiert werden, wie Phoenix und Prometheus.

Stefan Burger, «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II)

18:00–02:00

Die Dada-Bibliothek zeigt eine Arbeit des Künstlers Stefan Burger (*1977). Burger präsentiert zwei den Raum und bestenfalls die Gemüter erhellende Leuchtenobjekte. Die Skulpturen aus gegossenem Glas und Aluminium setzen Burgers 2020 im Cabaret Voltaire begonnene Auseinandersetzung mit Kunst als Gebrauchsgegenstand fort. Es sind hybride Anlagen oder Kippfiguren, die je nach Betrachtung zu einer unterschiedlichen Qualität oder Deutung neigen und mit Zierrat und Funktion umgehen. Die Arbeit mit flüssigem Glas involviert Farben von intensiver Leuchtkraft, die dank ihrer keramischen Natur unverwüstlich heiter weiter leuchten.

Party

Smoky Tear, Playlists and Surprises

22:00–02:00

Die Ausstellung von Ilaria Vinci «Phoenix Philosophy Café» wird begleitet von der trinkbaren Skulptur «Smoky Tear», einer eigens für die Ausstellung kuratierten Playlist sowie einer Überraschungsintervention. Die Klanginstallation «Murmur» von Sarah Burger und Felipe Ribeiro im historischen Saal wird ebenfalls mit einer Playlists musikalisch abgerundet und lädt zum Tanzen ein.

22. Juli 2022, 18:00–23:45

Green Dawn – Radio Bollwerk visits Cabaret Voltaire

Am Freitag spielen endobliss, buffer, 400jasa, tsjmar, diejayvarni und avia ihre Sets für Radio Bollwerk im Cabaret Voltaire. Sie können kommen, wann immer Sie wollen. Die Bar ist offen.

Live-Stream unter www.radio-bollwerk.ch

Flyer von avia und diejayvarni.

25. Juni 2022

«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 Jahre seit der Besetzung des Cabaret Voltaire

«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 Jahre seit der Besetzung des Cabaret Voltaire, 24.06.–25.06.2022

Vor 20 Jahren besetzten am 2. Februar 2002 Künstler*innen und Aktivist*innen die Spiegelgasse 1 – den Ursprungsort von Dada. Die Besetzung endete am 2. April 2002 mit einer (je nach Erzählung) Räumung, welcher eine Vereinbarung zwischen der Stadt und den Besetzer*innen vorausging. Erst seit dieser Aktion wurde der Ort wieder als Kulturhaus wahrgenommen. Etwas mehr als 20 Jahres später feiern und reflektieren wir diese wichtige Initiative und haben via Rundschreiben damaligen Akteur*innen eingeladen, das Cabaret Voltaire am 24. und 25. Juni 2022 zu besuchen oder einen Beitrag zu zeigen. Im Zentrum stehen die Fragen «Wie wird Raum geschaffen und was bedeutet es, Raum zu schaffen?». Sowohl 1916, 2002 als auch 2022 galt und gilt es diese Fragen zu stellen, wenn es darum geht, herauszufinden, inwiefern Kulturschaffen ermöglicht wird und welche Voraussetzungen, Erzählweisen und Nachwirkungen mit dem künstlerischen Tun einhergehen. Wir freuen uns über das folgende Rahmenprogramm, das vielleicht durch spontane Ergänzungen erweitert wird.

Samstag, 25.06.2022

–20 Uhr: Lenin Dada und Hausbesetzer*innen (Sprach/Musik/Performance mit Knarf Rellöm und Tillamanda)
–22 Uhr: An der «Chaostage» von Ajana Dracula & friends sind alle dazu eingeladen, auf der offenen Bühne aufzutreten. Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, ein Klavier, Verstärker, Beamer sowie je max. 10 Minuten zur Verfügung. Begrüssung und Anmeldung ab 21 Uhr vor Ort oder unter ajanadracula239@gmail.com.

Open Call «Chaostage» – mach mit!
Am Samstag, 25. Juni, findet im Cabaret Voltaire die «Chaostage» von Ajana Dracula & friends statt. Wir laden dazu ein, auf der offenen Bühne aufzutreten: Reden halten, Lieder singen, Instrumente spielen, Tänze vorführen, Performances machen, rappen, Gedichte rezitieren, einen Film zeigen – alle Beiträge sind willkommen.
Für die Performances stehen Bühne, Mikrofone, ein Klavier, Verstärker, ein Computer, Beamer sowie je max.10 Minuten zur Verfügung.
In allen Sprachen. Verkleidung erwünscht!
Türöffnung: 21:00
Freier Eintritt.
Anmeldung an ajanadracula239@gmail.com
Wir freuen uns auf zahlreiches Erscheinen und Mitmachen!

Hinweis:
Vom 5. Juli bis 16. Juli finden die 10. Dadafestwochen in der Roten Fabrik statt.

24. Juni 2022

«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 Jahre seit der Besetzung des Cabaret Voltaire

«Embracing Necessity 1916 2002 2022» – 20 Jahre seit der Besetzung des Cabaret Voltaire, 24.06.–25.06.2022

Freitag, 24.06.2022

–ab 18 Uhr: Vernissage: «ten pet bottles hanging on the wall» von Mark Divo und Pavel Emelianov. Präsentation ausgewählter Fotografien von damals
–20 Uhr: Podcast «Dada2025»: Letzte Folge live im Cabaret Voltaire
Seit dem 2. Februar 2022 läuft zum Jubiläum eine Podcast-Reihe des «Maison du Futur». Die letzte Folge wird im Cabaret Voltaire ausgestrahlt. Anschliessender Talk mit Jean-Pierre Hoby, Mark Divo, Anja Nora Schulthess und Salome Hohl. Der Podcast heisst absichtlich «Dada2025», weil dieser Podcast sich ein langfristiges Ziel gesetzt hat – nämlich die Geschichtsschreibung des Cabaret Voltaire.
–im Anschluss: DJ Chiri Moya
Hinter Chiri Moya steckt die Künstlerin Maja Hürst, auch bekannt als Tika.

–––Podcast Folge 1: «Dada2025» von «Maison du Futur» – online! Mit Mark Divo, Big Zis, Wanda Wylowa und Jean-Pierre Hoby

Zur Erinnerung an die Besetzung des Cabaret Voltaire im Februar 2002 produziert das «Maison du Futur» einen dreiteiligen Podcast mit Zeitzeug*innen. Wanda Wylowa begrüsst in der ersten Folge im Studio den Künstler und damaligen Besetzer Mark Divo. Mark Divo wünschte sich als zusätzliche Gesprächspartnerin Franziska Schläpfer (Big Zis). In der ersten Folge erzählen Mark Divo und Big Zis über die Ereignisse der Besetzung des Wohlgroth-Areals bis hin zu diesem Februar 2002.

Sie können sich diese Folge auf SoundCloud oder Spotify anhören.

Teil 1.1: «Dada2025»: Labyrinthe der Erinnerung
Teil 1.2: «Dada2025»: Besetzungen

Jeweils ganz am Ende von Folge 1.1 und Folge 1.2 ist bereits kurz die Stimme von Jean-Pierre Hoby zu hören. Jean-Pierre Hoby war von 1983 bis 2010 Kulturdirektor der Stadt Zürich und setzte sich für den Erhalt des Cabaret Voltaire als Kulturinstitution ein. Heute ist er als Vize-Präsident im Trägerverein Cabaret Voltaire aktiv. Jean-Pierre Hobys Perspektive hören Sie im dritten Teil unseres Podcasts. Dieser wird – direkt vor Ort des behandelten Geschehens – aus dem Cabaret Voltaire ausgestrahlt. Wir freuen uns schon auf die Aufnahme-Session mit ihm.

–––Podcast Folge 2: «Dada2025: Besetzung des Cabaret Voltaire» von «Maison du Futur» – online Mit Mark Divo, Big Bis, Wanda Wylowa, Jean-Pierre Hoby und Salome Hohl

Teil 2: «Dada2025»: Besetzung des Cabaret Voltaire

Nachdem in der ersten Folge die Vorgeschichte zur Besetzung des Cabaret Voltaire erzählt wurde, unterhalten sich im zweiten Teil des «Dada2025»-Podcasts Wanda Wylowa, Mark Divo und Big Zis (Franziska Schläpfer) über die Besetzung des Cabaret Voltaire im Februar 2002. Zwischen den Aufnahmen der zweigeteilten Folge 1 und der Folge 2 ist ein Krieg in Europa ausgebrochen. Das hat Auswirkungen auf die Episode 2: Das Wort «Besetzungen» ist anders geprägt. In Folge 2 geht es – nebst diesen Erschütterungen in der Gegenwart – aber auch um die Auswirkungen Besetzung von 2002 und um die nachfolgende Institutionalisierung, die in Zürich unterschiedlich beurteilt wird. Salome Hohl, künstlerische Leiterin des Cabaret Voltaire, und Vizepräsident Jean-Pierre Hoby ergänzen punktuell das Gespräch zwischen Wanda Wylowa, Mark Divo und Big Zis.

Sie können sich diese und die anderen Folgen auf Spotify anhören.

23. Juni 2022, 21:00–22:30

Screening «An Experience Like That» von CARAH

Das Cabaret Voltaire lädt herzlich zum Filmabend mit Arbeiten von Howardena Pindell, Black Audio Film Collective, Aykan Safoğlu und Ivy Monteiro ein.

CARAH (Collective for Anti-Racist Art History) ist eine Initiative von Kunsthistoriker*innen der Universität Zürich mit der Zielsetzung, die sich in der Kunstgeschichte abzeichnenden und teilweise tief verwurzelten rassistischen Ideologien kritisch zu hinterfragen und aufzubrechen. Das Kollektiv stellt sich die Aufgabe, rassistisch begründete Ein- und Ausschlüsse sowie damit zusammenhängende blinde Flecken in der Methodentradition des Faches aufzuzeigen und diesen entgegenzuwirken, um zur Rekonstruktion und Überwindung von Rassismus beizutragen.

10. Juni 2022, 21:00

Performance von Alpina Huus «Theodora or The Progress» (Zurich Art Weekend 2022)

mit Alizee Lenox, Florence Peake, Eve Stainton.
Kostüme von Hugo Canoilas, Elise Lammer, Julie Monot, Mia Sanchez.
Szenografie und Dramaturgie: Cee Füllemann, Elise Lammer.
Musik: Alizee Lenox

Anlässlich des Zurich Art Weekend und ergänzend zur Zürcher Filmpremiere vom 31. Mai, performen Alpina Huus um 21:00.

Inmitten von Generations-, Klima- und Wirtschaftskrisen hinterfragt die Performance «Theodora or The Progress» des Kollektivs Alpina Huus die Sicht auf die Realität und die Legitimität des Sprechens. «Theodora or The Progress» ist ein kollektives künstlerisches Projekt, das eine Installation, Musikstücke und Performances von einer Gruppe internationaler Künstler*innen wie Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton und Niels Trannois umfasst.

Die Performance thematisiert den Begriff der Ermächtigung und erforscht das Potenzial des Unterbewussten. Aus dem Werk von Virginia Woolf, Adrian Piper und Lisa Simpson, Deleuze und Guattari, aber auch Snoop Dogg und Franz Kafka schöpfend, betont der Film die die Fähigkeit der nonverbalen Kommunikation als Mittel, Strategien gegen verschiedene Arten von Diskriminierung. In Anlehnung an den Namen der möglicherweise ersten feministischen Figur, der Kaiserin Theodora (500 n. Chr.), schildert «Theodora or The Progress» die Verwandlung der erzählenden Person und einiger seiner Kompliz*innen in ein Rudel von Hunden. «Theodora or The Progress» inszeniert eine kollektive Übernahme, die von Liebe, Verwandlung und Transzendenz spricht.

10. Juni 2022, 23:55

Midnight Speech mit Ilaria Vinci (Zurich Art Weekend 2022)

Während des Zurich Art Weekend hat das Cabaret Voltaire Sonderöffnungszeiten. Die Ausstellungen sind Freitag bis Sonntag jeweils ab 10 Uhr geöffnet.

Passend zu Vincis' Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» wird der Smoked Bubble Cocktail «Smoky Tear» serviert.
Freier Eintritt

31. Mai 2022, 20:00–21:30

«Theodora or The Progress», Alpina Huus, Filmscreening und Talk

Das Cabaret Voltaire hostet am 31. Mai die Zürcher Premiere des Films. Im Anschluss an den Film findet ein Gespräch mit Elise Lammer, Izidora L. LETHE und Salome Hohl statt. Zudem präsentiert Cee Füllemann bereits ein erstes Elemente einer szenischen Landschaft, die auch bei einer Performance des Kollektivs anlässlich des Zurich Art Weekend vom 10. bis zum 12. Juni im Cabaret Voltaire zu sehen sein wird.

Inmitten von Generations-, Klima- und Wirtschaftskrisen hinterfragt der Film «Theodora or The Progress» des Kollektivs Alpina Huus die Sicht auf die Realität und die Legitimität des Sprechens. «Theodora or The Progress» ist ein kollektives künstlerisches Projekt, das eine Installation, Musikstücke und Performances von einer Gruppe internationaler Künstler*innen wie Hugo Canoilas, Cee Füllemann, Tarren Johnson, Elise Lammer, Alizee Lennox, Sarah Margnetti, Julie Monot, Lucien Monot, Florence Peake, Jessy Razafimandimby, Mia Sanchez, Eve Stainton und Niels Trannois umfasst.

Der Film thematisiert den Begriff der Ermächtigung und erforscht das Potenzial des Unterbewussten. Aus dem Werk von Virginia Woolf, Adrian Piper und Lisa Simpson, Deleuze und Guattari, aber auch Snoop Dogg und Franz Kafka schöpfend, betont der Film die die Fähigkeit der nonverbalen Kommunikation als Mittel, Strategien gegen verschiedene gegen verschiedene Arten von Diskriminierung. In Anlehnung an den Namen der möglicherweise ersten feministischen Figur, der Kaiserin Theodora (500 n. Chr.), schildert «Theodora or The Progress» die Verwandlung der erzählenden Person und einiger seiner Kompliz*innen in einen Rudel Hunden. «Theodora or The Progress» inszeniert eine kollektive Übernahme, die von Liebe, Verwandlung und Transzendenz spricht.

28. Mai 2022, 19:00

KUNSTLICHT GALA: Multimediale Versteigerung zugunsten Menschen auf der Flucht

Am 28. Mai 2022 findet im Cabaret Voltaire, die multimediale Kunst-Versteigerung KUNSTLICHT GALA zugunsten geflüchteter Menschen statt. Die Veranstaltung richtet sich klar gegen die gewaltvolle, abschottende Grenzpolitik und steht für eine breite Solidaritätsbewegung für alle Menschen auf der Flucht.

Der Gesamterlös der Versteigerung wird den Hilfsorganisationen Sans-Papiers Anlaufstelle Zürich, Brava - gemeinsam gegen Gewalt an Frauen, Sea-Watch – zivile Seenotrettung von Flüchtenden und Médecins Sans Frontières gespendet.

Die Spendengala umfasst die Versteigerung von über 25 künstlerischen Beiträgen verschiedener Zürcher und interna- tionaler Kunstschaffender – unter anderen MANON, Walter Pfeiffer, Mickry3 sowie vielen weiteren Künstler*innen – alle vereint in einer besonderen Verbindung zum Cabaret Voltaire und zur F+F Schule für Kunst und Design.

Die bedeutsame und gleichzeitig unterhaltende Veranstaltung richtet sich an ein breites Publikum möglicher Spender*innen. Umrahmt wird die Spendenaktion von vielseitigen künstlerischen Performances und Live-DJ-Musik.

Wir würden uns sehr freuen, wenn Ihr vorbeikommt und diese Aktion unterstützt!

F+F und Verein Kunstlicht: Kerstin, Karoline, Chiara, Noah, Christoph, Gökçe

Fragen zur Veranstaltung per E-Mail an Kerstin Wittenberg. Kunstlicht ist ein Verein, gegründet von Studierenden der F+F Schule für Kunst und Design.

24. Mai 2022, 20:00–23:00

Masken-Workshop mit ektor garcia

In informeller Atmosphäre mit Barbetrieb findet ein Workshop mit ektor garcia statt. Während wir über seine Arbeiten und die Ausstellung «nudos de tiempo» im Cabaret Voltaire sprechen, gestalten wir mit dem Künstler Masken: einerseits im Hinblick auf die diesbezügliche Dada-Tradition, andererseits mit Bezug auf garcias frühe Arbeiten. Er häkelte in einem queeren Punkumfeld von San Francisco Masken.

20. Mai 2022, 18:00

Opening ektor garcia «nudos de tiempo» / Einweihung Dada-Vitrine im Gewölbekeller

Die Vernissage der Ausstellung «nudos de tiempo» von ektor garcia markiert die zweite Eröffnungsphase. Es wird die erste institutionelle Ausstellung des in Mexiko lebenden Künstlers in der Schweiz, kuratiert von Fabian Flückiger und Salome Hohl in enger Zusammenarbeit mit dem Künstler. Die kunsthandwerklichen Objektlandschaften von ektor garcia (*1985) brechen mit Erzählformen, die bestimmte Bedeutungen suchen, ohne geschichtsvergessen zu sein. Sie sind punk und queer. Durch veränderte Konstellationenproduziert garcia immer wieder neue, bedeutungsoffene Beziehungen, welche sich dem Drang, Kategorien und Hierarchien herzustellen, widersetzen. Dennoch beruhigen die Arbeiten durch ihre Sinnlichkeit, das feinfühlige Arrangement der Objekte und die vielen inhaltlichen Fährten, die aufgenommen werden können.

Ebenfalls eingeweiht wird in dieser Etappe die Dada-Vitrine im Gewölbekeller mit Original-Dokumenten aus der Dada-Sammlung des Kunsthaus Zürich.

30. April 2022, 18:00–03:00

Opening Ilaria Vinci, «Phoenix Philosophy Café» und Einweihung der Dada-Bibliothek mit den Werken «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) by Stefan Burger

Mit der Vernissage der Ausstellung von Ilaria Vinci in der neuen Künstler*innenkneipe und der Einweihung der Dada-Bibliothek mit Werken von Stefan Burger beginnen die Eröffnungswochen nach der Instandsetzung.

Abendprogramm 30.04.2022:

––Ab 18:00: Eröffnung der Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci und Einweihung der Dada-Bibliothek mit den Werken «Narcissus, zentrales Höhlengrau, Erbse, Flamingo» (I&II) von Stefan Burger

––20:00: Begrüssung durch Sandro Zanetti (Präsident des Vereins Cabaret Voltaire) und Salome Hohl (Direktorin Cabaret Voltaire)

––20:15: Performance «When Darkness» von Ilaria Vinci mit einem Live-Musikstück von Rafal Skoczek und Jamira Estrada, das als Soundtrack zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci erhalten bleibt, und einer Tanzperformance der Gruppe Stay Kids mit Kostümen von Ronja Varonier

––22:00–03:00: Belia Winnewisser (DJ-Set), Lateena Plummer (Performance und DJ-Set) und TVBXS (DJ-Set)

Im Eingangsbereich befindet sich neu eine Bar, die jeweils für ein Jahr von einer künstlerischen Position mit einer Ausstellung bespielt wird. Die Künstlerin Ilaria Vinci startet mit der Schau «Phoenix Philosophy Café». Mehr zur Ausstellung

Die Dada-Bibliothek ist neu im ersten Stock zu finden. Im Raum befinden sind ausserdem Arbeiten des Künstlers Stefan Burger. Mehr zur Bibliothek und Stefan Burgers Werken»

Die Performance «When Darkness», die als Teil von Ilaria Vincis Ausstellung zu verstehen ist, besteht aus einem Live-Musikstück von Rafal Skoczek und Jamira Estrada, das als Soundtrack zur Ausstellung «Phoenix Philosophy Café» von Ilaria Vinci bestehen bleibt, und einer Tanzperformance der Gruppe Stay Kids (mit Ave, Sunny, Tiny, Mary, Anaïs, Arun und Milo) sowie Kostümen von Ronja Varonier.

Im Anschluss freuen wir uns auf Belia Winnewisser (DJ-Set, 22:00–23:30), Lateena Plummer (Performance und DJ-Set, 24:00–01:00) und TVBXS (DJ-Set, 01:00–02:30). Sie bespielen sowohl den Gewölbekeller als auch den Historischen Saal.

9. Februar 2022, 18:00–20:00

Cabarets, Cafés und die Künste: Dada-Rundgang

Dada-Rundgang im Zürcher Kreis 1

Treffpunkt: 18:00 vor dem Cabaret Voltaire
Kosten: CHF 30.– / 25.– (Studierende) / 20.– (Mitglieder), inkl. Dada Pocket Guide
Teilnehmerzahl beschränkt. Anmeldung erforderlich.

Tickets können via Ticket-Shop des Kunsthaus bezogen werden.

Der Rundgang findet auf Deutsch statt.

Cover des Pocket Guide Dada Stadt Zürich, Design: Vela Arbutina und Samuel Bànziger

2021

26. Oktober 2021, 20:00–22:00

Artist Talk und Screening Izidora L. LETHE

Wir blicken zurück auf «Songs to the Suns» – unser Gastspiel auf dem Monte Verità und freuen uns, am 26. Oktober mit Izidora L. LETHE über die Arbeit WE ( zu sprechen und die inszenierte Video-Dokumentation der Choreographie / Intervention im Löwenbräu-Areal vorzuführen.

Auch einige der Performer*innen und Mitwirkenden der Choreographie / Intervention sind vor Ort.
Performer*innen: Val Minnig, Stéph, Nina Emge, Jovin Joëlle Barrer, Hermes Schneider, Donya Speaks, Claudia Barth
Sound: Yantan Ministry
Kamera: Diana Pfammatter, Antoine Felix Bürcher
Schnitt: Izidora L. LETHE

Mehr über «Songs to the Suns» und die Arbeiten von Izidora L. LETHE erfahren Sie hier.

Das Cabaret Voltaire wird derzeit renoviert. Deshalb sind wir zu Gast im Löwenbräu-Areal:
Ebene A, Zugang Limmatstrasse 270 (per Aufzug) & 268 (per Treppe)
Eintritt: kostenfrei, Anmeldung nicht nötig

7. Oktober 2021, 19:30–21:30

Georgischer Modernismus und Dada. Brücke: Zürich–Tbilissi

Brücke: Zürich–Tbilissi, Vortrag, Talk & Filmscreening, mit den Kunsthistorikerinnen Prof. Dr. Nino Tchogoshvili und Irine Jorjadze. Eine Zusammenarbeit zwischen dem Cabaret Voltaire, der Kunsthalle Zürich und des Vereins Georgische Kulturplattform

Im Rahmen der georgischen Kulturfestivals «Brücke: Zürich–Tbilissi» laden das Cabaret Voltaire und die Kunsthalle Zürich ins Löwenbräu-Areal ein. Die Kunsthistorikerinnen Nino Tchogoshvili und Irine Jorjadze erläutern Entwicklung und Bedeutung von Modernismus, Futurismus und Dada in der georgischen Kunstszene. Anschliessend an die Vorträge und den Talk wird der Filmklassiker «Chemi bebia» (1929) gezeigt, eine Satire auf die sowjetische Bürokratie.

–Prof. Dr. Nino Tchogoshvili: Der georgische Modernismus (Vortrag)
–Irine Jorjadze: Futurismus und Dada in Georgien (Vortrag) und Vorstellung des Buches «H2SO4. Futurismus und Dada in Tiflis»
–Anschliessend Gespräch mit den beiden Vortragenden und Filmvorführung «Meine Grossmutter» (Chemi bebia, 1929) des Regisseurs Kote Mikaberidze.

Mehr zum georgischen Kulturfestival:
Das interdisziplinäre georgische Kulturfestival «Brücke: Zürich–Tbilissi» hat zum Ziel, die aktuelle Kunst- und Kulturszene von Georgien zu präsentieren, den kulturellen Dialog zwischen beiden Ländern zu vertiefen und ein Netzwerk der Zusammenarbeit zu schaffen. Gründerin und Leiterin des Festivals ist die Vereinspräsidentin Elene Chechelashvili, die das Programm in Zusammenarbeit mit den Zürcher Kulturinstitutionen Filmpodium, Literaturhaus Zürich, Cabaret Voltaire, ZAZ Zentrum Architektur Zürich und Kunstraum Walcheturm für Herbst 2021 plant. Die Partnerorganisationen der georgischen Seite sind das Nationale Filmzentrum, das Schriftstellerhaus von Georgien und die georgische Botschaft in Bern.

Künftig soll ein spiegelverkehrtes Programm «Brücke: Tbilissi–Zürich» organisiert und die schweizerische Kunst- und Kulturszene nach Georgien gebracht werden.

Anmeldung (nicht notwendig) unter info@cabaretvoltaire.ch.
Ort: Ebene A, Löwenbräukunst, Zugang Limmatstrasse 270 (per Aufzug) & 268 (per Treppe)
Eintritt: kostenfrei

28. September 2021, 19:30

Salon der Republik – mit Nicole Seifert und Ivna Zic

«Salon der Republik» – Wie viel Patriarchat steckt in der Literatur?

Die Autorinnen Nicole Seifert und Ivna Zic sind zu Gast beim nächsten – und vorerst letzten – Literatur-Salon am 28. September in Zürich.

Nicole Seifert hatte irgendwann genug. Weil der Literaturbetrieb noch immer ausgesprochen männerlastig ist, hat sie vor gut drei Jahren beschlossen, fürs Erste nur noch Bücher von Autorinnen zu lesen. Auf ihrem Blog und in deutschsprachigen Medien schrieb sie über ihre Lektüren und über Misogynie in der Literaturszene – und hat nun all die Debatten zum Thema in einem soeben erschienenen Sachbuch gebündelt:

Nicole Seifert: FRAUEN LITERATUR. Abgewertet, vergessen, wiederentdeckt. Kiepenheuer & Witsch, Köln 2021. 224 Seiten, ca. 26 Franken

Dieses Buch wird im kommenden «Salon der Republik» diskutiert – gemeinsam mit der Autorin sowie mit der Schriftstellerin und Regisseurin Ivna Žic, die mit ihrem Debütroman Die Nachkommende 2019 sowohl für den Schweizer wie auch für den Österreichischen Buchpreis nominiert war. Beide Gäste diskutieren mit dem Salon-Team (Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger, Daniel Graf) über Nicole Seiferts Buch und werfen auch einen Blick auf die literatursoziologische Studie Schreiben der Basler Wissenschaftlerin Carolin Amlinger.

Achtung: Weil das Cabaret Voltaire renoviert wird, gastieren das Cabaret Voltaire mit dem «Salon der Republik» im Zürcher Literaturhaus, und zwar am Dienstag, 28. September, um 19:30.

Der Eintrittspreis beträgt 14 CHF, für Republik-Abonnentinnen und Mitglieder des Cabaret Voltaire 8 CHF. Tickets können Sie direkt über die Website des Literaturhauses beziehen.

Bitte beachten Sie das aktuelle Schutzkonzept des Literaturhauses Zürich.

Wichtig: Die Veranstaltung wird dieses Mal nicht wie bisher als Podcast nachzuhören sein. Überhaupt wird sich beim «Salon der Republik» einiges ändern. Die Veranstaltung im September wird die letzte sein in dieser Form, danach pausieren wir – und konzipieren neu.

4. Mai 2021, 20:00

Salon der Republik – mit Patti Basler

Hier können Sie den «Salon der Republik» nachhören.

Wir laden zum Salon mit Patti Basler

Neue deutschsprachige Dichtung ist das Thema des Literatur-Salons am 4. Mai. Dabei sein kann jeder – von überall her.

Dass Patti Basler zu den erfolgreichsten Comedians der Schweiz gehört, wissen hierzulande alle. Dass sie ihre Pointen am liebsten aus Wortwitz und Sprachspiel baut, ebenso. Was deutlich weniger Menschen auf dem Schirm haben: dass Patti Basler auch Lyrikerin ist. Und in ihren Gedichten schon mal «Klause» auf «Meno-Pause» reimt (oder «leiser» auf «Trip-Advisor»).

Es passt also wie die dargebotene Faust aufs Auge, dass sie beim nächsten «Salon der Republik» am Dienstag, 4. Mai ab 20 Uhr zu Gast ist und mit dem Stammtrio aus Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger und Daniel Graf über neue Verse spricht.

Genauer gesagt:
– über die lieder an das große nichts, den Debütband von Juliane Liebert, die sich auch als Kultur-Journalistin und Spezialistin für Pop einen Namen gemacht hat.
– sowie über Gestohlene Luft von Yevgeniy Breyger, einen Gedichtband, den man getrost zu den gewichtigsten der letzten Jahre rechnen darf.

Und vielleicht ja auch über Gedichte von Patti Basler?

Sie können die Salon-Runde jedenfalls bequem vom Sofa aus besuchen – und mitdiskutieren, sofern Sie mögen. Denn trotz der beschlossenen Öffnungen führen wir die Veranstaltung nicht im Cabaret Voltaire durch, sondern digital im Videochat. Sie können also von jedem beliebigen Ort aus zuschauen. Es reichen dafür eine Internetverbindung und ein Klick abends am 4. Mai auf dem obigen Link.

Sollten Sie technische Fragen haben, melden Sie sich einfach im Vorfeld unter info@cabaretvoltaire.ch. Der Eintritt in den digitalen Salon ist frei. Falls Sie uns anderweitig unterstützen wollen, freut es uns, wenn Sie (weiterhin) die Republik lesen. Oder das aktuelle Programm des Cabaret Voltaire verfolgen.

Wie immer zeichnen wir die Veranstaltung auf und veröffentlichen sie hinterher als Audio-Podcast in der Republik. Wer möchte, kann schon vorab seine Leseeindrücke schildern oder Fragen aufwerfen, die das Podium diskutieren sollte. Nutzen Sie dafür einfach die Kommentarfunktion.

20. April bis 30. April 2021

Cracking Up and Staging Down: current parroting, Didi da da da und «ein weiblicher Humorist genannt Kobold»

Der dritte Akt der Ausstellungsreihe «Cracking Up and Staging Down» ist von 20.04–30.04.2021 zu sehen. Öffnungszeiten: Dienstag, 14:00–21:00 (Eröffnung); Mittwoch–Samstag: 14:00–18:00; Sonntag und Montag: auf Anfrage.

Die ursprünglich als Soireen geplante Ausstellungsreihe «Cracking Up and Staging Down» versteht sich als Möglichkeit, Funktionsweisen von Humor und seiner Inszenierungen zu erarbeiten. Während vier Wochen wird im Cabaret Voltaire untersucht, inwiefern das grenzüberschreitende, soziale und kritische Potential des Lachens und der Comedys (noch) funktioniert. Jeden Dienstag für eine Woche bespielen Akteur*innen aus unterschiedlichen Künsten den historischen Saal mit Requisiten, Spuren, Werken, ihren Erkenntnissen und Dokumentationen.

Hosts und Mimen, Trickster und Geister wurden eingeladen und sollten zwischen kollektiven und individuellen Körpern wandern. «Initiiert war eine schöne Performance in einem physischen Raum mit Kleidung, die von Körpern bewohnt wurde, offensichtlich. Leider sollte sie nicht stattfinden, vielleicht». Stattdessen beharren Hüllen auf Potenzialität. Auch die dritte Soiree von «Cracking Up and Staging Down» ist eine Ausstellung geworden, mit «Didi da da da», «current parroting» und «ein weiblicher Humorist namens Kobold». Karolin Braegger, Johan Ahlkvist, Hedda Bauer und Anastasia McCammon nutzen das Nachplappern und Imitieren als Alltagskomik, um sich den Menschen zu nähern und körperbestimmende Mechanismen offenzulegen. Wiederholung und Aneignung schaffen immer eine Distanz zum ursprünglichen Gebrauch und verschieben die Bedeutung.
Johan Ahlkvist und Hedda Bauer zeigen Kostüme, die das Grundlegendste des Cabaret Voltaire darstellen, oft als zufällig oder gegeben wahrgenommen, manchmal übersehen, und die im Juni von Körpern als queeres Powerplay Dynamic Resistance aktiviert werden. Karolin Braegger denkt vom Begriff der Aneignung, übergehend in das Werden. «Ah, sie müssen hierher kommen», sagt sie als Gastgeberin und Teilnehmerin, lädt Bauer und Ahlkvist ein und zeigt «Didi da da da», eine Serie neuer Arbeiten, alle aus Toile, einem Stoff, der meist zur Anprobe (Kleidung) oder als möglicher Hintergrund (Malerei) verwendet wird und auf etwas hinweist, das noch werden wird. Anastasia McCammon muss sich die Person, die sie anspricht, erst vorstellen. Die Künstlerin zeigt Spuren und Briefe aus ihrer Kommunikation mit Emmy Hennings, Mitbegründerin des Cabaret Voltaire, die einst als «weiblicher Humorist namens Kobold» angestellt war.

Die Reihe «Cracking Up and Staging Down» wird mit Martina Mächler und Anastasia McCammon organisiert.

Johan Ahlkvist, Hedda Bauer und Karolin Braegger
The complete poem, manifested, 2021

The complete poem, manifested:

Current parroting is an exhibition darling. Live, a little.

The tricksters were supposed to be here, dealing with the neverending rearrangements of __serious__ non-performed initiations.

Where are they darling?

puh..

Left a mark and boarded flights.

Birds in the back.

(Birds in the back.)

Over-rehearsing until the nasty habit of repetition becomes an exhibition.

re-re

aww

In the midst of the __elitist intimacy__, this actually totally made sense.

What are you talk talking about?

___________

or maybe at least or at least maybe, for them -

but we can't entirely figure

mrr

brrr

Initiated was a nice performance in a physical space with clothes inhabited by bodies obviously. Unfortunately, it was not supposed to happen maybe.

The extended version made it almost accessible possible

Ausstellungsansicht «current parroting, Didi da da da und 'ein weiblicher Humorist genannt Kobold'», Karolin Braegger, Didi da da da, Werkreihe aus Toile (drei Zigarettenschachteln), 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

13. April bis 17. April 2021

Cracking Up and Staging Down: Slapstick and Laughters

Der zweite Akt ist vom 13.04.–17.04.2021 zu sehen. Öffnungszeiten: Dienstag, 14:00–21:00 (Eröffnung); Mittwoch–Samstag: 14:00–18:00; Sonntag und Montag: auf Anfrage.

In zweiten Akt «Slapstick and Laughters» der Reihe «Cracking Up and Staging Down» widmen sich Dimitris Chimonas und Shinichi Iova-Koga Kippformen und Displays menschlicher Emotionen jenseits des Verbalen. «Slapstick» verweist auch auf seine filmischen Ursprünge im Stummfilm und den Humor als Mittel zur Darstellung von Schmerz und Verletzlichkeit.

Der Tänzer Shinichi Iova-Koga erforscht im Cabaret Voltaire unter dem Titel Collapsible Voltaire den Slapstick-Humor, die körperbasierte, meist wortlose und in Iova-Kogas Fall taktile Form der Komödie. Er interagiert mit dem Raum, den Oberflächen und dem Mobiliar, um – teilweise schnell, manchmal in Zeitlupe – einen Körper darzustellen, der versucht, Stabilität in einer zusammenbrechenden Struktur zu finden.
Dimitris Chimonas' zwei Filme handeln von der Lächerlichkeit der menschlichen Performativität von Emotionen. In den Nuancen aktueller Situationen geht das Weinen oft in ein Lachen über. Im Film Globus Sensation beschäftigt sich der Künstler mit der Funktion des Klosses im Hals; eine Empfindung, die wir spüren, wenn wir weinen müssen, die wir aber nicht vortäuschen können. Ausgangspunkt für seinen zweiten Film ist die Aussage «Alles ist eine Lüge». Chimonas entlarvt diesen Satz paradoxerweise als Lüge, in einer Zeremonie, in der Taschentücher feiern, lachen und weinen über ihre Fähigkeit, auseinandergerissen zu werden und durch Zaubertricks wieder als Ganzes zu erscheinen.

Die Dokumentation zu Iova-Kogas Intervention im historischen Saal heisst Collapsible Voltaire und ist neben Dimitris Chimonas Filmen Globus Sensation und Everything Is a Lie, Is a Lie! bis Samstag, 17.04.2021, im Cabaret Voltaire zu sehen.

Die Reihe «Cracking Up and Staging Down» wird mit Martina Mächler und Anastasia McCammon organisiert.

Ausstellungsansicht, Dimitris Chimonas, Everything Is a Lie, Is a Lie!, 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

15. April 2021, 19:00

Streaming: Armen Avanessian, Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn (Teil 2)

Den Link zum einmaligen Streaming finden Sie am 12. April, verfügbar von 19:00 bis 22:00, hier.

Am 23.03.2021 und 24.03.2021 fand die persönliche und berührende Lesung Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn von Armen Avanessian statt. Die Aufnahme aus dem Cabaret Voltaire wird in Zusammenarbeit mit der Volksbühne Berlin am 12.04.21 (Teil 1) sowie am 15.04.21 (Teil 2) jeweils ab 19:00 gestreamt.

Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn wurde im ersten Lebensjahr seines Sohnes geschrieben und wird als Buch vielleicht 2035 erscheinen.

Der Philosoph schildert darin ihren gemeinsamen Alltag, ihre geteilte Gegenwart und adressiert dabei einen Leser in der Zukunft, der einmal zwanzig, einmal vierzig, und am Ende des Jahrhunderts achtzig Jahre alt sein wird. Aus stets konkreten Erfahrungen und Alltagsbeschreibungen entwickeln sich Überlegungen zu allgemeinen ethischen, sozialen und philosophischen Fragen.

Was ist ein Anfang, Geburt und Beginnen, und warum konnte die männlich dominierte Philosophie diese nur unzureichend fassen? Was sind die Verengungen der klassischen Liebeskonzeptionen, und inwiefern weist Intimität uns einen anderen Weg? Was bedeutet es heute Vater zu sein, eine Familie zu haben und ein Erbe weiterzugeben oder anzutreten (oder umgekehrt auszuschlagen, zurückzuschlagen und mit seiner Familie abzurechnen)? Und inwiefern müssen wir nicht zuletzt auch Tod-und-Sterben-lernen – als vielleicht die klassischen Topoi philosophischer Selbstreflexion – nicht nur mit Blick auf nachfolgende Generationen, sondern aus deren zukünftiger Bedrohung der gesamten Gattung neu denken? Schon heute ist Geteilte Zeit eine Flaschenpost aus einer bereits vergangenen Gegenwart.

«Was ich dir schreibe, das von mir Geschriebene, will dich umarmen, will deine Zeit und meine Zeit zusammen fassen. Denn das Schreiben kommt immer zu spät, hinkt hinterher, aber dann, zugleich, schreibe ich das alles für dich, meinen zukünftigen Leser, viel zu früh. Deshalb habe ich versucht, dir entgegenzukommen.
Ich habe dir geschrieben, um mich an die Zukunft zu erinnern.
Ich habe dir geschrieben, um dich auf die Vergangenheit vorzubereiten.
Ich habe dir geschrieben, weil du sie schon für mich verändert hast.
Ich habe dir geschrieben, damit du das noch einmal lesen kannst.
Ich habe dir geschrieben, weil ich gar nicht anders konnte.
Aus unserer geteilten Zeit habe ich dir geschrieben.
Und wer hätte gedacht, dass es Wünsche und Träume gibt, die in Erfüllung gehen.»

Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

12. April 2021, 19:00

Streaming: Armen Avanessian, Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn (Teil 1)

Den Link zum heutigen einmaligen Streaming finden Sie am 12. April, 19:00, hier.

Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

6. April bis 10. April 2021

Cracking Up and Staging Down: Tickle and Tackle Stand Up

Der erste Akt ist eine Woche zu sehen. Öffnungszeiten: Dienstag, 14:00–21:00 (Eröffnung); Mittwoch–Samstag, 14:00–18:00; Sonntag / Montag, auf Anfrage.

Im ersten Akt Tickle and Tackle Stand Up blicken Kasia Fudakowski und Francesca Hawker hinter die Bühne und exponieren Rituale und Regeln. Fudakowski fokussiert den «Joke Gap» anhand des Lebens und der Rollen der Komikerin und Schauspielerin Elisabeth Wellano alias Liesl Karlstadt (1892–1960). «Ein Witz kann als entbehrliches soziales Kapital gesehen werden. Historisch gesehen musste sich eine Frau erst als seriös etablieren, bevor sie in einen Witz investieren konnte.» Im Cabaret Voltaire zeigt Fudakowski Recherchematerial und Requisiten, die im Juni als Performance aktiviert werden.
Francesca Hawkers Wunsch, «das ungeliebte Gesicht zu erfreuen» (Anne Boyer), wird durch die leere Bar, die sie erwartet, konterkariert. Ihre Aufmerksamkeit richtet sie deshalb auf das Herstellen und Zerbrechen von alternativen Genussmitteln. Hawker zeigt ihren Spaghetti Film, Bar-Skulpturen im Raum und ein Gedichte-Menü, das sie am Dienstag zwischen 14:00 und 21:00 vor Ort aktiviert.

Die Reihe «Cracking Up and Staging Down» wird mit Martina Mächler und Anastasia McCammon organisiert.

30. März 2021, 20:00

Salon der Republik – mit Annette Hug

Hier können Sie den «Salon der Republik» nachhören.

Am 30. März diskutiert der «Salon der Republik» live im Videochat mit der Autorin Annette Hug über neue Bücher von Christian Kracht und Claudia Durastanti – live im Videochat. Das Motto diesmal: Familie und andere Abgründe.

Noch ist der Kultur-Lockdown nicht vorüber. Und während über weitere Öffnungen und ein mögliches Ende des Veranstaltungsverbots gestritten wird, hat der Bücherfrühling längst begonnen.

Mit Eurotrash, dem neuen Werk von Christian Kracht, ist soeben ein Roman in die Läden gekommen, bei dem sich schon jetzt sagen lässt, dass er zu den meistdiskutierten des Jahres gehören wird. Ein im doppelten Wortsinn leiseres, literarisch umso faszinierenderes Buch über das Aufwachsen bei gehörlosen Eltern hat Claudia Durastanti mit ihrem Erstling Die Fremde vorgelegt. So unterschiedlich die zwei Bücher auf den ersten Blick sind: Autobiografisch inspirierte Familienromane sind sie beide. Werke, in denen es um das Erinnern, um Realität und Erfindung, um Geschichte und Geschichten geht – nicht zuletzt also um das Erzählen selbst.

Über beide Bücher sprechen am 30. März ab 20:00 Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger und Daniel Graf mit der Autorin, Übersetzerin und Kolumnistin Annette Hug. Und natürlich mit Ihnen, wenn Sie mögen! Dafür müssen Sie nicht einmal das Haus verlassen. Denn wegen der Corona-Lage findet dieser Salon nicht wie sonst im Cabaret Voltaire in Zürich statt, sondern digital im Videochat.

Der Eintritt in den digitalen Salon ist kostenlos. Wenn Sie uns anderweitig unterstützen wollen, indem Sie im Cabaret Voltaire vorbeischauen oder (weiterhin) die Republik lesen, freut uns das. Wie immer wird die Veranstaltung aufgezeichnet und hinterher als Audio-Podcast veröffentlicht.

Mehr zu den Büchern können Sie auf der Webseite der Republik lesen.

4. März bis 25. März 2021

Slow Reading Club: Future Perfect Continuous Tense

Kollektives Online-Lesen mit dem «Slow Reading Club»

Sie können Sich für die folgenden Daten und Zeiten hier anmelden. Preis: Pay what you want.

04. März: 19:00, 20:00, 21:30
11. März: 19:00, 20:00, 21:30
18. März: 19:00, 20:00, 21:30
25. März: 19:00, 20:00, 21:30

Nach der Anmeldung erhalten Sie einen Zoom-Link per Mail. Anzahl Teilnehmer*innen: 8 Tickets pro Session. 6 Tickets am 25. März um 21.30 Uhr.

Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine semi-fiktionale Lesegruppe, die 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen initiiert wurde. Sie beschäftigen sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen.SRC versucht, den Raum der Übertragung zwischen Text und Lesenden, Lesenden und Lesenden, Text und Text zu besetzen und zu erotisieren; er tut dies, um im instabilen Raum des Lesens selbst zu verweilen, um das zu intensivieren, was Spivak «die mögliche Bedrohung eines Raums außerhalb der Sprache» nennt, der sich beim Lesen und in der Liebe eröffnet.
In Future Perfect Continuous Tense werden Strategien aus ihrer Praxis in den digitalen Raum übersetzt und Zoom als Raum für das gemeinsame Lesen und intime Zusammenkommen genutzt. Jeder Abend wird als Probe oder Experiment zum digitalen, kollektiven Lesens inszeniert. Dabei werden Texte verwendet, die die Zeitform aufbrechen, um Körper, Geräte und Räume, die das Lesen umkreisen, neu zu gestalten.
Jede Sitzung ist unabhängig von den anderen. Die Teilnehmer*innen können an einer oder mehreren teilnehmen. Diejenigen Teilnehmenden, die sich am Sonntag vor jeder Sitzung anmelden, erhalten per Post ein Geschenk, das die Lesung begleitet.

Eine Kooperation zwischen dem Cabaret Voltaire (Salome Hohl und Adam Jasper) und dem Theater Neumarkt

Bild: Slow Reading Club (Henry Andersen und Bryana Fritz)

24. März 2021, 18:00–22:00

Armen Avanessian: Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn (Teil 2)

Teil 1 findet am 23.03.2021 von 18:00–22:00 statt. Teil 2 findet am 24.03.2021 von 18:00–22:00 statt.

Armen Avanessian liest an zwei Abenden sein jüngstes Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn. Geschrieben im ersten Lebensjahr seines Sohnes, wird das Buch vielleicht 2035 erscheinen.

Der Philosoph schildert darin ihren gemeinsamen Alltag, ihre geteilte Gegenwart und adressiert dabei einen Leser in der Zukunft, der einmal zwanzig, einmal vierzig, und am Ende des Jahrhunderts achtzig Jahre alt sein wird. Aus stets konkreten Erfahrungen und Alltagsbeschreibungen entwickeln sich Überlegungen zu allgemeinen ethischen, sozialen und philosophischen Fragen.

Spazieren Sie zwischen 18:00 und 22:00 am Cabaret Voltaire vorbei. Die Lesung wird auf die Spiegelgasse und Münstergasse übertragen. Zudem erhalten sie eine Seite eines Buches, das vielleicht in der fernen Zukunft erscheinen wird – so aber verteilt in Zürich existiert.

Keine Anmeldung erforderlich.

Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

23. März 2021, 18:00–22:00

Armen Avanessian: Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn (Teil 1)

Teil 1 findet am 23.03.2021, um 18:00–22:00 statt. Teil 2 findet am 24.03.2021, um 18:00–22:00 statt.

Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

Armen Avanessian liest sein Buch Geteilte Zeit – Briefe an meinen Sohn, 23. März 2021. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

9. März 2021, 20:00

Samuel Haitz – «Soirée 2 (After)»

Samuel Haitz mit Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge und Moritz Müller (DJ-Set)
Soirée 2 (After) fand am 09.03.2021 statt, Soirée 1 (Before) fand am 02.03.2021 statt. Beide Soireen können Sie hier nachhören (via radio-bollwerk.ch). Die parallellaufende Ausstellung «Memorabilia» läuft vom 02.03.2021 bis zum 27.03.2021.

– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – Erster Teil, Marry the Night

Von links nach rechts im Cabaret Voltaire: Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Moritz Müller und Ian Wooldridge. Photo: Philipp Hänger

2. März 2021, 20:00

Samuel Haitz – «Soirée 1 (Before)»

Samuel Haitz mit Milena Langer, Stella, Ian Wooldridge und Moritz Müller (DJ-Set)
Soirée 1 (Before) fand am 02.03.2021 statt, Soirée 2 (After) fand am 09.03.2021 statt. Beide Soireen können Sie hier nachhören (via radio-bollwerk.ch). Die parallellaufende Ausstellung «Memorabilia» läuft vom 02.03.2021 bis zum 27.03.2021.

– Lady Gaga, The Prelude Pathétique – Erster Teil, Marry the Night

Von links nach rechts im Cabaret Voltaire: Samuel Haitz, Milena Langer, Stella, Moritz Müller und Ian Wooldridge, Photo: Philipp Hänger

25. Februar 2021, 20:00–20:15

Slow Reading Club Teaser-Event: Future Perfect Continuous Tense

Kollektives Online-Lesen mit dem «Slow Reading Club»

Dieser Event am 25. Februar ist eine kostenlose Kennenlernsession und dauert ca. 15 Minuten.
Hier finden Sie den Zoom-Link.

Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine semi-fiktionale Lesegruppe, die 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen initiiert wurde. Sie beschäftigen sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen. SRC versucht, den Raum der Übertragung zwischen Text und Lesenden, Lesenden und Lesenden, Text und Text zu besetzen und zu erotisieren; er tut dies, um im instabilen Raum des Lesens selbst zu verweilen, um das zu intensivieren, was Spivak «die mögliche Bedrohung eines Raums außerhalb der Sprache» nennt, der sich beim Lesen und in der Liebe eröffnet.
In Future Perfect Continuous Tense werden Strategien aus ihrer Praxis in den digitalen Raum übersetzt und Zoom als Raum für das gemeinsame Lesen und intime Zusammenkommen genutzt. Jeder Abend wird als Probe oder Experiment zum digitalen, kollektiven Lesens inszeniert. Dabei werden Texte verwendet, die die Zeitform aufbrechen, um Körper, Geräte und Räume, die das Lesen umkreisen, neu zu gestalten.
Jede Sitzung ist unabhängig von den anderen. Die Teilnehmer*innen können an einer oder mehreren teilnehmen. Diejenigen Teilnehmenden, die sich am Sonntag vor jeder Sitzung anmelden, erhalten per Post ein Geschenk, das die Lesung begleitet.

Eine Kooperation zwischen dem Cabaret Voltaire (Salome Hohl und Adam Jasper) und dem Theater Neumarkt

14. Januar 2021, 20:00

Verschoben: Agnes Scherer, «The Teacher»

Update: Es werden neue Termine für die Aufführungen der Operette gesucht.

Letzte Aufführung

Eine didaktische Operette von Agnes Scherer
Puppenspiel: Soya Arakawa
Musik: Tobias Textor
Vokalistin: Claudia Barth

Die Ausstellung ist vom 2. Oktober bis zum 16. Januar zu sehen. Mehr Informationen zu «The Teacher» finden Sie hier.

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

12. Januar 2021, 19:00

Verschoben: Agnes Scherer, «The Teacher»

Update: Es werden neue Termine für die Aufführungen der Operette gesucht.

Eine didaktische Operette von Agnes Scherer, Musik von Tobias Textor, Performances von Soya Arakawa und Claudia Barth. Die Installation zur Operette ist während der gesamten Ausstellungsdauer vom 2. Oktober bis zum 16. Januar zu sehen.

Die Operette wird um 19:00 und um 20:00 aufgeführt.

Mehr Informationen zum Projekt «The Teacher» finden Sie hier.

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

12. Januar 2021, 20:00

Verschoben: Agnes Scherer, «The Teacher»

Update: Es werden neue Termine für die Aufführungen der Operette gesucht.

Die Operette wird an diesem Tag um 19:00 und um 20:00 aufgeführt. Die letzte Aufführung findet zusätzlich am Donnerstag, 14. Januar, um 20:00 statt.

Mehr Informationen zum Projekt «The Teacher» finden Sie hier.

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

2020

22. Dezember 2020, 20:00

Verschoben: Konga Bar

Wieso spielt die Katze Keyboard? Constant confusion, organisiert von Ronny Hunger und Roman Blumenthal.

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

15. Dezember 2020, 20:00

Verschoben: Oh Hans, had you known / Rhythmus 21. Changes in rhythm may alter textures of spaces

Martina Buzzi und Nicolas Buzzi setzen Hans Richters Auseinandersetzung mit Zeit, Wahrnehmung sowie Raum aus einer gegenwärtigen Perspektive mit auditiven Mitteln fort. Performance mit Li Tavor

Richters Rhythmus 21 setzt sich nicht nur mit Rhythmus, sondern insbesondere auch mit dem Medium Film auseinander. Film war um 1921 praktisch ungesehen und nicht mit der gegenwärtigen Bedeutung des Mediums vergleichbar. Heute ist animiertes wie aufgezeichnetes Bewegtbild ein alltägliches Phänomen, weshalb Richters Auseinandersetzung von Zeit, Wahrnehmung und Raum mittels seiner Arbeit nicht ohne eine historische Verortung der im Rhythmus 21 angewandten Techniken gelesen werden kann. Film und Rhythmus sind beides zeitbasierte Medien. Einzelne Bilder eines Filmes oder Schläge in einem rhythmischen Konstrukt treten erst durch ihre Abfolge und gemeinsame Beziehung als Ganzes in Erscheinung. Diese Gemeinsamkeit sticht insbesondere bei der Arbeit mit der Stop-Motion-Technik ins Auge, während jedem einzelnen Bild in der Herstellung, im Vergleich zur Projektionsdauer, ein unverhältnismässig erscheinendes Vielfaches an Zeit gewidmet wird. Hundert Jahre nach Rhythmus 21 sind die technischen Vorgänge im Film weit bekannt und so weit entwickelt, dass keine Einzelbilder mehr wahrgenommen werden. Damit hat sich im Vergleich zu Richters Zeit die Relevanz der Auseinandersetzung mit dem Granularen des Mediums gewandelt. Eine Möglichkeit der Annäherung an die Thematik besteht heute in der sinnlichen Wahrnehmung von Raum und der Transformation dieser Empfindung durch die Nutzung akustischer Phänomene. In Oh Hans, had you known / Rhythmus 21 nehmen Martina Buzzi und Nicolas Buzzi die zeitbasierte Eigenschaft von Film und Rhythmus als Ausgangspunkt, um unter Einbezug formaler Entscheidungen und morphologischer Eigenschaften von Rhythmus 21 dessen grundsätzliche Fragestellungen in der heutigen Zeit, mit Mitteln wie Sound, Schall, Raum und Musik, zu verhandeln. Dabei wird durch die Verwendung der inhärenten Dynamik von Schwingungen - nämlich ihre fortwährende Überschreitung der Modalitäten und Grenzen, Rhythmus 21 in einen inneren und äusseren Raum mit fluiden Grenzen übersetzt (Text Martina Buzzi und Nicolas Buzzi).

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

10. Dezember 2020, 20:00

Verschoben: Agnes Scherer, «The Teacher»

Diese Aufführung wurde auf den 14. Januar verschoben.

Eine didaktische Operette von Agnes Scherer
Puppenspiel: Soya Arakawa
Musik: Tobias Textor
Vokalistin: Claudia Barth

Die Ausstellung ist vom 2. Oktober bis zum 16. Januar zu sehen. Mehr Informationen zu «The Teacher» finden Sie hier.

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

8. Dezember 2020, 20:00

Verschoben: Agnes Scherer, «The Teacher»

Diese Soiree wurde auf den 12. Januar verschoben.

Mehr Informationen zum Projekt «The Teacher» finden Sie hier.

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

1. Dezember 2020, 20:00

Verschoben: Slow Reading Club – New Facts

Der «Slow Reading Club» (SRC) ist eine halbfiktionale Lesegruppe, die Ende 2016 von Bryana Fritz und Henry Andersen ins Leben gerufen wurde. Die Gruppe beschäftigt sich mit konstruierten Situationen für kollektives Lesen. Der SRC betrachtet, erforscht und unterbricht die «Leserschaft» als eine Möglichkeit, die Kontaktzonen zwischen Leser*in und Text, Text und Text, Leser*in und Leser*in zu stimulieren. Organisiert mit Adam Jasper und Jan Steinbach.

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

Slow Reading Club am Bâtard Festival 2017, Credit: Cillian O’Neill

Slow Reading Club im Louise Dany, 2019, Credit: Ignas Krunglevičius

24. November 2020, 20:00

Salon der Republik – mit Nina Kunz

Hier können Sie den «Salon der Republik» vom 24. November nachhören.

Noble Preise

Beim nächsten «Salon der Republik» am 24. November im Cabaret Voltaire geht es um die Gedichte von Nobelpreisträgerin Louise Glück. Und um den Gewinnertext des Schweizer Buchpreises.

Als am 8. Oktober die Entscheidung zum Literaturnobelpreis 2020 verkündet wurde und die Wahl auf Louise Glück fiel, war die Verwunderung im Literaturbetrieb und in den Feuilletonredaktionen hierzulande riesig. Bei all den Spekulationen im Vorfeld hatte der Name Louise Glück keine Rolle gespielt, ja, den Allerwenigsten war ihr Name zu diesem Zeitpunkt überhaupt bekannt. Das sagt allerdings wenig über Louise Glück aus und viel über hiesige Rezeptionslücken. In den USA hat Louise Glück in den letzten Jahrzehnten so ziemlich alles an Ehrungen und Preisen gewonnen, was man als Autorin gewinnen kann, vom Pulitzerpreis bis zum National Book Award. Auf Deutsch sind von ihren insgesamt zwölf Gedichtbänden zwar immerhin zwei ihrer meistgelobten erschienen: Averno (2007) und Wilde Iris (2008), jeweils übersetzt von Ulrike Draesner. Beide Bücher waren allerdings seit längerem vergriffen – und sollen ab Mitte November wieder lieferbar sein.

Zu Gast ist an diesem Abend die Autorin und Kolumnistin Nina Kunz. Sie diskutiert mit Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger und Daniel Graf über die Lyrik von Louise Glück – und über den Siegertext des Schweizer Buchpreises 2020.

Verliehen wurde der Schweizer Buchpreis am 8. November. Er ging an Anna Stern für den Roman das alles hier, jetzt (Elster & Salis). Die weiteren Nominierten waren:
Dorothee Elmiger für Aus der Zuckerfabrik (Hanser), Tom Kummer für Von schlechten Eltern (Klett-Cotta), Charles Lewinsky für Der Halbbart (Diogenes) und Karl Rühmann für Der Held (Rüffer & Rub).

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse. Es besteht Maskenpflicht.

17. November 2020, 20:00

Verschoben: Cracking Up and Staging Down: Stereotypes and Comedy

Wegen Quarantäneregelung verschoben auf 2021

Screening Martine Syms und Beiträge zu Humor und Rassismus. Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon.

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

17. November 2020, 20:00

Verschoben: Cabaret Avanessian #2 Updating Contagion

Contagion (Steven Soderbergh, 2011) gilt vielen als prophetischer Film für die Ereignisse rund um Corona in diesem Jahr. Spätestens mit der zweiten Welle der Pandemie sehen wir aber auch, was sich in der Dekade seit Entstehen des Films verändert und verschoben hat, in unserem biologischen und virologischen Wissen, auf (sozial)medialer Ebene, und vor allem in den geopolitischen Verhältnissen. Vor weniger als einer Dekade entstanden, zeigt der Film noch eine intakte Globalisierung, inklusive unangefochtener internationaler Organisationen.Gezeigt werden Ausschnitte aus dem Film, und nach einem kurzen Impuls diskutiert Armen Avanessian mit Elisabeth Bronfen. Im September 2020 erschien ihre Publikation Angesteckt. Zeitgemässes über Pandemie und Kultur im Echtzeit-Verlag. Die Kultur- und Literaturwissenschaftlerin ist Professorin für Anglistik an der Universität Zürich und Global Distinguished Professor an der New York University.

«Cabaret Avanessian» ist eine Reihe mit dem Philosophen und Kulturtheoretiker Armen Avanessian im Cabaret Voltaire. Derzeit bekleidet er unter anderem eine Gastprofessur für Philosophie an der HFBK Hamburg.

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

Filmstill, Steven Soderbergh, Contagion, 2011

10. November 2020, 20:00

Verschoben: Cracking Up and Staging Down: Tickle and Tackle Stand Up

Wegen Quarantäneregelung verschoben auf 2021

Kasia Fudakowski und Francesca Hawker. Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

3. November 2020, 20:00

Verschoben: Endlich einmal Lenins Text besprechen, den er zur Zeit des historischen Cabaret Voltaire in derselben Strasse in Zürich schrieb

Update: Aufgrund der aktuellen Situation muss die Soiree leider verschoben werden.

20:00–21:30:
Ein Gespräch mit Tove Soiland und Stefanie Leuenberger über Lenins Der Imperialismus als höchste Stufe des Kapitalismus, den er 1916 an der Zürcher Spiegelgasse schrieb und 1917 veröffentlichte. Wir diskutieren damalige und heutige kapitalistische Verhältnisse und vergleichen Lenins Ansatz mit der dadaistischen Kritik am «Wirtschaftsfatalismus» (Hugo Ball) und der avantgardistischen Lebensweise. Der Abend wird von Andreas Rizzi und Salome Hohl moderiert.

Niels van der Waerden spielt und singt zum Einstieg und Abschluss klassische und kabarettistische Arbeiter*innenlieder.

Ca. 22:00–23:00:
Streaming der Berichterstattung im Vorfeld der US-Präsidentschaftswahlen

Es besteht Maskenpflicht. Die Platzzahl ist beschränkt und die Anmeldung mit Name, Postleitzahl und Telefonnummer obligatorisch. Danke für die Solidarität.

Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

27. Oktober 2020, 20:00

Verschoben: Cabaret Avanessian

Achtung: Die Soiree wird auf den 17. November 2020 verschoben.

17.11.20, 20:00
«Cabaret Avanessian #2 Updating Contagion»
Contagion (Steven Soderberghs, 2011) gilt vielen als prophetischer Film für die Ereignisse rund um Corona in diesem Jahr. Spätestens mit der zweiten Welle der Pandemie sehen wir aber auch, was sich in der Dekade seit Entstehen des Films verändert und verschoben hat, in unserem biologischen und virologischen Wissen, auf (sozial)medialer Ebene, und vor allem in den geopolitischen Verhältnissen. Vor weniger als einer Dekade entstanden, zeigt der Film noch eine intakte Globalisierung, inklusive unangefochtener internationaler Organisationen.Gezeigt werden Ausschnitte aus dem Film, und nach einem kurzen Impuls diskutiert Armen Avanessian mit Elisabeth Bronfen. Im September 2020 erschien ihre Publikation Angesteckt. Zeitgemässes über Pandemie und Kultur im Echtzeit-Verlag. Die Kultur- und Literaturwissenschaftlerin ist Professorin für Anglistik an der Universität Zürich und Global Distinguished Professor an der New York University.

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung. Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

Filmstill, Steven Soderberg, Contagion, 2011

20. Oktober 2020, 20:00

Diaries, Notes and other Recordings. Low-Tech films about the Everyday

Tagebuchähnliche Kurzfilme und eine Einführung zum Thema «Imperfect Cinema» als egalitäres und poetisches Tool, organisiert von Jiajia Zhang.
Filme:
– George Kuchar, Weather Diary Nr. 3, 1988, 25 Minuten
– YouTube-Kanal Melanie-Jane, 2020, 5 Minuten
– Tiffany Sia, Never Rest/Unrest, 2020, 29 Minuten

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

13. Oktober 2020, 20:00

Verschoben: Cracking Up and Staging Down: Slapstick and Laughters

Wegen Quarantäneregelung verschoben auf 2021

Shinichi Iova-Koga und Dimitris Chimonas. Organisiert mit Anastasia McCammon und Martina Mächler

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

Photo: Sheila Bosco/inkBoat

Photo: Dimitris Chimonas

6. Oktober 2020, 20:00

Verschoben: Cracking Up and Staging Down: Current Parroting und «ein weiblicher Humorist genannt Kobold»

Wegen Quarantäneregelung verschoben auf 2021.

Karolin Brägger (Kostüm in Kollaboration mit Janek Ackermann), Anastasia McCammon / Emmy Hennings, Dynamic Resistance von Hedda Bauer und Johan Ahlkvist mit Charlotte Gash, Charlotta Öberg, Sigrid Mau, Rogine Moradi. Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon.

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

2. Oktober 2020, 18:00

Ausstellungseröffnung Agnes Scherer «The Teacher»

Agnes Scherer, «The Teacher»
Puppenspiel: Soya Arakawa
Musik: Tobias Textor
Vokalistin: Claudia Barth

Die didaktische Operette wird zur Eröffnung am 2. Oktober um 19:00 und 20:00 aufgeführt. Die Bar ist von 18:00 bis 02:00 geöffnet.
Die Aufführungen der Operette sind bereits ausgebucht. Wir bieten deshalb am 03.10.20, 12:00 eine Matinee-Vorstellung an.
Bitte anmelden unter info@cabaretvoltaire.ch

Mehr Informationen zur Ausstellung finden Sie hier.

29. September 2020, 20:00

Cabaret Avanessian. Avanessian vs. delirium – Update N°12

delirium ist eine Zürcher Literaturplattform. Anfang 2020 sind die ersten Texte für Magazin N°12 eingetroffen. Inzwischen sind Corona, eine Wirtschaftskrise und ein weiterer Rekordhitzesommer über die Welt hereingebrochen. Müssen wir angesichts dessen nicht die Welt und die Literatur neu denken? Für den Release N°12 bittet der Philosoph und Kulturtheoretiker Armen Avanessian die Autor*innen des Hefts um ein zeitgemässes Update.

Teilnehmer*innen:
Armen Avanessian
Patrizia Huber
Fabian Schwitter
Gerhild Perl
Samuel Prenner
Rahel Hochstrasser
Samuel Eberenz
Niki Grieser
Kim de l'Horizon
Salomé Meier

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

Bild: Sätze aus der neuen delirium-Ausgabe N°12

22. September 2020, 20:00

Software Garden, Rory Pilgrim

Rory Pilgrim zeigt im Rahmen des Festivals Fleshy Interface Elemente des multidisziplinären Projekts Software Garden.

In Zeiten zunehmenden Nationalismus und Isolationismus sucht der Künstler Räume, in denen das Menschliche, Ökologische und Technologische auf Einfühlungsvermögen, Fürsorge und Freundlichkeit treffen. Zu diesem Zweck kombiniert Rory Pilgrim Körper und Stimmen innerhalb und ausserhalb des Bildschirms durch Live-Performances, Musikvideos, Gedichte und interaktive Workshops. Die Veranstaltung wird am 22. September mit einem Künstlergespräch mit Pilgrim im Cabaret Voltaire eröffnet, begleitet von einer Auswahl an Liedern aus dem Backkatalog mit der Sängerin Robyn Haddon und Gedichten der Poetin und Behindertenrechtlerin Carol R. Kallend, die über Skype teilnimmt. In den folgenden Tagen werden Rory Pilgrim und die Choreografin und Künstlerin Cassie-Augusta Jørgensen einen dreitätigen Workshop veranstalten, bei dem Interessierte Teil der Performance Software Garden werden können, die dann mit den Teilnehmer*innen am Samstag, 26. September im Neumarkt aufgeführt wird.

Das institutionsübergreifende Festival Fleshy Interface verbindet Performances und Workshops und hat die Wiederentdeckung der Körperlichkeit als zentrales Thema. Der Körper als Medium und als Instrument in den darstellenden Künsten, der digitale Körper, Körperlosigkeit und die Sehnsucht nach Berühren und Berührtwerden beschäftigen uns in dieser besonderen Zeit der physischen Distanzierung. Initiert vom Neumarkt, in Zusammenarbeit mit Cabaret Voltaire, Schauspielhaus Zürich, Literaturhaus, Tanzhaus, Fabriktheater, Winkelwiese, Shedhalle, ZHdK und Helferei. Rory Pilgrim partizipiert auf Einladung des Cabaret Voltaire, in enger Zusammenarbeit mit dem Neumarkt. Das gesamte Programm des Festivals inklusive E-Booklet ist hier zu finden.

Anmeldung Soiree am Dienstag:
Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb für die Soiree am Dienstag um Anmeldung. Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

Anmeldung Workshop/Showing:
Workshop: 23.09.–25.09.20, 14:00–17:00, Anmeldung unter fleshyinterface@theaterneumarkt.ch. Showing des Workshops (Performance Software Garden): Samstag, 26.09.20, 16:00 im Neumarkt. Mehr Informationen finden Sie hier.

Rory Pilgrim (*1988 in Bristol, Grossbritannien) lebt und arbeitet in Rotterdam und auf der Isle of Portland. Seine Ausstellungen umfassen: Stedelijk Museum Amsterdam (Amsterdam, 2019), Between Bridges (Berlin, 2019), South London Gallery (London, 2018); andriesse eyck galerie (Amsterdam, 2018); Rowing Gallery (London, 2017), Plymouth Art Centre (Plymouth, 2017), Flat Time House (London, 2016), Site Gallery (Sheffield, 2016), sic! Raum für Kunst (Luzern, 2014), Rongwrong (Amsterdam, 2014), Kunsthuis SYB (Beetsterzwaag, 2011). Im Jahr 2019 wurde Pilgrim mit dem Prix de Rome ausgezeichnet.

«Software Garden» Live Concert, Transmediale 2019, Haus der Kulturen der Welt, Berlin, 2019. Photo: Laura Fiorio

15. September 2020, 20:00

Salon der Republik – mit Franziska Schutzbach

Hier können Sie den «Salon der Republik» vom 15. September nachhören. Der nächste Salon findet am 24. November statt.

Der «Salon der Republik» ist ein Forum für Literatur und Debatte. Es diskutieren über aktuelle Bücher und relevante Themen: das Feuilleton des Online-Magazins Republik, ausgewählte Gäste – und Sie, falls Sie mögen. Am 15. September heisst das Stichwort «Machtfragen, Genderfragen». Im Zentrum stehen die aktuellen Romane Milchmann von Anna Burns und Brüste und Eier von Mieko Kawakami, vorgestellt werden auch Die Neuerscheinungen Der Defekt von Leona Stahlmann und Hexen von Mona Chollet. Zu Gast ist Franziska Schutzbach. Sie diskutiert mit Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger und Daniel Graf.

Bitte Masken anziehen! Teilnehmerzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

«Salon der Republik», 15. September 2020. Zu Gast war Franziska Schutzbach. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

«Salon der Republik», 15. September 2020, mit Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger, Franziska Schutzbach und Daniel Graf. Photo: Cabaret Voltaire, IIDA

11. September 2020, 18:00–20:30

Zurich Art Weekend 2020

Anlässlich des Zurich Art Weekend 2020 finden zwei Kurzführungen durch das Haus und die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» statt. Die erste Führung ist um 18 Uhr, die zweite um 20 Uhr.

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.

8. September 2020, 20:00

Dada Zürich 1916/2020

Eine Führung durch das Cabaret Voltaire und die internationalistische Nachbarschaft

Treffpunkt: Cabaret Voltaire, Historischer Saal, 20:00

Das Cabaret Voltaire eröffnete am 5. Februar 1916 unter Mitwirkung einer Gruppe aus Deserteur*innen, Student*innen und Intellektuellen und bildete fortan den Rahmen für Dissens und künstlerische Experimente. Neben einer allgemeinen Einführung zu Dada und seinen Protagonist*innen möchten wir in dieser Führung einige Aspekte des historischen Kontexts um 1916 erkunden. Wir starten im Cabaret Voltaire und gehen danach weiter die Spiegelgasse hinauf, wo Lenin mit seiner Frau Nadeschda Krupskaja wohnte, zum internationalen Gewerkschaftsheim Eintracht, zum Schwänlianer-Treff und der Wohnung von Ball und Hennings am Predigerplatz, über das Cabaret Hirschen am Hirschenplatz bis zum Stüssihof, wo sich der «Kegelklub» zur wöchentlichen Debatte traf. «Verzweiflung an der Zeit gepaart mit ungebrochener, jugendlicher Kraft» fanden sich sowohl in den künstlerischen Aktivitäten im Cabaret Voltaire als auch in den Debatten der internationalistischen Sozialist*innen und Exilant*innen in den Lokalen der Nachbarschaft. Dabei waren die Ziele im Grunde die gleichen: Friede, Freiheit und eine neue Weltordnung. Dies und mithin Themen wie Sozialismus, Pazifismus, Revolution und die Rolle von Gewerkschaften bieten auch im heutigen Kontext anregende Diskussionsgrundlagen.

Die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» kann vor oder nach der Führung angeschaut werden. Hennings Erinnerungen sind auch für die Führung von Interesse:

«Viele Schweizer Familien hatten Ferienkinder aus den Kriegsländern eingeladen. Die kleinen Gäste kamen an, schmal, bleich, hohläugig, um hier aufzublühen wie junge Rosen. Wie viele, die inzwischen herangewachsen sind, werden sich dankbar zurückerinnern! 'Wer ein Kind aufnimmt in meinem Namen, der nimmt mich auf.' Ferner war eine unzählige Anzahl Fremder freiwillig gekommen, für die Zürich die hohe Warte war, von der aus man das Weltgeschehen ruhig oder entsetzt beurteilen konnte. Die Stadt war damals das Internationalste, das man sich denken kann. Am Quai hörte man in allen Zungen sprechen.»
– Emmy Hennings, in: Neue Zürcher Zeitung, Erste Sonntagsausgabe vom 27.05.1934

«Es war im Kriegsjahr 1917 in Zürich. Im Cabaret Voltaire war soeben der Dadaismus geboren worden. Der Dadaist kämpfte gegen die Agonie, gegen den Todestaumel der Zeit. Im Widerspruch behauptete sich das Leben. Jede Art von Maske war dem Dadaisten recht. Die Maske jedoch diente als notwendiger Unterschlupf, das wahre, zu tief erschütterte Gesicht zu verbergen. Beim Dadaismus war viel Verzweiflung an der Zeit mit ungebrochener, jugendlicher Kraft gepaart, die oftmals wie Übermut und Spottlust anmutete.»
– Emmy Hennings, Erinnerungen an Sophie Taeuber, in: Sophie Taeuber-Arp, hg. von Georg Schmidt, Basel, Holbein-Verlag, 1948

Die Führung wird von Elena Grignoli und Salome Hohl geleitet.

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.

Anny Klawa-Morf. Photo: freiberthoud.ch

Marcel Jancos Cabaret Voltaire, Bild aus dem Katalog Dada in Zürich, Arche Verlag

Historischer Saal 2020. Photo: Gunnar Meier

1. September 2020, 20:00

Lieb mich von allen Sünden rein

Emmy Hennings, gelesen von Heidi Maria Glössner, im Dialog mit Ariane von Graffenried. Im Anschluss Diskussion mit Jael Bollag, Carla Jörg und allen Beteiligten. Eine Zusammenarbeit mit dem Schweizerischen Literaturarchiv.

Ausserordentlich ist nicht nur Emmy Hennings' wechselvolle Biographie, auch von ihrem künstlerischen Werk geht eine grosse Anziehungskraft aus. In Erinnerung geblieben ist sie als eine der wirkungsmächtigsten Bühnenkünstlerinnen des Dadaismus. Nach wie vor frisch wirken auch ihre Gedichte, und als Performance-Künstlerin und Avantgarde-Autorin war sie ihrer Zeit voraus und beeinflusst Schreibende bis heute.

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung. Eintritt regulär: 10 CHF, Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse. Die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» ist vor der Soiree bis 20:00 geöffnet.

Photo Emmy Hennings: Nachlass Hennings, SLA Bern; Photo Ariane von Graffenried: Alexander Jaquemet; Collage: Gerhard Blättler

25. August 2020, 20:00

Lara Dâmaso: Repetitions and Fadings

Lara Dâmaso, Photo: Flavio Karrer

Eine Performance von Lara Dâmaso, anschliessend DJ-Set von Asian Eyez

Der tanzende Körper und der singende Körper sind ein und derselbe. Die gleiche Art der Kommunikation: Vibration. Der tanzende Körper und der singende Körper sprechen zueinander, müssen aber nicht antworten. Das ist kein «Call and Response», es ist schneller als das. Ein Sprung vorwärts. Sofortige Präsenz. Der tanzende und singende Körper ist ein offener Kanal – keine leere Kammer. Da er ein Kanal und keine Kammer ist, kann er mit dem harmonisieren, was durch ihn hindurchgeht. Das wiederum zeigt, was er trägt und wie er aufgebaut ist. Es ist kein Echo, es ist melodischer als das. Der tanzende und singende Körper ist eine reflektierende Oberfläche. Er zeigt akribisch Zeit und Raum, Form und Bewegung, die ihn umgeben. Er wird durch diese Agenten impliziert und impliziert sie gleichzeitig. Aber das ist keine Repräsentation, es ist noch viel mehr als das. Und es braucht nicht mehr als das, was schon da ist. (Text: Lara Dâmaso/Matthew Hanson)

Bitte Masken anziehen! Teilnehmer*innenzahl beschränkt. Wir bitten deshalb um Anmeldung.
Eintritt regulär: 10 CHF; Eintritt reduziert: 5 CHF. Bezahlen können Sie an der Abendkasse.

14. Juli 2020, 20:00

Verschoben: Offene Bühne

Unter info@cabaretvoltaire.ch können bis zum 01.07.20 Kurzbeiträge (5-10 Minuten) eingereicht werden (ca. 2000 Zeichen). Maximal 15 Teilnehmer*innen werden ausgewählt.

7. Juli 2020, 20:00

Salon der Republik – mit Fatima Moumouni

Hier ist die Hörversion des «Salon der Republik» vom 7. Juli 2020 als Podcast zum Nachhören. Der nächste «Salon der Republik» findet am 15. September statt.

Der «Salon der Republik» ist ein Forum für Literatur und Debatte. Es diskutieren über aktuelle Bücher und relevante Themen: das Feuilleton-Team des Online-Magazins Republik, ausgewählte Gäste – und Sie, falls Sie mögen. Denn auch Zuhören ist erlaubt.

Weltweit entlädt sich auf den Strassen die Wut über Rassismus und Polizeigewalt. Zum ersten literarischen «Salon» besprechen wir drei Neuerscheinungen, die damit umso dringlicher sind. Gast ist die Spoken-Word-Poetin Fatima Moumouni. Die ausgewählten Werke: Der Wassertänzer von Ta-Nehisi Coates, 1000 Serpentinen Angst von Olivia Wenzel und der Gedichtband Nachthimmel mit Austrittswunden von Ocean Vuong.

Alle drei Bücher handeln vom Fortbestehen rassistischer Gewalt. Alle drei beschreiben sie auf je eigene Weise Ausgrenzung und Menschenfeindlichkeit. Und sie thematisieren die jahrhundertealte Ideologie der «white supremacy», diesseits und jenseits des Atlantiks, deren Konsequenzen nicht erst deutlich sind, seit George Floyd durch brutale Polizeigewalt getötet wurde.

Mit Fatima Moumouni debattieren Barbara Villiger Heilig, Daniel Binswanger und Daniel Graf. Und Sie, falls Sie möchten. Bitte beachten: die Veranstaltung findet unter Einhaltung der Corona-Sicherheitsbestimmungen statt. Wir werden genügend Abstand zwischen den Plätzen einhalten und bitten um Anmeldung unter info@cabaretvoltaire.ch. Bitte teilen Sie uns auch mit, wenn Sie zu zweit oder mehreren kommen wollen. Der Eintritt beträgt 10 Franken regulär, 5 CHF reduziert. Republik-Verleger*innen bezahlen den ermässigten Tarif von 5 Franken.

Die Veranstaltung wird als Audio-Podcast zum Nachhören aufgezeichnet.

Mehr zu den Büchern:
Der Wassertänzer, der erste Roman von Ta-Nehisi Coates, dessen Sachbücher zum Rassismus in den USA längst auch international Standardwerke sind; 1000 Serpentinen Angst von Olivia Wenzel, ein Romandebüt, das vom Leben als «Person of Colour» in deutsch-deutschen Gefilden erzählt; der Gedichtband Nachthimmel mit Austrittswunden, für den Ocean Vuong international als neue literarische Sensation gefeiert wird.

Kurzbesprechungen der Bücher durch Daniel Graf finden Sie hier.

30. Juni 2020, 20:00

Verschoben: Meta-Programm

Drängendes zu 2020 im / zum Cabaret

23. Juni 2020, 20:00

Verschoben: Cracking Up and Staging Down: Stereotypes and Comedy

Screening Martine Syms und Beiträge zu Humor und Rassismus. Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon.

16. Juni 2020, 20:00

Verschoben: Erste Konzerte

Ein Interlude auf einem Tonträger wird als Zwischenkommentar oder Dialog verstanden. Eingeladene Musiker*innen treten zwischen deinem Bier und Gespräch auf. Das Cabaret Voltaire lernt an diesem Abend kurze Musikbeiträge aus der weiten Nachbarschaft kennen. Organisiert von Lorik Visoka.

13. Juni 2020

Verschoben: Neue Körperempfindungen: Sexualität im Rausch von Bewegung und Musik

14:00–14:45 Uhr in der Ausstellung im Kunsthaus Zürich. Von 15:00–15:30 performativer Rundgang zum Cabaret Voltaire.

Neue Körperempfindungen: Sexualität im Rausch von Bewegung und Musik

Im Rahmen des Zurich Art Weekend: Dialogische Führung mit Cabaret-Voltaire-Leiterin Salome Hohl und Kunsthaus-Kuratorin Cathérine Hug. Kunst-performance von Talaya Schmid und Angie Walti.

9. Juni 2020, 20:00

Verschoben: Ich bin so vielfach

Aktuelle Perspektiven auf Emmy Hennings mit Christa Baumberger, Jael Bollag und Sophie Doutreligne.

8. Juni 2020, 19:00–23:00

Nach dem langen Sonntag

Am 8. Juni starten die drei Zürcher Kulturinstitutionen Theater Neumarkt, Literaturhaus Zürich und Cabaret Voltaire gemeinsam in die Zeit nach dem Shutdown. Unter dem Motto «Nach dem langen Sonntag» wird den Häusern und dem Niederdorf wieder kulturelles Leben eingehaucht.

Detailliertes Programm Cabaret Voltaire:

Montag, 8. Juni 2020

19:00 bis 23:00:
Wiedereröffnung und Verlängerung der Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» , 8. Juni bis 22. September 2020.

19:00 bis 23:00:
Laufende Performance der Tänzerin Anastasia McCammon zu Emmy Hennings. Dabei wird auch Cognac, Hennings' Lieblingsschnaps, serviert. McCammon ist der Teil der mit Martina Mächler konzipierten Serie Cracking Up and Staging Down, die im Herbst im Rahmen der Soireen am Dienstag im Cabaret Voltaire zu sehen sein wird.

19:30, 20:30, 21:30:
Die Autorin Simone Lappert tritt in einen lyrischen Dialog mit Emmy Hennings. Reservationen für die drei Lesungen nehmen wir via info@cabaretvoltaire.ch entgegen. Nur die Hälfte der Plätze kann für Reservationen freigegeben werden.

Programmübersicht Cabaret Voltaire, Theater Neumarkt und Literaturhaus:

Zwischen 19:00 und 23:00 gibt es Theater, Musik, Performances, Literatur, Kunst und Cognac. Im Neumarkt wird der zehntägige 7/11 Performance Supermarket eingeweiht, der mit Peepshow-Ästhetik, Voyeurismus und der Sehnsucht nach Nähe spielt. Etwas weiter die Spiegelgasse hoch eröffnet im Cabaret Voltaire die Ausstellung «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi» wieder, die Autorin Simone Lappert exerziert das Menschsein durch eigene und Hennings' lyrische Texte, während die Tänzerin Anastasia McCammon den Ausschank von Hennings’ Lieblingsschnaps performativ inszeniert. Und das Literaturhaus eröffnet seine dreiwöchige Literatur-Apotheke mit dem Kollektiv «Literatur für das was passiert», das Texte auf Auftrag bzw. auf Rezept schreibt. Die Besucherinnen sind eingeladen, von Haus zu Haus frei zu spazieren und sich überraschen zu lassen.

«Wir haben uns in den letzten Wochen immer wieder ausgetauscht, es ging dabei um die grossen Fragen: Was wird aus der Kultur zu Zeiten von Social Distancing? Wie lässt sich Kultur und Kunst in der neuen Normalität weiterhin erfahrbar machen? Uns war es wichtig, Nähe und Distanz inhaltlich aufzunehmen, aber auch ein Zeichen zu setzen. Wir spannen zusammen, da wir vor ähnliche Probleme gestellt werden und sie lieber gemeinsam lösen.» Salome Hohl (Cabaret Voltaire), Tine Milz (Theater Neumarkt) und Gesa Schneider (Literaturhaus Zürich).

Die Zwei-Meter-Regel wird eingehalten, Formulare für das ContactTracing stehen bereit, ebenso Desinfektionsmittel. Wir folgen dem «Pay what you want»-Prinzip. Nehmen Sie ihr liegengebliebenes Münz mit. Wir freuen uns!

Ausstellungsansicht «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi», mit Werken von Emmy Hennings und Sitara Abuzar Ghaznawi. Photo: Cabaret Voltaire, Gunnar Meier

Ausstellungsansicht «Emmy Hennings / Sitara Abuzar Ghaznawi», mit Werken von Emmy Hennings und Sitara Abuzar Ghaznawi. Photo: Cabaret Voltaire, Gunnar Meier

2. Juni 2020, 20:00

Verschoben: Friends

ESTAR(SER) und weitere. Organisiert mit Adam Jasper

26. Mai 2020, 20:00

Verschoben: Cracking Up and Staging Down: Tickle and Tackle Stand Up

Kasia Fudakowski, Francesca Hawker. Organisiert mit Martina Mächler und Anastasia McCammon.

19. Mai 2020, 20:00

Verschoben: Oh Hans, had you known / Rhythmus 21. Changes in rhythm may alter textures of spaces

Martina Buzzi, Nicolas Buzzi und Li Tavor setzen Hans Richters Auseinandersetzung mit Zeit, Wahrnehmung sowie Raum aus einer gegenwärtigen Perspektive mit auditiven Mitteln fort.

Text von Martina und Nicolas Buzzi: Richters Rhythmus 21 setzt

Angespannte Latenz

Eröffnung: 30. April 2022, 18:00–03:00Ausstellungsdauer: 30.04.2022–09.30.2023

Brücke: Zürich–Tbilissi, Vortrag, Talk & Filmscreening, mit den Kunsthistorikerinnen Prof. Dr. Nino Tchogoshvili und Irine Jorjadze. Eine Zusammenarbeit zwischen dem Cabaret Voltaire, der Kunsthalle Zürich und des Vereins Georgische Kulturplattform

Eröffnung: 30. April 2022, 18:00–03:00
Ausstellungsdauer: 30.04.2022–09.30.2023